— MuroTRON

10 de gener a les 20 al Teatre CCCBl’última pel·lícula de Jan Švankmajer 

Us adjuntem el dossier de premsa que conté les projeccions previstes pels mesos de gener i febrer de 2019. Més endavant us farem arribar la programació dels mesos de març i abril. 

Sota la direcció de Carolina López, el cicle de cinema del CCCB mostra obres de creació personal, obertes a l’experimentació i l’assaig. 

Entre les sessions d’aquest 2019 destaquen, a més de la inaugural, les dedicades a la Nova York de Rudy Buckhart, als pioners de l’avantguarda iugoslava (producte del comunista Kino Klub Split, que va saber fer de l’estètica realista imperant un pont cap a l’avantguardista Onada Negra dels 60), o al projecte final de David BrooksCarolyn and Me. El programa inclou grans noms del medi, com Carolee SchnemannWerner Neckes o Stan Brackhage, així com a figures menys conegudes com Luís MacíasChristine Noll Brinckmann o Jodie Mack, que resumeix cinc anys de viatges i exploracions al voltant del món en un fascinant panòptic de paisatges i teixits en moviment (The Grand Bizarre, 2018). 

Xcèntric afronta aquesta nova edició amb l’apertura, el proper 2 de febrer, del renovat Arxiu Xcèntric que incorpora un espai polivalent que afegirà a les projeccions, tallers, converses i experiències compartides. Les activitats arrencaran amb la sessió Artefactes Cinematogràfics, una introducció al cinema de Xcèntric, dirigida per la cineasta Adriana Vila, que oferirà un accés directe a la naturalesa física i instrumental del cinema en suport fotoquímic. 

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Amalia Fernández

17, 18 y 19 de enero en los Teatros del Canal

Amalia Fernández es toda una personalidad en la escena experimental. Aparte de sus proyectos personales, en el que destacan En construcción 2 (que también forma parte de la programación de Teatros del Canal esta temporada) y El resistente y delicado hilo musical, ha colaborado con los proyectos de creadores como Cuqui Jerez o Mónica Valenciano, para quien ha bailado muchas de
sus obras de la serie Disparates.

Amalia Fernández fue invitada como performer por el comisario Mathieu Copeland en la experiencia Una exposición coreografiada, que la mantuvo bailando durante todo el mes de septiembre de 2017 en el CA2M de Móstoles. La propuesta exploraba cómo se comportaban los conceptos de coreografía y dramaturgia en el contexto de un museo. La experiencia, que le resultó fascinante, abrió una línea de investigación personal que devino en la propuesta Expografía, un término que cruza los conceptos de exposición y coreografía, haciéndolos coincidir en un mismo espacio-tiempo. La danza en los museos ha sido una práctica habitual de la danza posmoderna norteamericana, que albergó en los espacios expositivos de los sesenta desde los happenings de Merce Cunningham hasta las performances de Yvonne Reiner.

Desde entonces y hasta ahora, es habitual la presencia de la danza en los museos y la idea ha sido investigada a fondo por creadores de nuestro tiempo como el francés Boris Charmatz. Para Amalia Fernández supone la oportunidad de dar respuesta a los interrogantes ¿cómo afecta a la obra viva la temporalidad del museo?, ¿hasta qué punto se convierte en una mezcla de coreografía y reality show?, ¿cómo afecta al performer un marco diseñado para objetos inanimados?, ¿cómo se comporta el público cuando se da  ese choque de formatos?, ¿qué se espera de él? o ¿cuál es la convención a la que debe responder? El proyecto se concreta en dos formatos: el que aquí presentamos en la Sala Negra y otro que se podrá ver en el CA2M, el sábado 12 de enero, jugando con la temporalidad museística, por lo que se pide a cada espectador el compromiso de permanecer en la sala durante las ocho horas consecutivas que dura la performance.

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Del 10 al 13 de enero en los Teatros del Canal

El indomable Rodrigo García ha sobrepasado los 50 en plena forma. Su ser sigue alojando al tipo más punki del teatro en español, cuya irreverencia ya querrían los que se dicen irreverentes ahora con veintitantos. Eso sí, la edad ha pulido ese ir a la contra o ese hacer lo que le dé la gana.

Los años, y el talento de Rodrigo García, sobre todo su talento, le han ido dando la razón sin tener que dejar de ser el incómodo enfant terrible que nos voló la cabeza a partir de los 90 con espectáculos como Notas de cocina, Conocer gente, comer mierda, Compré una pala en IKEA para cavar mi tumba o Agamenón.

Lo nuevo que nos trae en esta temporada a los Teatros del Canal tiene un título inquietante, que redunda en ese misterio típico de las obras del creador argentino, donde hasta el mismo instante en el que arranca la función es difícil prever un argumento. Lo que seguro sabemos es que la obra la protagonizan sus dos intérpretes predilectos: Juan Loriente y Gonzalo Cunill, probablemente los actores que menos intención ponen al decir los textos de García. Luego siempre se termina confirmando que nadie como ellos podría decirlos igual. Es alucinante lo que sucede entre la organicidad de Loriente y Cunill y las palabras de Rodrigo, factores que al sumarse y multiplicarse arrojan un producto único e inimitable.

Loriente y Cunill son Pippo y Ricardo, dos hermanos de la Logia Lautaro, una organización secreta sudamericana fundada por independentistas argentinos y chilenos en 1812. Y la obra es la plasmación del manuscrito original que da título a la misma, organizado libremente en 4 capítulos por nuestros protagonistas, “partiendo –dice el propio Rodrigo García– de visiones de santos, eremitas y borrachos de Minneapolis, Massachusetts, José C. Paz y Tortuguitas. Desde el Antiguo Egipto no se conocía nada igual”.

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19 de enero, 2019. De 11:00h. a 14:00h. y de 16:00h a 18:00h. en el Laboratorio 987 del MUSAC.

*Actividad gratuita hasta completar aforo.

Culminación del proyecto LECA en torno a experiencias inspiradoras y puntos de fugas para abordar la situación de la educación musical y la experimentación sonora.

Participan: Miguel Ángel Fernández (Artista y compositor. Fundador grupo Gruva, Orquesta Sinfónica de Asturias, Universidad Popular Municipal de Gijón CONSMUPA), Alfonso G. de la Torre (Compositor e intérprete. Profesor Conservatorio superior Jesús Guridi, Vitoria Gasteiz), José M. Redondo (Orquesta Sinfónica de CyL y Conservatorio de Salamanca), Manuel Dos Santos Trapote (Director Escuela de Música, Danza, Teatro y Artes Plásticas de Guardo), Genzo P. (artista), colaboradores LECA y Grupo de Mediación Convocatoria Laboratorio 987.

LECA, Laboratorio de Experimentación y Creación Artística del artista Genzo P. ha venido poniendo en valor las posibilidades creativas y pedagógicas de los laboratorios de sonidos. Desde su estancia en MUSAC, esta iniciativa ha promovido la creación de espacio de trabajo para que los creadores ensanchen su formación musical, pero también para popularizar la necesidad de imaginar otras formas y espacios para la escucha.

Como culminación del proyecto LECA se propone este encuentro público en el que intervendrán varias de las personas que han participado de la experiencia en combinación con personas procedentes de diversos campos de la educación musical, quienes sumaran a esta iniciativa otras sensibilidades y así, imaginar juntos las oportunidades que un espacio de estas características podría suponer en la ciudad.

Con el objeto de ampliar la posición particular del artista y con el título de Laboratorios de sonidos: posibilidades creativas y pedagógicas, Genzo P. y el Grupo de Mediación de la Convocatoria Laboratorio 987, proponen un foro para reunir experiencias inspiradoras y puntos de fugas que susciten un debate sobre la situación de la educación musical y la experimentación sonora, a través de este encuentro quiere abordar las posibilidades creativas y pedagógicas que supondría para artistas y músicos profesionales la existencia de un laboratorio electro-acústico en Castilla y León.

El encuentro será filmado y documentado, y publicado parte del contenido audiovisual en el contexto de LECA y la Convocatoria Laboratorio 987.

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19 de enero a las 20h en Azkuna Zentroa

‘The Big Game’ propone una versión coreográfica libre y desplazada de un Ajedrez Viviente. 32 intérpretes en escena habitan el número de piezas del juego.

Una obra que se apoya en la coreografía espacial, la convivencia de muchos cuerpos y la construcción de un sistema colectivo que se mueve orquestando mil y un movimientos posibles. Una representación de la representación.

El proceso de creación se ha desarrollado con un grupo núcleo de bailarinas y en la fase final se ha completado con un grupo de alumnos/as de Dantzerti (Escuela Superior de Arte Dramático y Danza de Euskadi) para su próximo estreno en Azkuna Zentroa.

Este trabajo es una continuación a la búsqueda iniciada con la pieza ‘The Endgame’ que recibió el apoyo del programa Amphitryon de Azkuna Zentroa en 2016.

Además, el 17 de enero habrá un pase para centros escolares.

Ficha artística
Dirección y coreografía: Olatz de Andrés
Asistente de dirección y coreografía: Robert Jackson
Creación e interpretación: Pilar Andrés, Natalia G. Muro, Isabel Álvarez, Aiala Etxegarai
Intérpretes de Dantzerti: Unai Álvarez, Pilar Blanco, Elene Carreto, Dairi Martínez, Maddi Argote, Sara Calderón, Zoemar Marínez, Marta Ortega, Iratxe Bilbao, Amaia Cabero, Laura Morán, Graciela Orio, Iligo Rementeria, Leire Sanjurjo, Nahia Corrihons, Alejandro Gibaja, Paula Gereñu, Iñigo Gerrico, Nagore Andrés, Gaël Sacanell, Aitor Vildosola, Aitzol Villahoz, Marina Yañez, Sofía María Zallio
Iluminación: Octavio Más
Sonido: Marc Cano
Vestuario: Xabier Mujika
Producción: Vanessa Fuentes
Diseño de comunicación y fotografía: Ainara Ipiña
Distribución: Lŏkke
Proyecto subvencionado por el Departamento de Cultura del Gobierno Vasco. Con el apoyo de Azkuna Zentroa y Dantzerti.
Colaboradores: La Fundición, Punto de Fuga, Arropaineko Arragua, Kurtzio Kultur Etxea, Arriola Antzokia, UPV Bizkaia.

Después de un recorrido como bailarina y coreógrafa, Olatz de Andrés crea la compañia Lŏkke, una estructura para el desarrollo coreográfico. Lŏkke es un lugar imaginario donde habitan los posibles. La búsqueda en sus propuestas artísticas se focaliza en crear situaciones coreográficas no cotidianas, relacionar la quietud con el movimiento y jugar con la tensión que existe entre lo individual y lo colectivo.

Algunas de sus creaciones son: ‘The Big Game’ (2019), ‘Eu Sou Passageiro’ (2018), ‘The Endgame’ (2016), ‘The Game’ (2015), ‘Bardo’ (2015), ‘Esfera’ (2015), ‘El Cielo Ahora’ (2014), ‘Privolva Landing’ (2013), ‘Privolva’ (2011), ‘dA CAPO’ (2009), ‘Yo soy una cosa que dura’ (2007). Estos trabajos se han presentado en Euskadi, España, Francia, Inglaterra, Alemania e Italia.

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12 de enero en La Mutant

Ivo Dimchev, extraordinario cantautor, presenta en un concierto en directo las canciones que ha creado durante su carrera como coreógrafo y performer.

La enorme musicalidad y su remarcable don vocal han sido la firma personal de todas sus creaciones. En este programa íntimo, Ivo agrupa una selección de canciones de sus performances creadas en los últimos 15 años, liberadas de su forma y contexto original se presentan como opuses independientes e individuales.

Ivo Dimchev (1976) es un coreógrafo y performer de Bulgaria, conocido internacionalmente por su provocativo y controvertido trabajo performático. Su trabajo es una mezcla extrema entre performance, danza, teatro, música, dibujos y fotografía. Dimchev es autor de más de 30 performances. Ha recibido numerosos premios internacionales de danza y teatro y ha presentado su trabajo en Europa, Sudamérica y Norteamérica.

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16 y 17 de enero en el Museo Reina Sofía

El Museo Reina Sofía presenta la primera edición de ESTUDIO, un programa anual que durante dos días reúne presentaciones en distintos formatos (piezas escénicas, conferencias performativas, acciones, lecturas, conversaciones), fruto de las investigaciones desarrolladas por una serie de artistas e investigadoras cuya práctica se vincula de forma directa o dialógica con el área de la coreografía y la performance.

Desde esta especificidad y con una óptica experimental, ESTUDIO propone un contexto que, respondiendo a los diversos significados a los que su nombre alude, invite a percibir el trabajo artístico en su dimensión estudiosa, como proceso de aprendizaje; es decir, como práctica que necesariamente se adentra en el terreno de lo que está aún por saberse. Asimismo, se incorpora su acepción espacial, haciendo referencia al estudio como lugar de trabajo en el que se despliegan y comprueban los funcionamientos de los materiales y las relaciones entre objetos y lugares. Y, finalmente, como ensayo: una apuesta por un conocimiento que se abre a lo incierto a partir de su alianza con el lenguaje, y que funciona como prueba, como entrenamiento y como examen de todo aquello que damos por sabido.

En esta primera edición se invita al público a ser cómplice y acompañante de las propuestas de estos artistas, algunos de los cuales presentan sus experimentos por primera vez, mientras otros deciden participar con una obra ya realizada a fin de ponerla a prueba, verla y producirla de nuevo, y testar así su vigencia.

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18 de diciembre a las 18h en CentroCentro (planta 5)

Cada una de las exposiciones del ciclo Mirror Becomes a Razor When It’s Broken cuenta con una actividad específica que funciona como otra capa más de significados en cada uno de los proyectos de los artistas que participan . Para Vida de O., de Lúa Coderch, hemos invitado a Julia Spínola a que elabore un recorrido personal en torno a la materia y los objetos desde referentes que pueden (o no) estar conectados con su práctica artística. 

Julia Spínola (Madrid, 1979) vive y trabaja en Madrid. Ha recibido varias becas y premios como Beca de Artes Plásticas Marcelino Botín, Premio El Ojo Crítico de Artes Plásticas de Radio Nacional de España, ambos en 2013, Generaciones 2013, Fundación Montemadrid y el Premio ARCO 2017 de la Comunidad de Madrid. Ha  participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas como Lubricán, CA2M – Centro de Arte 2 de Mayo, Madrid (2018); Mutaciones, Roca con David Bestué, Halfhouse, Barcelona (2016); Âo túnel-cabo pelo braço, Kunsthalle São Paulo, São Paulo (2015); Hablo, sabiendo que no se trata de eso, CaixaForum, Barcelona; 9a Biennal dart Leandre Cristòfol, La Panera, Lleida (2015); Stiff hip gait con Alex Reynolds, Komplot, Brussels (2015); Aprender a caer, Inéditos, La Casa Encendida, Madrid (2014); Paper Works, Tatjana Pieters Galerie, Gante (2014); ‘…’, The Mews, Londres (2013); El martell sense mestre, Can Felipa, Barcelona (2014); Retroalimentación, Sala Arte Joven, Madrid (2014); Sin motivo aparente (Out of the Blue), CA2M – Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid (2013); Into the point (vibration), Tatjana Pieters Gallery, Ghent; Oreja, Naufragio (en diálogo con Mauro Cerqueira), Galería Heinrich Ehrhardt, Madrid (2012); Resonance and repetition, EFA Project Space, Nueva York Teatro de Anatomía, RMS (2012); Antes que todo, CA2M – Centro de arte 2 de Mayo, Madrid (2011). Su trabajo está en la colección del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS); Fundación Marcelino Botín; Colección de Arte Comunidad de Madrid/CA2M; Museo La Panera, Lleida y Fundación Montemadrid/La Casa Encendida, Madrid.

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Jueves 13 de diciembre a las 20h en L’Ex-Designer Project Bar (Barcelona)

La colección Pasarela, de Puente editores, presenta su segundo título: Viaplana y Piñón, o la imposibilidad de una arquitectura, de David Bestué. Con la presencia del artista David Bestué en conversación con José María Torres Nadal.

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