— MuroTRON

Anabella Pareja Robinson

Ciudad de México | La Caja (Ex Esmeralda) – San Fernando No. 14 Col Guerrero. | Horario: 18 h

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La Masterpiece

23 y 24 de Septiembre

Caer es tanto decadencia como liberación, una condición que convierte a las personas en cosas y viceversa.

Hito Steyrel

La Masterpiece no es una Masterpiece, es sólo un intento; un intento de ser muchas cosas y de abrir muchas puertas al espectador.
Es una serie de acciones que buscan transformar a los objetos en sujetos y al sujeto en objeto a partir de investigar las cosas desde sus cualidades físicas. Es un laboratorio que abre sus puertas al público, en el que el cuerpo no desea sólo llegar a un resultado, su objetivo reside en dejar a la vista las preguntas que se generan cuando éste se relaciona con las cosas.

De y con: Anabella Pareja Robinson
Iluminación: Laura Abad

El Desierto

30 de septiembre y 1 de octubre

Son las personas superficiales las únicas que no juzgan por las apariencias. El misterio del mundo es lo visible, no lo invisible.

Oscar Wilde, una carta.

El Desierto es una investigación en la que el movimiento es el protagonista. Cansada de lo literal, el sentido y las estructuras, quise regresar a la danza, añorando un lugar más abstracto para habitar, con la intención de encontrar otras maneras de relacionarme con el espectador en las que pueda otorgarse más espacio para imaginar y reflexionar y en lo posible evitar imponer mi creatividad sobre cualquier otra cosa.

De y Con: Anabella Pareja Robinson

Música: Essaie Pass

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Del 21 al 24 de septiembre en Naves Matadero a las 20 h 

> Entradas

“Sin fecha, 1950
Camino por la calle. Sin ningún lugar adonde ir. Me paro a mirar las carteleras, los escaparates. Miro las etiquetas con los precios en las alas de los sombreros. ¿Necesito un sombrero? Quizás deba comprar uno. No. Quizás la próxima vez. Me sobra el tiempo.
Cruzo la calle y vuelvo hacia Broadway. El Broadway de las salas de cine, de los teatros, las tiendas de segunda mano, los tugurios.
No tengo absolutamente ningún lugar adonde ir, ningún lugar hacia dónde correr.
Cuando uno ha recorrido una distancia tan larga, ya no importa si está aquí o allí, o durante cuántas horas ha caminado. En diez años podría encontrarme en un lugar completamente distinto, quién sabe, y no importaría lo más mínimo. Una vez que se abandona el hogar, ya no se vuelve a estar en casa.”                                                                                                                                                                                                     Jonas Mekas, Ningún lugar adonde ir

En el libro Ningún lugar adonde ir el cineasta de vanguardia lituano Jonas Mekas relata su exilio a través de la Europa en guerra hasta llegar a Nueva York, donde ha de volver a comenzar su vida.

En ese momento, mientras Mekas recorre las calles en solitario, comienza Ningún lugar, una performance en la que sus textos y su obra se encuentran con un grupo de teatro amateur formado por mujeres rumanas, un músico colombiano que practica electrocumbia y noise, vídeos domésticos y montones de chatarra, para construir una ópera de lo cotidiano que celebra la vida.

Orquestina de Pigmeos, colectivo formado por el músico Nilo Gallego y el creador audiovisual Chus Domínguez junto con diversos integrantes que colaboran en cada nueva presentación, ha sido invitados desde 2009 por festivales nacionales e internacionales de Bélgica, Reino Unido o Portugal para convertir situaciones cotidianas en extraordinarias vivencias artísticas desplegadas en el entorno: en el curso de un río, en el paseo de un pastor con el rebaño, sobre un volcán a la salida del sol o en un embarcadero mientras sube la marea.

En esta ocasión la Orquestina de Pigmeos se adentra en Naves Matadero para ejercer de médiums en una creación colectiva que reflexiona sobre el desplazamiento y el exilio, una experiencia que transforma a los creadores, a la gente con la que se cruzan y al lugar donde actúan, un diálogo entre sonidos, cuerpos y acciones, un paseo hacia ningún lugar.

Foto © Luisa Zotes

Enlace directo aquí al vídeo-diario de Jonas Mekas donde dice de Ningún lugar: “Es arte: simple, personal, real, sin pretensiones” (puedes clickar también la imagen).

Ficha artística

Idea y dirección: Nilo Gallego y Chus Domínguez
Creación colaborativa e interpretación: Luminita Moissi, Mirela Ivan, Angelica Simona Enache, Mariana Enache, Julian Mayorga y Claudia Ramos
Música y espacio sonoro: Julián Mayorga
Diseño de luces: Oscar Villegas
Con la colaboración especial de: Grupo de Teatro Equivalientes (Tetuán), Raquel Sanchez, Serrín (Raul Alaejos y Ana Cortés)
Agradecimientos: Biblioteca Musical Víctor Espinós, Alberto Nanclares, Iván Pérez, Filmadrid y Sebastian Mekas
Agradecimiento especial a Jonas Mekas
Textos adaptados libremente de los libros, películas y vídeo-diarios de Jonas Mekas
Idioma: Español, Rumano

ESTRENO ABSOLUTO

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Del 12 al 24 de septiembre en La Casa Encendida, ÍDEM 2017 celebra su quinta edición con una serie de piezas que hablan de inmigración, islamofobia, justicia o capacidad vs discapacidad. Artistas de Bélgica, Gran Bretaña, Suiza y España nos retan a conectar con la realidad que afecta a otras personas o colectivos cuya existencia se hace necesario reconocer para ayudar a cohesionar nuestra sociedad.

> Programación completa

 

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Del 16 de septiembre al 15 de octubre en el CA2M

Comisario: Mathieu Copeland.

Una exposición coreografiada consta únicamente de movimientos. Reúne las obras coreografiadas para la exposición por artistas, coreógrafos y músicos de fama internacional. Durante un mes, tres bailarines ocupan constantemente los espacios de exposición e interpretan una coreografía de gestos, figuras y desplazamientos, con arreglo a las partituras e instrucciones escritas por Cecilia Bengolea, Jonah Bokaer, Tim Etchells, Karl Holmqvist, Jennifer Lacey, Roman Ondák, Michael Parsons y Michael Portnoy.

En ausencia de decorado, luz dramática y música, los gestos “resuenan” en las galerías vacías del CA2M, donde los bailarines centran toda la atención. Lo único que acompasa las representaciones son los horarios de apertura del centro de arte y la duración de la exposición. Los gestos, encadenados en un continuum sin fin, se convierten en formas abstractas y flotantes que se despliegan y vagan por el espacio.

La relación con el espectador queda profundamente alterada: ya no es él quien da vueltas alrededor de las obras, sino ellas las que dan vueltas a su alrededor y le arrastran con su impulso. La proximidad turbadora de los bailarines y sus desplazamientos, a menudo imprevisibles, le obligan a ponerse él también en movimiento, a cambiar permanentemente de posición.

Una exposición de Mathieu Copeland que se forma y evoluciona a lo largo del tiempo y solo se fija en la memoria, porque al final lo único que queda es el recuerdo de los gestos efectuados.

Una exposición coreografiada es una coproducción original de la Kunsthalle de St Gallen (Suiza) y de la Ferme du Buisson, de Noisiel (Francia), donde la exposición se celebró, respectivamente, del 1 de diciembre de 2007 al 13 de enero de 2008 y del 8 de noviembre al 21 de diciembre de 2008. La muestra es un hito importante en la historia de las exposiciones y su relación con la danza y las artes visuales. Retomada, modificada y ampliada siguiendo las pautas de la exposición original, Una exposición coreografiada se programa de nuevo del 16 de septiembre al 15 de octubre de 2017 en el CA2M, ocupando los espacios del centro de arte para brindar la experiencia única de una exposición de movimiento con un conjunto de formas desbordantes y de posibles significados.

Publicaciones

Más allá de la experiencia única que es Una exposición coreografiada, una multitud de preguntas surgidas de la exposición se han abierto camino hasta el libro Coreografiar exposiciones. El libro, a la vez un manifiesto y una antología, reúne a más de treinta artistas plásticos, coreógrafos, músicos, realizadores, teóricos y comisarios internacionales. Ahora se está traduciendo al español por primera vez, complementado con un nuevo prólogo de Mathieu Copeland y un ensayo de Manuel Segade. En Coreografiar exposiciones, se ofrece una notable perspectiva general de la relación existente entre la coreografía y las exposiciones y se analiza la organización de ésta exposiciones a través del prisma de la coreografía, partiendo de los términos que componen la componen una exposición: partitura, cuerpo, espacio, tiempo y memoria.

Con la participación de: Kenneth Anger, Jérôme Bel, Julien Bismuth, Giovanni Carmine, Boris Charmatz, Mathieu Copeland, Tim Etchells, Barbara Formis, Maite Garbayo Maeztu, Kenneth Goldsmith, Amy Greenfield, Abbie Hoffman, Karl Holmqvist, Pierre Huyghe, Myriam van Imschoot, Jennifer Lacey, Leclubdes5, Franck Leibovici, Pablo León de la Barra, André Lepecki, Alan Licht, Raimundas Malašauskas, Loreto Martínez Troncoso, Malcolm McLaren, Gustav Metzger, Lilo Nein, Phill Niblock, Hans Ulrich Obrist, Michael Parsons, Julie Pellegrin, Mickaël Phelippeau, Claude Rutault, Manuel Segade, Irena Tomažin, Catherine Wood.

Intérpretes

Joaquín Abella, Pablo Durango, Amalia Fernández, David Herraez, Inma Marín, Lara Ortiz, Patricia Roldán Y Tania Arias Winogradow.

Actividades paralelas

Visitas viernes 19:00. En octubre 18:30

Prensa

Nota de Prensa (descargar)

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Ania Nowak | Ars Santa Mónica | Investigación performativa, 12.09 – 29.10.2017, Nivel 0

De y con: Raquel Alamo Bergström, Mar Medina Diaz, Duen Xara Sacchi.

Asesoramiento en dramaturgia: Julia Rodriguez, Mateusz Szymanówka.

Vídeo: Melanie Jame Wolf, Ania Nowak.

Texto: Irina Mutt.

Comisaria: Sonia Fernández Pan.

Este es un ejercicio de escucha de los materiales desde su capacidad para sentir, coexistir y convertirse en insoportablemente íntimos. Es también una invitación hacia una práctica generativa de atención constante que oscila entre lo háptico y lo visual, lo desconocido y lo discernible, lo evolutivo y lo momentáneo. Matters of Touch trata de superficies como zonas de centelleo y micro-cambio, de placeres que palpan y temporalidades porosas.

Si, como dice Anne Carson, el contacto es crisis, ¿cómo puede el compromiso con el tacto crear modos de pensar y de ser encarnados que puedan eludir la exclusión y solidificación en una identidad? ¿Cómo puede convertirse el movimiento de presionar en una estrategia para percibir la política menos perceptible que ocurre sobre y debajo de la superficie de nuestra piel? ¿Puedo tocarte con el fondo de mi corazón?

Las prácticas artísticas contemporáneas que trabajan con el cuerpo y a través de él son percibidas frecuentemente como inmateriales. Sin embargo, el cuerpo humano es materia. Como también son cuerpos las entidades no humanas que coexisten en el entorno. Así como la materialidad del cuerpo ha sido obviada en privilegio de los discursos que produce, la cuestión del contacto ha sido entendida frecuentemente desde una dimensión antropocéntrica. Muchos de los análisis que se han hecho sobre el cuerpo en los últimos años se han centrado en los discursos sobre el cuerpo y no tanto en consideraciones sobre su materialidad constituyente. Hacer que todos los cuerpos importen, humanos y no humanos, reclamando la dimensión política que se inscribe en toda la materia, apunta hacia una nueva ética que tiene consecuencias prácticas y no sólo discursivas. Necesitamos pensar la materialidad misma de los cuerpos y las interacciones que se producen gracias a ella: formas de contacto, experiencias vividas, situaciones incorporadas y sustancias biológicas que son igual de importantes que los discursos que producimos. Que son parte constituyente de dichos discursos. Como también necesitamos pensar en otras modalidades de contacto que no jerarquicen unos cuerpos sobre otros.

Matters of Touch es la tercera de la exposiciones que forman parte del ciclo anual The more we know about them, the stranger they become. A través de 4 proyectos individuales y toda una serie de actividades relacionadas, este ciclo investiga la agencia del objeto -el sistema de relaciones que este posibilita o incluye- y la implicación de la materia dentro de un nuevo cambio de paradigma en el cual el sujeto queda desplazado del centro de fuerzas del conocimiento y deja espacio a otras entidades. No se trataría tanto de dejar que los objetos y las cosas hablen por sí mismos, como de entender y poner en práctica otros sistemas de relaciones en los cuales la distribución de valor entre sujetos y objetos sea más equitativa y, en consecuencia, política.

Ania Nowak (Cracovia, 1983) coreografía cuerpos, lenguaje y situaciones. Vive y trabaja en Berlín, donde investiga el amor como una estrategia para generar conocimiento y explora el potencial de la ambigüedad, así como las zonas intermedias en los procesos de encarnación y creación de significados.

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David Bestué, Motor de sangre sobre banco de arena y vasos de hueso y mármol, 2017. Resina, arena, harina de sangre, y polvo de mármol y hueso. Medidas variables

Museo Reina Sofía | Del 13 de septiembre de 2017 al 26 de febrero de 2018 | Edificio Sabatini: Planta 1 y Sala de bóvedas

David Bestué (Barcelona, 1980) ha llevado a cabo en los últimos años una serie de proyectos escultóricos centrados en una revisión crítica de determinados acontecimientos históricos y desarrollos estético-formales que caracterizaron las vanguardias del siglo pasado en los campos artístico, arquitectónico y literario.

Para la exposición ROSI AMOR, concebida específicamente para el Programa Fisuras, el artista propone una investigación material y formal inspirada en los barrios madrileños de Las Tablas y Vallecas, y en el Monasterio de El Escorial. Cada uno de estos lugares está asociado a diferentes técnicas escultóricas que identifica a su vez con la estética de lo empresarial, lo popular y lo histórico.

La exposición irá acompañada de un folleto que incluye una conversación del artista con María Salgado, poeta que desarrolla asimismo un trabajo de recuperación del pasado.

David Bestué ha realizado exposiciones individuales en García Galería, Madrid, o La Capella, Barcelona, y ha expuesto en citas internacionales tan relevantes como la Bienal de Venecia (junto a Marc Vives) en 2009, o Gasworks, Londres, en 2010.

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Aníbal Conde y Magdalena Leite en DT Espacio Escénico

Videoclip es una propuesta basada en la noción de coreografía como campo expandido. Se trata de una página web (ésta es la coreografía) en donde el usuario encontrará las herramientas para apropiarse de un material coreográfico, en este caso,  coreografías y danzas de videoclips, en el entendido de que las danzas de los videoclips y la cultura MTV son fundamentales en la formación de subjetividad vinculada al movimiento en las generaciones posteriores a los años 70 en nuestro contexto. Videoclip propone un formato innovador que expande la noción de coreografía a territorios cercanos para el espectador. Toma prestada la dinámica del trabajo colaborativo en red que propone compartir conocimiento de manera gratuita para que otros puedan reapropiarse del mismo y convertirlo en algo nuevo. Esto supone una concepción de la creación y de la autoría opuesta a la entendida tradicionalmente en la danza, que incluye al espectador desde un lenguaje cercano (el videoclip) a través de herramientas cotidianas (tutoriales y dispositivos virtuales).

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Del 27 de septiembre al 1 de octubre en Terrassa

>Programa

 

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16, 23 y 30 de septiembre en el Museo Reina Sofía

*Entradas gratuitas previa recogida en taquillas a partir del 4 de septiembre. 2 entradas por persona para los días 16 y 23 (incluye los dos conciertos de cada día), 2 entradas por persona día 30 a las 18h y 2 entradas por persona día 30 a las 21h

Archipiélago es un nuevo ciclo de conciertos que asume que la escucha es una forma de conocimiento y, a la vez, de disfrute estético. En este sentido, invita a “escuchar” composiciones y experimentaciones sonoras sin aplicar un orden histórico o geográfico, dejando, por el contrario, que se desborden los compartimentos estancos y afloren conexiones entre lenguajes y contextos heterogéneos.

En esta primera edición, Archipiélago se sumerge en la música drone (zumbido) y el minimalismo, para explorar sus influencias e inesperadas ramificaciones. El programa incluye desde veteranos de la composición como la francesa Eliane Radigue o el japonés afincado en Nueva York Yoshi Wada –vinculados al minimalismo y a Fluxus respectivamente– hasta artistas de generaciones más jóvenes que, si bien comparten algunos nexos como la música oriental, por ejemplo, denotan aproximaciones formales muy diversas.

La mayoría de las piezas presentadas son trabajos inéditos, realizados específicamente para este ciclo.

Programa

16 septiembre, 2017 – 19:00 h

Severine Beata y Javi Álvarez + iNSANLAR

Edificio Sabatini, Jardín

19:00 – 20:00 h, Severine Beata y Javi Álvarez

Severine Beata es el nombre elegido por Marta Peláez para su nuevo proyecto musical. Su aproximación al sintetizador encuentra parecidos formales con la de algunas pioneras del minimalismo y la música repetitiva, pero a diferencia de las raíces indias del minimalismo europeo y norteamericano, su obra encuentra sus orígenes en la música antigua occidental. Javi Álvarez (Fluzo, Dúo Cobra, Néboa, Dj de la muerte, La Follable, etc.), productor del nuevo disco que se presenta en esta cita, interpreta junto a Severine algunos de estos nuevos temas.

20:00 – 21:00 h, iNSANLAR

iNSANLAR (literalmente “humanidad” en turco, pero con un significado más profundo y esotérico detrás) se reunió por primera vez en 2010 –con Baris K y Cem Yıldız al timón– como una banda de jam para el Anatolian Revival Project que se celebró en el Minimüzikhol de Estambul, el club local de la red. Los integrantes del grupo han trabajado con destacados artistas, como la superestrella turca de hip-hop Kabus Kerim, el bailarín Bahar de Baba Zula y el percusionista Sinan Tansal, entre otros. El disco Kime Ne, publicado en 2015 por el sello británico Honest Jon, los catapultó al éxito internacional, cautivando a las audiencias con su mezcla idiosincrática de instrumentación tradicional anatoliana-mesopotámica, música electrónica y letras de corte espiritual y filosófico.

23 septiembre, 2017 – 19:00 h

Yoshi y Tashi Wada + Damián Swchartz

Edificio Sabatini, Jardín

19:00 – 20:30 h, Yoshi y Tashi Wada

El músico y artista japonés Yoshi Wada, afincado en San Francisco, se unió a Fluxus en 1968, tras conocer a George Maciunas. Estudió composición con La Monte Young, con el vocalista indio Pandit Pran Nath y con los gaiteros escoceses James McIntosh y Nancy Crutcher. Su trabajo, que suele incluir largas trompas conectadas a compresores de aire, gaitas y otros medios electrónicos, incorpora el uso del drone a gran volumen. Por su parte, Tashi Wada, hijo de Yoshi Wada que  creció en Nueva York y vive en Los Ángeles, desarrolla su práctica en la música experimental, el arte y la interpretación interdisciplinar. Sus composiciones usan estructuras en apariencia sencillas y sistemas de afinación calibrados para generar efectos perceptivos ricos e imprevistos.

En esta ocasión realizan una pieza específica con la colaboración del percusionista Ingar Zach y una banda de gaita.

20:30 – 22:00 h, Damián Swchartz

Productor, DJ y artista madrileño, se formó en el jazz, estudiando bajo desde el punto de vista de la composición, un enfoque que ha determinado su trabajo posterior. Los inicios de su carrera estuvieron marcados por una intensa influencia del tecno de los noventa, un sonido que fue creciendo y evolucionando hacia ritmos más cercanos al house. Swartz ha actuado en clubs como Panorama Bar, Berghain, Robert Johnson, Fabric y Output, y sus discos han sido alabados tanto por la crítica como por otros artistas.

En esta sesión, explora la música de club en su vertiente más arriesgada pasando por nombres como Jamal Moss y sus ramas más experimentales relacionándolo con compositores como Terry Riley o Robert Ashley.

30 septiembre, 2017 – 18:00 h

Eliane Radigue por Emmanuel Holterbach + Agnès Pe

Edificio Sabatini, Sala 102
18:00 – 21:00 h, Eliane Radigue, Trilogía de la muerte, interpretada por Emmanuel Holterbach

Desde principios de los años setenta, la música electrónica de la compositora francesa Eliane Radigue, nacida en 1932, se ha creado casi exclusivamente con un solo sintetizador: el sistema modular ARP 2500. En 1970, Radigue fundó un estudio en la Universidad de Nueva York, que compartió con Laurie Spiegel. Tras un periodo de investigación, se convirtió al budismo tibetano y pasó tres años dedicada a esta práctica con el gurú Rinpoche Pao, para, posteriormente, reorientarse de nuevo hacia sus trabajos musicales.

Emmanuel Holterbach interpreta la versión completa de su Trilogía de la muerte, en una sala abovedada acondicionada para esta experiencia de inmersión: el público puede escuchar las piezas tumbado y descansar en los breves intermedios.

Edificio Sabatini, Jardín
21:00 – 23:00 h, Agnès Pe

Agnès Pe nació en Lleida en 1985. Trabaja el sonido más allá de los límites que establecen los géneros, con una actitud divertida y arrolladora, y según los parámetros del lo-fi, buscando nuevas formas de relación entre los elementos que recompone. Musicóloga e investigadora autodidacta y pluridisciplinar, le interesa lo no-común, sea cual sea su etiqueta. Esta constante investigación musical la ha llevado a celebrar numerosas sesiones en Valencia, Barcelona, Bilbao, Madrid y Ciudad de México. Actualmente, conduce el espacio radiofónico Mitt Paté en Radio_On_Berlin.

Agnès Pe hará una interpretación propia del concepto motor de Archipiélago, abarcando una temática musical desde diversos estilos y lugares, a partir de sus influencias e intereses.

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