— MuroTRON

DIMARTS 17 DE JULIOL DE 18’30H A 24H AL JARDÍ DELS DRETS HUMANS (al costat del Graner, c/Jane Addams 14)

De Jorge Dutor i Guillem Mont de Palol, Los Torreznos i Societat Doctor Alonso

Una festa escènica oberta i participativa de pràcticament 6 hores de durada que es pot visitar l’estona que vulguem i quan vulguem des de les 18’30h a les 24h als Jardins dels Drets Humans (al costat del Graner).

Tres parelles artístiques amb una trajectòria consolidada i que treballen en el context de la creació pròpia s’han ajuntat per preparar una peça específica per al cicle i per al barri on parlen del valor, de compartir, del joc i la celebració. Com en una fira amb diferents casetes i accions, gaudirem de música, performance, menjar, beure i celebrarem que estem junts per posar atenció en el valor de les coses. L’atenció pot ser un ball i per ballar cal anar ben calçat!

“Nos reunimos a celebrar que nos reunimos. Todo movimiento supone un desgaste. El coste es al gasto, como el gesto es al resto. El resto es lo que queda y cada vez queda menos y eso nos da risa.”

Amb la col·laboració de Marc Sempere Moya (Compartir dóna gustet), Asociación Generación Guineocatalana Virgen de Bisila, Los Revolución, Barcelona Activa, Suelas Asencio Aznar i altres amics i amigues del barri.

Entrada gratuïta fins omplir aforament, no cal reserva, la festa escènica comença a les 19h i acaba a les 24h hi pots venir quan vulguis i quedar-t’hi l’estona que vulguis.

Recull un tiquet amb sorpresa a la Sala Pepita Casanellas, la Casa del Rellotge i la Biblioteca Francesc Candel des del dia 10 al 16 de juliol en els seus horaris d’obertura i descobreix de què amaga el mateix dia 17.

 

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Jueves 5 – 20:30 + Viernes 6 – 20:30 en saT! – Sant Andreu Teatre

Entradas: http://lameva.barcelona.cat/grec/ca/espectacle/la-plaza/

Una innovadora compañía que rompe las barreras entre el texto, la coreografía y las artes plásticas debuta en el Grec Festival de Barcelona con un montaje que habla del espacio y del tiempo a partir de la idea de una gran plaza.

Pablo Gisbert y Tanya Beyeler firmaron en 2010 el espectáculo La historia del rey vencido por el aburrimiento, su primera pieza larga, y marcaron, así, el inicio de una compañía entregada a la investigación de nuevas formas escénicas que se escapaban de las tradicionales divisiones por géneros. Entre sus últimos espectáculos, siempre brillantes, poco convencionales, viscerales y con un notable contenido filosófico están Guerrilla (2016) y, ahora, La Plaza, un montaje del cual vimos una pre-ensayo en la última edición del festival Sâlmon<, en el Mercat de les Flors (M.C.: Las historias naturales), pero que, de hecho, se ha estrenado este mismo año en el Kunstenfestivaldesarts de Bruselas. Los espectadores de este festival han visto ya un montaje que se sitúa en una gran plaza llena de monumentos y de seres humanos, protagonistas de unos cuadros vivientes que nos ilustran sobre el presente y el futuro, y sobre una violencia que no solo forma parte de nuestra vida cotidiana, sino que, además, es una fuerza que lleva moviendo el Universo desde los primeros momentos de la existencia. El escenario se convierte en manos de El Conde de Torrefiel en una gran plaza donde el futuro se nos muestra como un tiempo ignoto e imprevisible que aparece ante los ojos de los espectadores a partir de una serie de situaciones inesperadas. Una reflexión escénica sobre el futuro, la inmutabilidad del tiempo y sobre la violencia como base de la existencia.

Enlaces:

Entrevista a El Conde de Torrefiel

Crónica del estreno de La Plaza en el Kunstenfestivaldesarts

Una coproducción del Grec 2018 Festival de Barcelona, el Kunstenfestivaldesarts (Bruselas), El Conde de Torrefiel, Vooruit (Gante), Mousonturm (Frankfurt), Wiener Festwochen (Viena), Teatro Maria Matos & Alkantara Festival (Lisboa), Festival de Marseille (Marsella), Triennale dell’Arte (Milán), Festival d’Automne & Centre Pompidou (París), HAU (Berlín), Zurcher Theaterspektakel (Zúrich), Black Box Theater (Oslo).
Con el apoyo del Graner, Centre de creació.
Con la colaboración de Fabra i Coats. Fàbrica de Creació.

El día 6 de julio, después de la representación, tendrá lugar un coloquio con miembros de la compañía.

FICHA ARTÍSTICA

Idea y creación: El Conde de Torrefiel en colaboración con los intérpretes Dirección y dramaturgia: Tanya Beyeler, Pablo Gisbert Texto: Pablo Gisbert Diseño de la iluminación: Ana Rovira Escenografía: El Conde de Torrefiel, Blanca Añón Vestuario: Blanca Añón y los intérpretes Diseño del sonido: Adolfo García Regiduría: Isaac Torres Interpretación: Gloria March Chulvi, Albert Pérez Hidalgo, Mónica Almirall, Nicolás Carbajal, Amaranta Velarde, David Mallols Producción ejecutiva: Kunstenfestivaldesarts (Bruselas) Producción en gira: Caravan Productions (Bruselas)

Más información: http://lameva.barcelona.cat/grec/ca/espectacle/la-plaza/

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Olga Mesa y Francisco Ruiz de Infante. Tabacalera Madrid. La Principal 29.06.2018 – 09.09.2018

El proyecto global CARMEN // SHAKESPEARE (2012-2018) es fruto del diálogo entre dos artistas que desean establecer el mestizaje de varios territorios artísticos para componer un objeto multifacético generador de historias: ¿Una ópera contemporánea?.

Confrontando la sonoridad de los Sonetos de Amor de Shakespeare a la pasión contenida en la ópera Carmen de Bizet, el dúo Infante-Mesa nos propone una fuerza «barroca» (en el sentido estricto del término): la fuerza de una perla imperfecta que, girando alrededor de la temática del deseo, provoca, refleja y explicita algunos nudos.

La experiencia expositiva Presagios del deseo agita las energías desarrolladas por estos dos artistas durante los últimos años creando pasarelas entre artes escénicas, plásticas, literarias y audiovisuales. Ella aborda cuestiones en torno al amor y las relaciones humanas cuando son amplificadas, amordazadas, enturbiadas o incluso generadas por la tecnología. La muestra construye un gran relato mítico, poético y cotidiano que sitúa al espectador en el epicentro de un «campo de batalla» en movimiento.

 

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Sonido en los márgenes. Del 30 de junio al 26 de julio en el MACBA.

«Lorem Ipsum» nos remite a una fase de prueba, a una temporalidad que espera ser sustituida por algo más definitivo. El uso del texto original, extraído de la obra de Cicerón Sobre los límites del bien y del mal y alterado hasta perder su sentido original, nos sitúa en un momento procesual, inestable, en tránsito hacia lo que debería ser y aún no es. Este simulacro implica también juegos de formas e identidades, a través del filtro de los diferentes alfabetos, disposiciones de texto y pruebas tipográficas y espaciales.

Lorem Ipsum presenta una serie de propuestas que operan en los márgenes y en los pliegues de muchas cosas a la vez: música, performance, investigación artística, experimentación; lo queer, cuerpos racializados, desplazamientos y personas fuera de su sitio; operaciones diversas, dispares y disparatadas, de dislocaciones de lenguajes, significados, gestos y objetos, desde lo musical, en busca de una amable extrañeza.

Abren el ciclo Lolo & Sosaku, con nueva obra específicamente diseñada para el atrio del museo. Una propuesta de escucha atenta mediada por estructuras metálicas que hablan, escuchan y se mueven. Sutilezas sonoras y sonidos situados que invitan a la exploración. Una geografía de metal y cinestesia, que Violence rompe (y rasga) con su complejo amalgama de melodías, grime, música industrial y (un pasado) death metal, desde el que señala «las estructuras visibles e invisibles que crean nuestras sociedades binarias».

Esta es la línea que subraya asimismo el dúo sudafricano FAKA, poniendo el cuerpo queer y negrx en el centro, en un ejercicio histriónico de deconstrucción de la cisheterotopía del África poscolonial. Siguiendo su espíritu festivo y coincidiendo con las fiestas del Raval, el deseo y el goce se desplazan a la calle con la lituano-ecuatoriana Riobamba, al son del reguetón y el dembow, en un pulso amistoso entre la resistencia y la celebración.

Por su parte, el dúo japonés Group A mapea los márgenes de muchas cosas a la vez, entre la ambigüedad del avant noise, el minimal wave y el drone, habitando los rincones e intersecciones entre lo sonoro, la performance y la narrativa audiovisual. Y cerramos el ciclo con el estreno de The Mirror de la británica People Like Us, con quien nos volvemos a enfrentar a la cuestión de la(s) identidad(es) en un collage audiovisual inmersivo basado en su intenso trabajo sobre imágenes de archivo inscritas en nuestro imaginario colectivo.

Comisariado por Alicia Escobio y Anna Ramos

Foto: Lolo & Sosaku

Programa

SÁBADOS 30 DE JUNIO Y 14 DE JULIO a las 18.30 h
Gratuito. Sin inscripción previa. Aforo limitado.

30 de junio, LOLO & SOSAKU
Cinestesia mecánica, repetición, autonomía y sutilezas sonoras
14 de julio, RIOBAMBA
Calle y reguetón: un pulso apretado entre fiesta y resistencia

JUEVES 5, 12, 19, 26 DE JULIO, a las 20.30 h
Entrada: 5 €. Gratuito con carné Amic. Con inscripción previa. Aforo limitado.

5 de julio, VIOLENCE
Melodías, noise, metal, industrial e identidad en estado líquido
12 de julio, FAKA
El cuerpo negro y queer navegando en la cisheterotopía del África poscolonial
19 de julio, GROUP A
Drones, violines tratados, ruido abstracto y minimalismo industrial desde la performatividad
26 de julio, PEOPLE LIKE USThe Mirror
Plunderfonía inmersiva, found footage y reflejos

Más información: https://www.macba.cat/es/lorem-ipsum-2018

 

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IT’S ALL ABOUT THE HAIRSTYLE

El cas de la Marina Prados

Docu – Teatre

Del 4 al 15 de Juliol. De dimecres a dissabte a les 20:30. Diumenges a les 19h.

SINOPSI

El matí del 23 d’Abril del 2018 a Barcelona s’aixeca amb una pintada a la Plaça de la Virreina, Gràcia. Un grafiti on apareix Puigdemont, Merkel i Rajoy.

La Marina Prados passa una nit a comissaria com a possible culpable material. Per falta d’evidències la deixen lliure fins la pròxima citació, a l’octubre.

Alguns estan molt orgullosos d’ella, altres fan burles de la seva imatge. Ella nega haver fet aquest grafitti. Però qui té una evidència més sòlida? Ningú. Té límits d’expressió l’art? L’art urbà és vandalisme? I per què aquesta notícia ha estat tapada pels grans mitjans de comunicació? Hi ha acusacions que no es poden dir en veu alta ? Qui ha fet què?

La Marina Prados, juntament amb la seva parella, Paula Knüpling, decideixen explicar la seva versió dels fets i escriure la seva experiència personal abans de marxar a Berlín, vista a través de la càmera de L’Adrià Botella i l’Oriol Guanyabens. Amb les seves imatges reconstrueixen la historia i editen el seu primer documental junts, donant a conèixer al públic nous indicis, i proves que condueixen a conclusions compromeses per a l’Estat.

Direcció i dramatúrgia: Marina Prados i Paula Knüpling

Direcció audiovisual: Oriol Guanyabéns i Adrià Botella

Text: Carlos Perelló

Ajudant de direcció: Clara Mata

Direcció tècnica: Ventura L. Kalász

Més informació: https://www.laglevateatre.com/esdeveniment-its-all-about-the-hair

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DAVID CLIMENT / SÒNIA GÓMEZ / PERE JOU
MERCAT DE LES FLORS – SALA PINA BAUSCH | 06/07 – 08/07

Quizás el agujero de la pared sea más interesante, incluso, que la misma pared… Lo creen tres actores, performers, coreógrafos y músicos, dispuestos a poner bajo el foco escénico esas fracturas de la realidad que trastornan nuestro mundo.

El espectáculo nace de un ataque de sinceridad en una conversación en la cual Sònia Gómez y David Climent se confiesan mutuamente el rechazo que siempre les ha producido el trabajo del otro y deciden emprender un proceso creativo por donde nunca lo habían empezado: la diferencia. Para evitar una simple confrontación de lenguajes invitan a Pere Jou, que acaba para conformar un triángulo más enigmático que el de las Bermudas.

Una pieza autobiográfica pero que habla de cualquiera y que quiere contagiar el placer de enviar a tomar viento a nuestros prejuicios. Esto, a veces, hace daño; a veces, libera; a veces, nos pone en situaciones de riesgo y a veces nos hace bellamente fuertes. Nowhere in particular pone el foco en las pequeñas convenciones cotidianas, cómo un simple “hola” puede ser el inicio o el final de una gran historia. Hacer valer el concepto de encuentro, de cómo un accidente nos puede permitir acercarnos a aquel que, de manera preconcebida, creíamos que era contrario a nosotros, e incluso, disfrutar de la experiencia. Una gota de sangre sólo es un insignificante punto rojo, hasta que lo observas con un microscopio y otra realidad se te revela. Nowhere in particular es una celebración de la interacción humana.

Bienvenidas y bienvenidos. ¿Y si salimos del círculo?

Una coproducción del Grec 2018 Festival de Barcelona, elclimamola, Festival Tercera Setmana-Festival Internacional d’Arts Escèniques (València).

Con la colaboración de Animal a l’esquena, Roca Umbert Fàbrica de les Arts, Graner Centre de Creació, Hiroshima.

FICHA ARTÍSTICA

Dirección escénica e interpretación: David Climent, Sònia Gómez, Pere Jou Ayudantía de dirección: Neus Villà Jürgens Diseño del espacio sonoro y composición: Pere Jou, Aurora Bauzà (Telemann Rec.) Espacio escénico: David Climent Asistente de espacio escénico: Neus Villà Jürgens Vestuario: Sònia Gómez, Pere Jou, David Climent Diseño de la iluminación: cube.bz Técnico de sonido: Stephan Carteaux

Más información: http://lameva.barcelona.cat/grec/es/espectaculos/nowhere-particular

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Este verano, cada jueves de julio y agosto a las ocho de la tarde, la azotea de Tabakalera volverá a acoger una selección de trabajos vinculados a las artes en vivo. Desde el 5 de julio hasta el 30 de agosto podremos conocer diferentes propuestas que ponen en juego lo sonoro, el cuerpo, el movimiento, la coreografía y el lenguaje.

La programación de este año corre a cargo de Itxaso Corral y Maia Villot, quienes han preparado una selección de piezas de Chico y Chica, Inazio Escudero, Carla Fernández y Óscar G. Villegas, Elisa Arteta, Cuqui Jerez, Horman Poster, Navaridas & Deutinger, Los Torreznos, y Silvia Zayas y Esperanza Collado.

Te preguntas, ¿qué será todo esto?, ¿qué me encontraré?

Algo rozándonos los discursos y los cuerpos, algo que busca los huecos, las contradicciones, las fisuras, algo que anima al fluir jugoso de pensamientos exuberantes.

Un pensarnos con, para, desde, sobre, entre cuerpos.

Ciencia ficción, canciones leídas, ficción sonora, cuerpos afectados, cuerpos bailando, cuerpos saltando, cuerpos sonando, cuerpos transformando, cuerpos moviendo objetos, cuerpos estando, respirando juntos el verano.

Por ejemplo, un disco-libro, un relato de ciencia ficción, ficción sonora, libro hablado y canción leída.

O por ejemplo, una película sin película o las historias de un caminar.

O una conferencia experimental, muy muy sencilla. Una memoria en blanco y negro, un discurso coreografiado…

Nuestros cuerpos, estando juntos, atardeciendo juntos. Cuerpos que entenderán y sentirán. O sentirán-entenderán, como una nueva palabra nada estática. Eso seguro, allí, en la azotea, no estaremos nada estáticos. Compartiremos desplazamientos, pequeños desvíos y curvas, trayectorias mínimas que nos darán pistas sobre cómo movernos hacia otros lugares, otros estares, otros cuerpos posibles.

Itxaso Corral y Maia Villot

ACTIVIDADES

Más información: https://www.tabakalera.eu/es/ud-ha-2018/tabakalera-taulara-artes-en-vivo-escenicas-terraza-verano

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ШАГ, un proyecto de nucbeade comisariado por Marta Echaves

29 y 30 de junio en Espositivo | Inauguración V29 a partir de las 19h

ШАГ is a step and ШАГ is also a war. A war to eliminate all these imprisoning images. With each frame, ШАГ encourages us to blow up and eliminate the old representation of patriarchy.
Let us ‘ШАГ’ then!

(Deborah García Sanchez-Marín)

ШАГ* es un acto performativo filmado, una película ciencia ficcion en la que conviven estéticas y recursos ligados tanto al cine contemplativo como al new media art . Una instalación audiovisual que se propone como un espacio de exilio, físico y mental: un lugar de resistencia reconfigurado por el error. El glitch y la re-escritura de código se revela como una técnica que permite a las artistas poner en evidencia la mirada soberana que nombra, clasifica y gobierna. La mirada soberana que hace de la naturaleza paisaje, y de la mujer una maquinaria de heterorreproducción. A modo de manifiesto, y herederas del ciberfeminismo más riot, ШАГ tiene como objetivo el formateo integral de vuestro régimen para abrirse a lo inapropiable, evocando el viaje que comienza después de la venganza. “Golpea el suelo, hunde la tierra bajo la que yacen sus cadáveres”.

*ШАГ/shag/ es una palabra polisémica que en ruso significa mudanza, paso o movimiento hecho de un pie al otro.

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ШАГ ha formado parte en formato videoinstalación de la exposición colectiva “Capitalo, Chthulu and a Much Hotter Compost Pile” (Kunstraum Kreuzberg/ Bethanien, Berlín). Asimismo, ha sido seleccionada por la muestra online/offline QueerTech.io 2018 y exhibida en la galería RMIT:ART:INTERSECT Spare Room (Melbourne) y en MELT Festival de Brisbane.

nucbeade es un colectivo formado por las artistas Quiela Nuc (Madrid, 1990) y Andrea Beade (A Coruña, 1988). A través del medio audiovisual, la instalación y la performance, trabaja por la destrucción del paisaje roMANtizado para suplir la necesidad de habitar en otras formas y desde lenguajes no normativos.

Marta Echaves (1990) estudió Filosofía y se especializó en el PEI (Programa de Estudios Independientes) del MACBA. Es comisaria e investigadora independiente, y su práctica aborda cuestiones como la cronopolítica y las prácticas y archivos disidentes. Coordina junto con Tania Pardo el curso Comisariando el Presente (LCE) y es colaboradora de la editorial Caja Negra. 

Espositivo es un proyecto que nace en 2015 con la intención de reunir a jóvenes agentes culturales de la escena madrileña y buscar juntos posibilidades de crecimiento en momentos de recesión económica.
En la actualidad cuenta con: sala expositiva, Espositivo Academy y Espositivo 7B.

 

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Ricardo Cases | Del 14 de junio al 29 de julio en la Sala de Exposiciones Canal de Isabel II

La Sala Canal de Isabel II presenta la exposición “Estudio elemental del Levante” de Ricardo Cases que recoge su trabajo desde 2010, a través de cinco series fotográficas que analizan el universo levantino como un lugar colorido, anárquico, salvaje y desconcertante, pero netamente español.

El Levante de Ricardo Cases es un universo hecho de luz, sorpresa, precariedad y caos. Un país sin reglas, fascinante y alucinatorio que, de algún modo, condensa el espíritu de la sociedad contemporánea.

Esta exposición recoge el trabajo de Ricardo Cases desde 2010, cuando cambia su residencia de Madrid a Valencia, e incluye las series “Sol”, “Paloma al aire”, “El porqué de las naranjas”, “Podría haberse evitado” y “Estudio elemental del Levante”, configurando un pequeño laboratorio a escala sobre la huerta levantina. Este recorrido fotográfico por paisajes y personas, con temas sobresaturados de color, constituye un poderoso corpus simbólico que configura su personal universo levantino, plagado de ironía, vitalidad y personajes que representan la quintaesencia de la cultura autóctona de manera involuntaria.

Ricardo Cases (Orihuela, 1971) es una de las figuras de puente de la renovación que ha colocado a España en los mapas de la fotografía contemporánea mundial. Curtido en el fotoperiodismo, su contacto con el colectivo Blank Paper a mediados de los 2000 prendió la llama de una catarata de libre creación que le ha llevado a generar una producción fotográfica de riesgo y con un sofisticado lenguaje. El ser humano es el centro indiscutible de cada una de sus imágenes y también las tradiciones españolas, en constante contradicción con la modernidad.

Programa de actividades de la exposición:
Encuentros en Canal: Visitas con especialistas en fotografía
Fechas: miércoles 27 de junio con Horacio Fernández y Ricardo Cases, y 4 de julio con Antonio M. Xoubanova (fotógrafo)
Hora: de 19.00 a 20.15 h.
Para público adulto. Inscripciones a través del boletín de inscripción – CLIC AQUÍ– (El plazo abre jueves 31 de mayo a las 10.00 h.)
¡Plazas agotadas. Abierta lista de espera!

Visitas guiadas:
Fechas: todos los sábados
Hora: de 12.00 a 13.00 h
Para mayores de 13 años. Entrada libre (aforo limitado)

Derivas fotográficas:
Fecha: sábado 30 de junio
Hora: de 18.00 a 20.30 h.
Para mayores de 13 años. Entrada libre (aforo limitado)

Visita-taller para familias:
Fechas: domingos 24 de junio y 1 de julio
Hora: de 12.00 a 13.45 h
Para familias con niños y niñas entre 6 y 12 años. Inscripciones a través del boletín de inscripción – CLIC AQUÍ– (El plazo abre el jueves 31 de mayo a las a las 10.00 h.)

Visitas guiadas para grupos:
Fechas: martes y jueves
Hora: 11.00, 12.30 h, 17.00 y 18.30 h (60 min. duración)
Para grupos de 10 a 30 personas. Inscripciones por teléfono (91 545 10 00 Ext. 2505). Máximo 1 reserva por responsable/guía/centro cultural

Los colectivos que quieran visitar la exposición con su guía deberán reservar también por teléfono con antelación para evitar aglomeraciones. Aquellos que lo hayan hecho, tendrán prioridad en el acceso a la Sala Canal. Los grupos que superen las 30 personas deberán dividirse en dos y acceder a la exposición con un intervalo de 15 minutos. Reservas y condiciones en el tel. 91 545 10 00 Ext 2505.

Datos prácticos: 
Sala de Exposiciones Canal de Isabel II
C/ Santa Engracia, 125
28003 Madrid
Teléfono: 91 545 10 00 – Ext. 2505
Cómo llegar:
* Metro: Ríos Rosas (Línea 1) – Alonso Cano (Línea 7)
* EMT: Autobuses 3, 37 y 149
*BICIMAD Estación: c/ Santa Engracia, 127 (130)
Horario:
Martes a sábados de 11:00 a 20:30 h

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