TA GUEULE

DANZA / PERFORMANCE / TEATRO – ESP – 90’ aprox. – text

¿Qué podemos hacer para no arruinar la infancia con todo nuestro lenguaje? Así es como nos planteamos nuestra segunda parte de la triologia del hijo, Ta gueule. Encontramos un grupo de niños en escena; ellos una invitación a tener voz, a mostrarnos cómo consiguen hacer sentido del mundo, cómo se construyen un cuerpo, cómo escriben y cómo crean. Ante lo fascinante del hacer del niño y su juego, Ta gueule responde escéptico. Reconocemos nostálgicamente eso que creemos perdido y nos preguntamos qué podemos hacer para no legar esa nostalgia, para no cargar a los niños con el peso de su propia imagen. Delante de nuestros ojos incrédulos y desfantaseados, Ta gueule nos enfrenta con el mundo potente, siempre inacabado y siempre por escribir de los niños.

Ça marche es un colectivo fundado en 2015 con base en Barcelona y Bruselas. Su objetivo es desarrollar piezas de creación que partan del diálogo necesario entre el teatro, la performance y la danza. Se trata de un intento de encontrar una forma propia que hable de nuestra contemporaneidad, lidiando con sus contradicciones irreconciliables y sus derivas. En sus piezas tratan de revisar la relación entre artesanía, técnica, ready-mades y los signos y referentes colectivos. Piensan que sólo reconociendo la actual escritura de los cuerpos, gestos y discursos, refieriéndolos como documentos vivos, sólo así podrán empezar a estilizarlos y a enmarcarlos. Ça marche fue fundado por el director Nico Jongen y el dramaturgo Oriol López. Colaboran frecuentemente con el coreógrafo y balarín Joaquín Collado, con Albert Ventura, escenógrafo y con varios artistas plásticos y músicos.

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#SIGNO5 : Ça Marche vuelve a Sala Hiroshima

“Una palabra de bienvenida.

Didi-Huberman dice que el artista es un inventor de lugares. Les da forma y carne a espacios improbables, imposibles, o impensables: aporías, fábulas tópicas. Ça Marche va en busca de su propio lugar y de proponer sus lugares, sus formas y sus carnes.

Para Ça Marche, son los espacios en fuga entre la danza, la performance y el teatro los que nos permiten ir con todo nuestro ser al lenguaje, “heridos de realidad y en busca de realidad”. Un amaestramiento de la vida a través de la escritura escénica.

En 2015, después de tener la necesidad de encontrar un espacio de creación e investigación de la escena y los límites del teatro, fundamos Ça marche. La compañía, formada por creadores de diferentes disciplinas, pretende aproximarse a la escena de una manera irreverente y explorar todos aquellos espacios negativos y de fuga en el teatro. Ça marche está convencido de que si queremos hablar de nuestra contemporaneidad, debemos contemporanizar la escena y reflexionar sobre los elementos críticos de nuestro momento: los cuerpos y el movimiento, los discursos sobre el individuo y la comunidad y todas aquellas cuestiones sobre la virtualización de la experiencia y el alejamiento de lo real”.

La compañía regresa a Hiroshima la próxima semana para presentar Ta Gueule.

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BANG BANG

DANZA -50′

“bang bang” es un objeto escénico de danza de un valiente solista que gira en torno a la noción de la resistencia. La pieza establece la partición como un reto, y cuestiona la idea del rendimiento en sentido literal y figurado, desde el espacio de la representación hasta la metáfora de nuestros ritmos occidentales contemporáneos. Poco a poco, el sudor comienza a gotear, las grietas se hacen más evidentes, y la intimidad de un cuerpo danzante se comienza a entrever por la transparencia. El artista intérprete sigue bailando hasta la alienación, hasta no saber por qué ni cómo, ni la necesidad de estar aquí ahora. El público viaja empáticamente a través de esta cinética como un valioso testigo.
Sin narrativa. Sólo un cuerpo, vivo, frente a la exaltación de un reto donde el placer y el sufrimiento revelan la complejidad de la existencia en un espacio paradójico, ambiguo y de múltiples capas.

Creación de Cie Manuel Roque coproducido por Festival TransAmériques.

 

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UM AO MOLHE

 MÚSICA – PORTUGAL – 150’ aprox. – text

“UM AO MOLHE 2017 ya ha empezado. De febrero a abril, el festival itinerante de One-Man-Bands llevará a más de 50 artistas a más de 50 lugares diferentes. En la Sala Hiroshima de Barcelona hemos seleccionado 3 One-Man-Bands en gira con el festival (O Manipulador | Surma | Tren Go! Sound System) y un artista solista que actualmente vive en Barcelona (Jorge da Rocha)

“UM AO MOLHE, el festival ambulante de One-Man-Bands está de nuevo en la carretera entre febrero y abril de 2017. Viajará a través de Portugal, España y Francia y muestra los solistas más frescos alrededor. Así que si ves una camioneta llamada Katia o un coche que se parece a una rana, ambos con volumen máximo y lleno de material de música, viene a nosotros, habrá One-Man-Bands haciendo la fiesta.

Hemos estado viendo en Portugal a un auge de estas voluntades individuales para expresarse a través de la música y creemos que vivimos en una especie de edad de oro de la música portuguesa. Nuestro interés es demostrar a algunos de los mejores artistas emergentes alrededor, mezclándolos con creativo-Man-Bands locales a lo largo del camino, siempre que sea posible.

Esta idea nos lleva a crear en 2015 ‘UM AO MOLHE, festival itinerante de One-Man-Bands’, que nos encantaría verlo ir donde hubiera la voluntad de acogerlo. Los primeros dos años fueron muy bien, superando nuestras mejores expectativas.

Hemos sido muy bien recibidos por las entidades asociadas, promotores y artistas, lo que ha resultado en casi 350 conciertos organizados y comisariados por nosotros (incluyendo alrededor de 10 etapas de festivales de verano). Llevamos a UM AO MOLHE a más de 50 ciudades diferentes, 70 salas de conciertos y trabajamos con más de 100 bandas de un solo con las que incluso organizamos unos pequeños talleres/masterclasses en el camino.

O Manipulador – Proyecto de bajo, efectos, loops y voces de Manuel Molarinho. Influenciado por bandas de rock alternativo y éticas DIY.

Surma – La one-woman-band de Débora Umbelino, donde keybords, samplers, cuerdas y electrónica dan vida a paisajes exóticos y sonidos que viajan del jazz al post-rock, del pop al noise.

Tren Go! Sound System – Una one-man-band de rock psicodélico. Un viaje a través de la guitarra eléctrica de Pedro Pestana y una amplia variedad de sonidos inesperados.

Jorge da Rocha – Contrabajo, voz, percusión y una loopstation en manos de un solo músico, presentando una mezcla de sus propias composiciones y interpretaciones personales de de algunas canciones inmortales.

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#SIGNO4 : Cie Manuel Roque en Sala Hiroshima

Manuel Roque se caracteriza por “un gusto natural por temáticas de lo absurdo, la nada, el desequilibrio, los estímulos desarticulados, las zonas grises, los materiales sucios (…) que tiñen generalmente sus impulsos creativos. Su transcurso artístico conjuga una poética minimalista y una objetividad de lo físico exacerbada, sucia, virtuosa, que pone en valor al humano, con sus dudas, sus impulsiones cinéticas; sus zonas de sombra y su sed de luz.”

“Manu se interesa por el mestizaje de los lenguajes contemporáneos, a través de la exploración de nuevas escrituras escénicas. Así, trata de renovar su proceso de creación en función de los proyectos, para evitar métodos prefabricados, y sumergirse en el riesgo tanto sobre el plano de la forma como sobre el fondo de la misma.”

“Su universo creativo se interesa por lenguajes contemporáneos y pone a danzar una virtuosidad cinética adjunta a un cuestionamiento polimorfo sobre la condición humana contemporánea.”

Manu funda la Cie Manuel Roque en julio del 2013, y crea entonces el proyecto In situ para el centro público Place des Arts de Montréal, en enero 2014. El solo Data (2014) se interesa por la mutación de la materia y fue difundido en l’Usine C, además de, a continuación, tomado en el FTA 2015 y el June Event Festival (París). Data fue exhibido en enero del 2016 en Hiroshima. Ahora, en abril de 2017, Manuel regresa a la sala con su último trabajo, bang bang.

 

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ALL IN

ARTISTA RESIDENTE – CREACIÓN ESCÉNICA – 60’(espectáculo en ingles subtitulado en catalán)

ALL IN presenta el recorrido de un individuo por diferentes mundos inspirados en la expresión inglesa que pone título a la pieza. Una discoteca, una escuela de inglés, un programa de autoayuda y un almacén. Estos mundos son la representación poética de las crisis existenciales por las que un individuo pasa por el simple hecho de serlo. En ellos se explora la dificultad de convertirse en una persona única con personalidad propia en una de las sociedades más individualistas (occidente). La pieza es un contenedor donde se mezclan diferentes estímulos y funciona como un tránsito a través de lugares, realidades y vivencias comunes, reconocibles y compartidas, impuestas, aceptadas y celebradas.

Atresbandes trabaja en las fronteras entre teatro y performance, entre personaje y realidad.

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#SIGNO3 : Atresbandes en Sala Hiroshima

Este triángulo nace del encuentro artístico y personal de Mònica Almirall, Miguel Segovia y Albert Pérez Hidalgo. En el año 2008 y dentro del entorno del lugar común de formación (Institut del Teatre de Barcelona) los tres deciden comenzar un proyecto juntos. El grupo crece y se desarrolla a la vez que lo hace la capacidad evocadora de sus integrantes. Influenciados por una cantidad indigerible de disciplinas y referentes propios de la cultura occidental, el grupo se caracteriza por una única constante en sus proyectos: abogar por un teatro laboratorio donde el proceso de creación colectivo es fundamental. El buen entendimiento es uno de los vértices de este triángulo, pero también lo son la duda y la incertidumbre. Procuramos poner en cuestión todo lo que nos rodea. Este es el único motor que conocemos para acercarnos al teatro contemporáneo.

Atresbandes presentará All In del 29 de marzo al 2 de abril en Hiroshima.

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#SIGNO2 : Aina Alegre en Sala Hiroshima

Nacido en 1986 en Barcelona, ​​Aina Alegre desarrolla su trabajo artístico como coreógrafa, bailarina y actriz.

Después de la formación multidisciplinar de Barcelona combina la danza, el teatro y el canto, se unió, en 2007,  a la CNDC bajo la dirección de  Emmanuelle Huynh.

Desde 2009 desarrolla su propio trabajo artístico. En el cruce de diferentes  disciplinas del cuerpo,  la actuación, la creación de vestuario, sonido y materiales ligeros, ella piensa que la coreografía como un espacio de fricción de reinventar el cuerpo, un proceso también vinculado a el deseo de diálogo en el lenguaje cinematográfico y el lenguaje coreográfico.

En 2009 fue co-firmar el dúo SPEED y en 2011 se creó el show LA MAJA DENUDA DICE, esta propuesta lleva a la creación de la pieza NO SE TRATA UN DESNUDO mitológica en 2012.

En 2015 se creó la pieza DELIGHTS y rendimiento El día de la bestia // Primera cita.
Mientras tanto, ella está trabajando como intérprete con Lorenzo di Angelis, Betty Tchomanga, Fabrice Lambert, Río Enora, David Wampach, Vincent Macaigne Nasser Martin-Gousset, Jean Anouilh, Isabelle catalán, Rafael Holt y Katalin Patkai.

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NO SE TRATA DE UN DESNUDO MITOLÓGICO

DANSA/ ATLETISME- 45′- Text

El projecte coreogràfic No se trata de un desnudo mitológico és un treball físic inspirat dels cossos de gimnastes, atletes, majorettes… una proposta on s’explora la noció de fanatisme físic. 

La peça posa en escena un  “circ del cos”  basat en una sèrie de postures i estats físics creats a partir d’un treball sobre la contorsió, la contracció muscular, la potència física o el registre expressiu.

Aina Alegre desenvolupa el seu treball artístic com a ballarina, coreògrafa i performer.

Estudia una formació multidisciplinària de dansa, teatre i cant i seguidament estudia al Centre Nacional de la Dansa Contemporània (CNDC) a França, on coneix diferents artistes i coreògrafs que alimenten la seva cultura coreogràfica

Des del 2009 desenvolupa el seu propi treball artístic. S’interessa en les pràctiques relacionades amb la creació i la intersecció de diferents disciplines. Ella pensa la coreografia com un espai de fricció per reinventar el « cos », i la « dansa » a partir d’una escriptura coreografica, sovint alimentada per matèries plàstiques, sonores i cinematogràfiques.

El 2014 crea l’associació STUDIO FICTIF.

Paral.lelament, des del 2010 col.labora com a intèrpret amb diferents coreografs, amics, directors de teatre i de cine.

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OFERTA DE FORMACIÓN DISCONTÍNUA

OFERTA DE FORMACIÓN DISCONTÍNUA @ HIROSHIMA

 Hiroshima presenta su nueva Oferta de Formación Discontinúa, basada en el movimento. De Marzo a Septiembre diferentes pedágogos y artistas impartiran talleres. Carlos María Romero propone Vogue-Chi, una fusión entre la danza urbana Vogue y la disciplina oriental Tai Chi. La companyia de danza Humanhood presenta una técnica basada en el sonido, el movimiento y la técnología aplicada a la escena en Humanhood Journey. Lali Ayguadé plantea una reflexión en movimiento sobre la transformación en U AN MI y Moreno Bernardi vuelve con MBA #3 y su estudios sobre la biomecánica bajo la témática de El Héroe.
VOGUE-CHI by Carlos María Romero

17 de Marzo – 17 a 19h
18 de Marzo – 11 a 13h

Vogue-Chi combina movimientos y elementos de la cultura del Voguing* (una familia de estilos de danza y performance inspirados en la moda) y principios del Tai-Chi para crear una práctica meditativa que es dinámica y autoafirmativa a la vez. Vogue-Chi es una terapia de movimiento queer que utiliza herramientas como el formato de pasarela característico del Voguing, la reclamación de palabras y reapropiación del insulto para aprender a manejar energía, y la flexión de distintas performatividades sociales. Vogue-Chi facilita un espectro de principios espirituales desarrollados históricamente por las personas con orientaciones sexuales e identificaciones de género diversas para participar y comprometerse positivamente con la vida y superar situaciones de opresión institucionalizada, invisibilización y abuso.

Humanhood Journey by Humanhood

30 de Abril – 11 a 15h

Humanhood Journey es un workshop de 4 horas intensivas dedicadas a la investigación y el desarrollo de la práctica de movimiento de Humanhood… Vamos a expandir el tiempo, despertar la imaginación y elevar ritmos. Ven a sumergirte en 360 grados de paisaje sonoro alrededor de ti, sigue tu viaje interno a través de Humanhood y expándelo en el espacio.

U AN MI by Lali Ayguadé

15 – 19 de Mayo – 16:00 a 20:00h

El taller está enfocado a la TRANSFORMACION de cada persona y del grupo; en la diferencia de cada individuo y como a través de esto los otros son capaces de transformarse. La fiscalidad predominará pero habrá mucha teatralidad. A Lali le interesa mucho el movimiento, “su abstracción dentro de lo concreto para que coja un sentido, pero un sentido alomejor surrealista! Habrá ritmo, voz y movimiento. Este taller está abierto a actores, bailarines y gente de circo. Cuanta más mezcla mejor. En el workshop daré un calentamiento y luego habra mucha improvisación.” 

Atelier MBA #3 by Moreno Bernardi

Del 21 de agosto al 2 de septiembre. Muestra de los resultados el 3 de Septiembre.

Por la personalidad multifacética artística de Moreno Bernadi y su interés activo y continúo por la composición y el análisis del material formal, así como por el desarrollo de las habilidades interpretativas y hacedoras de un trabajo teatral, sus laboratorio siempre se han caracterizado por una libre y conducida colaboración con interesados a la experiencia y a la metodología de Moreno, los participantes han podido convivir con dibujantes, músicos, escritores … que de simples asistentes a la vivencia se volvían rápidamente en otra forma de intervención, abriendo así las puertas al diálogo entre las artes, las disciplinas, los intereses, y conviviendo orgánicamente en el tiempo y en el espacio con una común investigación, que se diferencia por la especificidad de cada conocimiento con respeto a la lógica de asunción de la materia y a la percepción de lo que el laboratorio permite descubrir.

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