— MuroTRON

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Del 21 al 24 de marzo en la Sala MAC del Mercat de les Flors – 20h (dg 18h) 16€

CÈL·LULA es una estructura flexible para la creación, la transmisión continua y el desarrollo de la danza. Invita y acoge a coreógrafos e intérpretes, y tiene como objetivo facilitar y producir creaciones de formato medio/grande.

CÈL·LULA#1: Primera producción del Mercat de les Flors dentro del proyecto CÈL·LULA

Dentro de La Quinzena metropolitana de dansa

Albert Quesada continua su investigación personal sobre el mundo del flamenco y su complejidad con la intención de encontrar el origen mismo del movimiento y el canto. El coreógrafo quiere descubrir el motor del flamenco y desplazarlo a otros cuerpos y otras músicas para generar un nuevo sentido. Conseguir, en definitiva, que la pequeña chispa que cada persona custodia dentro de sí se convierta, finalmente, en un gran incendio.

Flamingos es el resultado de colocar a Carmen Amaya en medio de una escena de John Waters. El impulso del flamenco para compartir el interior del alma humana se mezcla con la música, el vestuario y el imaginario más pop. ¿Cuál es nuestro propio flamenco? ¿Cuál es nuestra música y qué danzas invita a bailar? Los cuerpos, los deseos, los miedos y los referentes se dejan contaminar para dar voz a una jam session llena de duende. Una juerga que se alarga hasta la madrugada donde ocho intérpretes se exponen y se desnudan con la única voluntad de celebrar y de celebrarse, con movimientos y cantos que no dejan lugar a la duda o la incertidumbre. Esto es así y no puede ser de ninguna otra manera. ¡Ea!

Actualmente Albert Quesada es coreógrafo asociado al Mercat de les Flors y ha sido invitado a crear la primera producción del proyecto CÈL·LULA.

Idea, coreografía y dirección Albert Quesada / Ayudante dirección Claudia SolWat /Creada con e interpretada por Blanca Tolsá, Eliott Marmouset, Mario G. Sáez, Miquel Fiol, Katie Vickers, Laila Tafur, Víctor Pérez Armero, Viktoria Andersson / Diseño sonoro Rafael Cañete, Julián D’Avino, Carlos Parra / Diseño escénico y de iluminación CUBE.ez / Vestuario Jorge Dutor, Txell Janot / Dramaturgia Albert Pérez Hidalgo, Pau Masaló / Agradecimientos Mireia de Querol, Kosmonaut Production
Producción Mercat de les Flors / Coproducción Dansa – Quinzena metropolitana / Con la colaboración Fundació Banc Sabadell /

Más información: http://mercatflors.cat/es/espectacle/flamingos/

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Cuerpo gozoso se eleva ligero, de VICENTE ARLANDIS / TALLER PLACER

23 de marzo, 20:30h. La Mutant.

+ info: https://www.lamutant.com/portfolio-item/cuerpo-gozoso-se-eleva-ligero/

Una pieza escénica que tiene su inicio en el mundo del personaje del idiota y su conexión con tres cuestiones físicas muy concretas: el cuerpo, el placer y la ligereza.

Una obra que tiene mucho de instalación visual.  Hemos trabajado a partir de materiales muy ligeros como el aire, el gas y el plástico partiendo de la idea de ligereza y confrontando dichos materiales en una especie de batalla lúdica contra la gravedad, entendida ésta como una fuerza que se ejerce sobre nosotras en todos los ámbitos de la vida.

“Y entonces me iluminó de repente este pensamiento sencillo y santo: que yo no tenía que ser ni maduro ni inmaduro sino así como soy… que debía manifestarme y expresarme en mi forma propia y soberbiamente soberana, sin tener en cuenta nada que no fuera mi propia realidad. ¡Ah, crear la forma propia! ¡Expresarse! ¡Expresar tanto lo que ya está en mí claro y maduro, como lo que todavía está turbio, fermentando!; ¡que mi forma nazca de mí, que no me sea hecha por nadie…

Ferdydurke de Witold Gombrowicz

Una idea de Vicente Arlandis/TALLER PLACER
Creación e interpretación  Sandra Gómez, Aris Spentsas, Vicente Arlandis y Rosana Sánchez  con la colaboración de Hipólito Patón.
Iluminación  Isaac Torres
Producción Paula Miralles
Una coproducción del Centro Cultural Conde Duque de Madrid
Con el apoyo del Ayuntamiento de Valencia y el Instituto Valenciano de Cultura
Agradecimientos INPLASBA y La Mutant

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VICENTE ARLANDIS // TALLER PLACER

7, 8 y 9 de marzo a las 20h en Conde Duque

Una pieza escénica que tiene su inicio en el mundo del personaje del idiota y su conexión con tres cuestiones físicas muy concretas: el cuerpo, el placer y la ligereza. Una obra que tiene mucho de instalación visual. Hemos trabajado a partir de materiales muy ligeros como el aire, el gas y el plástico partiendo de la idea de ligereza y confrontando dichos materiales en una especie de batalla lúdica contra la gravedad, entendida ésta como una fuerza que se ejerce sobre nosotras en todos los ámbitos de la vida.

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Boris Charmatz

9 y 10 de marzo en el Mercat de les Flors

La fugacidad llevada al extremo: numerosos bailarines interpretarán diez mil gestos, todos ellos diferentes, que sólo serán visibles una sola vez y desaparecerán así que se hayan ejecutado, como una oda a la impermanencia de la danza. La obra produce una hipnosis visual en el espectador en esta peculiar secuencia de movimientos.

Des de Aatt enen tionon (1996) hasta 10000 gestes (2017), el bailarín y coreógrafo Boris Charmatz ha presentado una serie de piezas realmente memorables. A pesar de mantener una extensa actividad de gira, periódicamente también forma parte en improvisaciones con Saul Williams, Archie Shepp y Médéric Collignon, y continúa colaborando como bailarín con Anne Teresa De Keersmaeker y Tino Sehgal. Charmatz fue artista asociado del Festival de Aviñón en 2011. En 2013 fue artista invitado al MoMA de Nueva York, donde concibió el programa de danza Musée de la danse: Three Collective Gestures, un proyecto de tres semanas que se desarrrolló en el Marron Atrium en el museo. En 2015 fue invitado de la Tate Modern en Londres en el marco de la exhibición If Tate Modern was Musée de la danse?, un programa intensivo de actuaciones que tuvo lugar por todas las galerías del museo. Aquel mismo año, Charmatz presentó 20 bailarines para el siglo XX en el Palacio Garnier, la Ópera Nacional de París. Desde 2009 es director del Centro Nacional Coreográfico de Rennes y la Bretaña, que ha transformado en un museo de la danza (Musée de la danse) de nueva concepción. Ha sido artista asociado de la Volksbühne en Berlín durante la temporada 2017/2018. Actualmente está preparando una nueva creación llamada infini que se estrenará en verano de 2019.

Coreografía Boris Charmatz / Interpretación Djino Alolo Sabin, Salka Ardal Rosengren, Or Avishay, Régis Badel, Jessica Batut, Nadia Beugré, Alina Bilokon, Nuno Bizarro, Matthieu Burner, Dimitri Chamblas, Olga Dukhovnaya, Sidonie Duret, Bryana Fritz, Alexis Hedouin, Kerem Gelebek, Rémy Héritier, Samuel Lefeuvre, Johanna-Elisa Lemke, Maud Le Pladec, Mani Mungai, Noé Pellencin, Solène Wachter, Frank Willens / Producción Musée de la danse – Centre chorégraphique national de Rennes et de Bretagne / Coproducción Volksbühne Berlin, Manchester International Festival (MIF), Théâtre National de Bretagne-Rennes, Festival d’Automne à Paris, Chaillot – Théâtre national de la Danse (Paris), Wiener Festwochen, Sadler’s Wells London, Taipei Performing Arts Center / Con el apoyo del Institut français d’Espagne

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Del 26 de febrero al 3 de marzo en La Casa Encendida

Segunda edición de Me gustas pixelad_, festival que pone en contacto las artes escénicas y el mundo digital y que busca ser un punto de encuentro entre la creación de performances y el diseño de videojuegos.

El arte vivo suele cuestionar y reflejar cómo el desarrollo científico y tecnológico va transformando las relaciones sociales, materiales y políticas, muchas veces apropiándose de sus estéticas para explorar las posibilidades discursivas de este cuerpo en constante afectación. En el siglo XX, la intersección entre arte-ciencia-tecnología creó nuevas configuraciones y significaciones para el cuerpo y redimensionó su performatividad, su estar en el mundo.

Como defiende Pedro Moreira, artista visual que trabaja sobre la idea de “existencialismo-virtual”, para entender la existencia humana ya no podemos separar el ser tangible de los múltiples seres digitales que corporeizamos al encender el ordenador. Sin embargo, jugar a un videojuego se ha venido entendiendo como una simple actividad más y, por tanto, a los personajes en la pantalla como a meros adornos de la acción (el jugar). Frente a estas asunciones, el existencialismo-virtual nos invita a observar de cerca las acciones que nuestros personajes llevan a cabo y a re-entender que los cuerpos digitales suponen una parte intrínseca en la formulación de nuestra identidad, es decir, extensiones indivisibles de nuestra condición humana.

Tomando esta teoría como precepto, ya no podemos obviar, como espectador_s, la existencia de todos esos cuerpos digitales, tramas épicas, glitches y todo tipo de fenómenos virtuales a la hora de observar una acción escénica.

La segunda edición del festival Me gustas pixelad_, comisariado por Matías Daporta, cuenta con un programa de performances que intiman con aspectos del mundo virtual, ya sea con una relación directa o literal, o con una interpretación abstracta o referencial. La pieza Pamela, de Marta Ziolek, se compone a través de una serie de escenas dispuestas por todo el edificio, como si se tratase de un videojuego de plataformas; en Significant Other: Oxytocin, de Pedro Moreira, el artista se nos presenta como un ser que nació virtual pero devino tangible; en The Innocents, de Tom Kemp se nos invita a jugar a dimensionar las posibilidades digitales del espacio en el que nos encontramos; en Foreigned, de Juan Pablo Cámara, se nos presenta un lugar arqueológico de una era futura o situado en un nuevo planeta; el cuerpo de Néstor Díaz, en Nice Weather for Operative Sysemssufre el efecto del glitch. Al abrir Pandora DropBox, de Katja Heitmann, nos encontramos a cuatro seres extraños, desconcertantes, distantes y en All Eyes On, Teresa Vitucci nos desvela su forma de jugar frente a una pantalla cuando está sola en su casa. Además, como antesala del festival, Pablo Durango impartirá un taller teórico-práctico de tres días en ESNE sobre la creación de personajes a través de la práctica drag.

Paralelamente, La Casa Encendida, en colaboración con ESNE, propone un Hackathon en el que se ofrecerá un premio al mejor boceto de un videojuego que tendrá que estar inspirado en la práctica de algunos de los artistas de las performances de Me gustas pixelad_. Durante tres días, grupos formados por cuatro participantes trabajarán a contrarreloj para llegar a tiempo a la presentación y valoración de su proyecto, que se celebrará el domingo 3 de marzo.

Además, con el fin de poder conocer más en profundidad la práctica de l_s artist_s invitad_s, Marta Ziolek estará en residencia en el teatro Replika hasta el 8 de marzo, día en el que hará una presentación sobre su investigación actual. Por su parte, Pedro Moreira estará en residencia durante dos semanas en el espacio Nigredo, y también hará una presentación pública, en la que nos introducirá su próximo proyecto.

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7 de marzo a las 19h en Bulegoa z/b

Presentación de Antonio Menchen al inicio de su residencia en Bulegoa z/b. Su propuesta negro fondo ultraterreno fue seleccionada junto a Espigadoras / Gleaners de Claudia Pagès en la convocatoria de residencias de 2018. El jurado estuvo compuesto por José Ramón Ais (artista), Beatriz Herráez (historiadora del arte y comisaria y actual directora del Museo-Centro Vasco de Arte Artium) y las integrantes de Bulegoa z/b.

Antonio Menchen: Materiales para una técnica (negro fondo ultraterreno)
Un objeto, una historia a la que se le dibuja un contorno temporal, a la que se intenta delimitar la sombra que aún proyecta. Así, desde su interior, poner en juego elementos, ejemplos, cosas distintas que confluyen, se solapan o reescriben para desembocar en una experiencia de una simple relación de semejanza entre no iguales.

negro fondo ultraterreno supone la continuación de un trabajo, de un hacer, que piensa un tránsito de la imagen; de un mundo mecánico a otro digital y cómo este paso actúa sobre un procedimiento, cómo afecta a un saber o recurso. Un agujero desde el que todavía asoman siluetas, papeles o voces que transfieren una experiencia, una realidad aún perceptible de un pasado analgésico, mítico, espectral.

Cambia así la forma en que consideramos el material, en tanto por acumulación y conversión, en tanto que necesidad y hábito. A partir de un archivo de imágenes en continua construcción, en continua edición, trataremos de ocupar ese marco para pensar en revertir la cancelación de lo proyectado, de lo aún posible, de lo imaginado para traer a la memoria la conformación de una predicción.

Antonio Menchen (Toledo, 1983), terminó sus estudios de Bellas Artes en Madrid en 2007, fue estudiante visitante del departamento de cine de la Akademie der Bildenden Künste Wien (Viena, 2012-2013) y realizó el máster en Aural and Visual Cultures en el Goldsmiths College, (Londres, 2013-2014), junto con los tutores Mark Fisher y Kodwo Eshun. Ha participado de las exposiciones Distancias elásticas (Centro Párraga, Murcia 2019); Querer parecer noche (CA2M, Móstoles, 2018); Circuitos 2017 (Sala de Arte Joven, Madrid; Sala Borrón, Oviedo; Laboral, Gijón, 2017–2018); Alimentación 30. Archivo 2014-2015 (Espacio Cruce, Madrid, 2015); 10 VC (The Showroom, Londres, 2015); MUMOK Kino(Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig, Viena 2013); Rundgang (Akademie der Bildenden Künste Wien, Viena, 2012) o Sala de lectura(Espacio F, Madrid, 2005). Programó junto a Raúl Liarte el ciclo de cine Uno casualmente se acerca, siente algo y se queda (CA2M, Móstoles, 2016) y dirigió junto a Paulina Chamorro el programa de voz y performance El imitador de voces (Teatro Pradillo, Madrid, 2016).

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Societat Doctor Alonso

1 de marzo a las 21h en el Centro Párraga

” ‘Y los huesos hablaron’ parte del proceso de excavar antiguas fosas para encontrar los huesos de los desaparecidos, de los asesinados. El proceso de excavar entre las palabras es muy similar y lo que se busca es la verdad. El espectáculo llega para desenterrar y hacer visibles conflictos que han quedado escondidos por el discurso oficial a favor de una supuesta estabilidad política y social a lo largo de la historia. Un espectáculo que sí, habla de violencia y de desapariciones, pero especialmente, de aquellas violencias y desapariciones que, como parásitos invisibles, de generación en generación, anidan en nuestros cuerpos y se extienden por toda la sociedad”.

Es una propuesta escénica gestada en talleres y residencias en España y Méjico que nace del proceso de investigación de “El desenterrador”, una experiencia en la cual se investigaba la “corpología” de las palabras o, dicho de otra forma, la capacidad que tienen las palabras de generar un mundo ético, un sistema político y un orden social concreto.

Han sido galardonados recientemente con el l Premio FAD Sebastià Gasch D’Arts parateatrales 2018.

Coproducción entre: Societat Doctor Alonso, Teatro de Babel (Méjico) y Grec 2016 Festival de Barcelona.

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Esther Rodríguez Barbero

Sábado 2 de marzo en L’estruch Sabadell a las 21:00 h.

Un acto de celebración, un solo, un solo acompañado, una invitación al baile. Esto es We can dance. Parte del primer paso que se da antes de bailar en una discoteca, el templo del baile; aquel primer movimiento que, sin saber cómo, acaba siendo una danza desenfrenada. Se puede bailar en todas partes? ¿Qué relación se establece con las normativas y convenciones del uso del espacio? Coreógrafa, creadora escénica y arquitecta, Esther Rodríguez-Barbero desarrolla su actividad entre Bruselas y Madrid. Con We can dance propone un recorrido entre lo posible y lo prohibido, cuestionando dónde están, realmente, los límites propios y ajenos.

Creación: Esther Rodríguez-Barbero

Música: Lautaro Reyes / Vitaly Franco

Iluminación y escenografía: Víctor Colmenero Mir

Organización:

Ayuntamiento de Sabadell

Con la colaboración de:

LEAL.LAV Tenerife

Centro Danza Canal

La Caldera Barcelona

L’Estruch, Fábrica de Creación de las Artes en Vivo

Con el apoyo de: Comunidad de Madrid

Agradecimientos: Javier Cuevas, Adán Hernández, Laura Kumin, Pablo Sacristán, Marialena Marouda, Clara Pampyn, Alberto Alonso, Lara Brown, Xiri Noir, Lilia Mestre, Veridiana Zurita, Shervin Kiarnesi, Óscar Dasí y Carmen Fuentes.

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6 y 7 de marzo de 18 a 20:30 h en La Virreina 

En abril de 1936 Lucía Sanchez Saornil, Mercedes Composada y Amparo Poch Gascón fundaban Mujeres Libres dentro de la CNT,  una organización pionera en la emancipación de la mujer desde la perspectiva  de la lucha de la clase obrera.  Este movimiento feminista proletario llegó a aglutinar cerca de 20.000 afiliadas.

Mujeres Libres era también una revista, de “cultura y documentación social”,  trece números editados entre 1936 y 1938. La publicación nació como boletín ideológico y de actividades de la asociación para atraer mujeres a la ideología libertaria, pero a partir de la cuarta se convirtió en prensa femenina de revolución y guerra.  Este material –dormido durante décadas en el fondo del olvido hemerográfico−,  se reactiva ahora como punto de partida para conocer y releer  el anarquismo femenino de la CNT de los años 30 del siglo pasado desde la ebullición y la pluralidad del movimiento feminista actual.

Para ello hemos invitado a mujeres de diferentes procedencias a trabajar las aportaciones de la revista Mujeres Libres durante dos jornadas.  La única premisa es la libertad de pensamiento y la intención de reivindicar a la mujer como agente de cambio social ayer y hoy.

Dialogaremos con Elena Carreras e Irantzu Varela.  Pondremos los cuerpos y la voz con Iniciativa Sexual Femenina, Mireia Redondo Prat, Núria Martínez Vernís y Anna Pantinat.

Reactivaremos la exposición y la iconografía que Mujeres Libres organizó en Barcelona sobre la revista,  ya que esta actividad es una nueva materialización del proyecto Gràfica Obrera Anarquista desarrollado por  el Observatori de la Vida Quotidiana que auspicia La Virreina Centre de la Imatge.

Links + INFO:

http://www.graficaanarquista.com/

http://ajuntament.barcelona.cat/lavirreina/ca/activitats/rellegint-mujeres-libres/364

https://www.facebook.com/events/640830193024988/ 

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“Words,Planets”, 2018, Laida Lertxundi

Del 3 de marzo al 25 de abril en el CCCB

El cicle de cinema Xcèntric encara els mesos de març i abril amb una programació molt variada. Joves talents com Laida Lertxundi compartiran programa amb directors cinematogràfics amb una gran trajectòria como Wilhelm Hein, que obrirà les sessions de març, en persona, amb You Killed the Underground Film or The Real Meaning of Kunst bleibt, bleibt…

Noms tan il·lustres del setè art com Andy Warhol, amb col·laboració del Whitney Museum of American Art, o la versió íntegra de Petit à Petit de Jean Rouchtambé figuraran en la programació. Xcèntric abaixarà el teló, a l’abril, celebrant l’obra de Jonas Mekas, un dels referents del cinema d’avantguarda que ens va deixar aquest gener.

PROGRAMACIÓN

Projecció de Wilhelm Hein: “You killed the underground film” – Diumenge 3 de març, 18:30 h, Auditori 

Wilhelm Hein va ser una de les figures clau que va qüestionar els fonaments i conceptes del cinema d’avantguarda dels anys seixanta i molts dels seus representants, «els autoproclamats profetes del cinema underground», enfront dels quals expressa el seu desig de fer un nou cinema contundent, cru i brutal. El seu últim film, de més de 15 hores, You Killed the Underground Film, és un exemple audaç d’aquest anhel. En aquest film Hein demana als espectadors que s’alliberin de qualsevol idea preconcebuda del cinema. 

Els artistes de l’avantguarda dels anys vint buscaven a partir del cinema la independència del color i de la forma, i van aplicar l’anàlisi de la pintura i de la imatge estàtica a la imatge en moviment, qüestions semblants a les de la pintura cinètica. Wilhelm Hein i la seva generació van aconseguir distingir el mitjà cinematogràfic i ho van fer definint-ne les propietats específiques: la materialitat de la pel·lícula, la qualitat del projector i la pantalla, la naturalesa del cel·luloide i el raig de llum de la projecció. En aquell moment, ningú en el món de l’art no estava interessat en aquesta mena de projectes; dècades després tot un grup d’artistes viuen del llegat que van deixar Hein i els seus companys. 

El títol You killed the Underground Film or the real Meaning of Kunst bleibtbleibt es va agafar en part del text d’una actuació de Jack Smith a la Fira d’Art de Colònia de 1974, que Hein va documentar i va utilitzar al pròleg. A més de Jack Smith, al film hi apareixen figures com Marcel Duchamp, George Grosz, Nick Zedd, Arnold Schoenberg, Derek Jarman, Kurt Kren, Jerry Tartaglia, Samuel Beckett, Pete Seeger i Andy Warhol, entre molts d’altres. La pel·lícula funciona com un espectacle burlesc farcit d’estratègies i possibilitats estètiques que transcendeix la nostàlgia i es converteix en una afirmació de la independència pura. 

En aquesta sessió hi serà present el cineasta i es projectaran les bobines 1 i 3 de la pel·lícula, les més elaborades segons l’autor. 

You Killed the Underground Film or The Real Meaning of Kunst bleibtbleibt, Wilhelm Hein, 1989-2007, 16mm, 120min 

El nostre cos, el nostre sexe: Tres films-retrat pioners de la filmació íntima – Diumenge 10 de març, 18:30 h, Auditori 

Tres films-retrat pioners de la filmació íntima, confessional i en primera persona en la representació d’històries femenines que no es veien. Cara DeVito executa amb una càmera de vídeo un retrat de la seva àvia i la seva relació amb un marit violent; Janie’s Janie segueix una dona de classe treballadora a Newark que decideix prendre les regnes de la seva vida després d’anys de maltractament físic i psicològic; la cineasta Joyce Chopra parteix del naixement de la seva filla per exposar els conflictes entre la maternitat i la seva carrera. 

Ama l’Uomo Tuo (Always Love Your Man), Cara DeVito, 1975, 21min; Janie’s JanieGeri Ashur, Peter Barton, Marilyn Mulford, Stephanie PalewskiNewsreel, 1971, 25min; Joyce at 34, Joyce Chopra, 1972, 28min.

Prejecció en digital.

El mar torna a la vida. El cinema documental de Noriaki Tsuchimoto – Dijous 14 de març, 19:30 h, Auditori 

A través de l’activisme polític, Noriaki Tsuchimoto és una figura cabdal del documental japonès. La seva obra mestra, The Shiranui Sea, és un retrat líric de les víctimes de la malaltia de Minamata —el cas més important de contaminació ambiental al Japó—, de la relació amb la naturalesa i de la capacitat humana per a la curació i el renaixement, en confrontació amb els abusos del govern i la indústria. 

Shiranui Kai (The Shiranui Sea)Noriaki Tsuchimoto, 1975, Japó, 16mm, 153min 

Còpia cedida per la Fundació Japó  

Sobre ser humà: Els films de Jonathan Schwartz – Diumenge 17 de març, 18:30 h, Auditori 

Aquest programa de vuit pel·lícules de Jonathan Schwartz ofereix una visió general del seu treball cinematogràfic: des de les primeres pel·lícules collage, passant per visions íntimes de la família i el paisatge, fins a pel·lícules de viatges filosòfics, tant interiors com exteriors. Schwartz evoca, en els seus gestos cinematogràfics que capten la sublimitat, l’absurditat i l’abjecció dels cicles de la vida, l’eufòria i el dolor que comporta ser humà. 

Jonathan Schwartz: 

Interior Ape, 2004, 7min; Animals Moving to the Sound of Drums, 2013, 8min; If the War Continues, 2012, 5min; The Wedding Present, 2007, 3min; Nothing is Over Nothing, 2008, 16min; Between Gold, 2011, 11min; Winter Beyond Winter, 2016, 11minA Leaf is the Sea is a Theater, 2017, 16mm->vídeo digital 

Projecció en 16mm. 

Form and Feeling: Jack GoldsteinLaida LertxundiBeatrice Gibson i Morgan Fisher – Dijous 28 de març, 19:30 h, Auditori 

Aquesta sessió de cinema sobre cinema ens ofereix una sèrie de meditacions sobre el formalisme, l’estetització de la violència i experiències transformadores com la maternitat. La sessió inclou pel·lícules recents de Fisher, Lertxundi i Gibson i l’obra històrica The Knife, de l’artista californià Jack Goldstein. És l’estrena catalana de tots aquests films. 

The knife, Jack Goldstein, 16mm, 1975, 4min; Words, PlanetsLaida Lertxundi, 2018, 11min, 16mm; I hope I am Loud when I am deadBeatrice Gibson, 20min 2018, arxiu digital; Another Movie, Morgan Fisher, 2018, 22min, arxiu digital 

Projecció en digital. 

<< Vote McGovern >>. Warhol i la política – Diumenge 31 de març, 19:30 h, Auditori 

Warhol es va decantar pel cinema d’avantguarda, en part perquè se sentia lliure d’explorar temes primaris i subversius d’una manera que sabia que el món de l’art conservador no permetia. Warhol va renegar públicament de qualsevol interès per la política, però va recórrer a esdeveniments polítics com a temes per a la seva obra. En particular, l’assassinat de Kennedy, recreat a Since, va constituir una preocupació bàsica. 

Programa comissariat per Claire Henry, comissària adjunta del Whitney Museum of American Art amb motiu de l’exposició retrospectiva i del cicle de cinema Andy Warhol from A to B and Back Again. 

Andy Warhol: 

The Life of Juanita Castro, 1965, 16mm, 66min; Since (extracte), 1966, 16mm, 67min 

Amb la col·laboració del Whitney Museum of American Art 

Projecció de Joana Priestley: “North of Blue” – Dijous 11 d’abril, 19:30 h, Auditori  

Primer llargmetratge de l’animadora experimental Joanna Priestley, inspirat en els paisatges hivernals de Yukon (Alaska). North of Blue és una exploració no narrativa que interpreta amb grafismes preciosos les sensacions d’aquest paisatge i les connecta amb el seu propi bagatge i amor per l’art i el disseny. La composició musical és de Jamie Haggerty, que ha creat un disseny sonor suggeridor per acompanyar aquesta simfonia visual. Priestley es va formar al departament d’animació experimental de Cal Arts, amb el també presentador experimental Jules Engel com a mentor. Ha realitzat una vintena de curts que són exploracions formals, relacionades amb el seu propi univers, vivències i sentiments. Sovint combina l’abstracció amb la figuració, utilitzant tant tècniques animades analògiques com l’stop-motion o, en aquest cas, l’animació digital. 

North of BlueJoanna Priestley, 2017, 60min, arxiu digital 

Rapsòdia Satànica. Els orígens del color en el cinema – Dijous 11 d’abril, 19:30 h, Auditori 

El color ha estat present en el cinema des dels inicis. Ja el 1895 més del vuitanta per cent de les pel·lícules eren acolorides, almenys en part. Aquesta sessió, la primera d’una sèrie de programes dedicats als experiments cromàtics del primer cinema, presenta un conjunt de treballs que segueixen diferents procediments d’acoloriment aplicat sobre pel·lícula, entre els quals hi ha el melodrama «experimental» de Nino OxiliaRapsodia satánica, que explora de manera fantasmagòrica una variant femenina del Faust, amb referències al futurisme italià i a les coreografies de Loïe Fuller. 

L’anomenat «color aplicat» —procés de coloració que resulta d’una sèrie de procediments: el viratge, el tintatge, l’acoloriment a mà i amb plantilla— va exercir una funció important tant en l’anomenat «cinema d’atraccions» com en el cinema del període següent, que anhelava la reproducció del «color natural». En un primer moment el color pretenia introduir discontinuïtat per funcionar com un element d’atracció i sorpresa. Després, l’experimentació del color es va anar complicant i refinant. 

A cavall entre aquests dos períodes, aquesta sessió presenta, a més de la pel·lícula de Nino Oxilia, curts de la companyia Gaumont i de creadors com Georges Denola; un batibull de narratives melancòliques plenes d’elements fantàstics, on entre els colors de diferents espècies florals apareixen erugues i papallones que es metamorfosen en dones que, amb les seves danses serpentines, busquen la joventut eterna. 

Acompanyament sonor de mamuthone. 

Métamorphoses du papillonGaston Velle, 1904, Gaumont, 3min, 35mm; La légende des ondinesGeorges Denola, 1911, 6min, 35mm; Le Royaume des fleursGaumont, 1914, 7min, 35mm, sense so; Rapsodia satánica, Nino Oxilia, 1917, 42min, 35mm, sense so 

Antropologia compartida: Petit  à petit, de Jean Rouch  

Projecció de la versió llarga (230 minuts) de Petit à petit de Jean Rouch

14.04.19 — Primera part, extracte de 80 min | Diumenge 18:30h  

18.04.19 — Segona part, extracte de 75 min | Dijous 19:30h 

21.04.19 — Tercera part, extracte de 80 min | Diumenge 18:30h  

Diumenge 14 de abril, 18.30 h 

Antropologia compartida: Petit à petit, de Jean Rouch 

Setze anys després de Jaguar, primera pel·lícula de ficció de Rouch, DamouréLam i Illo es tornen a reunir a Petit à petit. El punt de partida d’aquesta primera part, «Cartes perses», és la mirada etnogràfica de Damouré (etnòleg fictici i alter ego de Rouch, a qui dobla i parodia com a etnògraf occidental) sobre la “tribu” dels parisencs.  

Petit à petit, Jean Rouch, 1969, 16mm, 230min (primera part, extracte de 80min).  

Projecció en digital. 

Dijous 18 de abril, 19.30 h 

Antropologia compartida: Petit à petit, de Jean Rouch 

A «Àfrica al Sena», segona part de Petit à petit, prolifera el teixit de fabulacions emmascarades i correspondències infinites entre París, els prats italians, Sunset Blvd i el record de la costa africana. La pel·lícula es converteix en una arquitectura mòbil de relacions entre diferents personatges i mons i els seus respectius reflexes.  

Petit à petit, Jean Rouch, 1969, 16mm, 230min (segona part, extracte de 75min).  

Projecció en digital. 

Diumenge 21 de abril, 18.30 h 

Antropologia compartida: Petit à petit, de Jean Rouch 

Acompanyats de nous amics, els companys tornen a les ribes del Níger a «La imaginació al poder». Mentre es multipliquen els jocs entre persona i personatge, sorgeixen inesperades contradiccions en el seu programa polític: en lloc d’una companyia que reprodueixi les grotesques organitzacions europees, el seu pla consistirà en aturar-se per pensar, en fundar una societat secreta “no per guanyar diners, sinó per gastar-los”.  

Petit à petit, Jean Rouch, 1969, 16mm, 230min (tercera part, extracte de 80min).  

Projecció en digital. 

Jonas Mejkas. Mantén un diari i el diari et mantindrà – Dijous 25 d’abril, 19:30 h, Auditori 

Celebrem l’obra de Mekas amb un dels seus grans films-diari, rodat entre el 1969 i el 1984: retrats de la seva comunitat d’amics artistes i cineastes (RosselliniAnger, Warhol, FramptonLennon…), de «llocs, estacions de l’any, climes (tempestes, neu, ventades), carrers i parcs de Nova York, escapades breus a la natura, res d’espectacular, celebracions poc importants de la vida que se n’ha anat, fins ara, i es mantenen tan sols com un registre en aquests esbossos breus i personals» (Mekas). 

He Stands in a Desert Counting the Seconds of His LifeJonas Mekas, 1985, 16mm, 150min 

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