— MuroTRON

ALOHA !!

Queremos presentaros el programa de los nuevos IN_prescindibles de este invierno-primaveral 2020, las artistas ya están ocupando los espacios de trabajo de La Fabra, que como sabéis es nuestro lugar de trabajo actualmente; hemos seleccionado de todas las propuestas recibidas en esta última convocatoria, las que nos han parecido estar en un momento procesual y de investigación poroso y flexible en el que este momento de apertura les pueda ayudar a entender y evolucionar sus prácticas artísticas. El IN es un lugar de encuentro entre artistas y públicos diversos que confluyen en estas veladas mixtas. Esta es su fuerza y su valor.

Sábado 14 de marzo a las 20h

Domingo 15 de marzo a las 19h

PROGRAMA

>Sanwiche Conceptual: Los Autocuidados // ALBA RIHE
>Biguater // GRASA PARDA
>HIT ME IF I’M PRETTY * o Vladimir Maiakovski es va suïcidar per amor // JUANA DOLORES
>NEW(A)DAYS // Kotomi Nishiwaki i Miquel Casaponsa

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13 y 14 de marzo en La Casa Encendida

13 marzo

>”Feeling Raid”, taller con Elena Castro, Laura Tabarés y Clara Harguindey

>Instalación y videojuego “The Automated Sniper”

14 marzo

Tercera edición del festival dedicado a las artes vivas orientadas a la pantalla del ordenador, internet y los videojuegos, que este año pone el foco en la violencia mediada tecnológicamente, la violencia sin cuerpo.

Mientras en Madrid una horda de microdrones led ejecuta una coreografía en la cabalgata de los Reyes Magos, aterrizan en Badajoz los primeros drones militares de nueva generación del ejército español. Mientras nuestros gobiernos intentan alejarnos de las zonas de conflicto bélico —delegando el trabajo de la guerra en armas robotizadas—, Me gustas pixelad_, por el contrario, busca deconstruir el camino que recorre una tecnología de origen militar hasta devenir en un objeto de entretenimiento de masas. Todo ello a través de pieza principal del festival The Automated Sniper, de Julian Hetzel.

Esta pieza, que durante los dos días del festival se presenta en sus dos formatos -una instalación de larga duración jugable el viernes, y su versión escénica el sábado- pone al espectador en la posición de un militar a cargo de un drone de asalto teledirigido. En nuestras manos tendremos un arma y la decisión de cómo operar. Ahora bien, lo que se pone en juego va mucho más allá del entretenimiento que brinda la propuesta. El artista consigue ponerle cuerpo a una pregunta global: “¿Qué hacemos deshumanizando la guerra?”

Además, Elena Castro, Laura Tabarés y Clara Harguindey nos traen dos talleres. En Strolling you down, nos presentan y enseñan técnicas de defensa personal en entornos digitales. Estas artistas-analistas digitales cuestionan por qué nuestro alter ego online saca lo peor de nosotros y nosotras y cómo una herramienta, internet, que supuestamente surgió para conectarnos, se ha convertido en un campo de batalla verbal. Por su parte, en el taller Feeling raid, se marcará un guión sobre cómo recorrer el territorio del videojuego, cómo jugar entre todas, para generar un nuevo mapa afectivo en la partida.

Estos dos proyectos paralelos cuestionan, además, la economía detrás de la seguridad ciudadana: mientras el gobierno invierte 158 millones de euros en cuatro drones Predator -así es como se han bautizado-, se intentan tumbar políticas contra la violencia de género, homofobia y racismo, cuyo objetivo es, de hecho, frenar a los depredadores de carne y hueso.

Comisariado por Matías Daporta.

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Durante estos cinco días os pediremos que cambiéis vuestra manera de mirar e incluso la manera de ser. Saquemos los tentáculos, las antenas y las zarpas. Convirtámonos en monstruos, en cosas raras y extrañas, en bichos misteriosos. Hagamos un llamamiento para movernos, para desplazarnos, para recolocar nuestra mirada. Especulemos sobre un nuevo mundo y una nueva manera de hacer. Impugnemos la normalidad tejiendo otras alianzas, volvámonos locas.

Como dice Donna Haraway: «Seguir con el problema requiere generar parentescos raros: nos necesitamos recíprocamente en colaboraciones y combinaciones inesperadas, en pilas de compost caliente.»

TEATRO PRINCIPAL · 20 h · 5 € cada función
Miércoles 25: LA MEMORIA · Los Torreznos
Jueves 26: TOT PER L’AIRE · Sandra Gómez
Viernes 27: EL CAPITALISTA · Norberto Llopis Segarra
Sábado 28: FREGOLÍ · Quim Pujol
Domingo 29: UNOS PASODOBLES · Cuqui Jerez

VESTÍBULO DEL TEATRO · 11 h · Gratuito
Sábado 28: DESKTOP ARCHIVES de Néstor García + Aperitiu
Domingo 29: Proyección documental DONNA HARAWAY: STORY TELLING FOR EARTHLY SURVIVAL (2016) de Fabrizio Terranova + Aperitiu

+ info y entradas

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12 Marzo a las 19.30h en el IVAM

Posar el cos da nombre al programa de artes vivas del IVAM que tiene como premisa fundamental situar el cuerpo y todas su potencialidades e implicaciones en el centro de la investigación y de la experimentación del museo, así como la relación con los otros cuerpos que conviven en el museo.
Se trata de una declaración de intenciones en la que las estrategias de exposición y de contemplación se desbordan para dar paso a nuevas apuestas donde lo efímero, lo imprevisible, lo relacional, lo procesual, lo inacabado…revierten los términos establecidos de la visita al museo para generar nuevas formas de relación y de posibilidades de habitar el espacio.
Este proyecto se formula a partir de varias propuestas que suceden a lo largo del año, y para las que contamos con colaboradores en calidad de comisariados. En esta primera propuesta, Nestor García Díaz abre una reflexión sobre cómo los procesos de musealización de la coreografía han llevado a desarrollar nuevas narrativas en torno al objeto y su exposición.

Performance  Loie Fuller: Research de Ola Maciejewska

Loie Fuller fue una bailarina y actriz estadounidense, pionera de la danza moderna. Compartió la fascinación europea por el orientalismo, inspirándose en las danzas con velo, formas espirales y movimientos serpenteantes en busca del concepto de belleza sublime.
En esta pieza Ola Maciejewska retoma los experimentos formales de Loie Fuller y los inserta en el espacio del museo apelando a los paralelismos que dichos experimentos puedan tener con la práctica escultórica.

Esta propuesta se enmarca en el conjunto de actividades diseñadas con motivo de la exposición Orientalismos

Nacida en Polonia y actualmente residente en París, Ola Maciejewska es una bailarina y artista de performance. Sus trabajos se distinguen por una fuerte interdisciplinariedad. En 2012 se graduó del Máster en estudios de teatro y danza contemporáneos de la Universidad de Utrecht. Creó su primera pieza: Loie Fuller: Research en 2011 y se ha presentado en instituciones internacionales, como en Art Space TENT Rotterdam, CND de Pantin, 14ª edición de la Bienal de Lyon, Fundaçâo de Serralves, Kanal- Centre Pompidou y Museo Reina Sofía, por nombrar algunos. En el otoño de 2015, Ola Maciejewska estrenó Bombyx Mori en París en el Ménagerie de verre en el marco del Festival Les Inaccoutumés. De 2016 y hasta 2018 fue artista asociada del Centre Chorégraphique National de Caen en Normandie.

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5 y 6 de marzo en Teatros del Canal

A Jan Martens (Bélgica, 1984) le gusta decir que su creación Rule of Three es una colección de pequeñas historias escritas desde el cuerpo, la música, la iluminación, el vestuario y los textos, edificado todo a partir de contrastes: la quietud y la explosión, la precisión y la intuición, el corazón y la razón. Es la primera vez que el joven creador belga trabaja con un músico en directo. Sintió esta necesidad y creó alianza con el percusionista norteamericano Nah, que ha mezclado para él percusiones en directo con sonoridades programadas, samples manipulados y sonidos encontrados, que mantienen un diálogo con los tres bailarines de esta producción que no ha parado de girar desde su estreno en septiembre de 2017, en deSingel Amberes.

La fascinación de Martens por las creaciones de Nah viene de la coincidencia emocional de su trabajo con el del percusionista, hasta el punto de asegurar que si él fuese músico, seguramente sus composiciones sonarían como las del norteamericano, que se nutre de tendencias tan variadas como metal, noiseindustrial minimalist y punk, con influencias de artista tan diversos como Steve Reich, Slayer o la música industrial de Einstürzende Neubauten. «De todas mis propuestas, Rule of Three es la única que te invitará a bailar», asegura el coreógrafo, que define su pieza a medio camino entre una coreografía y un concierto. Lo que sí permanece constante es la necesidad de la repetición, un gesto de herencia minimalista que ha estado presente en toda la obra de Martens desde que, en 2006, terminó sus estudios de danza en el Conservatorio de Amberes. El precepto de que «cada cuerpo puede comunicar y cada uno tiene algo que decir» ha guiado y orientado su trayectoria en la que destacan creaciones A Small Guide On How to Treat Your Lifetime Companion, que fue seleccionado para el proyecto joven europeo Aerowaves 2012 o The Dogs Days Are Over (2014).

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Del 12 al 15 de marzo en el CCCB

Desde su fundación en 1994, OVNI (Observatorio de Video No Identificado) es un proyecto de investigación que, a través del vídeo, se centra en el análisis y la crítica de una parte significativa de la cultura contemporánea. Creado por autores de vídeo y no por gestores ni comisarios, OVNI siempre ha rehuido el estereotipo de festival competitivo y de novedades; es un proyecto de autor sobre autores que hacen uso del medio vídeográfico independiente, en el cual la práctica creativa ha sido siempre algo prioritario. El proyecto, uno de cuyos hitos es la creación en 1999 de los Archivos del Observatorio, ha sido testigo de tres décadas clave, puesto que ha presenciado el nacimiento de internet, el tránsito del analógico al digital y los cambios tectónicos en la corteza política y espiritual de la cultura actual, elementos todos ellos que han quedado recogidos en sus archivos.

En este año 2020, el Observatorio de Video No Identificado, OVNI, hace un recorrido de autoría colectiva por este período. Bajo el título de “Finales de Invierno”, presenta cuatro sesiones vídeograficas en clave de ensoñación mediante una programación que, de manera sutil, habla de la deriva del momento y del recuerdo. El título remite a algo evocador y, de manera más concreta dadas las fechas de celebración de la muestra, a los días finales del invierno y el tránsito hacia la claridad. Algo concreto en tiempos de demasiada volatilidad, evocador en tiempos de pérdida.

“Finales de Invierno” se hace en recuerdo de Toni Serra – Abu Ali, que encontró la muerte el 21 de noviembre del año 2019. Cofundador del proyecto y autor de una muy importante y extensa obra vídeografica, la programación de este OVNI 2020 está guiada por algunos de sus trabajos: cada sesión empieza y acaba con uno de sus vídeos, de acuerdo con el hilo temático de la programación de cada día, pero también incluye muchos de sus títulos más desconocidos, algunos firmados con seudónimo o directamente anónimos.

“Finales de Invierno”, OVNI 2020 no quiere ser una antología o un repaso representativo del Archivo del Observatorio, puesto que ello seria del todo imposible dada la amplitud del fondo. Pero en un momento muy marcado por la desaparición de Toni, veintisiete años después de su fundación, el Observatorio toma como punto de partida el extenso fondo de su archivo para hacer una lectura particular. Hay una mirada a cuestiones y fragmentos fundamentales, situaciones, testigos y paisajes de estas décadas que enlazan y dialogan con un presente caótico y de pérdida.

“Finales de Invierno”, sin estar centrado en una temática demasiado dibujada, plantea en cierto modo la deriva en una programación marcada por la pérdida en un espacio de tiempo de lectura atenta y de baja velocidad, y desde una voluntad de proponer de nuevo una relación de intimidad con la imagen.

Intuyendo la luz del crepúsculo (primer día)

Una primera sesión de OVNI 2020 recoge vídeo retratos de los años 80 y 90, vídeo diarios, personas que hablan ante la cámara y con la cámara en la soledad y desde los tiempos analógicos de baja resolución y también de más baja velocidad. Hablamos aquí de aquella imagen vídeografica de más ingenuidad y por tanto con más gran sentido de libertad en relación a lo mediático, a través de títulos realizados en los tiempos predigitales, donde la difusión explosiva de las redes sociales era todavía algo impensable. Piezas como “El Dolor” (1996) de Iñaki Álvarez en la que unas personas hablan de su noción de dolor en solitario tan solo en compañía de la cámara; “Interview Agency” (1992) de Xavier Hurtado, un proyecto en la Barcelona post-Olímpica en el que se pone de manifiesto la tensión creada entre el entrevistador-cámara y el entrevistado, entre transparencia y manipulación, ideología y neutralidad. Trabajos que fueron especialmente significativos en su momento, también en las programaciones de OVNI en la década de los 90, como “Split” (1991) de Ardele Lister, en el que una adolescente explica su reciente escapada de casa, para más adelante, en “It Happens to the Best of Us” (1989), revisar su escapada ocho años después.

Atravesando espejismos (segundo día)

El segundo día de este OVNI 2020 enlaza con una jornada entre la pérdida y el olvido, el espejismo y finalmente el reconocimiento en lo esencial. Recoge títulos tan significativos como “Marcos on Media” (1996) donde se habla del papel de los medios independientes en la década de la globalización. “Una Cruz en la Selva” (2006), un repaso a la Guinea colonizada realizado a partir de archivos históricos, y “Now I Become Death” (2012), una reconsideración de las palabras de Openheimer después del primer test nuclear, ambos títulos editados por Toni Serra bajo pseudónimo. Este segundo programa oscila entre referentes, algunos más oníricos y otros más concretos y localizados en realidades geopolíticas o históricas particulares, pero conduciendo finalmente hacia la disolución de la materialidad en “Satsanga, en compañía de la realidad” (2012), un estudio de Toni Serra que recoge filmaciones de archivo de Sri Nisargadatta Maharaj, entorno a la naturaleza no dualista de la realidad. Este cuestionamiento fundamental de la experiencia y su origen en la unidad es uno de los ejes destacables de la investigación llevada a cabo en los Archivos del Observatorio en los últimos años.

Llegando al recuerdo (tercer día)

Una tercera sesión cierra el cuerpo central de “Finales de Invierno”, la trilogía de programas, un espectro que va desde la relación personal con la imagen, lo mediático versus la intimidad o los tiempos de la “ingenuidad analógica”, pasando por los tiempos de consolidación de la globalización y la explosión digital, hasta el cuestionamiento de la verdadera naturaleza de la realidad y la investigación más allá de la deriva en la cual, de una forma u otra, individual o colectivamente, nos encontramos. En este tercer día “7 Contemplaciones” (2016) de Toni Serra, “Mast Qalandar” (2005) de Till Passow, Bronx Baptism (1980) de DeeDee Halleck, entre otros, son títulos que tienen en común quizás el hecho devocional, la colectividad en la unidad y la contemplación cómo el camino para devenir el otro.

Apertura (cuarto día)

Hay una cuarta sesión final que nos gusta denominar de Apertura. Apertura quizás hacia tiempos y espacios que vendrán en nuestra relación y continuidad con el mundo. Es, en todo caso, una sesión dedicada a Toni Serra – Abu Ali con sus trabajos “Al Barzaj” (2010) y ” En el Camino de las Abejas” (2018), éste segundo es su último video, realizado para la exposición Behave en la Fundación Miró. El programa de Apertura de OVNI 2020 también presenta dos títulos especiales en el archivo, Pi’txi (Acompañante) (2010) de Xavier Hurtado y For the Birds (2000) the Keith Sanborn.

Archivos OVNI – Observatorio de Vídeo No Identificado

Rosa Llop, Simona Marchesi, Joan Leandre.

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29 de febrero en Centro Párraga

La bailarina Bárbara Sánchez presenta en el Centro Párraga su espectáculo ‘Várvara’, un solo escénico que propone desde la danza un acercamiento feminista al arquetipo de María Magdalena. Partiendo de lugares aparentemente tan dispares como la cultura valenciana del bacalao y la idea mística del éxtasis, Bárbara Sánchez  encarna la figura de La Gran Amante.
Como en toda práctica mística, el objetivo aquí es la unión, la disolución definitiva de la distancia. No queda espacio ya para la ironía, el sarcasmo y mucho menos para lo autorreferencial. María Magdalena es la loca ejemplar, capaz de vaciarse para encarnar al Amado, capaz de destrozar cualquier institución patriarcal para afirmar su Amor Infinito. Ella habla directamente con su Dueño, elegido libremente. No hay ni distancias ni intermediarios que valgan.
Frente a la imposición capitalista de un modelo de mujer privilegiada blanca que se puede permitir dedicar sus esfuerzos a observarse a sí misma, Ella lleva a cabo un desalojo radical, una bajada consciente y deseada a los escombros del mundo, a ese lugar desde donde reina su Cristo.

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El programa familiar es un espacio-tiempo que ensaya maneras de estar juntos en el museo poniendo en juego sus contenidos y su funcionamiento. Una experiencia abierta a personas de todas las edades, vengan o no acompañadas de niños, que sitúa los vínculos y la experiencia colectiva en el centro para provocar otras maneras de estar, de relacionarnos, de aprender y de crear.

Para familias con niños y niñas de dos a cinco años, proponemos que pequeños y grandes exploren el proceso creativo como un juego para acoger el ensayo, el error, la sorpresa y el descubrimiento. Para estas edades ofrecemos propuestas educativas de un solo día que exploran todo lo que se puede manifestar en un encuentro puntual entre personas y otros formatos de larga duración y en las que la continuidad permita trabajar en procesos abiertos a partir de las propuestas de los artistas y las complicidades que se vayan tejiendo entre participantes y espacios.

Para participantes a partir de seis años, queremos abrir la posibilidad de configurar grupos heterogéneos, conformados por diversidad de familias y/o amigos que quieran vivir y compartir otras maneras de entrar en contacto con las posibilidades de acción y pensamiento en el museo. Apostamos por una experiencia lúdica y singular propuesta por artistas a partir de sus estrategias artísticas y sus temas de interés, que nos permita reflexionar con el cuerpo, tocar la palabra o conversar con los objetos y con el espacio.

>Programa completo

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Sergi Fäustino 

Del 28 de febrero al 1 de marzo en Teatro Ensalle

La propuesta escénica que voy a presentar en el Teatro Ensalle es fruto de un proceso de creación en continuidad que empezó en 2012. Este largo proceso es como un árbol que se ha ido dividiendo en ramas y estas han ido dando unos frutos. Estos frutos, algunas veces han estado vinculados a los encuentros con la mirada del otro y otras veces no. Cada rama y cada fruto ha tomado una forma concreta debido a dos razones, a saber: por un lado, el trabajo en continuidad, esto es el día a día en el estudio, el trabajo en mi casa, en la ciudad donde vivo. Básicamente se trata de plantear preguntas y meterse con el cuerpo a buscar respuestas. Algunas veces las encuentro y otras no, pero la búsqueda siempre enriquece la reflexión. Por otro lado, está el intercambio con el lugar de presentación y las personas que lo habitan, esto varía según las características de cada lugar, se trata de que el trabajo esté suficientemente abierto para dejarse traspasar y modificar por las características específicas del entorno en el que se presenta. El objetivo es que cada presentación tenga sentido para el lugar, para las personas del lugar, para el trabajo en sí y, por lo tanto, para mí.

Para las presentaciones en Ensalle va a haber una parte de documentación gráfica de distintas formas que ha cogido el trabajo según el momento y el lugar de presentación, un apartado audiovisual en el que se podrán ver y oír las ramificaciones del trabajo en este formato, y un espacio para la escena. En escena va a haber un cuerpo bailando junto con una voz en off de alguien que mira y analiza el cuerpo que se mueve, el cuerpo que baila; y que hace una inmersión en el interior de este cuerpo, en el interior de esta persona, para compartir todas aquellas vicisitudes de su vida que lo han llevado a estar delante nuestro moviéndose de una manera única. Partiendo así de lo estrictamente físico para llegar a algo que trasciende el cuerpo.
La propuesta pretende poner sobre la mesa una visión desde el cuerpo y a través del cuerpo, con la conciencia que es importante que esta visión exista -junto con otras muchas-, en un momento en que la tendencia es ir hacia una visión única.

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Marta Górnicka y el Coro de Mujeres

21 y 22 de febrero en Teatros del Canal

>Programa de mano

En un país tan profundamente católico como Polonia, ya solo reflexionar sobre una figura como la Virgen María puede ser un atrevimiento, un desafío y hasta una provocación. Marta Górnicka y El coro de las mujeres van mucho más allá. «Magnificat es una declaración sobre la mujer en un sistema de poder dominado por la Iglesia, una declaración que no usa palabras, ni sagradas ni profanas», explica la propia Marta Górnicka, que desde que presentó esta polifonía ‘sacropop’ ha ido cosechando premios y reconocimientos tanto en su país como en otros muchos lugares de Europa.

La pieza, estrenada hace ocho años en Varsovia, enfrenta de cara todo el poder ideológico y estético de la imagen más sagrada de la feminidad dentro de la Iglesia. Lo hace a través de esta forma moderna de teatro coral creada por Górnicka, El coro de las mujeres, un movimiento empeñado en recuperar la voz femenina y crear un teatro de coro cuya característica formal y conceptual busca la combinación entre el poder ancestral de la voz y el cuerpo en la escena occidental y la crítica contemporánea. 25 mujeres que usan un lenguaje común como herramienta de poder.

En boca de esas mujeres, un compendio de citas de la Biblia, recetas de comida, textos de Elfriede Jelinek o del gran poeta polaco Adam Mickiewicz, además de los fragmentos de Las Bacantes de Eurípides que son mezclados por el coro con sonidos informáticos, ruido de persianas y frases publicadas en los periódicos. Un mix de ideas y sonidos vertido a través de una fusión única de cultura contemporánea y formas tradicionales, expresión que evidencia igualmente la doble formación teatral y musical de su creadora. Y a esa expresión hay que añadir una nada disimulada ambición de reivindicar una forma nueva de estar de las mujeres en la cultura pasada, presente y futura.

+ info y entradas

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