— MuroTRON

Jueves 27 de abril a las 20 h. en El Fin del Mundo (C/ Doctor Fourquet 28, Madrid)

Lo Que América Puede (Sole Parody/ Billy Morreale) describe, con apenas el esqueleto de un lenguaje corroído por el continuo movimiento, un road trip lisérgico y descarnado entre paisajes de hormigón y personajes sin relato. Atrás quedaron los ecos del romántico desenfreno de los beatniks, en el relato de Billy los últimos restos de sentido de la civilización capitalista se cuelan por los márgenes de lo no escrito, mientras él y sus compañeros avanzan de espaldas al Oeste.

Foto maravillosa Paco Pomet, Cienfuegos 2009.

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Matadero | Nave 16

Hora: 21 h., 22.10 h. y 23.10 h.
Precio: Gratis previa retirada de invitación*

Roger Bernat estrena en Madrid ‘La consagración de la primavera’* dentro de la programación de CiudaDistrito, con motivo del Día Internacional de la Danza. Se trata de una versión libre del mítico montaje en el que la bailarina Pina Bausch coreografió la composición de Igor Stravinsky.

Los tres pases de la pieza colectiva tendrán lugar este sábado 29 de abril en la nave 16.4 de Matadero Madrid a las 21:00, 22:10 y 23:10 horas, respectivamente. Para participar en la actividad, debes recoger una invitación* el mismo día de la representación (a partir de las 19h) en las taquillas de Naves Matadero. Para disfrutar de la pieza sólo será necesario ponerse los cascos y dejarse sorprender por esta ‘performance’ donde los espectadores lo son menos que nunca.

*Máximo dos entradas por persona hasta completar aforo.

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27 abril, 2017 – 19:00 h / Edificio Nouvel, Auditorio 400 del Reina Sofía

Entrada gratuita hasta completar aforo. Apertura de puertas de 18.30 h a 18.55 h; una vez se cierren las puertas no será posible acceder a la actividad. 

Concepto y dirección: Cuqui Jerez

Creado en colaboración con: Óscar Bueno, Javier Cruz, Jorge Salcedo y Silvia Zayas

Selección de textos: Michelle Sommer

En 1959 tuvo lugar el Congreso Internacional de Críticos de Arte en Brasil, un simposio en el que artistas, arquitectos, historiadores del arte y de la arquitectura, como Mário Pedrosa, Meyer Schapiro, Giulio Carlo Argan, Bruno Zevi, Jorge Romero Brest, Tomás Maldonado, Frederick Kiesler o Eero Saarinen, entre otros, fueron convocados para debatir qué podía hacer la modernidad en el mundo naciente tras la posguerra. Bajo el tema de “Ciudad nueva-síntesis de las artes”, el congreso se celebraba por vez primera en América Latina durante nueve días y en tres ciudades diferentes, São Paulo, Rio de Janeiro y Brasilia. A la vez que se debatía el urbanismo moderno como búsqueda de la integración de las artes y producción de una obra artística colectiva, tenía lugar el nacimiento de Brasilia como un ensayo real de estos mismos debates. Más de cincuenta mil trabajadores en turnos ininterrumpidos construían aquello que Mário Pedrosa definiría con entusiasmo como una aventura y una esperanza: Brasilia, capital del Estado y urbe estrictamente moderna.

El congreso, con más de 22 países participantes, debatirá el modelo social y urbano que supone este proyecto en siete sesiones: la ciudad nueva, el urbanismo, la técnica y la expresión, la arquitectura, las artes plásticas, las artes industriales y, por último, el arte y la educación. Las actas del congreso son un documento histórico y desconocido para entender el lugar central de la modernidad en su vocación de participar y dar forma a los desafíos de este nuevo mundo.

En esta pieza, Cuqui Jerez y su equipo proponen una activación de las actas del congreso, adaptadas por Michelle Sommer, co-comisaria de la exposición Mário Pedrosa. De la naturaleza afectiva de la forma, como ejercicio performativo de un episodio utópico del pasado, pero con una enorme potencia y reverberación en un presente en el que la historia y la crítica de arte han sido desplazadas de su rol e influencia pública. A través de la exposición de una serie de documentos relacionados con el Congreso, la artista genera un dispositivo que funciona como filtro formal para acercarse al material documental y adoptar una mirada estética específica, pero sin que esta sea subjetiva o suponga un posicionamiento frente al documento histórico. La lectura no pretende comentar o generar una interpretación sobre los fragmentos del pasado, sino componer un plano de proyección, mental y conceptual, que afecte tanto al público como al propio dispositivo escénico y teatral de representación. De esta manera, la obra busca ser tanto una primera puesta en escena del pensamiento de Mário Pedrosa y su tiempo como una confirmación de la imposibilidad de reproducir o ficcionalizar los debates que protagonizaron este momento de radical utopía.

El evento será retransmitido en el marco del programa “Diálogos” de la red de museos L’Internationale, un programa público que marca el 27 de abril como inauguración de distintas exposiciones y actividades concebidas por los museos miembros de esta red

Moderna galerija (MG+MSUM, Ljubljana, Eslovenia); Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS, Madrid, España); Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA, Barcelona, España); Museum van Hedendaagse Kunst Antwerpen (M HKA, Amberes, Bélgica); SALT (Estambul y Ankara, Turquía) y Van Abbemuseum (VAM, Eindhoven,Holanda).

Actividad organizada por el Museo Reina Sofía en el marco del proyecto “Los usos del arte” de la confederación de museos europeos L’Internationale.

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Miércoles 26 de abril de 2017. Cripta del Templete de Bramante, 21.00 h , Academia de España en Roma

Entrada gratuita hasta completar aforo

Acción de David Benito y Elena Córdoba construida en diálogo con Jaime Conde Salazar. Lo que muda no muere  forma parte del proyecto “La edad de la carne”, un ciclo de creación y estudio sobre el envejecimiento del cuerpo.

 

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PROKLAMA Nº10

Programa de talleres y encuentros

Artium y Museo de Bellas Artes ((Vitoria-Gasteiz), 11 y 12 de mayo

Proklama es un programa de artes vivas organizado en colaboración entre Artium y Azala

ENVOLTURA

Presentación de una serie de solos con Isabel de Naverán, Idoia Zabaleta, Leonor Leal, Bobote y Pedro G. Romero

Museo de Bellas Artes (Vitoria-Gasteiz)

11 de mayo a las 19.00 h

* Acceso libre con invitación. Aforo limitado. Invitaciones disponibles en el Museo de Bella Artes, el 11 de mayo a partir de las 18.00 h

HISTORIA(S)

Proyección de documental y seminario conducido por Olga de Soto 

Artium, Sala Plaza, acceso libre

12 de mayo de 10.00 h a 14.00 h

Información e inscripciones: proklamar@gmail.com (plazas limitadas)

SELVA. LOS BOSQUIMANOS EMBOSCADOS 

Conferencia de Pedro G. Romero

Artium, Auditorio, acceso libre

12 de mayo a las 18.00 h

BOCA DE FIERRO 

Performance dirigida por Marcela Levi & Lucía Russo, Improvável Produçoes 

Artium, Sala Este Alta, acceso libre

12 de mayo a las 20.30 h

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27 abril–10 septiembre, 2017 

Con Luz Broto, Diego Delas, Marta Fernández Calvo, PLAYdramaturgia,
Wilfredo Prieto, Leonor Serrano Rivas, Julia Spínola y Marc Vives

Comisariado por Beatriz Alonso

Julia Spínola, Moles y manchones, 2017. Vidrio, dimensiones variables.

Casa Museo Lope de Vega, Museo Casa Natal de Cervantes, Centro de interpretación de Nuevo Baztán y Museo Picasso Colección Eugenio Arias nos ofrecen una lectura alrededor de distintas figuras y momentos de nuestro pasado histórico, más o menos reciente, no estando ninguno de ellos dedicado a la producción artística actual. ¿Cómo aproximarnos entonces desde ese jet lag a sus nombres fundacionales, espacios, colecciones, enclaves y relatos en apariencia eternos?

‘No siempre que estuvimos / estuvimos’ es un ciclo de propuestas específicas pensadas ad hoc para cada museo tras un dilatado proceso de visitas, investigación, intercambio, negociación, acompañamiento y ensayo. Es una invitación a Luz Broto, Diego Delas, Marta Fernández Calvo, PLAYdramaturgia, Wilfredo Prieto, Leonor Serrano Rivas, Julia Spínola y Marc Vives a desgranar las especificidades de cada museo desde una mirada ajena, presente, entre el discurso oficial y la realidad cotidiana, la grandilocuencia y lo desapercibido, la ausencia y la presencia. Es un verso y medio que nos presta María Salgado de sus ’31 poemas’.

Las propuestas recuperan, introducen o sugieren líneas de fuga hacia otras formas de relacionarse con estos espacios y sus entornos, afectándose de manera sutil y flexible entre ellas. Desde posturas fragmentarias y discontinuas, acordes a nuestro tiempo, se acercan a los rastros de la memoria, pero también a sus fallas, entendiendo estos museos y sus colecciones como organismos vivos, abiertos a la potencialidad de lo inesperado y a la confrontación entre significados e interpretaciones.

En la coexistencia que se da en esta conversación abierta e indefinida entre objetos, cuerpos, estancias y temporalidades se refuerza la discontinuidad que nos acompaña, y se abre una oportunidad para poner a funcionar otras agencias que no necesitan entenderlo todo. También así se escribe la historia.

Presentación: 27 de abril, 13 h. en la Casa Museo de Lope de Vega, Madrid.

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Del 20 al 23 de abril se celebra en Olot el festival Sismógraf, en el que entre otras presentarán su trabajo Pere Faura o Big Bouncers… más información aquí.

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Arts Santa Mónica | 27.04.2017 / 19:30h

Oberta a tothom i gratuïta amb aforament limitat

Qui és aquest home que sembla extret d’un conte de Gogol?

El llegendari Oleg Nikolaevitch Karavaychuk és l’enigmàtic i colpidor protagonista d’aquesta pel·lícula del director Andrés Duque. Mogut per la música que el pianista va compondre per a una pel·lícula de Kira Muratova, Duque és el primer estranger a guanyar-se la confiança del sempre actiu i excèntric rus de 89 anys.

Alguns apunts biogràfics: Oleg Nikolaevitch Karavaychuk (1927), va ser un nen prodigi que va tocar el piano per a Stalin, va assistir al Conservatori de Leningrad i al llarg de la seva carrera ha escrit música principalment per a teatre i cinema —per exemple, per Paradjanov i Muratova—. A Rússia és admirat per la seva música i la seva forma de tocar, però també per la seva singular i excèntrica personalitat. Als 89 anys, Karavaychuk segueix sent una figura controvertida i desconcertant en la cultura russa.

La bella pel·lícula que Andrés Duque li ha dedicat és un regal per a l’espectador, un regal d’un vell artista que, allunyat de tota convenció social, vol reconciliar-se amb el món i ens transporta lluny de la realitat a través de les seves paraules, els seus gestos i la seva interpretació al piano a un món on les pertorbadores dissonàncies són portadores d’una alliberadora bellesa.

Andrés Duque: cineasta hispanoveneçolà. El seu treball més conegut és Iván Z, un retrat del cineasta de culte Iván Zulueta que li va valer una nominació al Premi Goya de l’Acadèmia. El 2011 realitza el seu primer llargmetratge titulat Color perro, que fou estrenat al Festival Internacional de Cinema de Rotterdam i guanyador del premi del públic al Festival de Cinema Documental Punt de Vista. El 2012 és un dels cineastes convidats al prestigiós seminari Flaherty que se celebra a Nova York. El 2013 rep el Premi Ciutat de Barcelona per la seva pel·lícula Ensayo final para utopía.

Philipp Engel: redactor de Fotogramas

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Homesession: C/ Creu dels Molers, 15. Barcelona

“En 1992 Barcelona brilló bajo una nueva luz. El mundo entero la vio como la nueva ciudad abierta, moderna y libre que nos traía unos fantásticos Juegos Olímpicos, representando una nueva era europea. Había algunas voces críticas a nivel nacional y local pero se perdieron en un mar de celebraciones. Aquellos eran nuevos tiempos para Europa: Berlín acababa de resucitar después de la reunificación y la Guerra Fría terminaba o al menos se cogía un tiempo de respiro.
Recuerdo ver la ceremonia de inauguración en televisión cuando era niño y estar completamente bajo el hechizo de la euforia olímpica. Pero al mismo tiempo, mi propio país se estaba colapsando. Yugoslavia no pudo participar en los juegos debido a las sanciones de las Naciones Unidas. Y mientras los nuevos comienzos de Europa se celebraban en Barcelona con el lema “Amigos para siempre”, Yugoslavia estaba muriendo.
Veinticinco años después, las cosas han tomado un giro diferente. España, como muchos otros países en Europa, se enfrenta al resurgir de los temores del multiculturalismo y las preguntas alrededor de cómo debería ser un estado multinacional están de nuevo sobre la mesa.
Me gustaría investigar y revisar estos diferentes períodos, el año 1992 y ahora. Quiero buscar los valores que hemos tenido y que quizás hemos perdido por el camino o están a punto de perderse.”

Aleksandar Todorović

Aleksandar Todorović es un viajero inquieto, artista de diferentes medios y diseñador gráfico. Vive entre Bosnia y Herzegovina y la carretera, un hecho que ejerce influencia en su trabajo. Uno de sus primeros amores es sin lugar a duda la tipografía, usada siempre en negrita. Los últimos años ha sido el eje vertebral del colectivo artístico YHY FIHM, encargándose de la dirección artística y realizando trabajos para numerosos libros de arte.
Es artista residente en Homesession desde marzo 2017.

www.aleksandartodorovic.com

Homesession es uno de los espacios independientes y no comerciales claves de la escena barcelonesa. Creado en 2007 aprovechando el salón de la casa particular de los iniciadores del proyecto, Homesession propone dos programas principales: una residencia (Residency, Exchange Residency) y unas becas de producción (Invited). Hoy en día, los ejes del proyecto se han incrementado con la inclusión del programa Polaritats con la colaboración de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcleona. En su local, inaugurado en abril del 2012 al barrio de Poble Sec, Homesession articula así un espacio de proyectos y un espacio de residencia para artistas internacionales.

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MACBA | Del 4 al 13 de mayo

Las instituciones son sistemas que ordenan, normalizan y coordinan buena parte de las relaciones sociales que estructuran la convivencia. Los museos responden, en gran medida, a esa función normalizadora: no solo regulando el trabajo artístico, sino también generando relaciones, corporalidades y ordenando temporalidades. Desafiar las lógicas propias de la institución ha sido una de las pretensiones más acusadas de buena parte de las prácticas artísticas del último siglo, al mismo tiempo que uno de los grandes interrogantes de muchos trabajos institucionales. Generar en el presente temporalidades distintas a las del espectáculo y el consumo cultural se torna un desafío constante para cualquier institución, y para ello es casi obligado pervertir las lógicas que operan en su funcionamiento. ¿Cómo posibilitar unas poéticas del encuentro que al mismo tiempo puedan ser políticas?

En 1977 Roland Barthes inicia una serie de conferencias en el Collège de France que más tarde publicará bajo el título Cómo vivir juntos. En este curso Barthes explora el concepto de idiorritmia, que sirve de eje para este programa anual que ahora, cuarenta años después, iniciamos. Con el término de idiorritmia, Barthes presenta su propuesta utópica de comunidad y explora el modo en que esta se podría configurar mediante la combinación del tiempo personal y el de la vivencia colectiva. Para ello, se basa en una idea de ritmo anterior a la de Platón: un ritmo no numérico que aspira más a la fluidez que a la ordenación. Este concepto sirve de punto de partida a Idiorritmias, un programa centrado en el trabajo en torno a las prácticas performativas e impulsado por el deseo poético de construir, desde la institución y a través de la acción, una comunidad imperfecta, efímera e inestable; de teorizar en colectivo y de reflexionar sobre el potencial del cuerpo en una esfera pública dominada por la palabra.
Idiorritmias es una exploración que no busca la ilustración de una idea, sino la experimentación a través de la práctica, que huye de la afirmación para asumir la vulnerabilidad como una posible condición desde la que reflexionar y debatir. A lo largo del programa se alternan y combinan prácticas y dispositivos que reflexionan sobre la identidad desde un lugar no esencialista, la memoria del cuerpo, y que confían en la posibilidad de construir imaginarios compartidos; pero también se incluyen aquellas que están en conflicto y que contienen cierta imposibilidad de «unisón» por mantener la libertad de sus componentes. Proponemos un espacio que anhela crear una brecha en la propia concepción del evento y la institución para generar otros tipos de temporalidades y materialidades, asumiendo y aceptando el error como herramienta de trabajo.

En esta edición, Idiorritmias pone el acento en el trabajo de Itziar Okariz (San Sebastián, 1965) con la activación de cinco de sus performances. Se trata de una aproximación a un trabajo en continuo desarrollo que sirve como marco para pensar de forma colectiva en el potencial implícito en la imposibilidad de repetición, aunque paradójicamente la iteración construya singularidad. También acepta el desafío constante que supone para la institución artística el escribir la historia de la performance, o realizar un recorrido por el trabajo de un artista en su práctica performativa o efímera. Poner en práctica, resituar, redisponer o reperformar nos parecen verbos posibles para subrayar el papel que ejerce el cuerpo como archivo, como ya apuntara André Lepecki, en buena parte del trabajo artístico.

En paralelo, Okariz participará en un laboratorio donde, junto con Quim Pujol (Barcelona, 1978), trabajarán diversos aspectos relacionados con la idea de proceso, performance y los puntos de encuentro de esta con diferentes prácticas artísticas. Un lugar de trabajo que parte de la corresponsabilidad entre Okariz y Pujol y el resto de los participantes, en el que el yoga, entendido como ejercicio de presencia, tendrá un papel central en la exploración. El cuerpo será, pues, el centro de una exploración en torno a las ideas del ensayo como forma, la relevancia de compartir procesos en código abierto y el enriquecimiento con la mira del otro.

Participantes: Mykki Blanco, Alice Chauchat, Chico y Chica, Jon Mikel Euba, Miran Jaio, André Lepecki, Norberto Llopis + Paz Rojo, Marc Matter, Itziar Okariz, Amalia Pica, María Salgado, Danae Theodoridou, Aimée Zito Lema

Programa comisariado por Soledad Gutiérrez, comisaria independiente y Pablo Martínez, jefe de programas del MACBA.

Programa

LABORATORIO DE EXPERIMENTACIÓN CON ITZIAR OKARIZ I QUIM PUJOL
4, 5 Y 6, 11, 12 Y 13 DE MAYO, DE 10.30 A 13 h
Lugar: Salas del museu y Capella MACBA
Gratuito. Inscripción: es necesario enviar una carta de motivación hasta el 27 de abril de 2017 a programespublics@macba.cat, indicando como asunto IDIORRITMIAS

PROGRAMA DE PERFORMANCES
4, 5 Y 6, 11, 12 Y 13 DE MAYO, DESDE LAS 19 h

JUEVES, 4 DE MAYO
19 h Amalia Pica, Asamble (2016)
Lugar: Plaça dels Àngels. Actividad gratuita. Para participar en esta performance es necesario inscripción previa.

Inscripción

20 h André Lepecki, In the Event of Encounter
21 h Itziar Okariz, 1, 1, 2, 1… (2012)
Lugar: Auditorio Meier. Precio: 5 euros

Entradas. 

VIERNES, 5 DE MAYO
19 h Danae Theodoridou, Something Dreamy (2016)
Lugar: Sala de exposiciones Convent dels Àngels.
Actividad gratuita. Sin inscripción previa hasta completar aforo.

20 h Iztiar Okariz, Si yo soy yo y tú eres tú (2011)
21 h Mykki Blanco, Concierto
Lugar: Capella MACBA. Precio: 5 euros

Entradas. 

SÁBADO, 6 DE MAYO
19 h Aimée Zito Lema
, Subversive Body (2016)
Lugar: planta baja del CED.
Actividad gratuita. Sin inscripción previa hasta completar aforo.

20 h Itziar Okariz, Baron Ashler (2015)
21 h Norberto Llopis + Paz Rojo, El capitalista (2016)
Lugar: Capella MACBA. Precio: 5 euros

Entradas. 

JUEVES, 11 DE MAYO
19 h Itziar Okariz
, Capítulo 2, V.W. en sustracción (2013)
Lugar: Espai Taller. Actividad gratuita. Sin inscripción previa hasta completar aforo.

20 h María Salgado, Lírica / 3 (2017)
21 h Marc Matter, Language-Monsters
Lugar: Atrio Meier. Precio: 5 euros

Entradas. 

VIERNES, 12 DE MAYO
19 h Itziar Okariz
, Irrintzi Repetitio (2007)
20 h Alice Chauchat, Togethering (2014)
Lugar: Capella MACBA. Precio: 5 euros

Entradas. 

SÁBADO, 13 DE MAYO
19 h Jon Mikel Euba
Presentación del libro Writing Out Loud
20 h Miren Jaio+Itziar Okariz, Trabajar con material
21 h Chico y Chica, Notario (Encadenado)
Lugar: Capella MACBA. Precio: 5 euros

Entradas. 

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