— MuroTRON

Sábado 28 de mayo a las 19:00 en La Fundición de Bilbao dentro de Zer(K)nias 

ME DETENGO. QUIETO. NO ESPERO NADA. SOLO ESTOY. RESPIRO. MIRO ALREDEDOR. VUELVO A RECONOCER EL ESPACIO.
REDUCIDO. LLENO. DECIDO VACIARLO. ESTE MOMENTO ES INFINITO. ME VOY GIRANDO A MI ALREDEDOR.
SOBRE MI EJE. MIRANDO A ALGÚN PUNTO LEJANO. CON CARA DE TONTO. DESCUBRIENDO EL MUNDO POR PRIMERA VEZ.

Imaginamos esta danza como un espacio común que emerge a partir de unas pocas reglas sencillas. Un encuentro, un ejercicio compartido, una conversación sobre lo que acontece.
Insistir en un comienzo, bailar los intervalos, una forma de empezar convertida en un medio que es también un final, sin haber siquiera comenzado. Recoger las huellas que deja un movimiento. Volver a empezar. Escuchar.
Un lugar de calma y atención para compartir tiempos. Una invitación a entrar y salir, a estar y no estar, según como cada uno lo desee.

Coreografía y danza: Annika Pannitto
Texto: Óscar Cornago
Supervisión musical: Rodrigo Faina

Annika Pannitto
Nacida en Italia en 1981, Annika Pannitto es coreógrafa, bailarina e investigadora en el campo de la coreografía contemporánea. Después de una breve carrera como bailarina para otros coreógrafos (como Adriana Borriello, Simona Bertozzi y Alessandra Sini), empieza su propio trabajo en 2007 con la pieza “Solitudo” y desde entonces ha creado piezas escénicas, obras site specific y film de danza. Su formación en el ballet clásico ha sido fundamental para su comprensión de la técnica y el principal motivo para descubrir y estudiar las prácticas de la danza contemporánea, que han inspirado e influido en su investigación de un movimiento e interés coreográfico personal. Sus últimas piezas Dances beneath the Oak y los proyectos Piazza y The Third Table son fuertemente informados por la relación entre la investigación práctica y teórica, que ha comenzado a desarrollar durante la MA de coreografía en ArtEZ en Arnhem, donde se graduó en 2014. Su trabajo se ha presentado en varios teatros y festivales, como el Rotterdamse Schowburg de Rotterdam, el Museo Reina Sofía en Madrid, el Festival Diskurs ’15 de Giessen, el Dock 11 en Berlín, el Festival de Santarcangelo, el Museo MAK /de Viena, el Atelier RE.AL en Lisboa y el Centro Danza Canal en Madrid. Desde el 2014 colabora con la diseñadora Erica Preli para el proyecto Table Conversation, una publicación que involucra artistas de varias disciplinas sobre un diálogo acerca de las metodologías y practicas artísticas.

Óscar Cornago
Óscar Cornago es Científico Titular en el Consejo Superior de Investigaciones Científicas de Madrid. Ha desarrollado casi toda su actividad en el campo de la investigación académica sobre artes escénicas, filosofía estética, prácticas artísticas y espacio público. Entre sus últimos trabajos se encuentran Ensayos de teoría escénica. Teatralidad, público y democracia, o los volúmenes colectivos como O teatro como experiencia pública, o Hacernos un mundo. Ficciones colectivas y Conversar, habitar. Perspectivas críticas sobre la idea de participación. Actualmente desarrolla junto con Juan Navarro el proyecto de creación Se alquila. Archivo vivo.

Más información y entradas: web de La Fundición de Bilbao

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Del 25 de mayo al 12 de junio en el Teatre Lliure de Gràcia

Un grupo de jóvenes performers con presencia escénica y una función cuyo tema es la propia función. Teatro de presencia en presencia. Sin argumento, sin un tema mas que la propia función aquí y ahora formada por el corpus escénico y alimentada por cada performer. Ficción y no ficción pueden mezclarse sin que podamos saber cómo. Sólo podemos observar lo que ocurre, y lo que nos ocurre como público. Emoción, acción y palabra. Una experiencia teatral que escapa a los determinantes del estatus de actor. Y un experimento escénico que se completa solo en presencia del público.
Carta blanca a Anna Karasińska.

La directora polaca Anna Karasińska, vinculada al Nowy Teatr de Varsovia, debutó en 2015 con Ewelina’s Crying, un espectáculo meta-teatral cargado de humor. Desde entonces, su trayectoria ha sido fulgurante, tanto en el cine como en teatro. Por este motivo, está en la Temporada 21/22 del Lliure con una propuesta muy poco convencional.

Anna Karasińska (Łódź, 1978), directora de escena, dramaturga y cineasta, estudió en la Academia de Bellas Artes Władysław Strzemiński de Łódź y en la Facultad de Filosofía de la Universidad de su ciudad natal; y se graduó en la Facultad de Dirección de la Escuela Nacional de Cine, Televisión y Teatro Leon Schiller de Łódź. Sus cortometrajes, largometrajes y documentales estudiantiles se han proyectado en varias decenas de festivales en todo el mundo y han ganado premios internacionales. Debutó en teatro con su producción original Ewelina’s Crying, representada en 2015 en el TR Warszawa en el marco del proyecto TR Territory (TEREN TR). En 2016 ganó el premio promocional Kazimierz Krzanowski por Ewelina’s Crying en el 51º Festival KONTRAPUNKT Small-Theatre-Forms. En 2016 también dirigió su segunda producción en el Teatro Polacos de Poznań (Teatr Polski w Poznaniu), seguida ese mismo año por Birthday, que se representó como pieza de microteatro en el Komuna / Warszawa. En 2017 también dirigió otra pieza original en TR Warszawa: Fantasia, quese presentó, por ejemplo, en el Festival de Teatro de Dublín en 2018, en el Festival Trans-Américas, Kunstenfestivaldesarts y Zürcher Theatre Spektakel en 2019. En 2018 dirigió 2118. Karasińska en el Nowy Teatr de Varsovia.

Más información y entradas: web del Teatre Lliure

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Jueves 26 de mayo a las 19:00 en Azkuna Zentroa, 12€

Societat Doctor Alonso, compañía escénica dirigida por Tomás Aragay (director de teatro y dramaturgo) y Sofía Asencio (bailarina y coreógrafa) presenta “Hammamturgia”, su último proyecto escénico que reflexiona sobre la “hammamturgia”, entendido como lo otro de la dramaturgia.

En las investigaciones realizadas, la compañía ha trabajado siempre con la noción de “código abierto”. “Trabajamos con unas pautas o reglas internas que se delimitan conceptualmente a través de la práctica, y con un desarrollo que afronta al público como un espacio liminal: la recepción será abierta y oscura al mismo tiempo, el público pasa por un estado de incertidumbre, ya que la comprensión de la obra se muestra de alguna manera encriptada por ese código”, reflexionan desde Societat Doctor Alonso.

En ese sentido, en el proyecto fijan unos parámetros de investigación para generar de nuevo un código interno. “Un código que gira en torno a las ideas de hammamturgia y ambiente, y que habrá de tener suficientes variables que sean legibles para el público y que dejen espacio para su imaginación” explican desde la compañía.

Más información y entradas: web de Azkuna Zentroa

 

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Sábado 28 y domingo 29 a las 20:00 en Réplika Teatro

La bailarina y performer Sandra Gómez llega por primera vez a Réplika Teatro con esta pieza enmarcada dentro del festival In-sonora 12. Como previa a cada pase, el artista brasileño André Damião presentará una breve performance sonora, “Narva 2” **.

→ Concepto y dirección: Sandra Gómez
→ Creación: Javi Vela, Carlos Molina, Sandra Gómez
→ Intérprete: Sandra Gómez
→ Asistente de movimiento: Rocío Pérez
→ Espacio sonoro: Javi Vela
→ Asistente de sonido: Paco Fuentes
→ Luces: Carlos Molina
→ Gracias a: Vicente, Arlandis, Laura Basterra, Idoia Zabaleta y Espai Pont Flotant

​Proyecto seleccionado en la convocatoria Artistas en Residencia de la Casa Encendida y el CA2M (Madrid y Móstoles, 2019), Residencia escénica en el Centro de Cultura Contemporánea Condeduque (Madrid, 2019) y Residencia en Azala Espacio de Creación (Lasierra, Álava, 2021).

Con el apoyo del Instituto Valenciano de Cultura y el Ayuntamiento de Valencia.

Bailar al sonido es una propuesta que trata al sonido como una fuente energética, la propagación de la cual implica un trasvase energético dirigido a alterar y afectar al cuerpo de forma que pueda modificar su estado y lugar.

La pieza se construye a partir de tres ejercicios en los cuales se quiere experimentar la modificación de los cuerpos a través del sonido en un juego de resonancias.

El primero es un ejercicio de retroalimentación que pone en relación los elementos espacio, cuerpo, sonido y luz. Las acciones del cuerpo producen resonancias en el sonido y en la luz que van ocupando gradualmente el espacio y produciendo una carga y una intensidad afectando al cuerpo y modificando su manera de moverse. En los siguientes ejercicios se traslada el foco hacia otros cuerpos, se generan diferentes formas y paisajes tanto visuales como sonoros para acabar con una representación plástica del sonido.

Pieza enmarcada dentro del festival IN-SONORA 12

Sandra Gómez. Máster en Producción Artística por la Facultad de Bellas Artes de Valencia (especialidad en Pensamiento Contemporáneo y Cultura Visual). Licenciada en Arte Dramático por la ESAD de Valencia y amplia formación en danza contemporánea en Valencia y Bruselas. Desde 2001 hasta 2012 trabaja como creadora en el colectivo LOSQUEQUEDAN en numerosos proyectos que son mostrados en diferentes festivales de ámbito nacional.
Desde el año 2012 trabaja de forma independiente en proyectos centrados en el cuerpo y el movimiento: Bailar al sonido (Valencia, 2021), Volumen 2 (Valencia, 2020-2021), Preludio y fuga (Valencia, 2019), Tot per l á ire (BAD, Bilbao, 2018), Heartbeat (Valencia, 2017), No soy yo (Valencia, 2016), Tentativa and Guests (Valencia, 2016-2014), The love thing piece (Madrid, 2013) y Tentativa (Valencia, 2012). Ha ideado y coordinado el proyecto Maneras de hacer y ha editado el Mejor libro de danza del mundo. Imaginarios sobre danza y otros asuntos surgido de este último proyecto. Últimamente ha obtenido una residencia de investigación en Espai LaGranja para desarrollar el proyecto Materias sonoras.

Más información y entradas: web de Réplika Teatro

 

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Sábado 28 y domingo 29 de mayo, 22:00, en La Casa Encendida

Una pieza a medio camino entre el teatro documental y la experimentación con el ritual, que coloca en la esfera pública un tema tabú: la muerte y su gestión privada. Una propuesta escénica que arroja luz sobre los abusos de la industria funeraria y la capitalización del deceso.

Desde una perspectiva política y poética, Las Huecas trabajan a partir de los imaginarios precarios que las generaciones jóvenes disponen alrededor del deceso.

Además de los cuerpos de las performers, en la pieza intervienen Núria Isern, trabajadora del sector funerario, y Júlia Sánchez, activista por la soberanía de la muerte. Se trata de una propuesta emancipadora y de una experiencia teatral que se ha definido desde la crítica como ”algo que no puedes nombrar, pero que cuando lo ves, sabes que estás ante algo que no habías visto antes”.

Aquellas que no deben morir ha obtenido el premio Apuntador 2021 y el premio de la crítica NovaVeu 2022.

Las Huecas es un colectivo que nace el año 2016 con la voluntad de llevar a cabo creaciones escénicas desde la práctica colectiva. Como agrupación, han transitado por varias identidades: investigadoras etnógrafas, banda de punk o dibujantes de fanzine, aunque son básicamente cuatro actrices, una técnica y una productora. Han actuado en el espacio público, en solares abiertos, en teatros, en salas alternativas de conciertos y en streaming en Instagram. Por ello, para ellas es muy importante el diálogo entre los marcos de representación y las decisiones performáticas tomadas. En este sentido trabajan desde el cuerpo biográfico que se vincula necesariamente con el cuerpo político y, por tanto, con su condición de sujeto privilegiado para la tribuna de la escena. Se sitúan por ideología en el reconocimiento de sus propias condiciones materiales, apostando por una estética del distanciamiento, del extrañamiento del real a partir de un estar-en-la-escena inestable, expuesto a la precariedad del cuerpo y de sus circunstancias, expuesto al juego abierto de los códigos teatrales, el cuál podríamos denominar como poetización.

Ficha artística:

  • Creación: Col·lectiu Las Huecas.
  • Intérpretes: Júlia Barbany, Esmeralda Colette, Núria Coromines, Andrea Pellejero.
  • Técnica: Sofía A. Martori.
  • Composición del espacio sonoro: Adrià Girona.
  • Diseño de iluminación: Ana Rovira.
  • Artefactos: Dani García.
  • Asesoramiento procesos de duelo: Júlia S. Cid, parte de Som Provisionals.
  • Asesoramiento funeraria: Núria Isern.
  • Producción: Esther Fernandes.
  • Fotografía: Roc Pont.
  • Coproducción: Festival TNT (Terrassa), Antic Teatre (Barcelona), La Infinita de l’Hospitalet (L’Hospitalet de Llobregat).

Con la colaboración de: El Graner – Centre de creació.

Más información y entradas: web de La Casa Encendida

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Sábado 21 a las 19:30 en la Sala insular de teatro de Las Palmas de Gran Canaria, 10€

La danza despide mayo en la Sala Insular con Carmelo Salazar y su doble pieza de danza Documento/A y Fin del Mundo/B, ésta última interpretada por Teresa Lorenzo.

FIN DEL MUNDO B.
La primera de las piezas, Fin del mundo B. es una coreografía que mezcla clásico y contemporáneo, huyendo de la danza abstracta para quedarse en la razón y cinética de la acción física. Llega así a un sin-teatro de movimientos con fines concretos. Estrenada en febrero del 2019, en el festival Salmón de Barcelona.

DOCUMENTO/A.
La segunda pieza, Documento/a, toma las imágenes de un loco, un masoquista y un artista conceptual como justificación para hablar de inspiración y apropiación, de la estética o patrón de una desgracia que, reflejada fuera de contexto, ofrece un bonito cuadro, placer fetiche o acción. Estrenada el 17 de abril de 2021 en el TEA, Tenerife.

Más información y entradas: web de la Sala insular de teatro

 

 

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Martes 17 de mayo a las 20:00 en la Sala Off de València dentro del Festival 10 sentidos

Somos Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol, artistas que trabajamos en las fronteras de diferentes disciplinas como la danza, la arquitectura, el teatro o la ópera y sus campos de influencia en lo político y lo social. Tenemos un compromiso muy fuerte con un lugar que para otros es de paso: Estar en el límite y no en el centro de las cosas es una posición ideológica. Nuestras prácticas escénicas cruzan lenguajes y desarrollan algo energético y empático: Utilizamos el humor, el absurdo, la repetición y la música para acercar las artes vivas a todos los públicos con la intención de que salgan haciendo la conga y que repitan lo que han visto luego en sus casas.

Este trabajo es el segundo proyecto autobiográfico que hemos realizado, ya que, además de artistas, somos pareja sentimental desde hace 14 años. Estáis todas invitadas a LAS COSAS DEL AMOR, una performance/recital de canciones de amor/trabajo, que deviene performance.

Más información y entradas: web del Festival 10 sentidos

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Miércoles 18 de mayo a las 19:00, Sala Bar del Santa Mònica (Barcelona), gratuita con aforo limitado a 55 personas

Recital-concierto donde la voz y los poemas de PERLA se mezclan con la música electrónica de BERENICE.

Con JOVENDELAPERLA y BERENICE.

En medio de una tormenta que duró semanas, empezaron a deslizarse gotas de locura por las paredes blancas de mi habitación. De la nada mi cuerpo sentía el deseo de querer tocar el instinto, el instinto más humano, el trazo de una pintura prehistórica.

Fui y soy disfraz, como el unicornio de Lascaux, como la magia.

“El Hechizo del Viejecito” es el proyecto de JOVENDELAPERLA y BERENICE donde investigan el lenguaje, los sonidos y las temporalidades de los espacios de éxtasis. Un recital-concierto donde la voz y los poemas de Perla se mezclan con la música electrónica en directo de Berenice, creando una pieza fuera de toda narrativa lineal.

Perla Zúñiga aka JOVENDELAPERLA es artista, poeta y DJ. Dirige el colectivo LGTBQ+ CULPA y forma parte del ciclo de conferencias PoemRoom. En sus trabajos explora el lenguaje a través de diferentes medios como la música, la performance y el video. Ha realizado DJsets para radios como: Rinse, NTS o Mutant Radio Tblisi. Como productora ha colaborado con el productor uruguayo Lechuga Zafiro y el productor chileno Tomás Urquieta. Su trabajo se ha podido ver en Boiler Room (Barcelona, 2021), pen pressure; una muestra de poesía fantasía y fe comisariada por Yaby a Haus Wien (Viena, 2020) o Gelatina Festival en La Casa Encendida (Madrid, 2020).

Vera Amores aka BERENICE es modelo, DJ, productora musical y artista multidisciplinar. Empezó como DJ en fiestas de la noche madrileña como Infierno o la fiesta disidente queer Lo Puñal Dorao. Es fundadora, junto con el artista JOVENDELAPERLA, del colectivo de música electrónica queer CULPA, realizando varias fiestas desde el 2019 a Madrid, Barcelona y Berlín. Las suyas mezclas eclécticas desbordan transfemineidad y sincretismo, rompiendo con el techno convencional mediante el uso de ritmos latinos y breakbeats, remezclas de Björk, melodías cinematográficas y sonidos del orgasmo de una anguila. Su trabajo ha sido expuesto a Boiler Room (Barcelona, 2021), Poem Room a Conde Duque (Madrid, 2020) o Museo de Carmen (Valencia, 2021).

Más información: Web del Santa Mònica

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Del 18 al 21 de mayo, 20:30, Wiener Festwochen (Austria)

La palabra realidad, una noción con cierto prestigio pero que resulta cada vez más difícil de retener, aparece en el lenguaje humano de manera relativamente reciente, poco más de 1000 años. Los griegos no tenían un término para esta condición, y la existencia individual y colectiva se regía por la lógica fantástica de los mitos: relatos construidos a través de un proceso que articulaba las fuerzas que surgen del interior y cuya imagen extraordinaria producía un efecto concreto sobre las conciencias para orientarse en la vida material. 

El origen de la palabra Realidad se encuentra en el antiguo imperio romano, para definir las más variadas formas de cosas y actos que existen de verdad, hasta acomodarse con el tiempo en el campo semántico de aquello que hoy en día definimos cómo lo real. Es dentro de la lógica de un pueblo con vocación de imperio que nace la necesidad de una imposición del ser. 

Aunque haya colonizado el dominio material y objetivo, el concepto de Realidad es problemático en esencia, en cuanto construcción dúctil y en constante movimiento en la humana tarea de la emancipación de la naturaleza.
La existencia compartida, las condiciones ambientales, la evolución del lenguaje permiten construir cada día un mundo presuntamente controlado donde poder vivir de la mejor manera, acorde a nuestros deseos y necesidades: El mundo soy yo en cuanto soy una parte del mundo. 

Este trabajo quiere trasladar al escenario la imagen de un relato paralelo y subterráneo, donde se entretejen los efectos de aquello que se encuentra entre los pliegues de la vida material y entre todos los vacíos y territorios que atraviesan de manera fantasmal el devenir individual y que componen ese extraño sustrato que también nos cuenta tanto individual como colectivamente. 

Ni las imágenes ni las palabras han conseguido plasmar la impresión de realidad que acompaña la vida.
Ante la evidencia de este paisaje del fracaso, Una imagen interior es un ejercicio poético que sonda los principios fundacionales del concepto de ficción en disputa constante con la incuestionable ley gravitacional a la que están sujetos los cuerpos. 

El Conde de Torrefiel propone esta vez el erotismo de la imaginación como alternativa radical a las ficciones y las imágenes que nos gobiernan. 

En esta obra, los cuerpos en escena trabajan la materia y la palabra para construir frente a los ojos del espectador paisajes posibles, a medio camino entre lo fantástico y lo concreto y exponer de manera poética los efectos somáticos del tiempo, el espacio y los relatos, así como instaurar un diálogo con la posibilidad dada por el potencial del deseo frente a la tiranía del lenguaje como herramienta que asienta las leyes y los valores compartidos. El artefacto presentado en el espacio teatral, casa primigenia de la ficción, busca representar una resolución imposible para invocar en escena la energía poderosa y esencialmente conflictiva de la existencia.  

//:
idea y creación
El Conde de Torrefiel en colaboración con los intérpretes
Dirección y dramaturgia
Tanya Beyeler y Pablo Gisbert
Texto
Pablo Gisbert
Performers Gloria March Chulvi, Julian Hackenberg,
Mauro Molina, David Mallols, Anaïs Doménech
Diseño de luces
Manoly Rubio García
Escenografía
Maria Alejandre y Estel Cristià
Piezas escultóricas
Mireia Donat Melús
Diseño de robots
José Brotons Plà
Diseño de sonido
Rebecca Praga y Uriel Ireland
Dirección y coordinación técnica
Isaac Torres
Técnico de sonido y vídeo
Uriel Ireland
Técnico de luces en gira
Roberto Baldinelli
Producción y administración
Haizea Arrizabalaga
Producción ejecutiva
Cielo Drive SL
Distribución
Caravan Production, Brussels

//:
Con la ayuda a la producción de
ICEC – Generalitat de Catalunya

Co-producción
Wiener Festwochen (Viena)
Festival d’Avignon
Kunstenfestivaldesarts (Brussels)
Centro Cultural Conde Duque (Madrid)
Festival GREC (Barcelona)
Festival delle colline torinesi (Torino)
Grütli – centre de diffusion et production des arts vivants (Génève)
Points communs – Nouvelle scène national de Cergy-Pointoise-Val d’Oise
Festival d’Automne (Paris)

//:
Con el apoyo de
Teatre el Musical, Valencia
Centro Párraga, Murcia

Más información y entradas: Web del Wiener Festwochen

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Jueves 12 de mayo, 19:30, gratuito, en el auditorio de Centro Centro

“Pienso en la mente de un niño como un libro en blanco”
Walt Disney

Atravesando el salvaje paisaje interior de la mente humana, dos [anti]héroes improbables persiguen visiones pesadillescas de libertad a través de una serie de episodios de sensualidad intensa y violencia fantasmagórica. PSYCHODRAMA es una especie de exorcismo cultural pop, un tren desbocado que viaja atravesando tu cráneo en una sinapsis chamuscada, un espectáculo soñado, pegajoso y escurridizo, acerca de la brutalidad de los dibujos animados y del poder corrosivo de los relatos que se pregunta ¿de quiénes son todas esas voces que hay dentro de tu cabeza? ¿Y cómo llegaron allí? Y, si pudieras silenciar esas voces, ¿lo harías?.

Sleepwalk Collective es una premiada compañía de arte en vivo y teatro experimental que trabaja desde el 2006 entre España y Reino Unido creando piezas originales para teatros y espacios no convencionales que emergen de la fascinación que sienten por la cultura popular, la condición humana, y las nuevas tecnologías. Sus piezas combinan textos reflexivos y poéticos con una cuidada estética, y se caracterizan por estar envueltas en un diseño sonoro y lumínico denso e hipnótico. Sleepwalk Collective son Iara Solano Arana y Sammy Metcalfe. Juntos han creado una docena de espectáculos para teatros, una serie de piezas inmersivas y en formato vis-à-vis y un gran número de acciones y piezas escénicas experimentales, algunas site-specific, para espacios alternativos y museísticos que han sido programadas en más de 20 países de 4 continentes, destacando The Barbican en Londres, el Festival MESS de Sarajevo, el Festival de Sydney, o el Festival Pro- gress de Toronto. Sus textos han sido publicados por Oberon Books, Routledge y Salaman- der Street. Actualmente son artistas residentes del Teatro de La Abadía de Madrid.

Christopher Brett Bailey (Canada, 1987) es escritor, músico, creador escénico e intérprete afincado en Londres. Su debut celebrado por la crítica THIS IS HOW WE DIE (2014) recibe los premios Arches Brick Award y Off West End Award (en la categoría de producciones que desafían definición tradicional). Otros trabajos incluyen las piezas musico-teatrales KISSING THE SHOTGUN GOODNIGHT (2016) y RATED X (2018), y su publicación de colección de historias y spoken word SUICIDE NOTES (2018). Colabora habitualmente con Made In China, Andy Field, Mamoru Iriguchi, Glen Neath & Hannah Ringham, Nigel & Louise, y el gran Ken Campbell. Como músico, es 1/2 del duo ambiental MOON ATE THE DARK y líder del grupo THIS MACHINE WON’T KILL FASCISTS BUT IT MIGHT GET YOU LAID. Christopher es graduado del curso de Teatro Contemporáneo East 15’s del que actualmente es tutor de la asignatura de Escritura Creativa. Tras poasar por Rock School con matrícula de honor terminó un master en Writer’s Block de Goldsmiths, University of London.

Más información y reservas: Web de Centro Centro

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