Axiomas desde Escorzo 2017 / Cecilia Vallejos

Este texto fue escrito y compartido despues de la performance que hicimos en La caldera el  17 de noviembre en la cual el publico asistía a una experiencia de transmisión del solo Escorzo ( 2003) .

aqui toda la info de la performance.

 Ultimamente me intereso más por los procesos que por los métodos.

Los procesos me interesan por dos cosas: por el momento en el que suceden y por la forma en la que ponen en marcha mecanismos que no siempre apuntan a estabilizar una idea sino a transformarla en otra cosa.

Digamos que lo que me parece curioso de los procesos que buscan retomar ideas trabajadas durante un tiempo (pasado) con otro contexto y otro propósito es que por mirar hacia atrás permiten interpalar el modo de trabajo de otras maneras, sintetizando o actualizando una experiencia para archivarla, traspasarla y hacerla circular.

Mi práctica actual dista bastante de lo coreográfico y tiene más que ver con la relación de las personas al trabajar entre ellas. Lo que hago yo es observar estas relaciones en función de lo que crean más allá de un resultado en particular.

Hoy voy a hablar de eso y también de otras cosas que tienen que ver con la actividad de transmir intentando apuntar tres axiomas (postulados).

Postulados para individualizar la relación de trabajo que observé en este caso durante una sesión de trabajo de Bea y Marina hace más de un año.

Observación uno

Cuando visité una de los primeras encuentros del proceso de la transmisión de Escorzo fue todo muy casual. Yo estaba en la ciudad por otras cosas y Bea me invitó a pasarme a ver lo que estaban empezando a plantear.

Ser un visitante de último momento, (tanto como hoy aquí) me dió un punto de perspectiva quizás más libre que si hubiese tenido un rol fijo que cumplir en ese proceso. Pude dedicarme a observar detalles.

Por ejemplo la manera en la que las dos personas hablaban entre ellas, y de como eso constituía gran parte del trabajo que estaban haciendo juntas. Marina y Bea se miraban, hablaban en un idioma del que yo apenas podía enterarme a lo que hacían referencia. Ellas compartian un glosario sobre la acción, sobre los gestos y sobre el uso del espacio, todas pistas para definir momentos, categorías de intenciones o algo como reglas de juego. Aquello de algún modo me hizo pensar en la situación de cuando un extranjero aprende otro idioma o mejor dicho las derivaciones de un idioma, las que suceden a través del contacto con otras personas. Una situación que por razones obvias me es muy familiar.

Entré de lleno a analizar cuáles son las maniobras que se ponen en marcha en una transferencia (de un idioma o en general en un conjunto de ideas) y del papel que juega la deconstrucción al tratar enteder algo desconocido.

Me vino una imagen de cuando mi profesor de holandés, en las clases de conversación que hasta el día de hoy aún tomo, se niega a develar el significado de algunas palabras que no me son familiares y me pide que trate de utilizar estas palabras según el sentido que yo creo que tienen. Esto a veces da lugar a confusiones divertidas, sobre todo porque este ejercicio de prueba y error sin querer deconstruye eso que uno desconoce. Es decir saca a las ideas de su contexto original.

Me pareció ver algo de esto en lo que hacía Marina con Bea cuando hablaban en el ensayo de Escorzo que presencié.

Intercambiar pistas sobre cada una de las partes de esa coreografía, nombrando las acciones de maneras específicas, dándoles una organización y algo parecido a un significado el cual Bea parecía conocer muy bien su contexto y Marina todavía no.

A menudo pienso que mi profesor de conversación hace esto de proponerme palabras desconocidas adrede, para mostrarme que la confusión con la cual un extranjero puede reproducir un idioma que no le pertenece no es una desventaja sino una forma de interpelar constantemente la manera de uso de ese idioma: las claves del contexto que lo hacen significar una cosa u otra.

El que yo use las palabras aún no estando del todo segura de lo que significan hace que explore el sentido contextual de ese palabra nueva. Esta manera de sugerir el uso de algo desconocido a mí me hace percibir casi por accidente aquello que aparece antes y lo que aparece después de la palabra dudosa.

Marina y Bea con ese glosario ininteligible parecían haber logrado articular un lenguaje en común entre ellas para relacionarse con la coreografía que estaban volviendo a revisar juntas. Dicho de otro modo construyendo un contexto en el cual las diferencias puedan ser percibidas.

Por lo tanto, aquí es donde veo la posibilidad de organizar un pensamiento a partir de este hecho circunstancial que me llamo la atencion en este proceso.

PRIMER AXIOMA : Una transmisión implica encontrar una forma de comunicar las claves del contexto de lo que se transmite, es decir el como, el donde y el cuando que sitúan lo que una cosa es o lo que pretende significar a cada momento.

Ejemplo de esto son:las claves por comparación, por clasificación, por síntesis, por verbos (acciones), por definiciones o bien por imágenes que den una idea directa de como algo es.

Observación dos

Bea mira a Marina, una hace un moviento la otra ríe.
Bea se acerca hacia el lugar donde está Marina, muy cerca de una pared.
Ambas hacen un mismo movimiento al unisono.

Las miro a las dos y contra la pared de fondo cuando se mueven al mismo tiempo la diferencia entre ambas parece aumentar.

Si yo no hubiese contado con la complicidad de las personas que me ayudaron a aprender otro idioma, me hubiese sido imposible sentirme cómoda usándolo.

En esto, no solo conocer las reglas gramaticales para hacerlo fue importantes sino tambien reconocer el modo en el cual estas funcionan para expresar ideas. Y esto último es algo que he tenido que indagar sola, contrastando con varias personas al conversar, entablando un diálogo que aceptara la diferencia de niveles en el modo de hablar. Solo así, yo al menos, pude encontrar una lógica propia al usar otra manera de expresarme en un idioma que no tiene demasiada familiaridad con el mío.

Si pienso en este proceso de aprendizaje, me vuelve a la cabeza la imagen de la diferencia entre Bea y Marina paradas contra la pared de La Poderosa.

Y no es casualidad que piense en este momento en particular, ya que ese detalle indicaba un dato más para el proceso de transmisión de Escorzo: la diferencia entre ambas interpretes.

Por lo tanto, lo de ser un adulto reaprendiendo a hablar en otro idioma y lo que intentaba hacer Marina al aprenderse una serie de movimientos ajenos a ella comparten una zona de extrañeza en la forma de expresión, una maniobra de parte de la persona que ejecuta aquello con lo que no está del todo familiarizada.

Me estoy refieriendo al uso de algo que lo ha de poner en juego la persona que realiza eso que desconoce.

Nos acercaría a esto cuestionarnos por ejemplo si hay alguna estrategia que podría ser util para disminuir las diferencias? O bien, acelerando un poco, podríamos indagar con qué táctica se podría potenciar la diferencia en lugar de afirmarla constantemente?

Si una estrategia es un conjunto de reglas que dentro de un proceso regulable aseguran una decisión óptima a cada momento, una táctica sería tomar un atajo a los fines de priorizar decisiones.

Mi impresión después de haber visto solo un momento de trabajo sobre Escorzo fue que el proceso de trabajo se planteaba de una manera poco regulable, como si nada estuviese señalando lo que estaban haciendo ya que no parecía haber un método evidente al respecto. Casi todo parecía valer en tanto Escorzo se reproduzca a través de Marina.

Entonces, en este caso una táctica posible era encontrar un procedimiento adecuado para conseguir ejecutar esa serie de acciones frente a los espectadores.

La táctica aquí fue la copia que Marina hacía, de un modo muy exacto, de los movimientos de Bea en Escorzo.

Yo misma hablando en otro idioma me veo forzada a memorizar para poder reproducir una forma de hablar –copiando la manera de hablar de otras personas. Esto implica una distribución diferente del tiempo en mi cabeza y menos autonomía ya que he de negociar constantemente entre lo que copio y lo que voy pensando en el momento de hacerlo. Cuanto mejor logre copiar, más podré saber como repetir organicamente a los que copio. Y tambien distinguiré mejor lo me distancia de ellos.

SEGUNDO AXIOMA: Copiar es poner lo que uno ya conoce a disposición de lo que aún no se sabe mientras esto que no se sabe ya está siendo enunciado. El uso del tiempo es la clave para elaborar una copia.

Observación 3

Marina y Bea discuten el tema de la pintura en la cara.

Marina dice que le preocupa que la pintura entre en sus ojos, por las lentillas y porque además es algo a lo que no está acostumbrada. Finalmente accede y lo prueba. Todo sea por ser fiel al material y la imágenes de esta coreografía

 

En mis clases de conversación, mi profesor me cuenta situaciones cotidianas para comenzar un diálogo. Estas son situaciones a menudo no resueltas.

El ejercicio que me propone consiste en que yo no solo recuente, a mi manera, el inicio de la situación sino que además le de una dirección al relato.

O sea que continúe la historia del modo que yo decida y a partir de esto continuar conversando durante unos minutos más.

Al hacer este ejercicio, yo siempre comienzo repitiendo de memoria lo que mi profesor me cuenta, hasta que al cabo de unos minutos estoy en algo que es desconcertante, ya que aquello no es ni un recuerdo al que pueda referirme, ni mucho menos una idea propia. En ese momento es donde mi cabeza comienza a implicarse en la recreación de lo que voy diciendo. A través de los datos que tengo construyo una cierta trayectoria de cosas, con sus detalles y con ingredientes nuevos, especificaciones que me hacen implicarme en lo que estoy contando.

En esta situación, es decir, en ir un poco como a ciegas resolviendo una historia inacabada es cuando paulatinamente la propiedad de lo transferido originalmente se diluye. La situación de la que hablo comienza a ser mi situación.

Ahora, ya pasaron bastantes meses después de haber vistitado brevemente el proceso entre Marina, Bea y Escorzo y poco antes de viajar para Barcelona para esta presentación de hoy he visto el video promo que circulaba por Facebook, el de la imagen de Marina que se funde a momentos con la de Bea.

Me quedé con el momento de la pintura en los ojos, otra vez. Y recordé no solo la imagen de la película Blade Runner donde una replicante aparece con la mirada fija bajo una franja de pintura negra, sino la conversación que tuve con un amigo luego de ver la continuación de esta, Blade Runner 2049. Si bien, tanto a mi amigo como a mí esta ultima película nos había gustado parcialmente, apreciabamos la fidelidad con la cual el director de Blade Runner 2049 había conseguido mantenerse leal al espíritu de la película producida años atrás.

 

En fin, Marina, Bea y la pintura en los ojos, que en el video que ahora promociona Escorzo a ambas se las ve en el mismo gesto. La mirada de Marina bajo una pintura negra, donde la veo como yo en medio de las historias que propone mi professor de conversación. Con una presencia como intermitente, que pienso que son estos los momentos en donde Marina aparece dentro de la forma que Bea le traspasó hace unos meses. Quizás es en intervalos de estos donde la transmisión se manifiesta no para reproducir algo sino para producir otra cosa, algo en si mismo y propio de quien está produciendo la imagen frente a nosotros.

 

TERCER AXIOMA: La apropiación (de un movimiento, de un language, de una idea) brinda la oportunidad de continuación de algo y esa continuación proyecta sin querer un horizonte nuevo.

 

Y por ahora aparco aquí estas observaciones para diálogar con vosotros de un modo menos razonado…

 

Gracias.

Cecilia Vallejos.

 

 

 

 

 

 

Corpografies #3 | Bea Fernández y Marina Colomina_Ante desde entre hacia sobre durante versus ESCORZO [una transmisión]

hola, el sábado 24 de noviembre a las 20.30 y domingo 25 a las 19h, estaremos en La Caldera compartiendo esta experiencia tan enriquecedora y que nos da tanto que pensar y charlar….por eso deciros que a parte de los prticipantes en el propio proceso creativo estarán con nosotras Cecilia Vallejos y Martí Salas respectivamente para dar mas luz, desvelar, proyectar , en definitiva entender el porqué y como de este tipo de acción que es una transmisión, o esta en particular

Hace tiempo que me rondaba por la cabeza la idea de transmitir uno de mis primeros solos de creación interpretado y coreografiado por mi en el 2003. Una de las razones que me llevaron a pensar en ello fue la necesidad, un tanto ecológica, de no crear nada nuevo de antemano, sino volver sobre la huella de lo ya bailado en otro tiempo, en otro contexto, con otro cuerpo… y re-actualizarlo, re-animarlo, aterrizarlo hoy en el cuerpo-presencia de la bailarina y creadora Marina Colomina.
Todo esto, poniendo en valor la naturaleza primeriza de Escorzo, pieza emergente, cargada de errores, reflexiones incompletas, potencialidades dispersas y, sobre todo, mucha intuición y necesidad o deseo de ser; esta naturaleza es lo que se desprende de la obra, que vista con una perspectiva actual nos ofrece espacios abiertos a nuevas reinterpretaciones e incluso nuevas incorporaciones de materiales del pasado.

 

Los cambios generacionales y la fuerte ausencia de transmisión de la experiencia hacen que cada vez se den menos diálogos entre artistas de diferentes generaciones. Éste es uno de los motores de esta investigación-transmisión en colaboración con Marina Colomina, que pretende reunir dos miradas artísticas y coreográficas intergeneracionales y reavivar las experiencias desde la acción.

En este punto de la investigación hoy, estamos desarrollando una práctica  cuerpo a cuerpo donde Escorzo es una partitura-mapa cargada de apuntes, bocetos, capas de información estéticas y vivenciales, formales y emocionales, visibles e invisibles. Algunas potencias sin desarrollar y elementos incompletos; todo un territorio donde adentrarse con Marina que es lo que está siendo determinante en el proceso de recepción, observación y crítica del trabajo.
La idea de reconstrucción y transmisión de la coreografía Escorzo (2003) no implica necesariamente una reposición fiel de la pieza original, de esta manera correría el riesgo  de mitificar mi propio trabajo por el simple hecho de pertenecer a un pasado irrecuperable. Lejos de adoptar una actitud nostálgica, quiero utilizar mi propio cuerpo-imagen del pasado para reflexionar sobre el presente y lanzarme a un futuro posible.

Acompañaran la propuesta en diálogo Cecilia Vallejos, sábado 24, y Martí Sales, domingo 25.

 

 


Dirección y coreografía Bea Fernández

Interpretación Marina Colomina

Composición sonora y vídeo Carmelo Salazar

Vídeo / archivo Mariana Jarovslasky

Fotos Joan Manrique Navarro

 

Escorzo (pieza original) se fragua dentro de una trayectoria de trabajo que comenzó para mí cuando empecé a trabajar con Oscar Dasí y Carmelo Salazar en el año 1995. Este solo es una evolución más de ese universo del que, intensa e irremediablemente, formé parte. En ese mismo momento desarrollaba una actividad de modelo en vivo para estudiantes de Bellas Artes. Este rol de ser observada como cuerpo-objeto para ser dibujada o pintada en tiempo real me dio toda la base, las preguntas y el punto de partida para construir el tipo de presencia y el movimiento que habita esta pieza. El escorzo que titula la pieza es un punto de vista complejo a la hora de dibujar porque los relieves y volúmenes del cuerpo se amontonan creando paisajes deformados y extrañas sugerencias. Intento trasladar ese punto de visión al público.

 

Links:

Teaser Escorzo (2003).

Videodanza

 

 

 

Beatriz Fernández 

Bailarina, coreógrafa y curadora. Vivo y trabajo en Barcelona. Desde muy niña sentí un gran deseo por bailar, me licencié en coreografía en el Institut del Teatre y poco después estaba bailando profesionalmente con Danat Danza dando vueltas por el mundo de bolo en bolo, de teatro en teatro… de lo que aprendí mucho y me agoté otro tanto. 
Viví y estudié un año en la Gran Manzana y eso ha significado un antes y un después en todo, vida y profesión. A partir de ese momento comencé a colaborar con otros artistas, en especial con Carmelo Salazar que se ha convertido en una constante en mi camino, desarrollando procesos de investigación y la creación de piezas que inciden muy profundamente en cómo se mueve un cuerpo. 
Cofundadora de Las Santas junto a Mónica Muntaner y Silvia Sant con las que arrancamos La Poderosa _ espacio para la danza y sus contaminantes, proyecto que después de 15 años sigue vivito y coleando, agitando nuestro entorno más inmediato.
 Después de haberme sumergido durante unos años en la memoria del intérprete y el cuerpo del bailarín como archivo, vivo de las obras de los otros con piezas como Los que se ven entre siTres personas todos los cuerpos y Restos de mis series. He estado desarrollando Muy Experimental por medio de laboratorios y encuentros entre estudiantes y profesionales, poniendo en juego herramientas que activan percepción, atención y decisión en la escena y en tiempo real.
 De estos años de investigación nace Este lugar entre, en colaboración con Oihana Altube y Clara Tena.
Actualmente, estoy haciendo una práctica de transmisión de conocimiento y partitura de uno de mis primeros solos (Escorzo) a Marina Colomina, que pretende reunir dos miradas artísticas y coreográficas intergeneracionales y reavivar experiencias desde la acción.
 En estos momentos mi foco de atención está en Estela, un bebe de 2 años que me ha cambiado la vida y desde ahí practico el multifoco y la atención dispersa, algo que me interesa sobremanera.

 

Marina Colomina

Marina Colomina nace en Alicante en 1985. Reside y trabaja en Barcelona. Tras licenciarse en Bellas Artes se traslada a Amsterdam para estudiar coreografía en School for New Dance Development (SNDO). Recibe la beca DanceWEB en 2014. Trabaja sobre todo dentro del campo de la danza. Ha presentado su trabajo en Estados Unidos, Polonia, Alemania, Holanda, Portugal y España. Ha colaborado en proyectos con Deborah Hay, Benoit Lachambre, Ann Liv Young, Marta Ziolek, Quim Bigas, Min Oh, Bea Fernández, entre otros. En 2015 forma con Carlos Casallachs la compañía Abast Elàstic, plataforma que quiere expandir los límites de la danza hacia otros territorios. En 2016 entra a formar parte del colectivo ARTAS de La Poderosa_ espacio para la danza y sus contaminantes. Desde el 2017 forma parte de la compañía Los Detectives, junto con Laia Cabrera, María García Vera y Mariona Naudin.

 

Carmelo Salazar

Coreógrafo, bailarín, comisario, profesor de danza e investigador. Ha sido acompañante de camino, coach, y un gran colaborador. Agitador de la cultura de esta ciudad cuando junto con Oscar Dasí creaban esa locura maravillosa llamada LP, que será para todas un referente de cómo construir un festival de danza y encuentro de públicos y artistas. Como creador escénico y coreógrafo tiene en su hacer piezas y experimentos escénicos que no nos han dejado indiferentes como El salón dorado o Espaciales. También ha creado en los últimos tiempos toda una línea de trabajo audiovisual y autofilmaciones-performace. Últimamente ha compuesto coreografías sonoras y composiciones musicales para piezas de danza. Ha sido profesor residente en La Poderosa y ha impartido durante todos estos años laboratorios de Lo natural es moverse, una línea de cursos principalmente prácticos donde habla el cuerpo y que ofrecen unas herramientas de trabajo que nada tienen que ver con la habilidad técnica que sugiere la danza.
 Actualmente está desarrollando un proyecto de investigación y creación sobre el concepto de partitura y escena: las zonas de fricción en el tránsito de la idea al cuerpo y viceversa al construir en directo.
 De esta investigación se despliega FIN DEL MUNDO BEAUTY,  una serie de solos ‘materialísimos’ coreografiados por Carmelo Salazar e interpretados por Teresa Lorenzo.

Toda la info aquí: http://www.lacaldera.info/events/view/corpografies-3-bea-fenandez_ante-desde-entre-hacia-sobre-durante-versus-escorzo-una-transmision?lang=spa

 

Entre tú y yo, un mundo entre nosotros / familias

El hecho de convertirnos en madres y convivir con nuestros cachorros nos expone a una nueva realidad intensa en muchas direcciones que no voy a relatar aqui aunque algun dia quizás lo haga … de lo que aquí si hablo es de una nueva etapa que se abre de escucha y sabiduria:


Entre tú y yo, un mundo entre nosotras
Soy bailarina y soy madre de un bebé. Según va creciendo observo que su relación con el cuerpo en movimiento es primordial, le da autonomía, seguridad y mucha felicidad. El cuerpo en movimiento es una gran herramienta que atraviesa muchas capas de la percepción, la atención y también incide en la capacidad de decidir en presente, todo ello ayuda a la comprensión del mundo día a día desde la experiencia física.
Cada vez que bailo con Estela, nos convertimos en dos seres-niñas que comparten el mismo nivel el juego, el tiempo, el espacio, el ritmo, el peso del cuerpo al caer, la inseguridad al saltar, el mareo de un giro o la emoción de la velocidad.

Esto es lo que quiero compartir con las familias en esta sesiones.

9 de junio / 11,30 – 13,00h

http://lapoderosa.es/ca/event/sesiones-kisd-dance-sessions-per-gaudir-de-cos-i-del-ball-en-familia

escorzo < hospitalidad,limites, gestión, negociación, estimación >

Ayer nos vino a visitar Ceci Vallejos a un ensayo  de los que estamos haciendo  para la práctica de la transmisión de Escorzo dentro del marco de Hacer Historia(s). Fue una visita amable, concisa y muy rica , de esas visitas que te abren otras perspectivas. Un café despues del ensayo que decidí grabar y lo comparto aquí. Lo que más nos hizo pensar es que puso sobre la mesa el concepto de hospitalidad, y alrededor de este , otros como anfitrión, visitante, limites, gestión, negociación, estimación, calibre

entre coreografía y práctica

haciendo escorzo o practicando lo que escorzo propone?

que hago yo al material y que me hace este material a mi ?

la geometria de la imgen o la proyección de la forma ?

 

 

ante desde entre hacia sobre durante versus ESCORZO I proceso de una transmisión

Cuanto tiempo sin publicar en este blog!!

Voy a ponerme de   nuevo con el proceso de este experimento que empiezo ya:

Hace tiempo que me rondaba por la cabeza la idea de transmitir este mi primer sólo-trabajo-ensayo de creación interpretado y dirigido por mi en el 2003 (Escorzo). Parece que ha llegado el momento en este contexto de Hacer Historia(s)

Una de las primeras razones que me llevaron a pensar en ello fue la necesidad un tanto ecológica de no crear nada nuevo sinó volver sobre la huella de lo ya andado, en este caso de lo ya bailado en otro tiempo, en otro contexto, con otro cuerpo y re-actualizarlo, re-animarlo, aterrizarlo hoy y con otro cuerpo-presencia: La de Marina Colomina

Todo esto a sabiendas de que escorzo como primer trabajo que fue, esta cargado de errores, reflexiones incompletas, potencialidades dispersas y sobre todo mucha intuición y necesidad o deseo de ser.

De qué manera hacer esa práctica de la transmisión es lo que está siendo la incógnita y lo que acabará configurando el nuevo objeto o pieza.

En este primer momento me gusta pensarlo como un cuerpo a cuerpo donde escorzo es un territorio-mapa-partitura cargado de apuntes, bocetos, capas de información estéticas y vivenciales, formales y emocionales, visibles e invisibles. Algunas potencias quizás sin desarrollar, elementos incompletos…todo un territorio donde adentrarse de la mano con Marina Colomina que finalmente es la variable principal de este experimento.

 

 

 

 

ESTE LUGAR ENTRE,PRETHINK AND FREE ACTION | estreno Antic en el Grec

Hola gente!
Por fin estreno este trabajo en Barna,  que ha tenido un proceso largo y a fuego lento, y con muchas capas que han ido dejado sedimentos por el camino.  Se estrenó en Pradillo en abril  y muy ansiosa de compartirlo con el público que venga estos tres dias por  el Antic .
Lujazo de equipo de colaboradores que ha dado un resultado brillante : Oihana Altube y Clara Tena en escena desarrollando y poniendo en juego un cuerpo que sobrevive a la pieza gracias a la tecnología de la supervivencia ( nombrado así por Jorge Dutor, cuando vio un ensayo) y a partir de este concepto ha creado el vestuario de la pieza . Carmelo Salazar sin ser músico ha creado la banda sonora generando un trercer cuepo que se disocia de los otros dos . Y Cube, se suma a esa superposición de capas desde la luz y el espacio.
aqui más info de la pieza : http://www.lapoderosa.es/index.php?idioma=ca&Mparam=creacions&Sparam=bea-fernandez-este-lugar-entre-prethink-and-free-action
info de horarios y dias : http://www.anticteatre.com/grec2015/
ENTRADAS :http://lameva.barcelona.cat/grec/es/programa/este-lugar-entre-prethink-and-free-action

 

ganas de veros las caras!
vamos!

 

ESTE LUGAR ENTRE: PRETHINK AND FREE ACTION

Hola gente!

Por fin estreno este trabajo que ha tenido un proceso largo y a fuego lento, y con muchas capas que han ido dejado sedimentos por el camino.

Estoy contenta de estrenarlo en Pradillo y muy ansiosa de compartirlo con el público que venga estos tres dias por el teatro.

Oihana Altube y Clara Tena en escena desarrollando y poniendo en juego un cuerpo que sobrevive a la pieza gracias a la tecnología de la supervivencia ( nombrado a sí por Jorge Dutor, cuando vio un ensayo) y a partir de este concepto a creado el vestuario de la pieza .

Carmelo Salazar sin ser músico ha creado la banda sonora generando un trercer cuepo que se disocia de los otros dos.

Y Cube, se suma a esa superposición de capas desde la luz y el espacio.

aqui más info de la pieza

http://teatropradillo.com/events/bea-fernandez_este-lugar-entre/

Madileños ganas de veros las caras!

vamos!

 

 

 

 

esta reposición en el Antic va por esa noche !!

Aquí una crónica de Pablo Caruana, cuando vió Restos de mis series en el LP del 2011 la traigo al presente como memoria de mi presentación,  que de hecho fue la primera pieza del festival…la primera pieza del último festival LP.

esta reposición en el Antic va por esa noche !!

(…) Primera vez que veo a Bea Fernández en escena. La pieza, como ella explica al principio bajo una capucha de la que sólo sobresalen unas piernas amarillas (como si redujera su cuerpo a su faceta de ejecutante), es producto de un proceso, Tres personas, todos los cuerpos, que Fernández está desarrollando desde hace tres años, proyecto que es un ejercicio de memoria a través del cuerpo. Durante este proceso Fernández ha realizado un documental que consta de entrevistas a diversos intérpretes –Los que se ven entre sí- y un espectáculo a tres –junto a Montse Penela y Mauricio González –Tres personas todos los cuerpos-, espectáculo que se vio en La Poderosa, dentro del programa Espacios Cómodos de La Porta, y en Madrid dentro del Festival In-presentables. De este espectáculo es de donde surge la pieza que vimos ayer en el CCCB, Restos de mis series.

Y siendo sólo piernas y micrófono Fernández, al principio, va andando la escena, representando un cavilar sin rostro y sin cuerpo, hecho de espacio y movimiento, que se cuestiona porqué estar en escena, para qué, de dónde viene y qué hace ahora. En un momento dado, Bea se quita la capucha y aparece el cuerpo, indisoluble de la mirada, del rostro. Tanta danza, tánto cos fragmentado, que a veces uno se olvida de la relevancia de unos ojos, de una tranquilidad en todo el cuerpo que se sintetiza y completa en el rostro.

Fernández, con el cuerpo y la palabra, recuerda montajes anteriores, movimientos que ella interpretó, fragmentos de aquellas coreografías como Cuerpo en escena (ou les rêves ont-ils des titres?) de Olga Mesa, de Europa no era una puta de Carmelo Salazar… Recordar con el cuerpo y la palabra. Dice ella en el programa de mano:

Yo soy muchos cuerpos, tantos como he bailado, soy trocitos de cuerpos de otros, soy los restos de esos cuerpos que se me han quedado pegados y sus versiones futuras, su memoria contaminada de presente. El hecho de hacer este ejercicio me llevó a reflexionar sobre cuestiones como las versiones de uno mismo, los cuerpos aprendidos, el cuerpo invadido, la pureza o la promiscuidad del cuerpo del bailarín como memoria, como resto.

Es exactamente eso y más. Fernández escenifica en esta obra una verdadera experiencia mnemotécnica y lo bonito es que lo hace con una gran sencillez. Hay un texto de Borges en el que explica que recordar un hecho o experiencia pasada es posible tan sólo la primera vez que lo hacemos. Ya que luego, recordamos el recuerdo. Creo que en esta pieza se es consciente de esto mismo. Borges se refiere al recuerdo cerebral, a ese que se da por relaciones sinápticas entre neuronas. Un proceso íntimo que sólo es transferible a través de la palabra. Fernández une a este proceso sus músculos y huesos, que reproducen movimientos de coreografías anteriores pero en otro cuerpo, el que la sustenta hoy. Se produce así la corporeización en el acto de recordar del paso del tiempo, de ese cuerpo que hizo aquel movimiento pero ya no es más el mismo cuerpo, es otro, más viejo, más gastado, con más memoria. Y este acto de recuerdo, aunque Fernández lo ejecuta sobria, sin gesto dramático, se carga así de emoción, de melancolía.

Quería pararme en soy trocitos de cuerpos de otros, soy los restos de esos cuerpos que se me han quedado pegados. Borges en “La forma de la espada” le hacía decir a Vicente Moon: Lo que hace un hombre es como si todos los hombres lo hicieran. Creo que esta consciencia de ser otro, presente en todo el proyecto de Tres personas, todos los cuerpos, da un sentido al texto que en un momento de la pieza dice la bailarina. Un texto que empieza (escribo de memoria) con: “No soy Anne Teresa de Keersmaeker (…) nunca he trabajado con Meg Stuart (…) no sé quién es Trisha Brown (…) no he leído a Derrida ni a Deleuze, no hablo inglés ni francés, no tengo un lenguaje propio”. Esto habla mucho de la lastre larriano (pillo este término para que se vea lo viejo que esto) de estar debajo de los Pirineos, habla de algo propio del que está metido en el mundillo de la cultura, de la danza (tan llena de gregarismo hecho de complejos) y que nos lleva (en esto está también metido el espectador) a no valorar de manera ponderada lo cercano o aquello que no tiene márchamo de… El texto de Fernández no es sólo suyo, huele a muchos, es de muchos otros cuerpos, de gente que se ha sentido en un patio minúsculo con bajas puertas de salida y lleno de vecinas vestidas de negro. Patios que han motivado muchas veces la parálisis, el dejar de hacer. El acierto es la manera ligera y simple con la que lo dice, no hay despecho, ni ironía, sino tranquilidad y felicidad por estar en escena. Ah, y cachondeo, durante todo el texto Fernández dice en tono bajo y sugerente “Cesc Gelabert”. El público entendía y se reía. La pieza acaba en diagonal, con Fernández yéndose, recordando y haciendo movimientos por el flanco superior derecho. Qué bonita pieza.

Fuente: Sin Hueso (espacio para la expansión reflexiva) de Pablo Caruana en Tea tron

Antes y después de bailar MACBA se vive

24 mayo 2014 MACBA

Bailar como acto de resistencia, resistiendo al tiempo y al cansancio.

«Ya estamos bailándolo a su vez siendo bailados bailarme yo, bailarte a ti, bailarnos, bailar la calle, bailar la plaza, bailar la esquina, bailar, bailar la cama, bailar las sillas, bailar la puerta, bailarlo todo…»

Una experiencia cotidiana útil en su inutilidad. En este momento, esta es nuestra manera de hacer la revolución.

Antes y después de bailar es un proyecto performático, de Bea Fernàndez y Mònica Muntaner ( ARTAS _Artistas asociados a la Poderosa ) que sitúa el foco en el cuerpo, como herramienta de transformación y de cambio.

Antes y después de bailar propone una experiencia horizontal donde el espectador deja de ser espectador para convertirse en accionador (participante) de una vivencia compartida en el tiempo, a través del baile y la fotografía.

Se invita a los visitantes a bailar juntos, en un espacio compartido, en el que el cuerpo individual deja paso al colectivo, a la masa, al sudor y a la grasa.

Antes y después del tiempo dedicado a bailar, el visitante se hace un autorretrato que funciona como registro de la experiencia vivida. Las imágenes de los rostros se proyectan al final de la sesión sacando al espectador del anonimato.

LUGAR:Atrio.

Precio: 5 € (gratuito con el carné Passi y Amigos del MACBA). Sin inscripción previa. Aforo limitado