MUY EXPERIMENTAL# 1 [a ras de suelo]
Despues de una primera aventura con las seis participantes del MUY EXPERIMENTAL #1, intento dejar algún rastro de lo que pasó y empiezo a prepararme para el segundo ROUND. La primera semana trabajé con seis chicas locales que viven y trabajann en Las Palmas, tienen en común que bailan desde pequeñas pero no se dedican a ello profesionalmente, las he ido conociendo durante este año en dos talleres anteriores y hemos ido desarrollando herramientas y metodos de trabajo para componer con el cuerpo en movimiento en tiempo real, hemos tocado temas como tiempo, espacio e identidad. Estrategias como la decisión, la no voluntad, o motores de acción como el registro , la atención o la disociación.
Pero algo no planeado ha sido el encuentro con el público cada noche, las puertas abiertas del trabajo todos los días me hicieron encontrar un espacio nuevo y diferente en relación a la mirada del visitante, aquí una reflexión de Jose un visitante del primer día:
Hablo como público. Como público que asiste y observa al resto del público. Que le interesa la triangulación de las miradas, la ambigüedad del pensamiento despistado, el desinterés de las observaciones al techo, los focos de atención de determinados gestos, las toses que manifiestan la incomodidad. Me gusta observar a los observadores interesados, aquellos que no son conscientes de mi mirada, a los que les puedo robar un segundo de autenticidad e inquietud, los que disfrutan desencriptando los hechos y degustando las sensaciones. Hablo desde la frontera de las miradas. Voy aprendiendo a ver más allá de lo primitivo, escarbando en capas más profundas de significado. Como público, en “a ras de suelo”, se nos somete a un cuestionamiento que nos introduce, nos invita a disfrutar desde distintos niveles perceptuales, regalando posibilidades de intervención para de ese modo intentar ser nuevamente conscientes de nuestro papel como público y así encontrar un espacio más allá de una observación pasiva. O simplemente ser público y ver. Y sentir viendo.
Somos lo que miramos
Somos lo que miramos, ¿pero qué o quién mira en nosotros? ¿Nuestros ojos? ¿Nuestra mente? ¿Nuestro cuerpo? ¿Nuestras palabras?
Plotino
Eva Lootz, desde su práctica artística, relata con estas palabras poéticas las implicaciones de la visión periférica:
Seguir mirando por el rabillo del ojo.
En la periferia del ojo se encienden fuegos nuevos.
Por las zonas fuera de foco entra lo que no tiene nombre.
En la periferia del ojo hay cuerpos suspendidos que desaparecen si los tratas de enfocar.
En el rabillo del ojo se ve lo que está a punto de aparecer.
En el rabillo del ojo es donde no hay centinelas.
En el rabillo del ojo es donde somos más vulnerables.
Desde el rabillo del ojo se renueva el mundo.
La visión periférica es la visión del cuerpo vulnerable, liberado de la paranoia del control y de la inmunidad que aíslan habitualmente al espectador del mundo contemporáneo. Para la visión capturada en la distancia y en la exigencia de focalización, todo no-saber es percibido como una amenaza, como algo que aún no ha sido puesto bajo control. Para la visión periférica, el no-saber es en cambio el indicio de lo que está por hacer y de la necesidad de percibir el mundo con los otros. No podemos verlo todo, aunque el mundo-imagen del capitalismo actual pretenda imponernos una idea de la totalidad que nos sitúe como individuos-marca. Toda visión incorpora una sombra, toda frontalidad implica una espalda que sólo otro podrá ver. Toda presencia implica un recorrido que ha dejado otras visiones atrás, mientras que otras que no llegarán a ser nunca vistas. Toda situación presente implica, por tanto, pliegues, nudos, márgenes y articulaciones que ningún análisis focalizado podrá retener. En ellos se juega la posibilidad de aprender a ver el mundo que hay entre nosotros.
Marina Garcés ( Visión periférica, ojos para un mundo común )
Imágenes de Sergio Prego
The Performance Club
This article was written on 23 Nov 2011
Open Letter to Artists
Sara Wookey performing "Trio A" at VIVA! Performance Festival in Montreal. Photo credit: Guy L'Heureux
I participated in an audition on November 7th for performance artist Marina Abramović’s production for the annual gala of the Museum of Contemporary Art, Los Angeles. I auditioned because I wanted to participate in the project of an artist whose work I have followed with interest for many years and because it was affiliated with MOCA, an institution that I have a connection with as a Los Angeles-based artist. Out of approximately eight hundred applicants, I was one of two hundred selected to audition. Ultimately, I was offered the role of one of six nude females to re-enact Abramović’s signature work, Nude with Skeleton (2002), at the center of tables with seats priced at up to $100,000 each. For reasons I detail here—reasons which I strongly believe need to be made public—I turned it down.
I am writing to address three main points: One, to add my voice to the discourse around this event as an artist who was critical of the experience and decided to walk away, a voice which I feel has been absent thus far in the LA Times and New York Times coverage; Two, to clarify my identity as the informant about the conditions being asked of artists and make clear why I chose, up till now, to be anonymous in regards to my email to Yvonne Rainer; And three, to prompt a shift of thinking of cultural workers to consider, when either accepting or rejecting work of any kind, the short- and long-term impact of our personal choices on the entire field. Each point is to support my overriding interest in organizing and forming a union that secures labor standards and fair wages for fine and performing artists in Los Angeles and beyond.
I refused to participate as a performer because what I anticipated would be a few hours of creative labor, a meal, and the chance to network with like-minded colleagues turned out to be an unfairly remunerated job. I was expected to lie naked and speechless on a slowly rotating table, starting from before guests arrived and lasting until after they left (a total of nearly four hours. I was expected to ignore (by staying in what Abramović refers to as “performance mode”) any potential physical or verbal harassment while performing. I was expected to commit to fifteen hours of rehearsal time, and sign a Non-Disclosure Agreement stating that if I spoke to anyone about what happened in the audition I was liable for being sued by Bounce Events, Marketing, Inc., the event’s producer, for a sum of $1 million dollars plus attorney fees.
I was to be paid $150. During the audition, there was no mention of safeguards, signs, or signals for performers in distress, and when I asked about what protection would be provided I was told it could not be guaranteed. What I experienced as an auditionee for this work was extremely problematic, exploitative, and potentially abusive.
I am a professional dancer and choreographer with 16 years of experience working in the United States, Canada and Europe, and I hold a Master of Fine Arts degree in Dance from the University of California, Los Angeles. As a professional artist working towards earning a middle class living in Los Angeles, I am outraged that there are no official or even unofficial standard practice measures for working conditions, compensation, and benefits for artists and performers, or for relations between creator, performer, presenting venue and production company in regard to such highly respected and professionalized individuals and institutions such as Abramović and MOCA. In Europe I produced over a dozen performance works involving casts up to 15 to 20 artists. When I hired dancers, I was obliged to follow a national union pay scale agreement based on each artist’s number of years of experience. In Canada, where I recently performed a work by another artist, I was paid $350 for one performance that lasted 15 minutes, not including rehearsal time that was supported by another fee for up to 35 hours, in accordance with the standards set by CARFAC (Canadian Artists Representation/Le Front Des Artistes Canadiens) established in 1968.
If my call for labor standards for artists seems out of bounds, think of the Screen Actors Guild (SAG, established 1933), the American Federation of Musicians (AFM, founded 1896), or the umbrella organization the Associated Actors and Artistes of America (the 4A’s, founded in 1919), which hold the film, theater and music industries to regulatory and best practice standards for commercial working artists and entertainers. If there is any group of cultural workers that deserves basic standards of labor, it is us performers working in museums, whose medium is our own bodies and deserve humane treatment and respect. Artists of all disciplines deserve fair and equal treatment and can organize if we care enough to put the effort into it. I would rather be the face of the outspoken artist then the silenced, slowly rotating head (or, worse, “centerpiece”) at the table. I want a voice, loud and clear.
Abramović’s call for artists was, as the LA Times quoted, for “strong, silent types.” I am certainly strong but I am not comfortable with silence in this situation. I refuse to be a silent artist regarding issues that affect my livelihood and the culture of my practice. There are issues too important to be silenced and I just happen to be the one to speak out, to break that silence. I spoke out in response to ethics, not artistic material or content, and I know that I am not the only one who feels the way I do.
I rejected the offer to work with Abramović and MOCA—to participate in perpetuating unethical, exploitative and discriminatory labor practices—with my community in mind. It has moved me to work towards the establishment of ethical standards, labor rights and equal pay for artists, especially dancers, who tend to be some of the lowest paid artists.
The time has come for artists in Los Angeles and elsewhere to unite, organize, and work toward changing the degenerate discrepancies between the wealthy and powerful funders of art and the artists, mainly poor, who are at its service and are expected to provide so-called avant-garde, prescient content or “entertainment,” as is increasingly the case—what is nonetheless merchandise in the service of money. We must do this not because of what happened at MOCA but in response to a greater need (painfully demonstrated by the events at MOCA) for equity and justice for cultural workers.
I am not judging my colleagues who accepted their roles in this work and I, too, am vulnerable to the cult of charisma surrounding celebrity artists. I am judging, rather, the current social, cultural, and economic conditions that have rendered the exploitation of cultural workers commonplace, natural, and even horrifically banal, whether its perpetrated by entities such as MOCA and Abramović or self-imposed by the artists themselves.
I want to suggest another mode of thinking: When we, as artists, accept or reject work, when we participate in the making of a work, even (or perhaps especially) when it is not our own, we contribute to the establishment of standards and precedents for our cohort and all who will come after us.
To conclude, I am grateful to Rainer for utilizing her position (without a request from me) of cultural authority and respect to make these issues public for the sake of launching a debate that has been overlooked for too long. Jeffrey Deitch, Director of MOCA, was quoted in the LA Times as saying, in response to receiving my anonymous email and Rainer’s letter, “Art is about dialogue.” While I agree, Deitch’s idea of dialogue here is only a palliative. It obscures a situation of injustice in which both artist and institution have proven irresponsible in their unwillingness to recognize that art is not immune to ethical standards. Let’s have a new discourse that begins on this thought.
Sara Wookey
TRES PERSONAS,TODOS LOS CUERPOS en el BAD
FESTIVAL BAD DE BILBAO
El dia 27 a las 17h __LOS QUE SE VEN ENTRE SI ( la película )
El día 28 a las 19h__TRES PERSONAS TODOS LOS CUERPOS (pieza escénica )
Todo el proyecto surge de un interés en compartir mi experiencia como intérprete con otros intérpretes, de un interés en profundizar en ciertos temas que a la hora de hablar de la creación escénica, quedan en un segundo plano o en una capa oculta. Mis primeras intuiciones para este proyecto se acercaban a una necesidad de revisión, de hacer memoria con el cuerpo de mi propia trayectoria como intérprete. Yo soy muchos cuerpos, tantos como he bailado, soy trocitos de cuerpos de otros, soy los restos de esos cuerpos que se me han quedado pegados y sus versiones futuras, su memoria contaminada de presente. El hecho de hacer este ejercicio me llevó a reflexionar sobre cuestiones como las versiones de uno mismo, los cuerpos aprendidos, el cuerpo invadido, la pureza o la promiscuidad del cuerpo del bailarín como memoria, como resto. Al trabajar con la memoria aparece lo autobiográfico como herramienta de trabajo, la idea de confesión como intimidad compartida con el espectador, y el sentido curricular o cronológico de la trayectoria profesional como un viaje, o incluso como una canción. Me interesa el rol del interprete, como materia de la escena, como vivencia, como sujeto del acto de presentación-representación-procesual, y desde la perspectiva del cuerpo, como archivo vivo y como huella.
Los que se ven entre sí A partir de las conversaciones con 16 intérpretes de diferentes ámbitos de la creación actual, se ha tratado de producir un documento que relacione estas diferentes perspectivas sobre la figura del intérprete (sobre su relación con la creación, con el autor, sobre el significado actual de las huellas que quedan de los diferentes trabajos y la utilización de éstas y otras influencias, sobre su relación con la escena y con el público). Un documento que pueda acercarnos a través de un recorrido a esa otra mirada (más interna?), y que recoge diferentes experiencias y cuestiones sobre la creación y el hecho escénico.
El cuerpo como acontecimiento que se muestra (ENTRE)
Gráficos de Paz Rojo y Bea Fernandez (Seminario de Carmelo Salazar)
entre lo real y lo imaginario
entre la matérico y lo abstracto
entre la percepción y la decisión…
Dirigido a: personas con un mínimo de experiencia o conciencia del cuerpo y del movimiento en cualquiera de sus muchas versiones .
El cuerpo como acontecimiento que se muestra (ENTRE)
entre lo real y lo imaginario
entre la matérico y lo abstracto
entre la percepción y la decisión…
“En este laboratorio plantearé la sesión de trabajo como un todo en el que ir practicando herramientas y conceptos que desde un principio nos movilicen y sitúen en el presente y así conseguir una renovación y amplificación de las zonas de trabajo más originales; a través de nuestra atención, nuestra mirada, nuestro estar y los usos del espacio y el tiempo practicaremos un pensamiento activo en la toma de decisiones dentro de la composición en tiempo real.
Este CURSO está estrechamente relacionado con MOVER EL CUERPO, seminarios impartidos por Carmelo Salazar, por mi vinculación directa durante los ultimos diez años en la investigación creativa y pedagÓgica MOVER EL CUERPO”
Fechas: del 4 de octubre al 10 de noviembre de 2011
Lugar: en Barcelona, La Poderosa
Horarios: abrimos la posibilidad de escoger entre:
a) Dos días por semana, martes y jueves, de 10 a 12′30h
b) Un día por semana, a escoger entre martes o jueves (10-12′30h)
tenemos un super plan !!!
IN_ romería sostiene la idea de que mientras tengamos espacios físicos de trabajo, tendremos espacios de pensamiento para generar, mostrar y encontrarnos.
El local de Raravis – Espacio Práctico – El Climamola – La Piconera – La Porta – La Poderosa
GRANER ILLA PHILIPS
Nomenada la coordinadora del projecte de Fàbrica de creació de dansa GRANER ILLA PHILIPS
Cristina Alonso ha estat elegida per a coordinar el Graner, la nova fàbrica de creació de dansa ubicada a la Zona Franca en una antiga factoria de l’empresa Philips. Aquesta elecció s’ha fet després d’un procés de selecció al qual s’hi van presentar 25 candidatures. El Graner s’inclou dins el Programa Fàbriques de Creació de l’Ajuntament de Barcelona que té com a objectiu donar suport i recolzar la creació a la nostra ciutat. L’Institut de Cultura ha encarregat al Mercat de les Flors la gestió de l’equipament que farà amb una comissió de seguiment en la qual també hi participen les Associacions de Professionals i de Companyies de Dansa de Catalunya.
Cristina Alonso, cofundadora i codirectora de la plataforma de creació ÀREAtangent (2002-2010), creadora artística, assessora i productora, té l’encàrrec de coordinar el Graner durant 2 anys més 2 anys prorrogables.
El Graner és un espai de 1.000 m2 que disposa de 4 sales d’assaig, creació i posada en escena (des de la sala d’estudi plató de 240m2, passant per 2 sales d’assaig de 100m2 i una sala de recerca individual de 42m2). També disposa d’espais d’oficines i gestió per a l’acollida de projectes de producció així com la resta de serveis necessaris per la producció de propostes coreogràfiques.
El Graner acollirà residències de creadors de dansa i desenvoluparà projectes de cooperació artística amb altres agents culturals de la ciutat, a més de promoure la integració de l’espai al barri, entre d’altres objectius.
textos desde el anonimato (COLABORATORIO)
Voy a ir publicando los pequeños textos resultado de momentos de escritura espontáneos que tienen los participantes durante el taller COLABORATORIO que está sucediendo durante el festival Aras de Suelo en las Palmas de Gran Canaria.
….existe una mirada con una fuerza suficiente como para generar un proceso de movimiento. ¿Quién dijo que la mirada se genera solamente a través de tus ojos?
No construyes ni destruyes, sólo generas.. y lo que ya no está también se queda, queda la esencia.
Me quedo con la autonomía de la manipulación externa, por la sorpresa que genera a uno mismo.. ¿Autonomía que sorprende? Sí, es la inmediatez y lo contínuo de las respuestas a la manipulación lo que permite generar esa sorpresa.
Canales de un cuerpo borracho…¿Un grupo genera juicio o prejuicio? Las paradas permiten respirar y el mareo se convierte en algo cómodo. Se abren vías de un cuerpo que no conocía.
El espacio como prolongación del cuerpo y el cuerpo como una materia más del espacio.
Gracias por tu voz.
AUTONOMÍA,
PIEL QUE MIRA Y TOCA.
VIAJE DESAPARECIDO … SIN OBJETIVO, CON INDEPENDENCIA DEL
RESTO.
BEA DE FONDO IMPULSA EXPERIMENTOS SATISFACTORIOS, NO ME
CUELGO.
Lo que pienso y hago
Lo que pienso y no hago
Lo que pienso voy a hacer y cambio de decisión por el camino
CUERPO BORRACHO, SIN EXIGENCIAS
CABEZA PENSANTE, LOS OJOS ABIERTOS ME PARALIZAN,
LAS COSAS PASAN Y LAS DEJO POR EL CAMINO
CABEZA OLVIDADA, EL JUEGO
INHALA Y EXHALA, INHALA Y EXHALA, INHALA …
Autonomía o ausencia?
Se abren vías, vías q dejan fluir la energía. Se fue la cabeza
pensante…por fin…permito nuevos movimientos del cuerpo, cuerpo
borracho. Voy encontrando nuevos caminos que antes no conocía,
el tacto de la mirada, mirada de partes ajenas a ti, abandono de mi
autonomía, los movimientos se independizan. El cuerpo se pasea
por el suelo, está presente y no…se separan las partes, cambian
los tiempos, pero esa voz de fondo no me deja caer, me mantiene
en contacto. Avanzo de forma asimétrica, con los ojos de la piel, en
busca del placer, con fluidez, hacia un mareo y una incertidumbre
q son satisfactorios. Pero no estoy sola, formo parte de un grupo
q por momentos me contagia, me mantiene alerta y me acompaña
pero por momentos me incomoda…me asusta.
COLABORA-TORIO
Recorrido muy gradual por la movilidad de todo el cuerpo, desde
lo muy pequeño hasta la respuesta en todas las partes del cuerpo.
Cuando terminamos siento el cuerpo lo suficientemente activo
como para que mis sentidos estén abiertos y así poder responder
intuitivamente a todos los estímulos que vengan de mi cuerpo y
del espacio en el que me encuentro. “Desde el cuerpo interior al
cuerpo exterior”, recorrido que pasa desde el movimiento más
sencillo de mi cuerpo hasta mi persona moviéndose en un entorno,
en un contexto en el que interactuar, sintiéndome presente para
responder, atenta para contestar mediante el cuerpo.
La visión para observar, como encuadre, como puente para marcar
un objetivo, para dirigirnos en nuestro movimiento, para registrar el
entorno en el que nos encontramos, las personas que nos movemos
en él, los materiales que están en el, que lo conforman, con su
texturas y relieves, abriéndose un montón de posibilidades para
utilizarlos, tocarlos, sostenernos, creándose paisajes y diferentes
lenguajes.
La mirada ya no solo está en los ojos, está en nuestros cuerpos,
en nuestra piel, en nuestros pies que nos soportan sobre el
suelo. Con esta presencia nos encontramos con todo, sin parar
en nada, desechando todo lo que vamos registrando para seguir
encontrando, una búsqueda que nos conecta a todos, individuos
separados que vamos integrando un contexto, en el que vamos
armando un lenguaje entre nuestros cuerpos, el espacio y tiempo.
Todos los días regresamos a los movimientos muy pequeños del
cuerpo para terminar utilizándolo de forma integral. Aprendo a
separar las partes para armonizar el todo, siento que el cuerpo se
relaja para luego poder soltarlo para pasar por todas sus partes
y recrearme de todos sus rincones. Cada día entiendo mejor lo
que significa tener “la mirada en la piel”, todo el cuerpo registra
información, abriéndose paso la autonomía del propio cuerpo,
manifestándose con más fuerza cuanto más abiertos están mis
sentidos. Cada vez siento más sincronía entre mi cuerpo y el
espacio.
Trabajamos también la toma de decisiones, cómo sale esa
autonomía mediante diferentes decisiones que tomamos, ¿lo
obedece?¿lo rechaza?¿redescubre a través de la trayectoria
marcada? mediante el cambio de decisiones siento que percibo más
posibilidades de las que en un momento contemplo, el entorno y las
personas que se mueven en el se hacen más evidentes, motiva mi
curiosidad, motiva la autonomía de mi cuerpo.
También trabajamos la búsqueda de esta autonomía desde la
manipulación de nuestro cuerpo por otra persona, y viceversa, el
que manipula y el que es manipulado, aparecen movimientos a
favor y en contra de los movimientos que nos dirigen y dirigimos, la
autonomía aparece, tanto en el que es manipulado como en el que
manipula, los roles se confunden, el entorno empieza en el otro y
sigue en el espacio en el que nos encontramos. La sincronía en tu
propio cuerpo, entre dos cuerpos, y con el espacio.
1
El cuerpo
Abrir canales
Por el camino todo me rodea.
2
Todo primer cuerpo me rodea por el dia
El camino…
abrir canales
3
Camino canales
Abrir el dia
Rodéame por todo el cuerpo
4
Abrir todo el cuerpo por el dia
Primer camino…
Rodea canales
“Mi cuerpo filtra movimientos buscando el significado de la voz de Bea. Se mueve sin ese con-tacto visual que intenta reproducir la perfección del otro, entonces soy conciente de mi cuerpo, mi presencia, mi mirada es única, como mi alma…tengo un tesoro, soy pirata y quiero sonreír (los otros). No Siento el Yo, pero sí la calma y la escucha (los otros). Mi mirada está abierta, mi cuerpo está aquí, con la atención en mí, en ti, en los otros y en el espacio. La sensación es fuerte, limpia y libre. Nuestros cuerpos se entienden, se respetan, se conectan, llegaron a un acuerdo instintivo sin firmar. Desbloqueo mi cadera dando una señal engañosa a las rodillas, permito que busquen su camino, la gravedad es inequívoca, el cuerpo fulmina con suavidad en el suelo. Asimilo sensitivamente que debo diseccionar de la misma forma que movía los objetos sobre la mesa, a través de un recorrido gradual (los otros).”
Cansancio e incertidumbre. Explorar y experimentar nuevas sensaciones. Sentir la respiración. El cuerpo poco a poco se va relajando y dejándose llevar a lo inesperado. Por momentos notas dolor, puntos de dolor y sensación de mareos satisfactorios. Miradas que se entrecruzan, momentos dispares, libertad, diversión y soltura en mis movimientos, hasta llegar a una conexión con el espacio, con otros. Sentir las partes que poco a poco van despertando y paulatinamente vas notando el peso en la tierra. Manipular el cuerpo del otro y seguidamente manipulan el nuestro. Bloqueo. Abrir canales y escuchar el cuerpo. Los ojos en la piel, partir de uno mismo. La mirada que toca, el tacto que mira. Autonomía del movimiento, no se construye nada. Abandono y autonomía. Un maravilloso viaje guiado. Mente despejada, ganas de sonreír.
la alternativa de España
Este año y por tercera vez hemos vuelto a presentar una pieza de Las santas al Circuito de Salas Alternativas y por tercera vez nos han rechazado el trabajo, lo fuerte de este año es que no me ha votado ni una triste sala, nada, cero votos…….ni un mísero 1…… como jode !!
Ese resquicio que nos queda para presentar los trabajos, no ha valorado ni con un punto la pieza Tres personas , todos los cuerpos.
que debo pensar…que la alternativa ya murió hace mucho……que tengo muy mal perder….que no hay sitio para todos…….que ese no es el lugar para presentar el trabajo….
una vez más , demostrado que esa alternativa no es la nuestra.
al margen de mi cabreo : FELICIDADES A LOS + VOTADOS! ya me contaréis.
a las pruebas me remito:
http://dl.dropbox.com/u/3623743/proyectos/circuito/2011/docs/Vot_RTA_Circ2011.pdf
COLABORATORIO
El festival A ras de suelo propone generar situaciones de comunicación particulares entre creadores a través de un programa de residencias que se desarrolla durante el festival. Los resultados de estos sistemas de trabajo son mostrados al espectador mediante exposiciones, performance o espectáculos.
En la presente edición, la apertura hacia prácticas de hibridación generando terrenos multidisciplinares de experimentación, derivan en un complejo grupo de experiencias que van desde la creación corporal a la plástica, lo performático o distintas posibilidades creativas. Masu Fajardo, Bea Fernández, Jose J. Torres y Javier Murungarren actúan como catalizadores de esas experiencias y junto a un nutrido grupo de autores propondrán creaciones que se integran en la programación del festival.
Imagino un encuentro muy abierto y embrionario donde poner en juego temas, ejercicios, prácticas, pensamientos…que todavía no están muy armados ni justificados en si mismos, me voy con un cuaderno lleno de apuntes pero sin ninguna intención argumentada. Práctica, laboratorio, campo de juego y de prueba. Abordar el experimento y las ideas para explotarlas, usarlas, deshecharlas y apropiarnos sobre todo de la experiencia.
Algunos temas como punto de partida :
_Cuerpo como organismo, historia, como acontecimiento que se muestra.
_La mirada del intérprete/ individuo sobre su propia experiencia , no sólo como cuerpo, sino sobre todo como reflexión de una presencia en construcción, uno de los focos principales en la investigación.
_La escena, el público, la necesidad de hacer, el deseo de gustar, de mirar, de poseer, de valer, y otras tantas cuestiones que suceden en el proceso que va de la creación a la exposición o incluso más allá.
COLABORATORIO: IMPARTIDO POR BEA FERNÁNDEZ
con:
BEA DE LA TORRE, ORLANDO ORTEGA, MAURICIO GONZÁLEZ, RAQUEL RODRÍGUEZ, BEGOÑA VEGA, INMA MARCOS, DOLORES MARRERO, DESIRÉ BOLAÑOS, ISABEL SARO Y CARINA PEÑATE
ESPACIO Y FECHAS :
ETC Espacio de Trabajo Creativo, 2, 3, 4, 9, 10 y 11 de mayo
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