THE EXPLODING PLASTIC FEST

The Good Good & Empiric presentan este happening improvisado o caos controlado de música y artes del movimiento.
“Vamos a concentrar el máximo de energía y a generar la máxima radiación electromagnética posible a través de la revolución de los cuerpos y de ondas de altísimo voltaje. Queremos que los músicos, performers, bailarines, coreógrafos y público inquieto que se preste a nuestro experimento generen una explosión de tal magnitud que su impacto llegue a Tokyo, en Nueva York, en Estambul o Kuala Lumpur, o como poco, que a todos los que lo vivan se los deje una impronta tan profunda que no la puedan olvidar”.

Este PROTOCOLO# se concibe como un espacio abierto de creación, de discusión y de experimentación interdisciplinaria entre artistas del movimiento y de la música. A través de una sesión de composición intensiva de un día de duración, un grupo de 6 artistas pondrán en relación su conocimiento y su práctica para generar un resultado que será expuesto al público al final del día. El proceso no está dirigido, pero el grupo trabajará bajo unas normas de juego propuestas por EMPIRIC y partirá de una temática que será común al resto de intevencions artísticas del festival. Este PROTOCOLO# es un espacio de encuentro y de libertad para establecer nuevos puentes de comunicación con la creación.

The Good Good es una entidad recientemente creada de programación, promoción y producción artística – cultural de música y sus conexiones con otras disciplinas artísticas contemporáneas (artes visuales, artes del movimiento, performance), especializada en el arte emergente, la creación y la proyección artística. Nuestra línea artística se fundamenta en la exploración y la muestra de proyectos que usan la improvisación como camino creativo.

Empiric es una plataforma de experimentación escénica creada por Sonia Fernández Lage y Anna Romero, y que centra sus intereses en la promoción y dinamización de la creación, la reflexión, la investigación de nuevos procedimientos y el establecimiento de sinergias entre artistas. EMPIRIC genera nuevos espacios de confluencia, de trabajo y de pensamiento, priorizando la libertad en la escena, el juego con las metodologías y el cuestionamiento de la creación. EMPIRIC crea un contexto de reflexión para abordar varias cuestiones transdisciplinàries de la creación desde el cuerpo como lugar primigenio de la acción.

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MOSTRA FIRE!! DE CINE GAI I LESBIÀ DE BARCELONA

Una sesión de 90′ muy especial de cortos estéticamente contundentes o que nos hacen pensar; unos trabajos alegres, introspectivos o divertidos. La Mostra FIRE!! es el primer festival de cine de temática LGBT creado en nuestro país, en 1995, por el Casal Lambda de Barcelona. Aborda la diversidad afectiva en su sentido más amplio a través de una cuidada selección de largometrajes, documentales y cortometrajes. Cine de calidad, películas de autor y enfoque educativo son sus principales señas de identidad.

Superbia, Luca Tóth. Hungría / República Checa / Eslovaquia, 2016. 15’

Silly Girl, Hope Dickson Leach. Reino Unido, 2016. 5’

La tapette, Ricky Mastro. Francia, 2016. 9’

Cantando en las Azoteas, Enric Ribes. España, 2017. 5’

O Último Dia Antes de Zanzibar, Marcio Reolon, Filipe Matzembacher. Brasil, 2016. 22’

Lying Women, Deborah Kelly. Australia, 2016. 4’

The Last Leatherman of the Vale of Cashmere, Greg Loser. EEUU, 2016. 14’

20 mètres d’amour à Montmartre [20 metres d’amor a Montmartre], Pierre Gaffié. Francia, 2014. 5

Plasma Vista, Sarah Cockings, Harriet Fleuriot. Reino Unido, 2016. 8’

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#SIGNO10 : Fly Global

“En este momento en que las obras transdisciplinarias se han convertido en norma, ​​la fusión de las artes escénicas y la tecnología ha formado de modo natural un camino para los artistas que miran a la sociedad moderna buscando significados de la vida. Como organización que ha apoyado incesantemente la creciente industria creativa de Taiwán, la Fundación Nacional de Cultura y Arte (NCAF) ve la dinámica de estos trabajos innovadores y experimentales como una oportunidad para que nuestros talentos locales brillen en la escena internacional, lo que llevó a la idea de construir una plataforma que les permita ser vistos a nivel mundial; de ahí nuestro nombre: Fly Global Project.”

Fly Global representa a los artistas Ping-Sheng WU y LAI Tsung-Yun.

LAI Tsung-Yun es un artista con bagaje del diseño industrial, graduado en Arte en Nuevos Medios. Actualmente es uno de los comisarios de Lacking Sound Festival, en Taipei. Comenzó su carrera con trabajos audiovisuales que examinan el sentido de la vida. Sus trabajos más recientes se centran en la producción y el consumo en la sociedad capitalista, y pretende crear un nuevo medio de reproducción a través de darle la vuelta a la relación entre productores y consumidores.


Sobre LAI Tsung-Yun

Ha sido, desde 2013, comisario del Lacking Sound Festival que es el más prestigioso festival de Taiwán en arte del sonido. En su décimo año, el Lacking Sound Festival ha organizado más de cien actuaciones diferentes desde 2007. Dicho festival promueve los eventos del arte del sonido en Taiwán y colabora activamente con artistas del extranjero.

La mayor parte del trabajo artístico de LAI ha sido performances de video y sonido experimental. Sus obras se han centrado en la cualidad física de las culturas populares y la transformación audiovisual de los ritos locales. En los últimos años LAI ha grabado rituales taiwaneses. Sus trabajos representan la desaparición del universo metafísico en la sociedad moderna a través de representaciones audiovisuales de estados chamánicos en sus vídeos.


Sobre Ping-Sheng WU

Ping Sheng WU reside en Taipei. Trabaja con una serie de prácticas artísticas asociadas al sonido como instalaciones, composición de música para películas, y sonidos experimentales y actuaciones electroacústicas en directo. WU se centra en los sonidos que existen en la vida cotidiana para sus creaciones auditivas, y explora el desarrollo del sonido a partir de esas experiencias. Mediante la observación de los sonidos físicos que tienen lugar en su entorno y a través del análisis de éste con procesos digitales, sigue ampliando su visón del sonido.

La islación proviene de la idea de isla y de isolación. El tema visual central consiste en la instalación del artista taiwanés ZHANG Xu-Zhan de ofrendas funerales. El proceso de quemar los objetos hechos de papel como ofrenda a los antepasados y a los espíritus es un elemento fundamental en la tradición religiosa taiwanesa. Se dice que es el puente entre los vivos y los muertos. A través de algoritmos de modelado en 3D y movimiento de cámara realizados por Zhang, junto con un un poético paisaje de sonidos, Ping-Sheng WU crea el trabajo audiovisual Islación, representando la evolución de nacer-morir después del big-bang.

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TRANSONIC (FLY GLOBAL & SANG RECORDS)

Aprovechando el mood electrónico que se respira en Barcelona durante estas fechas, Fly Global (Taiwán) y Sang Records (Catalunya) presentan Transonic. Un encuentro y showcase intercultural con 3 propuestas de un gran grado de experimentación en el campo audiovisual. Será un evento temático con proyecciones de visuals y licores taiwaneses para que brindemos!

Ping Sheng WU

 

Hypnagogia

 

LAI Tsung – Yun

 

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NITS DE SANG: SESIÓN DOBLE DE INDUCCIÓN A NOSTALGIAS FUTURISTAS

Noia es el proyecto en solitario de Gisela Fullà Silvestre, productora, ingeniera de sonido y compositora nacida en Barcelona. En 2011 termina sus estudios en Berklee y se muda a Nueva York, donde reside actualmente tratando de equilibrar su carrera artística y profesional. Las influencias musicales y culturales de NOIA son innumerables. Todo, desde Dancehall a la música tropical o las texturas de las nuevas olas del r&b están presentes en su trabajo compartiendo espacio con la literatura y la teoría cultural de Cavafy, Olaf Stapledon y Byung Chul que se entrecruzan en sus letras cantadas en una mezcla de español e inglés. Albert Zaragoza es un artista multidisciplinar de Alicante. El perfil más conocido es el de Lenticular Clouds, proyecto con que actuó en el Sónar entre otros conciertos y festivales. En el ámbito de lo visual y gráfico ha participado en diversas exposiciones como: DADAonline (Zurich, 2017),
TheWrong bienal (Bienal online de arte multimedia, 2014) y en proyectos de netart como ‘cloaque.org’ o ‘VOIDS’. Albert Zaragoza es un artista que se mueve alrededor del arte digital, arte 3D, netart, así como a la producción musical.

Olde Gods es el proyecto formado por Pau Guillamet (Guillamino o Braqueberry según la ocasión) y Jami Bassols (ex-Aster y también en Hivern Discs con su alias JMII). Han publicado una trilogía de EPs en su sello Minor Planets, Tempel 7”, Shigatsu Kokonoka 10” y Haru Matsuri 12”. Han remezclado a Taragana Pyjarama, artista danés que publica en True Panther Records y  publicado digitalmente un edit de Julio Iglesias y un par de dj mixes, uno para Playground Studio Brussel (radio nacional Belga) y otro mix para el festival Sónar. En directo, han tocado en varios de los festivales en España, LowFest, BBKLive, SOS48, Villamanuela, Sonar, BIME, MonkeyWeek, Deleste así como en Bélgica (RedbullMusikElektropedia) y Holanda (Eurosonic). Tras publicar 2 temas sueltos el pasado verano de 2016 y enero 2017, preparan un nuevo EP para el sello holandés Atomnation, casa de Sau Poler, Applescal i Olfa Stuut entre otros. Vj Ayl proviene de una historia Cosmocomic, ‘Senze Colori’, escrita por Italo Calvino, que describe cómo el mundo era antes de la existencia del color. Cuenta la historia de cómo el personaje Ayl trae ‘suntuosidad abigarrado’ a un mundo por lo demás gris. Ayl nació de un profundo amor por la música y las formas de arte visual y experimentos con dibujo en vivo para explorar la relación entre la imagen y el sonido.

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FLIGHT RECORDER

El viaje de un emigrado y los accidentes y dificultades que encuentra en el trayecto hasta una nueva tierra, solo para comprender que todo lugar es igual, que todo lugar es no lugar. Álbum conceptual, destinado a llevar al oyente a través de una experiencia contextual, donde un subnivel de Foleys actúan como guía del viaje. La presentación en vivo es tratada como una experiencia donde el contexto, acompañado de diferentes métodos visuales, sirve como guía principal.

Proyecto que comienza en 2010 como una propuesta solista formada por Rafael Giner, músico y productor venezolano que después de publicar un EP con Tulio Chuecos en Venezuela en el 2009 decide mudarse a Barcelona. En 2011 comienza una formación de trío junto a un baterista y un artista visual (Tomás
Mena de Joystick y Julio Urbina de RGB Corp). El trío publica dos Ep´s, Live Session (2011) y Transfer (2013). En el 2014 comienza la producción de un nuevo álbum, el cual después de 2 años de desarrollo genera en una nueva formación de quinteto, donde varios músicos de diferentes grupos coinciden juntos, Leo Aldrey de NOKO WOI, Juan Berbín de SEWARD, Bernardo Rísquez de DIFFERENT FOUNTAINS y Ezequiel Serrano de CABEZÓN KEY.

El show está basado en 4 actos, así el público interactúa con lo que están viendo. Tienen el chance de participar durante toda la actuación escogiendo el orden de la historia antes de cada show, convirtiendo cada presentación en un evento único. Dividido en 4 paneles modulares, el diseño de escenario se basa en la estructura gráfica de las armonías y melodías del álbum. Estos se mueven durante cada acto y se adaptan a cualquier espacio.

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SI SABES LO QUE HAY

Si sabes lo que hay es un ritual delirante y agotador que nos confronta con lo que significa estar juntos. Invita a repensar lo común a través de nuestros cuerpos, afectando y dejándonos afectar. Una experiencia colectiva en la que el patetismo y la risa tendrán efectos catárticos e irreparables.

Barbara van Hoestenberghe y Ernesto Collado crearon en 2007 la Fundación Collado – Van Hoestenberghe (asociación con animo), un artefacto destinado a propagar desde los escenarios una visión del mundo optimista pero también crítica. La música, el movimiento y el humor han sido sus armas en piezas como De milagros y maravillas / La Conferencia Optimista, Nueva Marinaleda, y Constructivo (con Piero Steiner), entre otras. Ahora los artistas están practicando una aproximación a la realidad que ellos llaman realisticismo (el misticismo del día a día).

Ernesto collado presenta Si sabes lo que hay en Hiroshima, del viernes al domingo, con una sesión especial para familias el domingo a las 12:30,

Nos vemos en Hiroshima!

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GOLD DUST RUSH

DANZA – 55’ – texto

En Gold Dust Rush emprendemos un viaje visual y sonoro entorno al delirio, el delirio como un estado catártico, liberador y destructivo a la vez, fuente de luz y creatividad. Mediante la geometría y la repetición el cuerpo se fuga hacia imágenes desencajadas inspiradas del mundo común religioso, elevándolo más allá del comportamiento racional de la realidad terrestre. Así pues, como estrellas que mueren entre parpadeos, entramos en un lugar de pérdida máxima donde la complejidad de las conexiones aumenta creando un universo irracional, un estado que todos podemos compartir y que es necesario para nutrir el espíritu.

Eulàlia Bergadà en 2015 crea su propia compañía bajo su nombre para llevar a cabo diferentes trabajos. No se trata de una compañía cerrada, sino que sus intérpretes y colaboradores serán escogidos según las necesidades del proyecto pero un elemento muy importante que caracteriza sus obras de danza, es la creación conjunta con la música en directo, y desde hace tres años, ha creado un támdem con Aloma Ruiz, violinista.

Eulàlia se inicia en el mundo de la coreografía a raíz de su formación como bailarina e intérprete. Como coreógrafa y gracias a la plataforma creada quiere seguir desarrollando su lenguaje escénico, donde una de las constantes es la idea de que el intérprete es un canal expresivo entre el coreógrafo y el espectador, lo que requiere implicación creativa y capacidad de transformación a nivel autónomo. El cuerpo se libera a las imágenes del cerebro, mientras que la mente y el imaginario van acotando sus reglas para transformar las infinitas mecánicas corporales y llegar a coreografiar formas nuevas, específicas para cada obra. Por ello, en paralelo al trabajo de bailarina, siempre ha ido experimentando su universo personal a través del cuerpo y de la danza, pero no será hasta estudiar la Carrera Superior de Coreografía en el Instituto del Teatro de Barcelona que presentará piezas de gran formato.

Graduada en danza clásica y contemporánea, post-graduada por la cia IT Dansa, graduada en Coreografía del CSD (Carrera Superior de Danza) en el Intituto del Teatro de Barcelona, ​​desde hace tres años comienza a dirigir piezas propias con el propósito de desarrollar un lenguaje coreográfico y escénico personal. Ha coreografiado piezas propias como Verba Volant … por el Ballet Jove Mallorca en co-producción con el Teatro Principal de Palma (2013), Le Sacre 4 × 4 co-creación con Sabina Pérez y Elena Lalucat junto con los músicos del Conservatorio de Música de Terrassa en conmemoración al centenario de la obra original (2013). Junto con la violinista Aloma Ruiz, crea el laboratorio de música y danza con la pieza La Cochonnerie (escorxant creacions) que se estrena en SoloAra, La Pedrera de Barcelona (2013), es a partir de aquí que Eulàlia comienza a desarrollar un lenguaje propio entre el cuerpo del sonido y el cuerpo de la danza, dando lugar a tres piezas más, Flying Pigs estrenada el Graner y al Convento del Ángeles del Macba (Barcelona 2015) y en el Instituto del Teatro de Vic; The Sinners (2016) y Gold Dust Rush con quien gana el premio “Premi Institut del Teatre” con producción en el Festival Grec 2016 (Barcelona). También ha dirigido la obra de teatro Benaventurats ganadora del II Premio a Premis Bòtil, Mallorca (2010).

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NITS DE SANG: SESIÓN DOBLE DE INDUCCIÓN A LA MELANCOLÍA ELECTRÓNICA

PAUK es un músico electrónico de Barcelona. Enamorado de los knobs y los botones y adicto a los controladores, su música es una combinación de complejos breaks y excitantes melodías dando como resultado un balance perfecto entre tecnología y humanidad. Su trabajo ha sido editado en Discontinu Records (Barcelona), Enpeg (USA), Analog Industries (USA), Irreverent Music (Barcelona) entre otras. Ahora después de la edición de su primer banco de sonidos en Audiomodern (Grecia) está de vuelta con un nuevo LP, Melancholic Anger (Discontinu Records). EYESBERG serán los encargados de las visuales en una actuación que representa una auténtica colaboración audiovisual entre este colectivo artístico y Pauk. Eyesberg está formado Martina Ampuero y José Valiña, vídeo artistas y diseñadores de instalaciones inmersivas e interactivas. Este colectivo artístico ha combinado la creación y producción de obras en varios formatos, en espacios con medidas y características tales que les han permitido, después de estudiar técnicas, software y otras artes digitales, tener una nómina de trabajos extensa y de gran calidad, siempre de la mano con transformación tecnológica.


El camino de BLANALI en la música comenzó a temprana edad, primero como bajista autodidacta, al tiempo que entre experimentos caseros jugaba con distintas técnicas de grabación en cinta magnetofónica. En este punto su perspectiva de la música estaba influenciada por artistas tan diversos como Can, Gentle Giant, The Art Emsamble Of Chicago, Charles Mingus, John Cage, Sonic Youth y Stravinsky. En este panorama sonoro tan amplio se formó su sonido, que al pasar los años fue tornándose más y más permeado por la electrónica, artistas igualmente diversos como Plastikman y Future Sound Of London hicieron mella en su entender musical, y fue entonces que decidió reemplazar la instrumentación convencional por los secuenciadores y la síntesis de sonido. Andrés Carvajal es un antropólogo visual, que ha desarrollado varios proyectos documentales en diferentes partes del mundo, incluyendo Kenia, Tanzania, Senegal, Colombia y Centro America. En los ultimos años ha colaborado en proyectos visuales con varias bandas de musica en Barcelona. Junto con Blanali crearon el videoclip ʻBreathʼ.

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#SIGNO9 : Ernesto Collado y la Fundación Collado-Van Hoestenberghe

Barbara van Hoestenberghe y Ernesto Collado crearon en 2007 la Fundación Collado – Van Hoestenberghe (asociación con animo), un artefacto destinado a propagar desde los escenarios una visión del mundo optimista pero también crítica. La música, el movimiento y el humor han sido sus armas en piezas como De milagros y maravillas / La Conferencia Optimista, Nueva Marinaleda, y Constructivo (con Piero Steiner), entre otras. Ahora los artistas están practicando una aproximación a la realidad que ellos llaman realisticismo (el misticismo del día a día).

“En la Fundación Collado-Van Hoestenberghe practicamos un optimismo crítico basado en la creatividad y con el objetivo de generar espacios de resistencia. Es optimista porque inventa preguntas y sugiere nuevos caminos pero sin obviar la realidad, que no deja nunca de resultarnos fascinante.  Nuestros espectáculos celebran la contradicción y la complejidad humana.”

La compañía presenta, a principios de junio, la pieza Si sabes lo que hay en la sala Hiroshima.

 

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