— MuroTRON

Del 12 al 14 de octubre en Teatros del Canal

Amalia Fernández ostenta una larguísima trayectoria, en la que destacan numerosas investigaciones y proyectos escénicos, entre los que cabría destacar En construcción, nunca antes presentada en Madrid, Matrioshka (2005), Maya (2006), Shichimi Togarashi (2007), Las Perras (2008), Kratimosha (2009), Souvenir(2010) y Perrita China (2014).

Amalia Fernández (Granada, 1970) pertenece por derecho a una generación de artistas nacionales que entienden la danza como un territorio de investigación, experimentación y cuestionamiento que no necesariamente responde a las convenciones de la representación, por lo que cada propuesta supone un reto no solamente para la creadora, sino para los artistas que la acompañan y el público que viene a verla. Sus obras se mueven por la periferia de los esquemas preestablecidos y conducen al espectador por rutas cuyo destino final muchas veces es una incógnita para todos.

En construcción es un ejemplo representativo de estas búsquedas. El proyecto tiene su origen en un encargo del colectivo La Porta para la quinta edición del encuentro Nits Salvatges en el CCCB de Barcelona, en el que diez espectadores emprendían un viaje escénico, físico y temporal, siempre cambiante. Cuatro años más tarde, la coreógrafa emprendió, con otras directrices y 12 artistas convocados a vivir el proceso, En construcción 2, una prolongación independiente de aquella
primera investigación que toma como punto de partida una suerte de vodevil que era el final de la primera parte. A fuerza de construir, reconstruir, deconstruir e intervenir la escena los intérpretes reinventan este gag teatral típico de comedia de enredo forzándolo hasta convertirlo en coreografía, música o estímulo visual.

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Foto: Cuqui Jerez

19 de octubre en Bulegoa z/b 

Juan Domínguez quiere suspender eventos y crear un intervalo de tiempo en el que integrar su pasado en su futuro. Esta obra es una formulación de sus visiones y su deseo de encontrarse con lo desconocido a través del lenguaje. Domínguez no trabajaba solo desde hacía 16 años. En aquel entonces, la coreografía de su trabajo se proponía con un texto en tarjetas que el público leía. Ahora, va a hablar de sí mismo generando un autorretrato en el que cita, en el más amplio sentido de la palabra, a algunos de sus amigos y a sí mismo.

Entrada: 5 €
Disponible online, en la oficina del BAD y en Bulegoa z/b 30 minutos antes de la función.
Aforo limitado.

Concepto e interpretación: Juan Domínguez
Producción: Juan Domínguez
Apoyos: Tanznacht Berlin, Tanzfabrik Berlin/ apap-advancing performing arts project – Performing Europe 2020 / EU – Creative Europe Programme.
Producción ejecutiva: Manyone

Juan Domínguez es un payaso conceptual, cowboy mágico, modelo poeta y curador del placer dentro de las artes escénicas, danza y teatro y la performance. Reside y trabaja entre las ciudades de Madrid, Berlín y Bruselas. Su trabajo explora la relación entre los diferentes códigos y aboga por la completa disolución entre la ficción y la realidad, utilizando la una para producir la otra y viceversa.

Entre lo que está y lo que todavía no está es una actividad presentada dentro del festival BAD de Bilbao en colaboración con Bulegoa z/b. Dentro del festival, el 18 de octubre, Juan Domínguez presenta también My Only Memory.

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Del 10 de octubre al 27 de enero en el CA2M

Comisarios: Beatriz Alonso y Carlos Fernández-Pello

Nos debatimos, como siempre, entre el deseo y las apariencias, entre el querer y el parecer de una noche española que no nos deja ver del todo. Entre la nostalgia histórica de la que somos herederos y el momento histriónico que nos ha tocado vivir, es en lo barroco, en lo pardusco, en lo grasiento, donde hallamos algunas vías de negociación con una tradición que nos duele y nos esquiva. El relato de una ciudad sin imagen, en cuya oscuridad aparece también la claridad de una idea, la inspiración que le falta al texto o la serenidad y la concentración del silencio.

Querer parecer noche es una exposición que acoge diferentes formas de producción artística en Madrid para imaginar con ellas una oscuridad. En lugar de un análisis objetivo, levantamos un telón de anacronías y desfases; en lugar de un retrato de escena, nos abandonamos a las intuiciones e intrigas de palacio. Un delirio parcial, excéntrico, fruto quizá de la pasión o del secreto de alcoba, nos sirve para especular sobre aquello que hace singular a una ciudad que escapa continuamente a la continuidad. Sin una genealogía o escuela fuerte, todo lo que traza una línea temporal o narrativa es aquí, amor, ilusión o coincidencia.

La incisión que proponemos es una de las muchas posibles de un contexto, con sus distintas sensibilidades y maneras de hacer, donde la idea de lo local se construye a caballo entre quienes lo habitan y quienes están de paso. Un limbo o meseta, suspendida entre el norte y el sur, que se define por abrazar sin complejos el afuera a veces con más entusiasmo que lo que le crece dentro. Ante esta contradicción, también huimos de la ciudad para encontrarla: descendemos por las obras como por una torre de espejos, ecos y réplicas, y vamos tejiendo una trama ambigua, fragmentada, ojalá algo transformada, que incorpora la idea de escena a nuestros fantasmas cotidianos.

Pensamos entonces si se puede entender la producción artística en la ciudad desde el claroscuro: cuando tamizado, en la media tarde del verano más seco, el sol aprieta y los interiores se hunden en el querer parecer noche del visillo o la persiana. En medio de ese terror diurno o cegador, a la sombra de una cortina espesa, aparecen las ruinas de un último reino, el espejismo de un laberinto central o la visión de un monstruo de cerebro blando y corazón caliente, que parece más un sueño que una cosa real.

Hace casi un año que aceptamos el encargo de adentrarnos en las tripas de este Madrid subterráneo inventado por nosotros mismos. Recorriendo sus túneles húmedos, subiendo y bajando por sus pasadizos y recovecos, la hemos querido y dejado de querer unas mil veces. En la confusión de ese hacer marrón, torpe pero brillante, abrimos un corte en la corte para, como en la verbena, juntar lo propio y lo extraño. Intentaremos que, al menos durante un tiempo, se crucen las familias, se irriten las obras, se rocen las enemistades y sea necesario rascarse las formas de la ciudad. Un rumor de duermevela, un escalofrío en la nuca, un encogerse el estómago o el siseo de una serpiente. Donde cualquier parecido con la ficción es, además de muy real, la más valiosa de nuestras pertenencias.

La exposición forma parte de las diferentes celebraciones del 10º aniversario del Centro de Arte Dos de Mayo y pone en relación la obra de 58 artistas, de las cuales 20 son de nueva producción, con un peso mayoritario de la escena local.

PARTICIPAN

Ana Laura Aláez, Elena Alonso, Beatriz Alonso, Lara Almarcegui, Helena Almeida, Tamara Arroyo, Elena Asins, Antonio Ballester Moreno, Nora Barón, David Bestué, Alexander Calder, Jacobo Castellano, Ignacio Castro Rey, Paloma Checa Gismero, Manel Clot, June Crespo, Javier Cruz, Julián Cruz, Ángela Cuadra, Diego Delas, José Díaz, Miren Doiz, Iñaki Domingo, Marta Echaves, Mario Espliego, Patricia Esquivias, Marta Fernández Calvo, Carlos Fernández-Pello, Aurora Fernández Polanco, Javier Fresneda, Nuria Fuster, Fernando Gandasegui, Fernando García, Paula García – Masedo, Marian Garrido, Cristina Garrido, Karlos Gil, Rubén Grilo, Hisae Ikenaga, María Jerez, Fermín Jiménez Landa, Kaoru Katayama, Dai K.S., Juan López, Rubén M. Riera, Maruja Mallo, Isabel Marcos, Chus Martínez, Mariano Mayer, Fran Meana, Antonio Menchen, Joan Miró, Fran MM Cabeza de Vaca, Momu & No Es, Guillermo Mora, Isabel de Naverán, Pablo Palazuelo, Kiko Pérez, Diego del Pozo, Gregorio Prieto, Alex Reynolds, Alfredo Rodríguez, Belén Rodríguez, Manuel Saiz, María Salgado, Fernando Sánchez Castillo, Víctor Santamarina, Manuel Segade, Leonor Serrano Rivas, Teresa Solar, Julia Spínola, Miguel Ángel Tornero, José Val del Omar, Luis Vassallo, Roberto Vidal y Belén Zahera.

PUBLICACIONES

La exposición estará acompañada por un libro en el que participan 20 autores, cuya fecha de publicación está prevista a finales de noviembre de 2018.

ACTIVIDADES PARALELAS

Durante la muestra se sucederán un total de 6 activaciones públicas coincidentes con diferentes obras, 2 de las cuales son adaptaciones de piezas escénicas:

CRISTINA GARRIDO
Un copista realizará en vivo pinturas al óleo representando distintas obras y vistas de instalación de la exposición, que serán expuestas en las salas del centro. La acción tendrá lugar de forma continuada durante el transcurso de la muestra.

NORA BARÓN
Los objetos dispuestos por Nora Barón a lo largo del espacio expositivo podrían haber sido otros. Cruciales e intrascendentes a un tiempo, estos elementos señalan un lugar sobre el cual podrían oscilar acciones, sonrojos, accidentes y acné. No lo sabemos muy bien.

ISABEL MARCOS, COLABORACIÓN DE NATALIA SORZANO
Verde menta claro: performance en formato de recorrido por el museo a partir de una historia ficticia creada por la artista.
25 octubre 20:00
Inscripción por formulario en
Máximo 40 personas

MARTA FERNÁNDEZ CALVO
Rodapié Universo: acción colectiva multitudinaria con la participación del público asistente.
17 enero 20:00

YABBA
MARÍA JEREZ ACOMPAÑADA DE LANOCHE
Jueves 29 noviembre
20:00 — 21:00

JINETE ÚLTIMO REINO FRAG. 3
MARÍA SALGADO Y FRAN MM CABEZA DE VACA
Jueves 13 diciembre
20:00 — 21:00

En paralelo a la exposición se creará un grupo de trabajo mensual que amplíe diferentes cuestiones relativas a la escena madrileña contemporánea con el fin de establecer un diálogo entre artistas, otros agentes de la ciudad y el propio centro.

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6 y 7 de octubre

Plaza Estación de Las Arenas (Getxo)

Horario: 10:00-22:00 (día 6) 10:00-14:00 / 16:30-20:00 (día 7)

EL RESPIRADERO, dentro del Programa Escénico de Getxoarte 2018, es una propuesta espacio/temporal dedicada a reflexionar de forma práctica sobre el cuerpo. 48 horas de acciones, danza, performance, voz, palabra, inhalación y escucha. Más de 20 artistas, vinculados a las artes escénicas, en un formato experimental abierto al público que incluye talleres, sesiones participativas y la muestra de resultados de los proyectos seleccionados por convocatoria.

Si quieres saber qué es EL RESPIRADERO, te diré que cojas suavemente una bocanada de aire y lo retengas en tus pulmones hasta que no puedas más… ahora suéltalo muy rápido. Luego te invitaré a coger el aire muy deprisa pero intensamente y expulsarlo con un grito gigantesco, que te haga retumbar. Es tu voz. Si esa respiración, que podrá ser entrecortada, te sugiere moverte, hazlo. Hazlo hasta que vibres. Suda. En ese momento, invita a otros a respirar contigo. EL RESPIRADERO es un display comisarial, una estructura de hacer colectivo, una medianía de fricción y tacto, un contrafestival, un armazón que hace posible un espacio desde el que compartir, mirar y dialogar sobre los usos del cuerpo.

EL RESPIRADERO es una herramienta propuesta como lugar que aprovecha el espacio público para activar, superponer y nombrar un conjunto de propuestas vinculadas a las artes escénicas, la performance y la poesía. Todas las acciones y propuestas se concatenarán, con una escaleta abierta y flexible, quedando a la luz todos los elementos técnicos de trabajo. 23 agentes, colectivos y artistas trabajarán en un formato experimental propuesto en una plaza pública cubierta con una carpa y un suelo técnico. El público, a veces, es sujeto activo; otras, es espectador; en algunas ocasiones será agente de creación y en otras, simplemente, no estará.

Artistas participantes (por orden de aparición):

  • Olatz Crespo, Beatriz Setién
  • Elena Aitzkoa
  • Mar Reykjavik*
  • Oihana Altube & Javier Vaquero
  • Dani Hernández & Abraham Hurtado & Alberto Alonso
  • Aimar Pérez Galí & Jaime Conde Salazar
  • Marc Vives
  • Spoken Word Bilbao
  • Irati Inoriza
  • Laura Llaneli
  • Alexander Arilla Velázquez*
  • serpiente, Marion Cruza*,
  • Luz Prado*
  • L-R
  • Horman Poster
  • Colectivo Qualquer
  • Equipo Jeleton
  • Joan Morey
  • Javier Martín
  • Niño de Elche
  • Antes Collado*.

* Seleccionados/as por convocatoria pública, contando como jurado con las investigadoras Isabel de Naverán y Julia Morandeira.

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Del 21 de octubre al 25 de noviembre en el CA2M

WOMB es un ciclo de películas que están cerca de nosotras, en tiempo y espacio, de proyectos iniciados o creados en diferentes contextos de Madrid, y con o por artistas que habitualmente trabajan en las artes en vivo.

WOMB es un sonido y también una matriz que contiene modos diversos de hacer con otras, más que historias que funcionan en línea recta. Un universo de conexiones extrañas y cercanas donde se ponen en juego formas de producción y el lenguaje del propio medio cinematográfico.

Películas que proponen modos de relación en su propia creación compartida, o con los espectadores, o dentro de la imagen que se vuelve múltiple.
Películas que no dicen «esto es así» y «solo así».
Pelis sin spoilers posibles, porque se escriben en el presente… porque no es llegar al final lo que importa.
Historias de amor con la materialidad de la imagen.
Películas que confían en el espectador,
y permiten atravesar la pantalla.
Pelis «con» gente y experiencias, y no pelis «de» héroes, ni personajes escritos de antemano.

…películas que saltan de escala entre canciones, manos anónimas, intervenciones softcore y hardcore, ojos y cámaras cómplices, ovejas, duplicidades de sentido, pistolas, cine táctil, películas nómadas en sus acentos y vibraciones, virus, coreografía del montaje, tigres, espacios ocultos donde ensayar la libertad, dinero, ficciones imposibles, huellas, culetazos, intimidad, aves, tiempos ancestrales, serie z, galletas, oralidad, realidades superpuestas…

Me acordé de repente de ese vídeo que circulaba por internet de un hombre que grita por un agujero para oír el eco de su voz, cuando por sorpresa, alguien (o algo…) le responde desde el interior. Solo pude imaginar ciclos inquietantes. Donde el desconcierto sucede entre el cuerpo y las imágenes que responden inesperadamente.

Películas como verbos que se abren a lo que podría haber sido, lo que será y el estar, como experiencias en el presente. 

Comisaria: Silvia Zayas.

PROGRAMACIÓN 

21 OCTUBRE
Ojo Guareña. Edurne Rubio, 2018, 56 min
Con la presencia de Edurne Rubio

Un grupo de espeleólogos se adentra en una cueva llamada Ojo Guareña. Los límites del espacio aparecen difusos y las voces de los humanos nos llegan como una reverberación de origen incierto. Al final, no sabemos muy bien si somos nosotros los que miramos la cueva o si por el contrario, es la cueva la que nos está mirando.

28 OCTUBRE
UN REBAÑO, UN PASTOR, UNA SEÑORITA (A LA DERIVA), UNA CODORNIZ Y UN REVÓLVER
Chus Domínguez en colaboración con Katsunori Nishimura, Elena Córdoba, Mónica Valenciano y Nilo Gallego
Con la presencia de Chus Domínguez y algunas colaboradoras 

Varias piezas más o menos extrañas que surgen todas ellas de la conjunción entre la mirada cinematográfica de Chus y la mirada escénica de Nilo Gallego, Mónica Valenciano, Elena Córdoba y Katsunori Nishimura. 

K_A op. 14. Sin título. Katsunori Nishimura y Chus Domínguez, 2015, 5 min 30 seg
La danza de la codorniz. Primer movimiento. Elena Córdoba y Chus Domínguez, 2010, 7 min
Impregnaciones de la señorita nieve y guitarra. Mónica Valenciano y Chus Domínguez, 2008, 13 min
Felipe vuelve a casa con las ovejas sonando. Nilo Gallego, Felipe Quintana y Chus Domínguez, 2001, 18 min
4 NOVIEMBRE
The Movie. María Jerez en colaboración con Cristina Blanco, Amaia Urra y Cuqui Jerez, 2008, 55 min
Con la presencia de María Jerez

Un salón. Un bolígrafo. Una cocina. Una grapadora. Una plancha. Una galleta. Un secador. Un embudo. Cuatro pósters. Un misterio por resolver. The Movie forma parte del proyecto The Neverstarting Story.
 

11 NOVIEMBRE
El complejo del dinero, 2015, 76 min y El coheredero, 2018, 30 min. Juan Rodrigáñez
Con la presencia de Juan Rodrigáñez, Jorge Dutor y otras por confirmar. 

Del encuentro entre el deseo de Juan Rodrigáñez por explorar determinadas posibilidades para una ficción cinematográfica contemporánea con artistas provenientes de la escena de las artes en vivo (Lola Rubio, Cecilia Molano, Jorge Dutor, Rafael Lamata, Katrin Memmer, Pablo Herranz, Eduard Mont de Palol, Julia de Castro) surgió la película El complejo de dinero, cuya proyección estará acompañada de El coheredero, película actualmente en proceso de montaje y surgida también de aquel mismo encuentro en el verano de 2013.

18 NOVIEMBRE
Introducing the starThe choir girl’s diaries. Pablo Esbert y Federico Vladimir, 2016, 71 min
Con la presencia de Pablo Esbert y Federico Vladimir

Introducing The Star es un proyecto que muta tan rápido como el virus de la inmunodeficiencia humana. Es una ficción musical autobiográfica. Una cosmogonía épica e íntima. Una fábula sobre coristas embarazadas, virus voladores, gestaciones, contagios, ciencia ficción y música electrónica.
25 NOVIEMBRE
Adelante la selva. Alejandra Pombo, 2017, 1 h
Cine Performance con Alejandra Pombo

«Si mis tres últimas películas It’s Called Listen, Tiguer Oracle y Wild Palms tienen entidad por sí mismas, Adelante la selva es un modo de presentarlas, donde entre las películas, hago una serie de intervenciones en vivo en las que me interesa propiciar un estado y una situación para ver cada una de ellas: un trabajo de montaje fuera y dentro de la pantalla».

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5 y 6 de octubre a las 19h en Teatros del Canal

“Mercedes máis eu” es producto de la colaboración entre la artista Janet Novás y la compositora Mercedes Peón. Tras varios encuentros de improvisación en contextos y espacios muy heterogéneos, donde las dos artistas exploran las relaciones particulares que existen y que se establecen entre “su danza y su música”, surge la necesidad y el deseo de profundizar, entender, organizar o escribir y dedicarle un tiempo de “estudio” a dicha relación. De esta forma, entre instrumentos, recuerdos, canciones y bailes comienzan a aflorar conceptos del bagaje de ambas y en diferentes estados de latencia. Algunos de ellos de gran contenido socio-político: identidad, pertenencia, sororidad, creación colectiva, genero… y subyacen en la mayor parte de los materiales, desde los “objetos” musicales a los danzísticos o biográficos. Otros, conceptos somáticos o experiencias cuánticas: trance, energía, vibración… y aparecen en los pulsos, los ritmos y los tonos, en las voces y en las dinámicas, en los silencios, en las formas. El trabajo es además una propuesta sutil sobre lo común sensible, y una apuesta por el hacer/saber artístico.
Aunque esta segunda etapa del proceso, haya venido determinada por la oscuridad de la sala y el espacio escénico, “Mercedes máis eu” también/todavía nos reclama regresar a sus orígenes, aquellos encuentros de diferentes duraciones donde no había distancia con el espectador. Esta plasticidad que queremos permitirnos, esta facilidad que pensamos que tiene para adquirir diferentes formas o habitar diferentes arquitecturas, es una libertad que nos ayuda a seguir pensándola y a nosotras in-formándonos.

Dirección / Janet Novás / Creación e interpretación: Mercedes Peón y Janet Novás / Acompañamiento artístico: Ricardo Santana y Pablo Esbert / Composición musical, concepto y letras: Mercedes Peón / Coreografía: Janet Novás y Victoria P. Miranda / Diseño de Iluminación: Cristina Bolívar / Sonido: Ezequiel Orol / Producción: Adriana Reyes / Agradecimientos: Jorge Rúa, Virginia Rota,Eduardo Bonito,Celso Giménez, BeatrizCalatrava, Lipi Herández y Laura Kumin / Coproductores: Comunidad de Madrid / Con el apoyo de: Centro Danza Canal y Sede Losdedae, compañía residente en Alcalá de Henares / Agradecimiento especial: A mis padres

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De Ana Borralho y João Galante, del 5 al 7 de octubre en el Mercat de les Flors a las 20.30h (d 18.30h)

Ana Borralho y João Galante, directores artísticos del Festival de Artes Performativas Verão Azul y comisarios del Festival de Música Electrónica Electrolegos en Portugal, trabajan juntos desde 2002 en los ámbitos del arte performático, la danza, el teatro, la instalación, la fotografía, el sonido y el vídeo explorando formas con la convicción de que el arte es parte de la sociedad y que debe ser activo y transformador y existir en comunicación directa con la gente

Así, Trigger of Happiness es una obra participativa con jóvenes de entre 18 y 23 años que, después de realizar un taller, se preguntan por la felicidad, y lo hacen en una sociedad que no es especialmente feliz. Estos jóvenes se desnudan emocionalmente sobre el escenario a través de una versión amable del juego de la ruleta rusa y nos hablan de sus sueños, conflictos, riesgos, identidades, de sus visiones y experiencias… Es una reflexión sobre las transformaciones de la sociedad actual y las expectativas de estos jóvenes adultos.

Esta pieza de 2017 ya ha podido verse en festivales y programaciones internacionales.

> Más información y entradas

*Sábado 6 de octubre conversación después de la función.

Concepto, dirección artística Ana Borralho & João Galante /Diseño iluminación Thomas Walgrave / Sonido Coolgate, Pedro Augusto / Colaboración a la dramaturgia Fernando J. Ribeiro / Asistencia artística, ensayos y escenario Alface (Cátia Leitão), Antonia Buresi, André Uerba, Catarina Gonçalves / Asistencia técnica, ensayos y escenario Tiago Gandra / Intérpretes Lía Acevedo, Hatim Azahri, Laia Barri, Zino Benrega, Meritxel Boixadera, Dario Cunill, Nihad El Melloussi, Berta Font, Natàlia Llovet, Rita Martínez, Félix Navarro, Aida Vázquez / / Responsable producción Mónica Samões / Producción y gira Andrea Sozzi / Producción ejecutiva Joana Duarte / Producción casaBranca / Coproducción Maria Matos Teatro Municipal (Lisboa, Portugal), Jonk ny Internationell scenkonst för unga (Jönköping, Suècia), Nouveau Théâtre De Montreuil – Centre Dramatique National (França), Le phénix  scène Nationale Valenciennes pôle européen de création(França) Le Boulon Centre National des Arts de la Rue de Vieux Condé (França) / Con el apoyo Câmara Municipal de Lagos, Espaço Alkantara, LAC Laboratório de Actividades Criativas, SIN Arts and Culture Centre (Budapest), Companhia Olga Roriz

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Ella Poema surge como un proyecto de arte contemporáneo multidisciplinar  

que genera piezas de danza contemporáneafotografía y cortometrajes 

realizados con mujeres africanas creadoras en más de una docena de países,  

bajo la orquestación de la creadora española Aïda Colmenero Dïaz 

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  Un mapa poético de las mujeres creadoras del África de hoy 

 

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Jueves 4 de octubre 

a las 18h 

Centro Danza Canal 

Calle de Cea Bermúdez, 1, 28003 Madrid  

Muestra Ella Poema 

Dirección: Aïda Colmenero Dïaz 

Ellas: Nshoma Nkawe (Tanzania) y Estelle Foli (Togo) 

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Viernes 2 & Sábado 3 de noviembre 

a las 20h 

Teatro Sala Mirador 

Calle del Dr. Fourquet, 31, 28012 Madrid 

  

Trayectoria del polvo VII  Ella Poema-Tanzania 

Solo de danza contemporánea 

Dirección: Aïda Colmenero Dïaz 

Ella: Nshoma Nkawe  

Inspirado en un poema de Rosario Castellanos (México) 

Teaser cortometraje: cortometraje lifetime dust 

Teaser pieza: /vimeo.com/212558990 

Qué importa el abismo  Ella Poema-Togo 

Solo de danza contemporánea 

Dirección: Aïda Colmenero Dïaz 

Ella: Estelle Foli 

Inspirado en un poema de Isune de Goñi (España) 

Teaser corto: vimeo.com/239073526 

Teaser pieza: vimeo.com/211082542

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Foto: Barriobajero.

Saliva es un proyecto que se compone de un programa de actividades públicas, un grupo de estudio y una exposición que tendrán lugar en CentroCentro entre el 19 de octubre de 2018 y el 13 de enero de 2019. 

Saliva parte de una investigación de largo recorrido que desarrollan Ainhoa Hernández (Madrid, 1989) y Andrea Rodrigo (Madrid, 1992). Surge del deseo de dar cuerpo a una serie de preocupaciones y posiciones compartidas desde la complicidad –entendida como una forma de sociabilidad radical que nos hace acompañarnos al ponernos en riesgo– y del interés por encontrar prácticas y estructuras que permitan producir y acompañar otros tipos de conocimiento, formas de convivir y trabajar juntxs que involucren lo sensible.

El programa de actividades públicas de Saliva acogerá diferentes prácticas que han sido cómplices a lo largo de este proceso de investigación, tales como conversaciones, performances, sesiones de lectura, de escucha, de manipulación de materiales, de entrenamiento, meditación, experimentos con comida, entre otras; que piensan, accionan y proponen modos de hacer que invocan otra mirada, otro tacto, una piel que habla, una lengua que toca.

Actividades: 

13 – 18.10 Residencia con Aleksandra Lemm y Emma Daniel
19.10 Rave, de Aleksandra Lemm y Emma Daniel
26 – 28 De Ubieta
16.11 Daniela Bershan/Baba Electronica
23 – 25.11 Simon Asencio y Adriano Wilfert Jensen
13 y 14.12 Lendl Barcelos y Ameen Mettawa
15.12 Nyamnyam
08 – 09.01.2019. Mar Medina
12.01.2019. Cierre de proyecto 

*Grupo de estudio 

El grupo de estudio de Saliva, para el que se realizará una convocatoria pública próximamente, se reunirá durante seis sesiones. Será un espacio donde practicar el estudio colectivo y compartir prácticas y materiales de una manera transversal: física, intelectual y sensorialmente. Los encuentros del grupo serán una oportunidad para poner a disposición conocimientos y formas de hacer, y se plantean como un proceso de digestión colectiva donde utilizar los conceptos como excusa para elaborar nuevas formas de estar juntxs. 

Forman parte de Saliva: Barriobajero, Futuro Studio, Irene Cantero, Aleksandra Lemm y Emma Daniel, De Ubieta, Laura Ramírez, Daniela Bershan a.k.a. Baba Electronica, Simon Asencio y Adriano Wilfert Jensen, Lendl Barcelos y Ameen Mettawa, Nyamnyam, Mar Medina, Valentina Desideri y Denise Ferreira da Silva.

19.10.2018 – 13.01.2019 

Martes – Domingo 

10:00 – 20:00 

Aquí puedes ver la programación completa de CentroCentro. 

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