Cèl·lula

Mientras pienso como empezar este texto Amy suena en la radio
Mientras pienso como empezar este texto él habla por Skype
Mientras pienso como empezar este texto alguien baja las escaleras
Mientras pienso como empezar este texto se abre la puerta
Mientras pienso como empezar este texto pruebo diferentes fuentes
Mientras pienso como empezar este texto ella se pinta los labios
Mientras pienso como empezar este texto ella se pinta los labios otra vez
Mientras pienso como empezar este texto tú lo estás leyendo
Mientras pienso como empezar este texto pienso como empezar este texto
Mientras pienso como empezar este texto el boli se cae al suelo
Mientras pienso como empezar este texto me tomo un descafeinado con leche

(aprovechamos para anunciar que hoy María Jerez presenta El caso del espectador a las 21h en el Centre Cultural La Mercè de Girona)

Como bien define Amalia Fernández en el texto del programa de mano:

“Kratimosha es un grafitti en el casco de un transatlántico, buena suerte en chino, una película muda, un caballo de carreras, el nombre artístico de una stripper, un tatuaje en la espalda, la contraseña de mi correo electrónico. Kratimosha también es una pequeña obra de teatro con una cantante en bragas, una voz en off, un retrato de familia ficticio, un difunto, un montón de fresas copiadas de la realidad, una serie de parejas a punto de enamorarse o a punto de romper y un final que se parece al principio pero no en la forma sino en la mofra, en la famor, en la romaf, en la ofram”

Y es que Katrimosha es un poema de amor desordenado, un ejercicio de cálculo teatral, una canción sin rima y un striptease linguístico, o una maruja academica.

Amalia es una intérprete excelente, y en este trabajo hace un ejercicio de contención, de búsqueda de coherencia con elementos que aparentemente no lo son.
En MAPA vimos este interesante trabajo en proceso. Ya era un muy buen trabajo y quizá le faltaba el rodaje propio y necesario en una pieza que necesitaba de un virtuosismo y precisión técnicos admirables. Le faltaba ese rodaje para que la estructura no fuera tan evidente ante el espectador.

Ahora unos meses después de estrenada la pieza podemos verla de nuevo en la inauguración del Divendres de Contraban.

Y es que Amalia es una equilibrista que trabaja con la cuerda a 5cm de tierra. Vamos una virtuosa del macramé, no se definirla mejor, vaya!
Sofia Asencio

Notas que patinan#11 de Ruben Ramos sobre Kratimosha

Crítica de Quim Pujol sobre Kratimosha en MAPA

organizado por Cèl·lula

www.festivalmapa.com
www.festivalmapa.blogspot.com

Estamos muy contentos de que la Pieza Ella entra de Silvia Sant (Las Santas) se presente en el ciclo escena Plural del Centre La Mercè de Girona el jueves 21 de febrero a las 21h.

SILVIA SANT FUNK - ELLA ENTRA Dansa-teatre Dijous 21 de gener a les 21 h. Preu 5 €

Reconèixer un cos després d’una absència.
Iniciar una investigació, d’un mateix.
En l’intent d’objectivar el meu propi cos, provaré d’arribar a coneixements vàlids a través d’instruments fiables. Pot el rigor científic protegir-me de la subjectivitat?
Si no aconsegueixo resultats vàlids, em passaré al bàndol del despropòsit per observar de prop la futilitat. Silvia Sant Funk

Idioma: castellà
Durada: 1 hora
Creació i interpretació: Silvia Sant Funk
Direcció: Silvia Sant Funk
Il•luminació: Ana Rovira
Producció: Las Santas
Amb el suport de: Entitat Autònoma de Difusió Cultural (Generalitat de Catalunya), ICUB (Ajuntament de Barcelona), La Porta - espacio cómodo’08, La Caldera, Centre Cívic Can Felipa.
Amb la col•laboració de: Cèl•lula. Organisme de creació escènica i Generalitat de Catalunya. Departament de Cultura i Mitjans de Comunicació
Espectacle en residència

Divendres de Contraban
30 d’octubre de 2009, 21h
al Teatre jardí de Figueres

Colectivo 96º
Dar patadas para no desaparecer

L’autoretrat no deixa de ser una representació de nosaltres mateixos, un retrat és alguna cosa produïda, un “fer-se” a través dels actes de representació. Les imatges dels retratats es posen en evidència en un espai en què el subjecte es construeix en un recorregut a través de les seves pròpies “representacions”.

“Tot plegat forma part d’una estratègia creativa que converteix el despullament íntim dels intèrprets en un mirall que atrapa l’audiència i projecta els mil racons de personalitat que ens habiten no sense conflicte. Una identitat escamotejada que conserva l’aroma del pas del temps.”
Francesc Massip, Avui

FITXA ARTÍSTICA

Intèrprets i creadors: Lidia González Zoilo, David Franch, Mónica Pérez Blanquer
Amb la col·laboració especial de: Vera Waltser i Vicente Arlandis
Música: Roger Puig y ((( j )))
Vídeo i edició: Gorka Bilbao
Fotografia: Mari Luz Vidal
Il·luminació: Ana Rovira
Atrezzo: Mercè Moreno i Alberto Pastore
Vestuari: Marta Pelegrina
Coreografia: Laura la bicha
Maquetació i disseny de llibre: Rogelio Pérez i Àlex Escrich
Una coproducció de Colectivo 96º, Teatre Lliure, Centro Párraga y CAET (Fábrica TNT)
Amb la col·laboració de: Lézarap’art

La compañía L’Alakran actuará en el ciclo Divendres de Contraban en el Teatre Jardí el viernes 16 de octubre a las 22.h.
aquí os dejamos un artículo escrito por Pepe Sanchez y extraído del  Archivo Virtual de Artes Escénicas sobre la trayectoria de Óskar Gómez, director del que fué Legaleon Teatro y la compañía L’Alakran afincada en Ginebra.

Óskar Gómez y la desestructuración del teatro

Óskar Gómez Mata (Irún, 1963) dirigió desde 1986 la compañía Legaleón Teatro, constituida por un grupo de actores de formación bastante homogénea, obtenida principalmente en los cursos organizados por el Théâtre du Mouvement de París y en la escuela de Serge Martin en París y en Ginebra. Allí habían aprendido las técnicas del clown, commedia dell’arte y bufones del rey que utilizaron en diversos espectáculos, fascinados por las posibilidades de transformación y deformación del cuerpo y su presencia dramática, algo que les permitió incorporar la estética y los procedimientos narrativos del video-clip y el cómic, sin por ello desestimar la incorporación de materiales verbales y gestuales extraídos de la vivencia o el comportamiento cotidiano de los propios actores. Después de una primera fase dedicada a la producción de espectáculos cómicos, como Quecas (1987) y Aspirantes (1988), Legaleón T. se reveló a nivel nacional con su versión de la pieza de Michel Azama La esclusa (1990).
El éxito de La esclusa justificó la inclusión de Legaleón T. en la lista de compañías seleccionadas para la gira de teatro contemporáneo en teatros públicos organizada en 1993, y en la que participaron con Canción desde isla Mariana (1992), inspirado en una canción de los Pixies y en la imagen de “una mujer que con su coche rojo abandona su pasado y se lanza la océano, deja la tierra por el mar”. A pesar de que este trabajo tenía mucho en común con el teatro poético-rítmico de finales de los ochenta, por el protagonismo del espacio (diseñado por Carlos Marquerie), la insistencia en lo secreto, la práctica ausencia de texto y la resolución coreográfica de numerosas secuencias, había elementos que delataban un diverso posicionamiento, principalmente, el tratamiento más humano y amable de las actrices, comprometidas más como personas que como intérpretes, y las mezclas de la banda sonora, en la que aparecían fragmentos de los Pixies, Negu Gorriak, Urban Dance Squad, B.S.O de Bis ans Ende der Welt, Erasehead y Twinpeaks, un tipo de música y una combinación que anunciaban una ruptura definitiva con el tratamiento sinfónico o unitario del teatro surgido de la década anterior.

             El silencio de las Xygulas (1994) significó el abandono de la línea de teatro poético que la compañía había seguido en los tres años anteriores y el regreso a un discurso corporal y estético más próximo a las motivaciones originales del grupo. A esta ruptura no fue ajeno el cambio de política cultural que a partir de 1992 privó al teatro y la danza contemporánea de apoyos y circuitos y forzó a muchos colectivos a la supervivencia en espacios alternativos o la búsqueda de nuevos espacios. Legaleón optó por salir al encuentro del público allí donde estuviera e ideó una serie de piezas para bares y cafés.

             Óskar Gómez optó por la acumulación y por la contaminación como estrategia compositiva. A un material textual que servía como punto de partida (el texto de Reixa sobre la foto de una actriz de cine), se iban adhiriendo las partituras de acción de los actores, sus ocurrencias e improvisaciones verbales, las aportaciones de colaboradores anónimos, los múltiples juegos asociativos derivados también del vestuario y los objetos escénicos utilizados y, sobre todo, la banda sonora, compuesta por ráfagas de música pop, canciones de diversas procedencias culturales, sintonías de radio o televisión y todo tipo de ruidos y efectos de sonido, que los de Legaleón denominaba “la batidora musical”.

            Esta estrategia contaminante respondía al interés de Óskar Gómez por restituir al espectador la realidad, tal como se manifiesta en un momento dado, con toda su apariencia caótica. Algo que nuevamente remite a los procedimientos compositivos de Foreman, con quien Gómez comparte también ese interés por las escenografías recargadas de pequeños objetos y referencias aparentemente absurdas, si bien con una carga de humor y un entronque popular ausente en el americano. Para Gómez el procedimiento compositivo utilizado en El silencio de las Xygulas estaba íntimamente vinculado a la experiencia contemporánea de la ciudad y el principio de realidad establecido por la televisión. Se trataba de proponer al público una estructura que correspondiera a la estructura de su experiencia cotidiana: un ritmo deliberadamente rápido, numerosas rupturas, referencias televisivas… Se trataba de escapar del tiempo narrativo y sustituirlo por un tiempo real, el tiempo de las interrupciones, las idas y venidas y el “zapping”.

           El gusto de Legaleón por lo caótico quedó reflejado en su “Receta para El silencio de las Xigulas”, en la que se apelaba a la “sintaxis de un cerebro magullado”. La alergía a la forma potenciaba la acción de los factores de desestructuración, principalmente el humor y la violencia. Sin embargo, en el espectáculo había muy poco margen para la improvisación: todo, incluso las asociaciones más disparatadas, estaban fijadas con una precisión minuciosa, dada la gran cantidad de gestos, acciones y tonos que se acumulaban en escena. Los actores no tenían tiempo para pensar, ni para analizar sus sensaciones: tenían que limitarse a hacer.

            A El silencio de las Xygulas siguieron otros espectáculos de Legaleón T. para bares y cafés: La historia de Merilú la muñeca hinchable (1995) y Mujeres al rojo vivo (1995), ambas escritas y dirigidas por Edurne Rodríguez Muro, escenificadas con escasísimos medios y más atentas a la eficacia comunicativa (de un discurso crítico con la imagen y la función de la mujer en la sociedad actual) que a la eficacia estética.

            Existe cierto paralelismo entre las mezclas puestas en práctica en estos años por Legaleón y las realizadas por Metadones, un colectivo catalán liderado por Txiki Berraondo, Magda Puyo y Graciela, que en 1993 presentó su ‘collage’ escénico La Bernarda es calva, basado en textos de García Lorca, Alberti y Pera Carda, con el título. El placer de la mezcla, los enmascaramientos reveladores, la gestualidad grotesca, la agilidad en las asociaciones y la provocación lúdica practicada por Puyo y Berraondo se harían nuevamente efectivas en producción de Medea Mix (1997), que unía a la vindicación feminista, la apuesta por un tratamiento irreverente de los clásicos en un momento en que proliferaba en España la puesta contemporánea de los grandes textos del pasado.

            Ese mismo tratamiento irreverente lo aplicó Legaleón al clásico más iconoclasta de la dramaturgia contemporánea, Ubú rey. ¡Ubú! (1996) se nutrió de la experiencia acumulada por Legaleón en los años de café-teatro, llevando al máximo la contaminación gestual, plástica y cultural y acelerando su peculiar “batidora musical”, a las que se añadían la estética gore, las inevitables referencias a la singularidad política del País Vasco, y un “justo” respeto por el texto, tan deformado e interrumpido como los movimientos y acciones de los actores.

            Carnicero español fue la primera producción de Oskar Gómez con L’Alakran después de su traslado a Ginebra. Basado en textos de Rodrigo García (Carnicero español y Notas de cocina), se trataba de un espectáculo voluntariamente “desestructurado”, una sucesión de microsecuencias de texto e imagen a partir de una situación básica, formulada del siguiente modo en el programa: “Sentado en un sofá el hijo del carnicero se pierde en sus recuerdos de infancia, un mundo circular y caótico cuyo punto de retorno obsesivo es la fascinación por Tita Merelo, una cantante argentina de la televisión”.

            Gómez intentó avanzar en la comprensión de esta dramaturgia caótica en su siguiente espectáculo, Tómbola Lear, una interpretación de Shakespeare nuevamente apoyada en la versión de Rodrigo García. El autor proponía una relectura de Lear centrándose en el núcleo esencial de la acción: la relación del rey con sus tres hijas y con el bufón. Pero en la versión de Legaleón-L’Alakrán, Lear aparecía como un feriante, y el objeto de la codicia de las hijas, las “chicas malas” (que actuaban como siamesas), era una tómbola. La barraca-tómbola, símbolo del poder, condicionaba el espacio tanto como el registro interpretativo y permitía el desarrollo de secuencias pseudocircenses en las que se rifaba diversos objetos enmarcados, entre ellos, los grabados de Francisco de Goya.

            El estilo de composición ensayado por Óskar Gómez en El silencio de las Xygulas y Carnicero español tuvo continuidad en los siguientes trabajos de L’Alakran: Bancarrota (2001) y Psicofonias del alma (2003), sobre textos de Robert Filliou, Cerveau Carbossé 2. King Kong FireOptimistic vs. Pesimistic (2005), con textos propios y de otros autores. (2002), nuevamente con textos de Antón Reixa, y

 José A. Sánchez, 

Universidad de Castilla-La Mancha

Referencia bibliográfica:
Adaptación de textos publicados en el libro Artes de la escena y de la acción en España: 1978-2002.

No os perdáis esta programación!

Un saludo desde el norte!

Hello myself I – La cerca          (castellano + abajo)

Performance-instal·lació. Dimecres 10 de juny a partir de les 18:00 hTrobades programades amb persones que consideren tenir semblança amb Paloma Calle per tal de cercar la doble ideal. La doble escollida passarà a formar part de la instal·lació del dia següent. Si considereu que us assembleu a Paloma Calle podeu concertar cita al 689 435 846.

Hello myself II – Inauguració

Performance-instal·lació. Dijous 11 de juny a les 21 h. Preu 3 €

El projecte investiga la cerca de la pròpia identitat trobada en la troballa d’una persona desconeguda. Planteja una reflexió sobre la relativa importància de l’individual, de l’únic i sobre la importància de l’anòmim.

9è premi d’arts escèniques Lleida 2008.

Presentació del treball realitzat en residència al Centre Cultural la Mercè

Idioma: castellà

Autora: Paloma Calle

Direcció: Paloma Calle

Performer: Paloma Calle i persones de Girona que desitgin participar-hi

Fotògraf: Rafael Gavalle

Escenografia: Paloma Calle, Rafael Gavalle

Vestuari: Maribel Cruz

Imatge/vídeo: Rafael Gavalle

Producció: Teatre l’Escorxador, Lleida

Amb la col•laboració de: Centre Cultural la Mercè, Ajuntament de Girona, Centro Párraga, Festival Escena Contemporánea, Departament de Cultura i Mitjans de Comunicació. Generalitat de Catalunya, Cèl•lula, Ajuntament de Lleida, Región Alta de Múrcia

(castellano)

Hello myself I - La búsqueda
Performance-instalación. Miércoles 10 de junio a partir de las 18:00 h

Encuentros programados con personas que consideran tener parecido con Paloma Calle con la finalidad de buscar la doble ideal.
La doble escogida participará en la instalación del día siguiente. Si consideráis que os parecéis a Paloma Calle podéis concertar cita en el tel : 689 435 846.

Hello myself II - Inauguración

Performance-instalación. Jueves 11 de junio a las 21 h. Precio 3 €
El proyecto investiga la búsqueda de la propia identidad en el encuentro de una persona desconocida. Plantea una reflexión sobre la relativa importancia de lo individual, de lo único y sobre la importancia de lo anòmimo.

9º premio de artes escénicas Lleida 2008.

Presentación del trabajo realizado en residencia en el Centre Cultural la Mercè
Idioma: castellano

Autora: Paloma Calle
Dirección: Paloma Calle
Performer: Paloma Calle y personas de Girona que deseen participar

Fotógrafo: Rafael Gavalle

Escenografía: Paloma Calle, Rafael Gavalle

Vestuario: Maribel Cruz

Imagen/vídeo: Rafael Gavalle

Producción: Teatro l’Escorxador, Lleida

Con la colaboración de: Centre Cultural la Mercè, Ayuntamiento de Girona, Centro Párraga, Festival Escena Contemporánea, Departamento de Cultura y Medios de Comunicación. Generalitat de Catalunya, Cèl·lula, Ayuntamiento de Lleida, Región Alta de Murcia

+ info :

CÈL·LULA

Sònia Gómez

Teatre Jardí