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Isabel de Naverán – 29 de septiembre en EMEDEENE (Donostia) 

Esta conferencia performativa ofrece un acceso a la investigación que Isabel de Naverán desarrolla desde 2016 en torno a la relación de los cuerpos con la gran Historia y a las historias llamadas menores de los gestos y movimientos en danza. Se trata de una acción que entreteje contenido y forma, revelando cómo la producción de conocimiento siempre se da en un lugar necesariamente situado y condicionado por sus materialidades intelectuales y sensibles.

SINOPSIS
Envoltura, historia y sincope ́ es el nombre de una zona de investigación de largo aliento que Isabel de Naverán desarrolla desde 2016 en torno a la relación de los cuerpos con la gran Historia y a las historias llamadas menores de los gestos y movimientos en danza. Envoltura, historia y sincope ́ es también un libro  –publicado en la colección Letra Caniche de la editorial Caniche– que adopta la forma de conferencia performativa en la que los contenidos eá que acompañan el proyecto y que están presentes en el libro, se despliegan haciendo lugar a una situación de conexión en vivo de las imágenes, las palabras y los gestos. La conferencia performativa ofrece un acceso a la investigación desde la practica de las vinculaciones sensibles del material  documental, de las anécdotas, observaciones, uniones y quiebros de los cuerpos e imágenes estudiados. Se trata de una acción que entreteje contenido y forma, revelando cómo la producción de conocimiento siempre se da en un lugar necesariamente situado y condicionado por sus materialidades intelectuales y sensibles.
18 de julio de 1936, Bayona. Tras conocer la noticia del alzamiento, Antonia Mercéy Luque, bailarina y bailaora española apodada la Argentina, en fatídica sintonía con la  Segunda Republica, sufre un s íncope y muere. Tiene 46 a ́ ños. Se quiebra la historia y se quiebra la artista. Isabel de Naverán persigue, en estrecho diálogo con las  imágenes, el eco de ese golpe, una convulsión individual que contiene, de forma representativa y simbólica, el dolor colectivo que se avecinaba y que ha resonado, en distintos momentos y de distintas maneras, a través de otros artistas, algunos tan aparentemente alejados como los japoneses Kazuo Ohno, que necesitó recuperar su danza cincuenta anos después de haberla visto bailar, Takao Kawaguchi, la bailaora  Rocío Molina o la escritora Gertrude Stein. Envoltura, historia y sincope ́ no es una biografía de Antonia Merce, aunque no puede (ni quiere) huir de ella, porque su magnética figura articula este ensayo que se adentra en la transmisión —coreográfica y artística  — de la memoria colectiva —cada cuerpo, en la danza, revela no solo un acervo cultural sino, sobre todo, el presente que lo afecta—. Pero la autora busca distanciarse de esa atracción icónica, de la fascinación que encierran su nombre y su baile, para proponer un recorrido afectivo que explore los caminos por los que el movimiento se transfiere de un cuerpo a otro. Bailar es siempre bailar otros cuerpos —asegura—, repetir y, al mismo tiempo, hacerse presente en la diferencia; ser capaz de interiorizar los movimientos de otros, de dejarse permear. Una capacidad extraordinaria que unía a la Argentina a otros artistas  coetáneos como Federico García Lorca. Ambos fueron agentes activos de una escucha atenta hacia otros cuerpos y ambos sufrieron en el suyo propio las consecuencias del horizonte que se cerraba.

BIOGRAFIA ́
Isabel de Naverán (Getxo, 1976) investiga en el cruce entre el arte, la coreografía contemporánea y la performance en proyectos de curaduría, edición y escritura. La preocupación por el paso y el uso del tiempo subyace a sus investigaciones, centradas en la transmisión corporal y la revisión del concepto de tiempo histórico desde prácticas efímeras y fugitivas. Es doctora en Arte por la Universidad del País Vasco y forma parte del grupo de investigación Artea, en Madrid. En 2010 funda –junto con Beatriz Cavia, Miren Jaio y Leire Vergara– Bulegoa z/b, una oficina de arte y conocimiento situada en Bilbao, proyecto al que permanece vinculada hasta 2018. Ha sido curadora de danza y performance del Museo Reina Sofía, en Madrid (2017-2024) e investigadora asociada a Azkuna Zentroa, en Bilbao (2021-2023). Editora de las compilaciones Cuerpo y cinematografía (junto a José A. Sánchez 2008), Hacer Historia. Reflexiones desde la práctica de la danza (2010) y Lecturas sobre danza y coreografía (junto a Amparo Écija, 2013). Entre 2021 y 2022 publica los libros Envoltura, historia y síncope (Caniche editorial, 2021) y Ritual de duelo (consonni, primera edición 2022, segunda edición 2023) en lo que supone una fuerte apuesta por la escritura. En 2024 publica el libro coral La ola en la mente (Azkuna Zentroa, 2024, junto a cinco autoras –Lorea Alfaro, Marie Bardet, María García Ruiz, Raquel G. Ibáñez, Andrea Soto Calderón– a quienes invita a
conversar en torno a las relaciones entre trabajo, deseo y escritura. Ritual de duelo fue finalista de los Premios Finestres de Narrativa 2022 por su calidad, originalidad y audacia literaria; y finalista en los Premios Euskadi de Literatura 2023 en la modalidad de narrativa en castellano.

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16 y 23 de septiembre en La Fabra

Martes 16 de septiembre

19 h Progress Barks (2022), de Rubén Grilo y Robert M. Ochshorn
Sesión de escucha e instalación expositiva, del 16 de septiembre al 5 de octubre.

20 h mebrat / መብራት (2025), de Misiker Agulló, Adrasha
B4MBA (Ismaël N’Diaye Pont), productor musical
30 minutos

Martes 23 de septiembre

19 h feed ♾️ back (2025), de Maguette Dieng
40 minutos

20 h endless summer (2025), de Adam Christensen
45 minuts

El asfalto traza el sentido de lectura del lugar en una dirección. Desvía, de pronto, algo que suena a cencerro. Un destello que aparece en la atención aguda y dirigida del conducir. Unx podría pensar que el animal estaba perdido, pero el cencerro y el animal van a ritmo de pasto por los alrededores de la carretera.

en la estrechez de la curva, un cencerro es un programa dedicado a prácticas vinculadas al sonido. Atraviesa lo que pasa entre altavoz, lugar y cuerpo, implicando a todas las partes, y preguntándose para quién sirven y hacia dónde se dirigen estas estructuras que llamamos sistemas de sonido.

En sala —la planta baja del centro—, una disposición técnica permanece. Los sonidos que se escuchan, abruptos, proceden de la pieza de Rubén Grilo y Robert M. Ochshorn, Progress Barks, un sistema de altavoces que se pregunta qué hace una máquina cuando le enseñas a ladrar.

Podrá visitarse en un periodo extendido del 16 de septiembre al 5 de octubre. Participando como un bajo continuo de este montaje, se apartará y volverá, para que otros sonidos entren a través de los mismos altavoces y a pesar de ellos.

El día 16 de septiembre, Adrasha presentará su pieza mebrat / መብራት, en la que explora la figura del faro como guía y frontera. El 23 de septiembre, Maguette Dieng compartirá feed ♾️ back, una conversación entre voces y altavoces, y Adam Christensen nos acompañará con voz y acordeón en endless summer.

Noela Covelo Velasco

Un intervalo es una pausa entre dos momentos, un tiempo suspendido en el que algo se detiene para que otra pueda empezar. En la música, el intervalo es la distancia entre dos notas; en el cine, el corte entre dos imágenes; y en un centro de arte, puede ser el espacio entre exposiciones: un momento en el que el espacio expositivo se vacía, pero donde todavía resuenan procesos, restos y memorias. Interval toma esta idea como punto de partida y como una oportunidad para desaprender y desprogramar los ritmos habituales de la institución, explorando nuevas formas de hacer, pensar y habitar el espacio expositivo.

Con Interval#1 ponemos el foco en la práctica de Noela Covelo Velasco, que explora la voz como materia, medio y espacio sonoro, en un recorrido cada vez más cercano a la composición coral. El proyecto traza una red de ecos y reverberaciones entre obras y agentes que sintonizan con su práctica. Durante dos noches y dos semanas, estas conexiones podrán experimentarse en La Fabra Centre d’Art Contemporani.

Noela Covelo Velasco (Pontevedra, 1994) es una artista que vincula su práctica a la voz como material y espacio, tomando cuerpo desde la composición sonora, las performances y los procesos colectivos. Ha expuesto recientemente en Generaciones 2025 de La Casa Encendida y en el MARCO de Vigo, y ha presentado sus performances en Jauna Muzika (Vilna, 2025), La Capella (Barcelona, 2024) y el CA2M (Madrid, 2023). Graduada en Diseño con especialización de Moda en ESDi y máster de Arte Sonoro en la Universidad de Barcelona, es cofundadora del entorno para la experimentación pedagógica c h o r o, con sede en Foc, y forma parte del grupo de trabajo de Ràdio Web MACBA.

Rubén Grilo (Lugo, 1981) es un artista que actualmente vive en Berlín. Su trabajo profundiza en el potencial del arte para explorar nuestra relación con la tecnología. Grilo ha mostrado su trabajo en Lo Pati – Centre d’Art Terres de l’Ebre, Amposta (2022); en CentroCentro, Madrid (2019); en ZKM Center for Art and Media, Karlsruhe (con Metaphysics, 2018); en Union Pacific, Londres (2016); en la 13 Bienal de Berlín (2016); en la Fundación Joan Miró, Barcelona (2015), y en CSS Bard, Nueva York (2011), entre otros lugares. Grilo ha recibido la beca de la Fundación Botín (2013) y ha sido residente en la Gasworks de Londres (2015) y en la Rijksakademie de Ámsterdam (2011-2012). Su primera monografía, Worn Not, fue publicada por Puente Editores en 2024.

Robert M. Ochshorn (California, 1987) es ingeniero de software, teórico cultural e investigador de medios, con base en Bruselas y Nueva York. Desarrolla interfaces digitales inusuales para observar y activar sonido, vídeo, tacto y lenguaje. Le interesa cómo las nuevas herramientas de comunicación posibilitan nuevas prácticas sociales, y viceversa. Ochshorn es cofundador y director ejecutivo de Reduct.Video.

Misiker Agulló, Adrasha (Addis Abeba, 1996), graduada en Relaciones Internacionales, es una artista multidisciplinar etíope afincada en Barcelona. Su práctica se inicia en la danza en Addis Abeba y evoluciona hacia una investigación sonora que conecta la música de club africana contemporánea con géneros híbridos como el gqom, el afropunk, el future dancehall y la electrónica experimental. Su proyecto mebrat / መብራት explora la figura del faro como símbolo de guía y frontera, traduciendo sus pulsos de luz en ritmos. A través de grabaciones de campo, poesía visual y archivos personales, articula paisajes sonoros que abordan desplazamientos, comunicación y pertenencia desde una perspectiva política y sensorial.

Maguette Dieng (Barcelona, 1988) es una DJ, productora y programadora musical que se dedica a la difusión musical y a la investigación sonora. La fuerza motivadora de su trabajo es reflexionar sobre la representación y la justicia sonora y sobre cómo podemos crear comunidad y posibilidad a través del sonido. Como creadora musical y sonora, ha trabajado componiendo para proyectos escénicos e instalaciones de sonido. Le interesan las diferentes formas en las que lo acústico conforma la identidad cultural de la sociedad, y cómo podemos aprender sobre ella y transformarla a través de lo auditivo y su activación.

Adam Christensen (Dinamarca, 1979) es un artista multidisciplinar cuya práctica se desarrolla principalmente a través de textiles, música e instalación, difuminando los límites entre la vida cotidiana y la ficción. Partiendo de sus experiencias inmediatas, impregnadas por la teatralidad de lo cotidiano, el espectáculo de la domesticidad, los encuentros fortuitos y los dramas emocionales y físicos, Christensen transmite estas vivencias a través de sus performances. Una preocupación central en su trabajo es la construcción y representación del espacio, y aquello que lo «activa»: la narrativa en desarrollo del desamor, el deseo, la memoria y la identidad. Crea un «escenario» desde el cual interactúa con el público y puede editar la narrativa, a menudo cantando con el acordeón y leyendo relatos breves, añadiendo capas a la historia en un proceso de desarrollo continuo.

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El jueves 4 de septiembre La Capella acoge la clausura de la 14ª edición de Art Nou, festival de Arte emergente de Barcelona y L’Hospitalet, organizado por la asociación de galerías Art Barcelona.

El acto tendrá lugar en La Capella a partir de las 19 h, donde contaremos con la acción Parafonías de Blanca Tolsá Rovira, con Pepe Lolo, Berta Pascu y Rodrigo Rammey. Se trata de una propuesta que supone una experiencia sensible en la que las relaciones intuitivas entre movimiento y sonido se distorisionan.

Después, se hará la entrega del Premio Art Nou 2025 con Quico Peinado (presidente de Art Barcelona), David Armengol (director artístico de La Capella) y Pilar Cruz (directora del festival Art Nou).

Para esta edición, el jurado está formado por: Berta Caldentey (coleccionista), Marta Sesé (miembro del equipo curatorial de La Capella) y Joana Roda (de Bombon projects).

Parafonías

Cuando dos ondas sonoras con la misma frecuencia entran en un ligero desfase entre sí, el oído humano percibe su fricción como una tercera nota. Parafonías propone una experiencia sensible en la que las relaciones intuitivas entre el movimiento y el sonido se distorsionan y abren un lugar a la vez ajeno y familiar que mueve nuestra curiosidad y empatía. ¿Qué pasaría si, en un acto comunicativo, voz y gesto no fueran exactamente de la mano? Las intenciones del cuerpo o de la voz se desvían, creando un territorio donde el significado es cuestionado y el imaginario se transforma.

Blanca Tolsá, graduada por el Conservatorio Profesional de Danza del Instituto del Teatro, comenzó su trayectoria como bailarina con IT Dansa. En el 2021, crea su primera pieza, Ecoica, presentada en los festivales Dansa València y Dansa Metropolitana. En el 2024, es artista emergente de El Graner, donde desarrolla esta segunda pieza propia, Parafonías. Desde el 2016, ha trabajado como intérprete con Lipi Hernández, Ariadna Montfort, Raquel Klein, Robert Zappalà, Albert Quesada, Magdalena Garzón, Jacob Gómez, Anna Macau, Constança Brcnic, Núria Guiu, Paloma Muñoz Siberia y Georgia Vardarou.

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El fin de semana del 13 y 14 de septiembre La Escocesa abre sus puertas para mostrar los talleres y procesos creativos de les residentes del centro.

Aparte de las visitas guiadas habrá varias actividades que proponen un recorrido por los diferentes temas trabajados a lo largo de este año en el centro como: la exploración en tintes naturales, el repensar el uso del agua de nuestro entorno y la creación de un huerto urbano.

También tendremos a disposición las publicaciones de Ediciones La Escocesa, un espacio por niñes y familias y, como novedad, un espacio pensado para personas con necesidades diversas que pretende hacer más accesible los Talleres Abiertos y su recorrido por los diferentes espacios.

Programa completo.

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Durante el viernes 12 y sábado 13 de septiembre, lxs artistas y proyectos residentes de Hangar abrirán sus puertas para compartir sus procesos de trabajo, producción e investigación.

La programación incluirá charlas, performances, proyecciones e intervenciones, organizadas por lxs artistas y proyectos residentes, así como por las distintas líneas de investigación y acompañamiento del centro. La jornada del sábado finalizará con una programación festiva y sesiones de DJ abiertas a todo el mundo.

El cartel de esta edición ha sido diseñado por la residente Laura Sub1 e impreso por el proyecto residente Lumbung Press, y estará disponible para todas las personas asistentes.

— Residentes estancia larga: Alícia ArévaloOriol Arnedo CasasJose BegegaKate Bohunnis / Ari CardozoSøren EvinsonMourae / Eduard Ruiz / Laura sub1 / Silvia Zayas / Huaqian Zhang
— Residentes estancia media: Xavier Michel / Ximena Ferrer Pizarro / Luca Calderó
— Residentes con beca: Álvaro Corral Cid / Ricardo Cárdenas
— Residentes wetlab: Efe Ce Ele / Lara Campos
— Proyectos residentes: Lumbung Press#Blendícete
— Habitantes: Hamaca

Más información y programa completo.

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Del 10 de septiembre al 26 de octubre, la 5ª edición de la BoCA – Bienal de Artes Contemporáneas, transcurriendo simultáneamente en Lisboa y Madrid, propone una travesía ibérica que desafía los límites entre territorios geográficos, culturas, imaginarios y prácticas artísticas. Con curaduría de John Romão, BoCA 2025 se presenta como el evento cultural más representativo de la escena artística ibérica, al incorporar diversas áreas artísticas – artes performativas, artes visuales, música y cine – y más de 30 instituciones culturales de Lisboa y Madrid – teatros, museos, centros culturales, cines y espacios patrimoniales. En esta reconfiguración cultural y geográfica que supera fronteras, se construye un palco único y plural que refleja las voces del tejido artístico y cultural de los dos países, fomentando la creación contemporánea en un contexto internacional. Invitando a artistas de diversos orígenes a arriesgar nuevas colaboraciones y formatos, diálogos con comunidades y desplazamientos entre territorios artísticos, la BoCA abraza el encuentro con el “otro” como una política y práctica artística de alteridad. Es en este contexto que la BoCA pide y presenta proyectos especiales, en estreno mundial y nacional, que desafían las fronteras, ya sean geográficas, políticas, culturales; ya sean de la creación y la experimentación.

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Checho Tamayo – 11 de octubre en Teatros del Canal 

Por definición, “oxímoron” se refiere a la combinación en una misma estructura sintáctica de dos palabras o expresiones de significado opuesto que originan un nuevo significado. En el oxímoron particular de esta performance, el fútbol, una de las mayores metáforas occidentales de la guerra, se encuentra con la danza, la delicadeza, la plasticidad, el silencio y el sonido, el ritmo y la pertenencia.

Esta obra forma parte de una investigación a largo plazo que reconfigura el fútbol como danza popular y performance comunitaria, desafiando las fronteras entre la práctica deportiva y el arte contemporáneo.

Fútbol y danza. Lo popular y lo refinado. Lo místico y lo histórico. Elementos que se funden en los pliegues de un cuerpo en constante tránsito, siempre en búsqueda de nuevas formas de expresión.

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Del 10 al 20 de septiembre en La Casa Encendida 

Campos magnéticos. ¿Qué sucede cuando los artistas se encuentran con mundos que no conocen, que les inquietan y extrañan y deciden crear con otras fuerzas e incorporar a su obrar cuerpos y políticas de producción de subjetividad ajenas a las suyas y a las de la comunidad artística a la que pertenecen?

La creación artística, en todas sus manifestaciones, actúa como un campo magnético donde las fuerzas vitales se ponen a vibrar con una intensidad particular que les da forma y las dota de su propia geometría.

Un imagen, un gesto; un recuerdo o un secreto; un arrullo, un quejido; un goce o una herida, que permanece y continúa vibrando en la memoria del cuerpo, puede convertirse en la fuerza de ese campo magnético que constituye la producción sensible.

Sin embargo ocurre, en ciertas ocasiones, que esas fuerzas choquen con otras, venidas de otros campos, de otras germinaciones, de otros posibles y otras limitaciones, que nos afectan y vulneran con igual intensidad:

¿Qué sucede cuando los artistas se encuentran con mundos que no conocen, que les inquietan y extrañan y deciden crear con otras fuerzas e incorporar a su obrar cuerpos y políticas de producción de subjetividad ajenas a las suyas y a las de la comunidad artística a la que pertenecen?

¿Qué formas de apropiación se producen? ¿Qué aperturas y qué riesgos surgen de estos encuentros improbables? ¿Qué formas de trabajo se crean y qué relaciones se establecen en estas nuevas comunidades?

¿Qué efectos tiene la presencia de otras fuerzas que aparecen en un campo magnético sobre la creación misma y sobre sus modos de producción y de recepción?

Alrededor de esta noción de campo magnético y de las preguntas que detona la creación en ámbitos extra-artísticos con seres vivientes pertenecientes a “otras comunidades”, humanas o no-humanas, construiremos esta nueva edición de IDEM.

Director artístico: Rolf Abderhalden Cortés.

Artista transdisciplinar, docente e investigador. Rolf Abderhalden (Manizales, Colombia, 1965) funda en 1984, con su hermana Heidi Abderhalden Mapa Teatro, laboratorio de artistas con sede en Bogotá dedicado a la creación artística interdisciplinar que ha construido un universo dentro del ámbito de las Artes Vivas, un lugar propicio para la trasgresión de fronteras disciplinares, para la fusión de lenguajes y lecturas y la articulación de problemáticas locales y globales. En España, el Museo Reina Sofía dedicó a Mapa Teatro la exposición De los dementes o faltos de juicio en 2018, además de incluir la instalación Los Incontados, 2014/2021 en su colección.

Docente e investigador de las artes, es profesor de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Colombia, fundador de la Maestría Interdisciplinar en Teatro y Artes Vivas de esta Universidad y Doctor en Estéticas, Ciencias y Tecnologías de las Artes de la Universidad de Paris 8. Ha presentado y expuesto su trabajo artístico en numerosos teatros, festivales de arte, museos y encuentros académicos en todo el mundo. Es Premio Nacional de las Artes en Colombia, Medalla al Mérito Universitario y Medalla Goethe.

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