Nixie (deep inside)

NIXIE
Eulàlia Bergadà
19 & 20/01/2018 – 20:30h & 21/01/2018 – 19h

 INEXCHANGE
DANSA
CATALUNYA
40’
13€

Nixie (deep inside) és un solo de dansa contemporània on la protagonista, Nixie, representació de la feminitat, interactua amb personatges creats a partir de llum i so, presències amb les que ens submergim a les profunditats de l’oceà a la recerca de la partícula més essencial i intangible de la seva identitat, el jo i allò que la conforma. Ens enfrontem a la nostàlgia de l’oblit transformant ombres passades en noves formes on encara persisteix la seva essència.

A través de la dansa, la imatge i el so es vol transportar l’espectador a un viatge enèrgic; una explosió de llum des de les obscuritats clandestines de la festa.


Direcció i coreografia: Eulàlia Bergadà

Interpretació: Eulàlia Bergadà
Interpretació musical: Ferran Echegaray, Carlos Gallardo, Marc Naya
Composició musical: Marc Naya
Textos: Ferran Echegaray
Disseny i confecció de vestuari: Claire o’Keefe
Il·luminació i vídeo: Carles Rigual
Disseny de vídeo: Edu Pérez
Fotografia: Jaione Garcia
Producció executiva: Anna Bohigas e Inés Lambisto
 Agraïments: La Poderosa, la Piconera, el Graner, Lipi Hernández, Marta Galan y Nicolas Hermansen.


Projecte representant a Tilburg (Països Baixos) des de la Sala Hiroshima dins el programa INEXCHANGE.

Residència a: Sala Hiroshima, Teatros del Canal (Madrid), Auditori Sa Màniga (Mallorca), La Blanca (Barcelona)

Amb el suport de:

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Silence

Ça marche
07/01/2018 – 19h

 NUEVAS ESCENAS / PERFORMANCE
CATALUÑA
SIN TEXTO
70’
14€

 El joven colectivo, dirigido por Nico Jongen, fue presentado en Hiroshima en 2016 con su pieza Ça Va. En su segunda pieza, Ta gueule, creada en residencia en la sala, la compañía se interesó por el trabajo con niños en escena. En la que es ahora su tercera pieza, co-producida por el festival TNT, Ça Marche prosigue una investigación donde los niños tomarán la palabra para comunicar al público acerca de la dificultad de dejar el hogar, de crecer y de enfrentarse al mundo.


Autor: Nico Jongen i Oriol López
Dirección: Nico Jongen
Dramaturgia: Oriol López
Movimiento: Joaquín Collado
Escenografía: Albert Ventura
Vestuario: Carmen Triñanes
Diseño de sonido: Marc Fernàndez
Intérpretes de la ciudad de Terrassa

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L’últim sopar

Atresbandes + Reckless Sleepers
20 to 23/12/2017 & 27 to 30/12/2017 – 20:30h

PREMIÈRE
NUEVAS ESCENAS
CATALUÑA
IDIOMA CATALÁN
90’
14€

La última cena es una performance en la que los espectadores están invitados a sentarse en la mesa con los intérpretes. Estos revisitarán las últimas palabras de héroes, estrellas y condenados a muerte, en torno a trece “últimos menús”.  Atresbandes es una compañía vinculada a la sala desde su primera temporada. Su investigación híbrida, la performance y el teatro, desdibujan los límites entre personaje y realidad. La calidad de sus propuestas la convierten en una de las compañías más singulares de la escena local.


Texto y dirección: Mole Wetherell
Adaptación: ATRESBANDES

 

 

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The Blue Room

Moreno Bernardi & Gigi Piscitelli
01 & 02/12/2017 – 20:30h & 03/12/2017 – 19h

PREMIERE
DANZA
ITALIA / CATALUÑA
60’
13€

LST reúne al coreógrafo Moreno Bernardi y al compositor Gigi Piscitelli para crear una pieza única inspirada en la película de culto Blue, de Derek Jarman. Una danza azul, tranquilizadora, irritante, que, a través de un collage sonoro y musical en directo, desvela un diario íntimo del cuerpo que baila. Moreno ha presentado sus dos trabajos anteriores en Hiroshima, donde también desarrolla sus workshops de manera periódica. LiveSoundtracks ha presentado el ciclo de bandas sonoras en directo “Poetry in the Darkness”.


Curaduría: LiveSoundtracks (LST) | MEp – Moreno Bernardi
Danza/ coreografía: Moreno Bernardi
Música: Gigi Piscitelli
Espacio: MEATS ELISAVA
Sonido: SAE
Vestuario: ESDI
Producción: LST- MEp

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Domando a Pinball

Teresa Navarrete
26/11/2017 – 19h

PROYECTO CIRCULA
DANZA
ANDALUCÍA
55’
13€

Como en las máquinas de Pinball, en las que la bola va de un sitio a otro con un impulso enorme, que a veces es retenido y “domado” por los obstáculos que se va encontrando, Pinball, el “domador de impulsos” , también se encontrará con esos obstáculos que lo harán reaccionar de una u otra forma.
Los impulsos pueden dar la cara con una fuerza atronadora. Esos deseos ocultos, que todos tenemos, obligan al impulso a emerger y expandirse por todo nuestro interior, hasta que sale como la lava indomable de un volcán.

Tener deseos es algo que nos humaniza, que nos hace vulnerables y frágiles, pero a la vez nos da fuerza. Para hacer frente a esos deseos necesitamos del impulso, de ese pequeño salto al vacío que nos empuja a adentrarnos en el deseo y a conseguirlo o, al menos, a intentarlo.

“El impulso progresa a un querer; el simple querer a deseo; el deseo a un anhelo incontrolable”.
“No hay pasión en la naturaleza tan demoníacamente impaciente como la de aquel que tiritando al borde del precipicio, considera la idea de la caída, o la del que medita sobre la pregunta: <<¿Estoy enfermo?>>.
Edgar Allan Poe.

 

El bloque central del equipo está compuesto por dos creadores procedentes de diferentes corrientes de la escena. Teresa Navarrete (coreógrafa, bailarina), Miguel Marín (músico y compositor) confluyen y trabajan bajo unos parámetros comunes de creación, docencia y exhibición escénica. Tras el primer encuentro en 2006 hasta hoy en día, la actividad de los dos creadores ha ido sumando nuevas pautas creativas, tanto de manera conjunta como en solitario, aunque siempre bajo características similares en cuanto a conceptos y estética.
Esta actividad ha tenido su eje principal en la creación y exhibición. Han generado diferentes piezas experimentando y jugando con el uso de lenguajes artísticos como el movimiento, la música, la palabra o el vídeo-arte. Estos procesos de creación, investigación y exhibición han desembocado en un amplio abanico de propuestas: espectáculos de danza, danza-teatro, conciertos, recitales, cortometrajes, vídeo-creaciones, bandas sonoras, etc. Este trabajo ha sido fruto también del contagio creativo con otros profesionales que, han formado parte del equipo de trabajo, como Nando Pérez que estuvo en los tres primeros proyectos y María M. Cabeza de Vaca que ha estado presente, como asistente de dirección y movimiento, en los dos últimos trabajos, puntualmente otros creadores han ido apareciendo y colaborando recíprocamente en diversos proyectos.
Varios espectáculos de la compañía han sido galardonados con Premios PAD de la Danza en Andalucía, que entrega la Asociación de Profesionales de la Danza de Andalucía.
En la edición de 2010, obtuvo el Premio a mejor composición original por el espectáculo “Fragile”.


“Otra manera de encontrarse”: mejor espectáculo, mejor dirección, mejor intérprete femenina, mejor composición original y mejor diseño de iluminación.
“Salón Otto”: mejor espectáculo de sala, mejor dirección, mejor coreografía, mejor diseño de espacio sonoro/composición original, mejor diseño de iluminación.
Fuera del marco de la compañía Teresa Navarrete y Miguel Marín, junto con la bailarina y creadora María M. Cabeza de Vaca, crean “Welcome to The Montgomery Experience”, una propuesta de Miguel Marín, con este espectáculo también consiguen diferentes premios PAD, mejor dirección, mejor espacio sonoro/composición original, mejor espectáculo de sala y mejor diseño de iluminación.
Junto a la creación, otro de los pilares de Compañía Teresa Navarrete es la docencia, la transmisión de los lenguajes que maneja este colectivo, a través del movimiento, la palabra y la composición musical. Teresa Navarrete ha impartido talleres, clases magistrales y cursos en múltiples centros de creación y formación escénica a lo largo de su carrera; de igual modo, Miguel Marín ha impartido talleres de composición y utilización de soportes electrónicos.


Creación e interpretación: Miguel Marín, Teresa Navarrete.
Asistente de dirección y movimiento: María M. Cabeza de Vaca.
Música en directo: Miguel Marín
Diseño de iluminación y técnico: Benito Jiménez

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Wreck – List of extinct species

Pietro Marullo
16/11/2017 – 20:30h

DANZA – TEATRO DE OBJETOS
SIN TEXTO
45´

Lista de especies extintas es un desempeño interdisciplinario que incorpora el movimiento, el sonido y las artes visuales. Un inmenso plástico negro como una escultura blanda (como una almohada) y la inflación de aire, se mueve en el espacio. Como un cazador. Este objeto es abstracto y tiene un poder evocador. Traga y escupe seres humanos, cuerpos desnudos; podríamos considerarlo como una alegoría de Leviatán y un monstruo legendario submarino, una metáfora del capitalismo, y las mismas condiciones humanas. Tiene el poder de amplificar la imaginación de quién está observado y de quién realiza la práctica, la acción directa en katarsis, de multiplicar asociaciones y capas conceptuales.

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A Mary Wigman Dance Evening

Fabián Barba
11/11/2017 – 20:30h & 12/11/2017 – 19h

ECUADOR
SIN TEXTO
60′

En col-laboració amb el cicle Hacer Historias de La Poderosa.

Choreographen der Zukunft

En esta pieza que recibió el premio Jardin d’Europe, Fabián toma como punto de partida las performances que la icónica bailarina presentó durante su primer tour en América (1930-1931). Sirviéndose de los vídeos donde vemos a Wigman bailar y de otras fuentes (fotos, textos y críticas de prensa), el artista reconstruye 9 solos que conforman un valiosísimo documento coreográfico, y que nos hablan de la Historia de la danza contemporánea como una historia personal y colectiva a la vez.

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Una introducción

Olga de Soto
09 & 10/11/2017 – 20:30h

CICLO HACER HISTORIAS
DANZA
BRUSELAS
70’

Olga de Soto prosigue su trabajo de investigación coreográfica cuyos vectores principales son la historia de la danza y la percepción, dirigiendo su mirada hacia La Mesa Verde, obra del coreógrafo alemán Kurt Jooss, estrenada en 1932, pocos meses antes del ascenso de Hitler al poder en Alemania, inspirada en una danza macabra de la Edad Media y considerada una de las obras políticamente más comprometidas del siglo XX, en la que el coreógrafo denuncia el auge del fascismo y la guerra.

¿Qué recuerdan de una obra escénica aquellos que han realizado un espectáculo hace mucho tiempo, o aquellos que permiten, gracias a su labor, que continúe existiendo hoy en día? ¿En qué consiste el trabajo de transmisión? ¿Qué es ser intérprete, bailarín? ¿Cuál es el sitio que ocupan y el papel que juegan los bailarines en la historia de la danza? ¿Cómo evoluciona una obra dentro de su propia historia? ¿Y en el seno de la Historia? ¿Qué impacto tiene una obra políticamente comprometida en la memoria del público?.

En un escenario desnudo, acompañada de una pantalla en la que son proyectados vídeos e imágenes de archivo, Olga de Soto relata su trabajo de investigación en torno a la obra mítica del coreógrafo alemán, compartiendo hallazgos inesperados, recogidos a lo largo de un camino dramatúrgico rico que se articula en dirección de una memoria colectiva emocionante.

Una Introducción ha sido traducido a nueve idiomas diferentes y presentado en numerosos teatros y festivales en Alemania, Bélgica, Francia, Holanda, España, Portugal, Italia, Austria, Polonia, República Checa, Finlandia, Suecia, Brasil, México, Chile.

En 2013 Olga de Soto ha recibido el Premio de la SACD Bélgica — Sociedad de Autores y de Compositores Dramáticos belga, en la categoría de Artes Escénicas, por el conjunto de su trayectoria y en particular por su trabajo de investigación y de creación en torno a La Mesa Verde, de Kurt Jooss.

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Guintche, danza indómita

Marlene Monteiro Freitas
03 & 04/11/2017 – 20:30h

LA CABOVERDIANA ABRE/DESPLIEGA LA MAGIA DE UNA DANZA SALVAJE. EN GUINTCHE TODO ES CUESTIÓN DE IMPUREZA, DE INFIERNO Y DE PARAÍSO.

“Esta pieza deriva de una persona que dibujé como recuerdo de un concierto. Lo llamé Guintche y mientras tanto creció, adquirió vida propia, autonomía, se rebeló”

Guintche es una palabra en lengua criolla cabo-verdiana; Es el nombre de un pájaro, el nombre de una prostituta, pero también puede ser una actitud, la de alguien que salta de un acontecimiento a otro, carente de coherencia en sus elecciones. A través de su estructura contra-intuitiva, Guintche responde como una escultura de cera: se funde, se solidifica, frena, cambia de forma … Sin embargo, mantiene la misma naturaleza, es decir, sigue siendo la misma cera.

La danza de Marlene Monteiro Freitas es exultante. Sola en escena o asociada a otros intérpretes, ella desprende flujos de energía, se transforma, se multiplica. En (M)imosa, un espectáculo realizado en colaboración con Trajal Harell, François Chaignaud y Cecilia Bengolea, esta joven caboverdiana afincada en Lisboa, que pasó por la P.A.R.T.S., la escuela de Anne Teresa de Keersmaeker, rueda, bigotuda y con el torso desnudo, con un look y un contoneo a lo Prince. Hay algo de demente, de irreprimible, en la empresa de Marlene Freitas con su solo Guintche. Comenzando por su duración. Un desafío. Todo sucede entre la parte baja y la parte alta del cuerpo. La baja se entrega a la mecánica repetitiva de un contoneo de la pelvis, al acento posiblemente insular, exótico, pero también anclado en el implacable bucle musical que la sostiene. Y luego la parte superior.

Sólo vemos su rostro, y su espantosa declinación de mímicas, de muecas, de deformaciones perpetuas; puros motivos de metamorfosis permanente, liberada de toda expresividad psicológica. Este morphing en vivo magnetiza como un trance visual. Y resulta vano buscar el modelo original de un rostro estable y tranquilizador. Este vértigo traslada a las mejillas algunas cuestiones hoy determinantes en la interpretación y que no se reducen ni al teatro, ni a la danza, ni siquiera a la performance. Esta audaz exploración hace renacer eso que cada uno ve con la imaginación.

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RETRATO DE UN MOSTRUO (edición I)

Ayara Hernández Holz

27 & 28/10/2017 – 20:30 h

DANZA / TEATRO DE OBJETOS
URUGUAY
45’ 

Retrato de un monstruo es una obra de cuerpos sin cuerpos, de hombres-bicho que se mueven en una jungla de sonidos, objetos y otros seres que se atraviesan sin acuerdo, sin contrato. En el escenario existe una tensión constante entre ser un cuerpo, tener un cuerpo e inventar un cuerpo; entre lo que se muestra, lo que se esconde y lo que está a punto de aparecer. En esta obra los performers, la escenografía, la luz y el sonido cohabitan con los otros sin armonía, desde sus diferencias.

Ayara Hernández Holz estudió danza y coreografía en Uruguay, en European Development Center / EDDC en Países bajos y obtuvo su maestría en Práctica de las artes contemporáneas y diseminación / MACAPD en L’animal a l’esquena, en colaboración con La universidad de Gerona, Dargtinton College of Arts y MASKA Institute.

Crea sus propias obras en colaboración con el coreógrafo y performer Felix Marchand y artistas invitados bajo el nombre LUPITA PULPO.

Ayara ha trabajado también en obras de Cris Blanco, Begüm Erciyas, Diego Gil, Angela Schubot/TWO FISH, Irina Müller, Liisa Pentii, Florencia Martinelli, Tamara Cubas, Carla Zacagninni, entre otros.
Vive y trabaja entre Berlín y Montevideo.

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