Marta Galán propuso una práctica de creación escénica a partir de un archivo residual de contraejemplos escénicos. Marta invitó a los participantes a aportar «contraejemplos residuales de su catálogo escénico personal» para analizarlos durante las sesiones de trabajo.

Todo apuntaba y apunta a lo mismo. Al mismo deseo: soltar lastre. Quedarse con las manos y la cabeza libres para tomar distancia, para ver y revisar lo hecho hasta aquí pero también para divisar lo que está por venir. Divisar es una palabra que me gusta, porque significa ver a distancia aunque confusamente.

Lo que he hecho hasta aquí en el terreno de las artes escénicas no me sirve. No sirve. Lo considero fallido, material residual. Deshechos.

Este ejercicio brutal de autocrítica me ha dejado completamente en bolas. Así que, en mitad de todo este tsunami personal y profesional, pensaba que era un gran sinsentido hacer un taller en septiembre. Pensé que sólo tenía sentido hacerlo si lo planteaba desde este “deshacerse de”.

Y eso es lo que os propongo: quiero hacer con vosotros una práctica de creación contraejemplar a partir de los residuos de mi propia producción escénica.

Lo que me apetece es cederos (literalmente) todos los materiales escénicos (textos, imágenes, acciones, objetos, vestuario, músicas, reflexiones teóricas o formales, etc…) que ha formado parte de alguna de mis producciones para que hagáis con ellos lo que os plazca. Os los cedo en concepto de “residuo”. Pura basura residual. Mero contraejemplo para desechar sin más o con el que ponerse manos a la obra a trabajar. Se trata de materiales escénicos sucios, anti-estéticos, demasiado políticos o demasiado poco, poco técnicos, poco teatrales pero también poco performativos, brutos pero no lo suficiente, ni demasiado oscuros ni demasiado luminosos, excesivamente populares a veces, poco convencionales pero no del todo “modernos”… en definitiva: un anti-producto perfectamente contraejemplar.

Aquí tenéis una pequeña muestra de los tres días de trabajo intensivo durante los días 17, 18 y 19 de septiembre de 2010. 

Esta práctica de creación escénica se realizará durante dos días del mes de marzo coincidiendo y en colaboración con el Festival Internacional LP’11 organizado por La Porta.

COREOGRAFÍA: un problema a practicar

¿Cuáles son las condiciones que hacen NOSOTROS, como un problema a sostener y encarnar y no como un problema a solucionar?

Para responder a esta pregunta, me gustaría re-visitar la noción de «improvisación» partiendo de la base de cómo culturalmente, dentro del contexto de la práctica coreográfica contemporánea la hemos entendido, sufrido, odiado, utilizado y disfrutado.

La pregunta entonces sería: ¿qué significa «hoy improvisar» como gesto escénico? ¿qué significa hoy hacer ese gesto, cuando históricamente «improvisar» empezó siendo una práctica emancipatoria y ha terminado siendo un instrumento para crear (un) lenguaje con el que identificarse y significar? ¿qué significa ensayar nosotros en este contexto?¿qué condiciones hacen posible la creación del nosotros, sin ser un proyecto realizable ó por hacer, sino haciéndose continuamente? y por tanto, ¿qué podemos hacer cuando, en nuestra práctica artística rechazamos y cancelamos cualquier base coherente, completa, autosuficiente y realizable? ¿Cuál es el movimiento de un nosotros no como nombre sino como verbo dicho en plural? ¿cómo un cuerpo, constituido por cuerpos, cultiva deseo como protocolo de creación colectiva? Y como consecuencia de ese deseo(s), ¿cómo éste cuerpo se invierte a sí mismo en la experiencia de lo común y, no en una máquina auto-gestionadora? en definitiva ¿qué significaría entonces experimentarnos desde una base incoherente, incompleta e inútil?

En estos encuentros me gustaría compartir diferentes prácticas y/o pequeños experimentos en relación a estas preguntas. Para ello, propongo re-visitar el concepto (y el problema) de la improvisación como condición abierta y en contacto con las circunstancias alrededor, las cuales nos hagan pensarnos en situación, encarnando ese maravilloso problema que es «nosotros».
Practicaremos este problema partiendo de diferentes técnicas las cuales entrenen, preparen y relacionen al cuerpo sobre diferentes maneras de percibirse en movimiento. En la segunda parte de la sesión, a través de diferentes dispositivos, se plantearán juegos y herramientas donde «pondremos en juego» qué, cómo, para qué NOSOTROS…

Esta práctica está estrechamente vinculada al proyecto «a piece…together?», marco de trabajo que facilito junto al coreógrafo Cristian Duarte.

Tras su formación en la School for new dance development, Amsterdam (SNDO) Paz Rojo ha creado diversas coreografías así como intervenciones performativas en formatos de exhibición y presentación alternativos junto a Crisitan Duarte, Ricardo Santana y dr. Kurogo. Desde 2004 se implica activamente en la organización, coordinación, comisariado y facilitación de marcos de trabajo colectivos, talleres y proyectos entre la educación, la investigación y la producción artística con proyectos tales como “VOCABULABORATORIES” con la artista e investigadora Manuela Zechner; “LISA” (2003-2009) colectivo que fomentó proyectos inter-disciplinares y comisariado y el festival “IM Together”, que coordina junto a la creadora Ivana Muller (Groningen, 2009). Actualmente es colaboradora y bailarina en el proyecto ‘The Half’ junto al coreógrafo Diego Gil y el dramaturgo Igor Dobricic; profesora y tutora de diversos proyectos en la School For New Dance Development y miembro fundador, productora y facilitadora del marco de trabajo colectivo ‘A piece…together?’ junto al coreógrafo brasileño Cristian Duarte (2010-2011) >>leer más

Dirigida a: profesionales de la escena y estudiantes, con interés en practicar la creación y acercarse al universo y metodología de Paz Rojo

Fechas: 12 y 13 de marzo, de 11h a 14h y de 15’30 a 19’30h

Precio:

85 € (reservas mediante ingreso del 50% del precio total)

Si realizáis la práctica de Paz Rojo y la de Oskar Gómez, precio especial: 150 € por las dos prácticas

Información y reservas:

info@lapoderosa.es / 934431980

Esta práctica de creación escénica se realizará durante tres días del mes de marzo coincidiendo y en colaboración con el Festival Internacional LP’11 organizado por La Porta.

Trabajaremos sobre dos realidades:
– La primera es evidente y verdadera, se trata de una persona, de un espacio físico, de una ciudad o un dispositivo.
– La segunda es una realidad ficticia que se «superpone» a la primera, y que supone una transformación de ésta.

Vamos a hacer existir la segunda sin negar la evidencia de la primera.
¿Cómo hacer desaparecer algo sin que desaparezca ?
¿Cómo hacer aparecer algo que no está ahí ?
Y sobre todo, ¿quién es la persona que pasa de una cosa a otra?
Cómo se trabaja el tránsito entre una cosa y otra. Este tránsito es el intérprete. El interés de la obra es sobre todo el interés que despiertan los intérpretes, los narradores. El punto de vista narrativo podrá ser en algunos casos el dispositivo mismo.

Partiremos de la idea de instalar contenidos en un espacio y de formular este tránsito. Ocuparnos y pensar los enlaces. Esto es otra obra en la obra. Es la particular forma de hacer, el estilo, la psicología de la pieza.
El intérprete oficia este juego de evidencias y de saberes ocultos.
Mi trabajo tiene que ver con lo que una persona «es» en público, lo que se da a ver y lo que se esconde para que la mirada de los otros se modifique. Lo primero que me interesa es esa persona que me hace ver, esa persona que activa una realidad delante de otros, su manera de existir y de hacer existir lo real para que se transforme mi percepción.

Esta insistencia en el «narrador de la historia» tiene como objetivo devolver la mirada al observador, esto es que se vuelva creativo, que cree su realidad. Este es el verdadero interés del trabajo.

La pregunta al final será pues: ¿qué pretendemos de esta gente que hemos convocado para que vean lo que hacemos?.
Es importante conocer la respuesta a la pregunta, pero sobre todo lo importante es planteársela.

La Compañía L’Alakran nace en Ginebra en 1997 de la mano de Oskar Gómez Mata, actor, director y también autor y escenográfo. Rechazando la tradición centrada en la primacía del texto, su trabajo se caracteriza por la apropiación del texto con el fin de pasarlo por el filtro de sus sensibilidades y del contexto en el cual se desarrollan las representaciones, convirtiéndolo así en un trampolín, al igual que el resto de formas de expresión escénica. Oskar Gómez Mata dirige talleres de interpretación y composición teatral destinados a profesionales en muchas ciudades europeas. Es también profesor invitado en la Escuela oficial de arte dramático de Suiza francesa (La Manufacture). Ha participado igualmente en seminarios y conferencias en las Universidades de Salamanca, Santander, Alicante y Valencia. En la temporada 2010-2011, es responsable del Master en práctica escénica y cultura visual organizado por la Universidad Alcalá de Henares (Madrid)
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Dirigida a: profesionales de la escena y estudiantes, con interés en practicar la creación y acercarse al universo y metodología de Oskar Gómez

Fechas: 22, 23, 24 de marzo, de 16 a 21h

Precio:

85 € (reservas mediante ingreso del 50% del precio total)
>>infórmate sobre nuestros descuentos

Información y reservas:

info@lapoderosa.es / 934431980