— MuroTRON

Del 23 al 26 de enero en Teatros del Canal

Se mueve Cuqui Jerez (Madrid, 1973) en un territorio, cultivado durante años por ella misma, donde no hay lugar para los convencionalismos. Sus coreografías no se corresponden necesariamente con la idea de «una coreografía» pero al final de la función no es difícil encontrar conexiones y probablemente se salga del teatro con las ideas expandidas y los conceptos trastocados.

Ha dicho la coreógrafa: «Me interesa crear paisajes en movimiento, proponiendo al espectador un estado de contemplación donde se ponen en juego la hiperatención, la expectación, el suspense y la emoción». Y la tensión, habría que añadir. Porque justamente sobre este tópico gira su nuevo proyecto Las ultracosas. Durante el proceso se dedicó a encontrar mecanismos que «generen tensión en el ámbito de la acción, el objeto, la imagen y el espacio, de manera que al final se consiga una instalación viva, una situación performativa en un espacio construido, un paisaje cortocircuitado que se habita y en el que se interacciona con sus objetos y sus cuerpos también cortocircuitados».

La propuesta, que tiene una duración de cinco horas, en la que el espectador entra y sale cuando quiere, es coherente con algunos de los postulados de su larga trayectoria en el terreno de la experimentación. The Dream Project. Encuentros en la sexta fase (2016) es ejemplar de su práctica. En ella asistíamos a un hecho coreográfico singular en el que no había humanos pero sí danza. Una lluvia de objetos cotidianos, industriales y seriales, iba cayendo sobre la escena de forma aparentemente aleatoria, a diferentes ritmos. La cascada de objetos creaba sobre el escenario una suerte de instalación caótica, que abría todas las posibilidades de lectura e interpretación. Ambigüedad semejante tenía uno de sus trabajos más difundidos, The Rehersal (2007), que se vio la temporada pasada en Teatros del Canal, y en el que se asistía a la simulación de un ensayo, donde la coreografía, perfectamente construida, jugaba justamente a estar construyéndose.

>Programa de mano de Andrea Rodrigo

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Del 23 al 25 de enero en Conde Duque

A veces lo real está ausente, desmoronado, duplicado o diluido.

¿Por qué experimentos mínimos o descabellados, líricos o conceptuales se empeñan en intentar recuperar fragmentos de esas pérdidas?.

Tiempo de exposición es un intento de transformar la técnica fotográfica que necesita atención, paciencia y rigor en práctica artística que permita superar la distancia entre el relato y la experiencia. 

El tiempo de exposición en fotografía sirve aquí como metáfora de un juego absurdo y a la vez peligroso, mortal, como si se tratara del juego de la ruleta rusa. El dúo de performers, ella y él, se convierten en técnicos de un laboratorio fotográfico del presente. La pregunta es: ¿Y si estos procedimientos técnicos fueran capaces de enseñarnos más allá de lo que se muestra a simple vista?

Animal Architecture son un colectivo nacido en 2017 de la Escuela del Teatro Nacional de Estrasburgo. Allí se encontraron Camille Dagen, actriz y directora, y Emma Depoid, escenógrafa. El núcleo inicial de su propuesta es el teatro y la interpretación, pero hibridan su trabajo con otras prácticas artísticas. 

>+ info y entradas

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23 y 24 de enero a las 20h. 

La artista belga Sarah Vanhee presenta en escena los residuos personales, reales o virtuales, acumulados durante un año entero. Un experimento para no olvidar los desperdicios que generamos.
El espectáculo tiene una larga duración, por lo tanto se permite salir de sala y volver a entrar de modo ocasional. Tras acabar la función, los que estén fuera pueden volver a entrar a ver el resultado.

Dentro del ciclo Katharsis del Teatre Lliure.

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Título original: Derechos del hombre
Dirección: Juan Rodrigáñez
Año: 2018
Duración: 75′
País: Espanya
Idioma original: castellano

Una troupe de circo llega a un pueblo de Castilla, donde montan su carpa. Proyectan cambios en el estilo de su espectáculo porque quieren modificar la manera en la que la sociedad los trata. Pero pasan sus días discutiendo sobre el valor de las cosas, desde la grandeza del paisaje a la sencillez de la arquitectura nativa o la calidad del show del compañero. De proyectar pasan a valorar, para acabar ciñéndose al guión pactado.

En Zumzeig:

Viernes 17 a las 22h. 
Miércoles 22 a las 12h.
Domingo 26 a las 19h.
Martes 28 a las 21h.

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22, 23 y 24 de enero en el CA2M y La Casa Encendida

Acento es un programa vinculado a Artistas en residencia, proyecto conjunto de La Casa Encendida y del CA2M Centro de Arte Dos de Mayo, cuyo fin es apoyar la creación y la investigación centradas en el trabajo con el cuerpo desde lo performativo.

Durante tres jornadas se realizarán presentaciones de algunos de los proyectos llevados a cabo durante las estancias de 2019 y se generará un espacio de encuentro con los artistas del 2020. Ambas instituciones quieren poner el acento en la reflexión que parte de la propia investigación artística a través del cuerpo, entendido este como cuerpo social, como construcción política productora de saberes desde lo sensible.

Los artistas seleccionados en 2019 fueron: Mar Reykjavik, Laila Tafur y Alba Rihe, Andrea Zavala, Magdalena Orellana, Bárbara Hang y Ana Laura Lozza, Marc Vives, Sandra Gómez y Javier Vela, y Laura Kalauz.

PROGRAMACIÓN

Miércoles 22 enero

En CA2M Centro de Arte Dos de Mayo

18:00h. Sandra Gómez: Bailar al sonido

Bailar al sonido es una propuesta que trata al sonido como una fuente energética, la propagación de la cual implica un trasvase energético dirigido a alterar y afectar al cuerpo de forma que pueda modificar su estado y lugar.

En un ejercicio de retroalimentación que pone en relación los elementos cuerpo, espacio y sonido, las acciones de amplificar y registrar los sonidos que emite un cuerpo al moverse van generando capas sonoras que se van sumando y acumulando ocupando gradualmente el espacio y produciendo una carga y una intensidad que afecta al cuerpo y modifica su manera de moverse.

19:00h. Bárbara Hang y Ana Laura Lozza: The rest of dance

¿Existe algo así como movimientos residuales en nuestros cuerpos y pueden estos movimientos ser evocados y coreografiados? ¿Qué implicaría trabajar con lo residual en el campo de los movimientos cuando lo que habitualmente define a la danza es su cualidad efímera y transitoria? ¿Qué sobras quedan en nuestros cuerpos después de bailar? ¿Se puede adoptar una mirada ecológica a través de una práctica de movimiento que se enfoca en lo residual?

Bajo la forma de una contrapropuesta a la creatividad productiva y la coreografía eficiente, The rest of dance buscará la posibilidad de comprometerse crítica y corporalmente con lo excesivo, lo violento y lo invisible que habita dentro de lo residual.

Jueves 23 enero

En La Casa Encendida

20:00h. Laura Kalauz: El estado de las cosas

El Estado de las cosas es una recontrucción de expresiones performáticas creadas por mujeres desde la Edad Media hasta la actualidad en diálogo crítico con las condiciones de la época. ¿Cómo se problematizan y actualizan hoy esas obras?

El Estado de las cosas se construye a partir de las omisiones de los relatos históricos dominantes. Exploro la creación de sentido a través de las diversas relaciones posibles entre el cuerpo y la palabra: ¿quién dice qué y cómo, cuándo, en qué momento histórico y a quién?, ¿cómo significa e impacta en este sentido también lo no dicho?, ¿cómo deviene una performance en un hecho histórico?

Utilizo una ciencia inédita que estudia los otros modos en que la historia pudiera haber ocurrido. Busco un modo de decir las cosas que permita al espectador preguntarse a cada momento si lo que está viendo es ficción o realidad, ha sucedido verdaderamente o no, hasta el punto en que estas preguntas ya no importen.

21:00h. Andrea Zavala: _hacia el sporte

La idea parte de desaparecer. Desaparecer como marco conceptual y práctica física. Des-aparecer, donde el cuerpo se suspende en un campo de horizontalidad con otros cuerpos en el espacio, humanos y no humanos. Cuando el cuerpo desaparece, el espacio aparece como performer. De esta manera el sujeto, el cuerpo como sujeto, se desplaza, la subjetividad del performer se des-centra hacia otras partes de si, o fuera de si, de al lado, de alrededor…

_hacia el sporte es un juego compartido con el público. La mirada de este habilita los códigos convirtiéndose en un agente tan importante como cualquier otro elemento del juego. Desaparición en una suspensión. Nos suspendemos todas. Es ese el momento. La música, el espacio, la luz, son todo cuerpos no cuerpos, humanos no humanos, objetos no objetos que están en suspense entre aparecer y desaparecer.

Con miedo, se abre un espacio sensible sin miedo. Espacio multiorquestado donde a primera vista no hay nada. La sensación es como la de calor por infrarrojos, va por debajo, y los cuerpos presentes se potencian, se equilibran, se vibran, se armonizan, se escandalizan, se hacen fuerzas, son fuerzas, hay fuerzas.

En colaboración con Laura Ramírez.

Viernes 24 enero

En La Casa Encendida

21:00h. Mar Reykjavik: Body As A Brick

Body As A Brick es un ensayo que trata el viraje de la tradición a la tendencia en el marco del cuerpo.

BAAB es un sistema que se actúa con el cuerpo y que se debe, por ende, al archivo. Un estudio sobre el origen del aparente absurdo insertado en el comportamiento presente o la excusa de que lo que se hace es solo un encuentro con lo que se viene haciendo. Así es como lo global aplasta lo local, lo toca. Digo tradición y digo rito. Digo tendencia y estoy hablando del reto, del challenge (acciones que se hacen con motivo de internet y que funcionan como un posible mecanismo para la emancipación del cuerpo y la democratización de la performance). Se trata de formar parte de algo. Ambas prácticas -tradición y tendencia- comparten el uso de un método y la participación de los cuerpos iguales: la aptitud es la capacidad de ejecución de unas normas por parte de una comunidad y la posibilidad de convertir la acción en imagen.

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Del 30 de enero al 16 de febrero en Barcelona

>Toda la programación y actividades

Ese lugar

En ocasiones, cuando todo parece muy liado, cuando la realidad se pone intensa, ayuda tomar un poco de distancia. Separarnos del ojo del huracán, no tanto para eludir responsabilidades como para tener una percepción más amplia de las cosas. De lejos, el entorno inmediato adquiere una escala razonable y se hace más fácil entender las relaciones, los compromisos, los flujos, los movimientos, los deseos, etc. que componen la escena. En definitiva, con distancia, se puede tener una visión más certera del paisaje en el que estamos. En ese momento, quizás la observación se aproxime a la contemplación y, como consecuencia, se abra la posibilidad de entender no solo lo que se alcanza a ver sino desde dónde estamos mirando.

Sabemos que basta un mínimo movimiento para que para que la perspectiva cambie. Pero si finalmente todo depende del punto de vista, siempre cabe preguntarse dónde decidimos plantar nuestros pies y dónde colocamos nuestros cuerpos para entender lo que somos y el lugar que ocupamos.

Es cierto que en un momento tan especial como el que vivimos, nos vemos obligadas a relacionarnos cotidianamente con un tipo de fuerzas que se empeñan en colocarnos en lugares que no son los que hemos elegido y en hacernos ver paisajes que no son precisamente los que más nos emocionan e interesan. Por suerte, por mucho que quieran, nunca todas veremos las cosas de igual manera. Eso no quiere decir que el acuerdo se algo utópico y que estamos condenadas a no entendernos: todo lo contrario, el equilibrio es posible precisamente porque el paisaje tiene relieve y diversidad, y las cimas compensan las simas.

Por eso quizás, ahora más que nunca, es necesario fijarnos bien en el lugar en el que ponemos nuestros pies y ser conscientes de la posición que adoptamos para relacionarnos con el mundo y con las demás. Todo tiene una consecuencia y ciertamente, un cuerpo consciente de su presencia y del espacio que ocupa, un cuerpo que ejerce su autonomía e independencia, produce una realidad en la que caben tanto la hermosura como la esperanza.

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24 de enero en Azkuna Zentroa

Llega el punto final de la residencia de la editorial consonnicolectivo residente en Azkuna Zentroa – Alhóndiga Bilbao durante 2018-2019, donde hemos creado la emisora #consonniradioconAz y a lo largo de dos años hemos experimentando con la palabra y la escucha radiofónica, difundiendo cultura crítica.

Queremos celebrar este cierre con un encuentro de creadoras para poner en diálogo el arte contemporáneo y la literatura, con los feminismos como hoja de ruta y la radio como trasmisor. En este Radio Show Live de despedida en el Auditorio de Alhóndiga Bilbao, nos centramos en tres obras literarias clave, como punto de partida para seguir imaginando juntas. Por un lado, dos novelas escritas en los setenta: Mujer al borde del tiempo de Marge Piercy y Yo veo / Tú significas de Lucy R. Lippard. Por otro, el ensayo Seguir con el problema de Donna J. Haraway.

Trabajos empoderadores en los que se experimenta con el lenguaje, de la mano de tres autoras de larga trayectoria en el activismo feminista. Piercy, Lippard y Haraway nos instan a tener una mirada crítica sobre el mundo que vivimos e imaginar otros escenarios mejores. Para abrir el apetito, introducirnos las obras literarias y hablar de literatura especulativa y experimental, contamos con una suculenta mesa redonda moderada por Teresa López-Pellisa en la que participan Haizea Barcenilla,  Helen Torres y Arrate Hidalgo.

El plato fuerte del evento lo ponen tres referenciales artistas como Idoia ZabaletaMursego y María Arnal a las que hemos invitado para que interpreten desde las artes en vivo y la música estos libros convirtiendo la palabra en cuerpo, en acción y en sonido. Mujeres creadoras de diferentes disciplinas y generaciones se cruzan: Mursego y Lucy Lippard; Idoia Zabaleta y Marge Piercy y María Arnal y Donna Haraway. Los textos de unas sirven de fuente de inspiración para las otras. Zabaleta, Arnal y Mursego realizan su personal interpretación de cada trabajo literario. Las palabras escritas toman cuerpo sobre el escenario.

Los libros se metamorfosean para activar comienzos y para imaginar juntas. Este radio show en directo, es un momento para recordar lo experimentado durante estos dos años y celebrar y agradecer a las muchas personas que han hecho posible los contenidos (podcasts y libros) que desde consonni hemos amplificado en estos dos últimos años.

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17 de enero en Conde Duque 

Residencias Abiertas es una muestra abierta de los proyectos seleccionados por medio de las convocatorias públicas para residencias escénicas en Conde Duque.

La intención de estas muestras de procesos es generar un espacio de confianza, un lugar de intercambio donde además del hecho escénico, las y los artistas puedan compartir las incertidumbres y los hallazgos que han ido apareciendo a lo largo de la residencia.

Se trata de entablar un diálogo que contribuya a la formación de una mirada crítica en el público y que a su vez, nutra las investigaciones de las personas y colectivos en residencia.

Programación de muestras

20.00hr               Sala Polivalente. Caída Libre

20.40hr               Teatro. Elena Córdoba

21.20hr               Teatro. Matias Daporta

22.00hr.              Teatro. Les Myrtilles

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17, 18 y 19 de enero en el Teatro Ensalle

“O que segue son eu que o
sigo intentando, soñando
que conseguirei satisfacer
completamente a miña
necesidade de comunicación.
Non pode existir sen a
música nin os xuizos das
miñas disertaciones sobre a
realidade. É un acto de
resistencia escénica a
través da composición
musical, o vídeo, a danza e
un relato feroz do cotiá e
as miñas contradiccións
entre a arte e a vida”.

O que segue está despois, é unha fuxida cara adiante, un exceso de futuro. O que segue é atopar un xeito de vivir intelixente, de aceptación dunha mesma e das outras/os. O que segue é un novo proxecto de reciclaxe manual das miñas desfeitas que se abalanzan sobre min cando abro o armario do meu cuarto. Unha produción na que quede constancia de tódalas miñas habilidades adquiridas gracias os tutoriais do youtube.
O que segue é un novo tema con loops do garage band, o que segue é unha letra en inglés inventado. O que segue é coidar a miña nena interior ferida. O que segue é eu cantando un cante jondo ou lendo unha das entradas do blog Lo que sigue en Teatron. O que segue é pechar as portas á ira do pasado para comenzar de novo a ritmo de techno refinado con tintes africanos. O que segue é ensinarvos os meus poderes. O que segue é un estado líquido, proceso, enerxía e a sua dirección cara vós. Que o que segue ocupe o seu lugar noutro espazo, que abandone o noso tempo a partir de agora.

Ficha artística

Cristina Balboa.
Creación, direción, textos, música orixinal e videocreación: C. Balboa.
Asistencia direción: Manuel Parra García.
Dramaturxia: C. Balboa e M. Parra García.
Iluminación: Afonso Castro.
Produción: Manu Lago e C. Balboa.
Vestiario: Paula Quintas e Centro Dramático Galego.
Espazo escénico e deseño gráfico: Mauro Trastoy.
Tradución: Natalia Troitosende.
Vídeo: Ángel Sousa.
Web: M. Lago.
Fotografía: Á. Sousa, Fran Riveiro e M. Lago.
Difusión: Mónica Mejías – Correveydile e M. Lago.
Produce: Funboa Escénica.
Coproduce: CDG, Agadic, Xacobeo 2021 e Xunta de Galicia.
Colaboran: Colectivo RPM, Concello Santiago de Compostela, Deputación da Coruña, Proxecto Pank e Galicia Danza Contemporánea.
Agradecementos: A miña chamana Marga “La Buha”, Fefa Noia, Xoan Xil, Sala Agustín Magán, Residencias Paraíso, Alexis Fernández – Maca, Andrea Quintana, Caterina Varela Garea, Féliz Fernández, Sadhguru, Elena Malova, Estevo Creus, Cristina Vilariño, Rebeca Carrera, Marta Miranda e os meus sosorios, miña brother e os meus pais.

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Del 16 al 19 de enero en el Teatre Lliure

Primera parte de Signat Patrick Watson, un proyecto conjunto de la compañía Atresbandes con Bertrand Lesca y Nasi Voutsas sobre la tensión entre el arte y lo que consideramos políticamente correcto.

Los proyectos de Atresbandes avocan por un teatro-laboratorio que ponga el acento en el proceso de creación para cuestionar el mundo que nos rodea. Han presentado CodaAll In (2017), Locus Amoenus (2014) y Solfatara (2012).
El colectivo escénico formado por Bertrand Lesca y Nasi Voutsas, que estuvieron en Gràcia la temporada 18/19 con Eurohouse / Palmyra, trabaja sobre la tensión Oriente – Occidente y los límites del odio y la violencia a partir del juego actoral.

+ info y entradas

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