— MuroTRON

Romeo Castellucci – Del 17 al 26 de febrero en el Liceu

Envuelta en una aureola de misterio, la enigmática y extraordinaria Misa de Réquiem no es solo la culminación de una etapa en la obra tardía de Wolfgang Amadeus Mozart, dedicada a la música religiosa, sino la cumbre de la historia de la música.

Truncada por la prematura muerte del compositor durante su proceso de creación, y verdadero documento autobiográfico, esta obra va más allá del tratamiento de la muerte y del Juicio Divino. Mozart genera una acción dramática capaz de renovar el género sacro, donde la expresión vocal sobresale para iluminar una experiencia desbordante.

Su discípulo Franz Xaver Süssmayr, que ya le había asistido en obras coetáneas como La flauta mágica o La clemenza di Tito, completó una partitura alrededor de la cual persisten numerosos interrogantes: Mozart planteó la cuestión de la muerte, pero su pregunta quedó sin respuesta. Mozart supo expresar, a través de este texto de la liturgia cristiana, todos los estados de ánimo: desde el miedo del Juicio (Dies irae) a la esperanza de la clemencia de Dios (Kyrie), de la angustia del sufrimiento inútil (Recordare) a la certeza de un más allá lleno de luz (Luceat eis).

Un llanto fúnebre, pero sobre todo, una plegaria extrema, implorando la misericordia divina.

Pocas veces una música ha estado tan marcada por el genio, la expresión, la fe y el sufrimiento de un ser humano.

“Como la muerte es el verdadero objetivo de nuestra existencia, he conocido tan bien este verdadero y mejor amigo de la humanidad en los últimos años que la imagen de la muerte ya no me da miedo, sino que es mucho más tranquilizadora y consoladora”. – Wolfgang Amadeus Mozart.

Estas palabras de Mozart sobre la vida y la muerte han sido el punto de partida para la interpretación de Romeo Castellucci, protagonista absoluto del teatro vanguardista europeo, del emblemático e inacabado réquiem del compositor. Como expresión del temor existencial de la humanidad ante la mortalidad, esta misa de réquiem nos confronta con la fragilidad de la naturaleza y la cultura, de la humanidad y del individuo. “Tendríamos que entender y celebrar el final como si fuera una fiesta, donde el baile continúa.

Esta Misa pro defunctis se transpone y su significado cambia”. Gracias a la visión teatral de Castellucci, complementada con otras piezas religiosas de Mozart, este “Réquiem” se convierte en la celebración definitiva de la vida, donde superamos los tópicos de la fugacidad de la vida. Coproducción con origen en el Festival de Aix-en-Provence, y primera propuesta de Castellucci en el Gran Teatre del Liceu, tiene una orientación próxima a un canto a la vida de extraordinaria belleza plástica e irresistible fuerza teatral.

Este “Réquiem” se opone a lo que cabría esperar de una misa de difuntos; no es un espacio de lamentación, sino que aborda temas como la cuestión fundamental del tiempo, de la esperanza de renacer; explora el origen y el fin, pero también el fin como origen mismo, permitiendo celebrar la vida en su propia fragilidad. Un final que quiere soñar en la vida, imponiéndose la circularidad y la renovación.

Giovanni Antonini, fundador de Il Giardino Armonico y uno de los directores musicales más respetados del panorama, será el abogado de esta propuesta bellísima e imprescindible.

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1 de marzo en La Casa Encendida

Un homenaje a Perla Zúñiga, artista, poeta, performer y dj española, fallecida en verano de 2024. Zúñiga contribuyó enormemente a la escena cultural con sus performances, obra visual, la organización de fiestas con el colectivo Culpa, y su poesía, que se presentará ahora publicada por primera vez.

El evento comenzará con la presentación del libro de poemas póstumo de Perla Zúñiga, recién publicado por la editorial Blatt y RíosMe muero, te quiero (2025) es un libro sobre el brillo de la vida: las amigas, el arte, la música, el erotismo y el amor. También un libro sobre cómo la vida se vuelve contra la vida cuando una célula enloquece. La periodista y comunicadora española Nerea Pérez de las Heras dialogará con el poeta y editor argentino Mariano Blatt sobre la forma en la que Zúñiga testimonia con su lengua poética su paso por el mundo y por las cosas del mundo. A la presentación le seguirá una lectura de poemas de Zúñiga por personas cercanas a ella y por parte del público.

Se proyectará por primera vez Tranquila (2024), un vídeo dirigido por el director y fotógrafo Leo Adef y que registra una de las numerosas colaboraciones musicales entre Zúñiga y la dj, productora y performer Vera Amores aka Berenice. La proyección irá precedida de unas breves palabras de Culpa, fiesta y colectivo musical referente en Madrid, dirigida a personas trans y queer y que Zúñiga fundó.

La tarde culminará con dos sesiones de música, la primera a cargo de Berenice y la segunda a cargo de la artista sonora, productora y dj afincada en Berlín JASSS, quien se encargará de cerrar el acto.

Durante el evento estará disponible un libro en el que las personas podrán escribir recuerdos y firmas en memoria de Perla Zúñiga. Este libro se alojará en la Biblioteca de La Casa Encendida para que esté accesible al público durante los horarios de apertura de la misma y las personas puedan seguir contribuyendo con sus escritos.

Perla Zúñiga nació en Madrid en diciembre de 1996. Fue artista, poeta y dj. Cursó estudios incompletos de Bellas Artes. Como artista, realizó las exposiciones individuales Tranquila, no vas a poder describir en este momento este momento (Yaby, 2019) y Cucú (Córdova, 2023), además de haber participado en numerosas muestras colectivas, como Generaciones (La Casa Encendida, 2023) o Thorns (Galleria Astuni, 2024). Entre sus piezas performativas se cuentan Querida célula alteradaEl hechizo del viejecito y Sesiones del lamento, las últimas dos en colaboración con Vera Amores. Como dj, y bajo el nombre de JOVENDELAPERLA, tocó en numerosas fiestas y festivales, entre ellas Sónar, Boiler Room y Maricas. Fue creadora y parte de la fiesta y colectivo Culpa. Poemas suyos aparecieron publicados en el volumen Ritual de amor. Antología coral de poesía joven, compilado por Cecilia Pavón en 2022, y en 45-120, compilada por el proyecto Juf en 2025. Murió en Valdemaqueda el 14 de julio de 2024, a los 27 años de edad, víctima del cáncer que marcó su obra y su vida.

Mariano Blatt nació en Buenos Aires, Argentina, en 1983. Es poeta y editor. Codirige dos editoriales: Blatt & Ríos y De Parado. Como poeta, publicó, entre otros, los libros Mi juventud unidaUn lago que sube La puertita de alambre. Entre 2020 y 2024 vivió en Madrid. En la actualidad, vive en Buenos Aires.

Nerea Pérez de Las Heras es conocida por su trabajo como periodista y comunicadora en diferentes plataformas, siempre usando el humor como herramienta de reflexión y concienciación. En la actualidad dirige y conduce los podcasts “Saldremos mejores”, junto a Inés Hernand, y “Lo Normal”, junto a Antonio Nuño, y representa la obra de teatro Cómo hemos llegado hasta aquí, junto a Olga Iglesias. A lo largo de su trayectoria profesional ha escrito en medios como Radio Nacional, El País, SModa, Vogue, Esquire o Glamour, y continúa colaborando en algunos de ellos, así como en diversos programas de radio y televisión. Lleva años haciendo comedia política en público a través del show Feminismo para torpes, que se convirtió en un libro (Planeta) y una serie de vídeos para el diario El País. Ha sido reconocida por su lesbianismo militante con los premios Arcoiris (2022), Fancinegay (2023) y Pluma (2024); y por su labor como comunicadora, con el premio Ondas al Mejor Podcast conversacional (2024).

Vera Amores aka Berenice, es una dj, productora y performer transfemenina española. Co-fundadora del colectivo queer CULPA, fiesta referente y emergente en Madrid, enfocada en crear un espacio seguro para personas trans & no binaries. A su vez es residente del ya reconocido internacionalmente colectivo queer MARICAS, formando parte de su compilado digital junto a artistas como D. Tiffany, Sedef Adasi, entre otras. Ha pinchado en las principales ciudades de Europa, y en clubs como De School (Amsterdam), Pasos Manuel (Oporto), Herrensauna / Tresor (Berlin), Garage Noord / Vapor (Amsterdam), Poing Club (Rotterdam), Milkshake Festival (Amsterdam),, Nitsa (Barcelona), Boiler Room (Barcelona dos veces), entre muchas otras y ha hecho mixes/streamings para The Lot, Rinse FM & Refugee Worldwide.

JASSS es una artista sonora, productora y dj de Asturias que vive en Berlín. En 2017 publicó su álbum debut “Weightless” (iDEAL Recordings), en  2020 presentó su trabajo para el prestigioso catálogo AD93 titulado «Turbo Olé»/«We Solve This Talking».  En 2021, el replanteamiento del lenguaje musical de JASSS tomó vuelo con A World Of Service, un disco que colapsaba el género y que presentaba su voz como instrumento central junto a la electrónica y la percusión con tintes metálicos en el sello institucional berlinés Ostgut-Ton.

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Olatz Gorrotxategi – 9 de febrero en Azkuna Zentroa 

Progreso es una pieza performativa de Teatro Documento que narra la historia de la humanidad y su relación con el planeta que habita.

Está formulada desde una retrospectiva antropológica y existencialista de la creación del ser humano, utilizando como analogía la paradigmática historia de la invención del plástico.La última creación de la dramaturga Olatz Gorrotxategi es un trabajo de sala que utiliza como lenguajes escénicos el teatro de objetos, el audiovisual, la ficción sonora y el texto teatral para hablar sobre el universo y el lugar que ocupamos en él.

Progreso no es un espectáculo infantil, es una puesta en escena pensada para entretener y estimular a personas a partir de los 10 años.

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Tino Sehgal – 22 de febrero en Conde Duque 

El Centro de Cultura Contemporánea Condeduque reconoce la trayectoria de Boris Charmatz a partir de dos piezas: (untitled) (2000) de Tino Sehgal, donde Boris participa como intérprete; y SOMNOLE (2021), coreografía creada por Boris, un solo donde destila intereses y sensibilidades presentes en sus más de treinta años de carrera.

El trabajo de Charmatz está atravesado por el interés por someter la danza a restricciones formales que redibujan su campo de posibilidades. El coreógrafo, bailarín y creador de proyectos experimentales como la escuela efímera Bocal, el Musée de la danse o Terrain, se pregunta por el estado de los cuerpos contemporáneos, y articula performances y formatos híbridos para lugares y espacios muy diferentes –desde escenarios a museos, instituciones ficticias o al aire libre–. Las propuestas de Charmatz relacionan el contexto en el que se despliegan con los repertorios de la danza y su transmisión, así como el deseo de conectar la teoría con las sensaciones e intensidades del cuerpo que baila.

Sobre (untitled) (2000)

(untitled) (2000) es una pieza del artista Tino Sehgal interpretada por Boris Charmatz y Frank Willens. La trayectoria de Sehgal incluye importantes exposiciones como la Bienal de Venecia de 2005, la Documenta 13 y solos en el Museo Guggenheim de Nueva York, el ICA o la Sala de Turbinas de la Tate Modern de Londres. (untitled) (2000) es la última pieza que realizó en el marco de la danza antes de insertar su trabajo en el campo de las artes visuales, y describe en muchos sentidos el inicio de su relación con el museo como dispositivo que refleja la comprensión y la transmisión de conocimiento de las sociedades contemporáneas.

En escena el cuerpo desnudo, sin escenografía ni música, despliega breves extractos del repertorio de la historia de la danza del siglo XX. La pieza exhibe la danza tratando de acercarse a un orden estético similar al del museo, con el deseo de resituar las prácticas coreográficas y su articulación corporal.

Cuando se presentó por primera vez en el Moderna Museet de Estocolmo, el conservador Jens Hoffmann le dijo a Sehgal que «era como un museo de la danza».

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Boris Charmatz – 20 de febrero en Conde Duque 

El Centro de Cultura Contemporánea Condeduque reconoce la trayectoria de Boris Charmatz a partir de dos piezas: (untitled) (2000) de Tino Sehgal, donde Boris participa como intérprete; y SOMNOLE (2021), coreografía creada por Boris, un solo donde destila intereses y sensibilidades presentes en sus más de treinta años de carrera.

El trabajo de Charmatz está atravesado por el interés por someter la danza a restricciones formales que redibujan su campo de posibilidades. El coreógrafo, bailarín y creador de proyectos experimentales como la escuela efímera Bocal, El Musée de la danse o Terrain, se pregunta por el estado de los cuerpos contemporáneos, y articula performances y formatos híbridos para lugares y espacios muy diferentes –desde escenarios a museos, instituciones ficticias o al aire libre–. Las propuestas de Charmatz relacionan el contexto en el que se despliegan con los repertorios de la danza y su transmisión, así como el deseo de conectar la teoría con las sensaciones e intensidades del cuerpo que baila.

Sobre SOMNOLE 

Tras una serie de piezas de grupo y eventos colectivos en el marco de Terrain, Boris Charmatz vuelve a la forma del solo con una coreografía sucinta acompañada únicamente por un tenue silbido. Una danza que vehicula melodías familiares y materializa gestos latentes.

Centrada en dos ejes principales: por un lado, la idea de somnolencia, que evoca un estado intermedio, a medio camino entre la vigilia y el sueño, como una suerte de puente entre el mundo mental y el mundo físico; y, por otro, que el propio intérprete produce la música en forma de silbido, modelando el movimiento al escapar el aliento de los labios.

Charmatz silba notas, hace aparecer una melodía tras otra, como una cartografía efímera de un estado de ánimo. Después de infini (2019), pieza caracterizada por una oralidad desbordante, en la que la pronunciación de cifras se transmitía de un cuerpo a otro, el coreógrafo opta por una reducción radical del sentido y la fisicalidad. En SOMNOLE, el aire exhalado de los silbidos se une a la aparición de un movimiento, formando un frágil vínculo de danza y música. Charmatz dice “basta con tener los labios secos para que se detenga. Te quedas sin aliento y se detiene; de ahí la necesidad de producir una danza sencilla, atenuada y lánguida. Si te mueves demasiado rápido, el silbido suena rápidamente falso o se vuelve inaudible.” A medida que la música se construye, con sus mezclas y rupturas, se desarrollan cualidades de movimiento y enlaces entre el silbido y la dinámica del gesto, ya sea ralentizado, entrecortado, somnoliento o agudo.

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Lia Rodrigues – 13 y 14 de febrero en Conde Duque 

“Es una mezcla entre El Bosco y Balenciaga”, divagaba una crítica de danza holandesa, en su intento por definir Encantado, coreografía más allá de la danza, que supone una experiencia que existe para verla y vivirla. Nadie, en realidad, puede contar con verdadera precisión todo lo que ocurre durante este extraño pero fascinante ritual, a medio camino entre lo sagrado y lo pagano, lo obsceno y lo exquisito, que hoy nos devuelve al escenario del Centro de Cultura Contemporánea Condeduque a la creadora brasilera Lia Rodrigues (Sao Paulo, 1956) y su compañía de danza del Maré, una de las favelas más grandes y peligrosas de Río de Janeiro, quienes ya bailaron aquí la inclasificable Furia la temporada pasada.

Aunque muy diferentes, coinciden ambos trabajos en expresarse desde una estética ya perfectamente reconocible hecha a partir de objetos baratos y cotidianos, y unos modos escénicos que arman su dramaturgia a través de una narrativa en la que, en el caso de Encantado, once hábiles intérpretes hacen aparecer y desaparecer, como si fuera un encantamiento, figuras, imágenes y composiciones evocadoras de realidades del Brasil de los contrastes.

Lo que al inicio nos parece una alfombra de vivos colores perfectamente enmarcada en el escenario se nos va a desvelar pronto como escenografía y vestuario, el maravilloso deux ex machina de esa economía de recursos ya característica de la creadora brasilera. Con lentitud ceremonial, uno a uno, los bailarines desnudos se van deslizando bajo el aparente tapiz, y lo van habitando y desmembrando en las cientos de sábanas y telas de fulgurantes colores que lo conforman.

Para esta gente, que vive en unas condiciones de continuada emergencia, inventarse la vida cada mañana es prioridad y necesidad. Encantado es una metáfora perfecta de esta situación. Identidad, camuflaje, disfraz, travestismo, metamorfosis, transformación, cambio… muchas son las sensaciones e ideas que van pasando por la cabeza del que observa embobado esta performance extravagante que se nos presenta como una parada, un desfile de moda o quizá una comparsa de carnaval. De esas telas salen trajes y carruajes, insectos gigantes y monstruos feroces, la imaginación no deja de ser estimulada y de manera irremediable, Lia Rodrigues nos mete en un loop alucinante, del que definitivamente no queremos salir.

Más allá de los muchos valores artísticos de la propuesta, la de Lia Rodrigues es una danza de la resiliencia, de la persistencia y la perseverancia, una danza que ha nacido bella emergiendo de la precariedad y la urgencia vital de los artistas que la hacen. La coreógrafa admite que nació privilegiada en una sociedad que no ofrece muchos privilegios. Se formó como bailarina en París, donde trabajó con Maguy Marin, precursora de la nouvelle danse francesa, de la que aprendió, sobre todo, el valor inmenso de lo más pequeño. Y en 2004, volvió e instaló su compañía en el Maré, con la convicción de que el arte podía ser una alternativa para estos jóvenes mantenidos fuera de la educación artística por el sistema. En el 2008 fundó la Escola Livre de Danças da Maré, y ha sabido cómo convertir una danza nacida en la favela en un referente europeo, que despierta asombro y fascinación en las audiencias que no pueden resistir caer hipnotizadas y literalmente encantadas con sus propuestas, hoy largamente imitadas pero difícilmente superadas. Y es que Lia Rodrigues, en sí misma, es un encanto.

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Lautaro Reyes – Del 28 de febrero al 2 de marzo en el Mercat de les Flors

Esta propuesta quiere ofrecer un espacio poético y contemplativo que nos acerque a formas de afectarnos y a posibles maneras de vivir y de estar en movimiento desde los sitios que hemos habitado. A partir de una frase de movimiento al unísono, abrimos un espacio donde la danza tiene un papel esencial. El unísono nos permite comprender el movimiento y la danza como una plataforma donde encontrarnos, sentirnos afectadas, presenciar texturas y acompañarnos desde la escucha y los cuidados. La danza como un movimiento que podemos hacer juntas, que puede abrir mundos y grietas.

Quim Bigas trabaja dentro de los campos de la coreografía, la dramaturgia y los procedimientos informacionales. A menudo en sus trabajos utiliza procesos documentales para desplegar una posibilidad coreográfica que abre perspectivas de tiempo continuas. Bigas se preocupa de como abrir modos de ser a través del acercamiento a la conjunción entre la memoria y la experiencia subjetiva y la ausencia. Además, también está comprometido al papel del cuerpo como una entidad somática que mantiene sus preguntas y preocupaciones sobre las perspectivas de lo real. Desde 2018, es profesor asociado en coreografía en Den Danske Scenekunstskolen en Copenhaguen.

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Quim Bigas – Del 27 de febrero al 2 de marzo en el Mercat de les Flors

Esta propuesta quiere ofrecer un espacio poético y contemplativo que nos acerque a formas de afectarnos y a posibles maneras de vivir y de estar en movimiento desde los sitios que hemos habitado. A partir de una frase de movimiento al unísono, abrimos un espacio donde la danza tiene un papel esencial. El unísono nos permite comprender el movimiento y la danza como una plataforma donde encontrarnos, sentirnos afectadas, presenciar texturas y acompañarnos desde la escucha y los cuidados. La danza como un movimiento que podemos hacer juntas, que puede abrir mundos y grietas.

Quim Bigas trabaja dentro de los campos de la coreografía, la dramaturgia y los procedimientos informacionales. A menudo en sus trabajos utiliza procesos documentales para desplegar una posibilidad coreográfica que abre perspectivas de tiempo continuas. Bigas se preocupa de como abrir modos de ser a través del acercamiento a la conjunción entre la memoria y la experiencia subjetiva y la ausencia. Además, también está comprometido al papel del cuerpo como una entidad somática que mantiene sus preguntas y preocupaciones sobre las perspectivas de lo real. Desde 2018, es profesor asociado en coreografía en Den Danske Scenekunstskolen en Copenhaguen.

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Park Keito – 20 y 21 de febrero en el Mercat de les Flors

Este trabajo coreográfico, a caballo entre la performance y la acción sonora, toma como punto de partida los poemas de Takahide Nishiwaki, breves impresiones y reflexiones atemporales que hablan de la efimeridad del ser humano y la relación con la naturaleza. Rokatei significa ‘la cabaña de las 6 canciones’. Dos personas en escena en un movimiento de traslación por diferentes ficciones, alrededor de un núcleo utópico, buscan y construyen paisajes mediante la corporeización, la transformación del espacio y la palabra. Esta cabaña es un refugio frágil, una estructura estable como una roca, pero también es vulnerable en una tierra húmeda, un abismo en una cueva.…Diversas implicaciones simbólicas que se van desplegando durante el espectáculo a la vez que se plantea preguntas sobre el ciclo de la vida.

La asociación Park Keito, afincada en Barcelona desde 2017, contiene el trabajo de Kotomi Nishiwaki y de Miquel Casaponsa. Sus intereses en la investigación que llevan a cabo se reúnen en distintas disciplinas como el movimiento, el sonido y el arte visual para componer y coreografiar, en la creación de piezas escénicas y en instalaciones. Sus proyectos enfatizan con distintos imaginarios sobre la percepción y temporalidades compartidas con la audiencia, tanto en teatros como en espacios ‘site-specific’. Hasta ahora han creado Move here underneath the soccer field (2014), Miru (2018), New(a)days (2021) y Yukedo Yukedo (2023).

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Óscar Bueno – 15 y 16 de febrero 

Esta pieza se incluye dentro del proyecto de investigación Los paisajes ajenos, en el que el artista pone en relación la música, la imagen y la acción para buscar o descubrir otros paisajes. Apoyatura se adentra en esta investigación y propone una relación coreográfica, musical y visual entre un cuerpo, un piano y un cielo ficcionado. La relación entre los tres crea un ecosistema de decisiones sonoras, corporales y visuales.

Con una práctica que se mueve constantemente entre parámetros musicales, coreográficos y visuales, Óscar Bueno se define como autor, pero también acompaña procesos de otros artistas. Además, ha desarrollado diversas investigaciones sobre el sonido y la escena en proyectos como Sonidación (Soundtrack, Estudios para sonidación, Amarillo Chillón) y Los paisajes ajenos (Apoyatura, Vientos). Ha colaborado y colabora con otros artistas como Cuqui Jerez, María Jerez, Cris Blanco, Anto Rodríguez, Amalia Fernández e Itxaso Corral.

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