— MuroTRON

Del 16 al 18 de febrero en La Casa Encendida

El programa Artistas en Residencia, que se lleva a cabo desde el año 2005 en La Casa Encendida, quiere ser más amplio en 2023, cuando se celebran los 20 años de La Casa Encendida de la Fundación Montemadrid.

Acento 2023 se articula a través de una serie de encuentros donde se convoca a lxs artistas que han realizado su residencia a lo largo de todos estos años, se mostrarán los procesos de lxs residentes actuales y se recibirá a los residentes entrantes. Esta invitación se extiende también al público general con la idea de aunar diferentes públicos en torno a esta celebración de las artes performativas, que concebimos como un regalo. Un encuentro que nos reúna y produzca las condiciones de estar juntxs. Acento 2023 será un presente en presente.

PROGRAMA ABIERTO AL PÚBLICO (Entrada libre hasta completar aforo):

  • Jueves 16 de febrero
    • 19 y 20:15 h. Nosferatu, de Sara Manubens. Patio
      El proyecto pone en relación el fenómeno vampírico expresionista con el cuerpo transfemenino y hormonado, actualizando las preguntas del film original en relación al deseo sexual, el terror al cuerpo, la cacería social y la reproducción del monstruo. Esta pieza es un ejercicio de re-apropiación de aquello que siempre fue nuestro, el género del terror, para una liberación queer.
      Dos vampiras trans-lesbianas, condenadas a vagar por un teatro en ruinas. Parece que juegan a enterrarse, a darse el pésame por el castigo de llevar su cuerpo. Recrean sus muertes, las fingen de nuevo para no olvidarse que en vida ya están muertas.
    • 21 h. Noir c’est pas noir, de Vicente Colomar y Talia de Vries. Patio
      Investigación artística sobre las relaciones cuerpo-arquitectura a través de la luz y el sonido. Este trabajo pretende demostrar que la arquitectura es un arte viva, quizá la más viva de todas; que la arquitectura es un arte sonora, quizá la más sonora de todas.
      Talia de Vries y Vicente Colomar se conocieron en el programa Research Studios en P.A.R.T.S, Bruselas. Desde entonces trabajan en colaboración sobre los conceptos ritmo, espacio y tiempo.
      Colaboradores: Ricardo Santana Raúl Marcos y Óscar Villegas.
  • Viernes 17 de febrero
    • 17:30 h. Charla Amigos, disfraces y comunas, con Julia Ramírez-Blanco. Aulas
      Julia Ramírez-Blanco es investigadora Ramón y Cajal en la Universidad Complutense de Madrid. Su trabajo se sitúa en las intersecciones entre el arte, el activismo y la utopía. Su intervención, relacionada con su libro Amigos, disfraces y comunas. Las hermandades artísticas del siglo XIX (Cátedra, 2022) aborda  las potencias subversivas de la amistad y del anacronismo como inspiración política. También habla de género, performance y ritual, pensando las vinculaciones del pasado con aquellas historias que queremos articular en el presente.
    • 19:30 y 21 h. Las que bailan, de Clara Pampyn. Patio
      Las que bailan es una primera formalización para compartir parte del proceso de un proyecto de investigación y mediación llamado Las bailarinas no tocan el cielo. Este proyecto trata de poner en valor el trabajo de las bailarinas, de las personas que suelen trabajar para otros artistas en el campo de la danza, el movimiento y la performance. Se reúnen para cuestionar las estructuras, los modos de hacer, su relación afectiva con el trabajo, la idea de red o de gremio, el amor, la fe, la soledad, la manera en la que su trabajo conforma la idea que tienen de sí mismas. Las que bailan es un cuerpo que se pone al servicio de las palabras que Clara Pampyn ha compartido con otras bailarinas. También de sus vivencias, sus gestos y sus bailes.
      Clara Pampyn es bailarina y coreógrafa.
  • Sábado 18 de febrero
    • 17:30 – 19 h. Procesión Descanse en flores (D.E.F) y atardecer en el cementerio, salida desde la puerta de La Casa Encendida.
    • 21 h. El vuelo del hipotálamo, de Osikan/ José Ramón Hernández. Patio
      El vuelo del hipotálamo es una ceremonia escénica para las muertas y los muertos en el mar. La pieza activa un ritual colectivo a partir de la instalación de un altar en el que se canta, evoca y celebra la vida. El mito de las muñecas Abayomis (palabra que significa encuentro precioso) se entrecruza con la experiencia de vida de adolescentes y jóvenes provenientes del Congo, Camerún, Marruecos, Liberia, Nigeria, Costa de Marfil y Senegal.
      José Ramón Hernández. Artista indisciplinar afrocubano, comisario, docente y gestor cultural. Estudió en el Instituto Superior de Arte de Cuba. Fundador, coordinador artístico y general de Osikán – vivero de creación contemporánea. Gestor y comisario de Zona Cero – taller de experimentación creativa desde el 2010 y de Habana Off – escala 1 desde 2017.

*PROGRAMA DESTINADO A RESIDENTES

  • Jueves 16 de febrero
    • 11 h. Taller Descanse en flores (D.E.F)
      Las flores, arreglarlas y ofrecerlas es una tradición que nos acompaña desde antes del Neolítico.
      Descanse en flores (D.E.F) es un recorrido compartido por la tradición floral vinculada especialmente al duelo y a lo funerario. A través de varias sesiones, teórico-prácticas, exploraremos las reminiscencias históricas y culturales de esta costumbre, así como su arraigo y vigencia en nuestros días. Como parte del “ritual funerario” abriremos la experiencia a la reflexión y creación grupal de una pieza con material vegetal y floral.
      KOKON es el proyecto personal de la artista floral y arquitecta María Eugenia Diego (1989, Zamora), que revisa el vínculo del ser humano con la belleza y la naturaleza, especialmente en el necesitado ámbito urbano.
    • 16 h. Sociotécnicamente paliatives, con Jara Rocha
      Necesitamos dotarnos de espaciotiempos para identificar y comenzar a experimentar el duelo colectivo y transversal que nos constituye. Si el hope punk ha sido uno de los términos más al alza en esa curiosa máquina de medición de capital semiótico que es la literatura especulativa reciente, agitémonos. No por los indicadores que vayan a colocar un tipo u otro de subjetividad en los rankings de realismo para hablar del presente en el presente, sino porque la combinación del individualismo feroz y de esperanza buenista (hope?) con actitudes antagónicas y de protesta (punk?) es especialmente preocupante en un momento de profundo duelo y de reparaciones considerables solo a veces y siempre parciales. Urge pensar transversalmente las condiciones semióticas y materiales de posibilidad para una justicia regenerativa. Urge abolir un macro-régimen de opresión, limitación, exclusión, extracción y explotación que aunque depende de la modernidad ya la ha desbordado (véase el paradigma de la nube, su economía, su socialidad). Una justicia social que pase por dejar de celebrar así nomás los cuidados como forma relacional, y por incorporar en el cotidiano los cuidados paliativos, si queremos, de lo que necesita abolirse: este sistema tecnopolítico de centralización del poder y esquilme absoluto que configura los modos de existencia de todo el mundo, de modos dispares y desiguales. Acompañarlo a terminar. Esta se plantea como una sesión de probaturas para imaginar la potencia de la co-existencia paliativa. Y no solo en relación a la politización de la captura y retirada de carbono después del último informe del IPCC, pero también.
      Jara Rocha hace investigación inter-dependiente y para-académica. Casi siempre trabaja desde las tecnociencias trans*feministas y en conversación con otres. Su práctica toma formas diferentes como la escritura, la docencia, la curaduría, la manufactura de piezas online, el inventariado, la asesoría, el podcast o el reporte de errores. Acaba de publicar junto a Femke Snelting el libro Volumetric Regimes: material cultures of quantified presence (OHP, 2022). Es Fellow 2023 de InfraMantenimiento en Hangar (Barcelona), y miembro asociado de TITiPI (The Institute for Technology in the Public Interest). 
  • Viernes 17 de febrero
    • 10 h. D.E.F. (Descanse en flores).
    • 11 – 14 h. Taller Rondando los buitres, con Catalina Insignares.
      Relacionarnos con lxs muertxs como entidades invisibles que nos acompañan constantemente. Hacer presente su aparente ausencia a través de nuestros cuerpos sensibles.
      Practicamos formas de mantener vivas estas relaciones mediante la atención, amplificando la capacidad de percibirlas. Algunas de estas prácticas se parecen al trabajo del duelo, y otras se parecen más a volver a despertar relaciones que han estado dormidas.
      Catalina Insignares es una coreógrafa colombiana viviendo en Bruselas. Le interesa cómo utilizar los medios sensoriales y ficticios del cuerpo y del tacto para desarrollar formas de comunicación con lo invisible. Siempre trabaja a través de la colaboración, sus principales compañeras en el arte son Myriam Lefowitz y Carolina Mendonça.
  • Sábado 18 de febrero
    • 11 – 14 h. Taller Rondando los buitres, con Catalina Insignares.
  • Domingo 19 de febrero
    • 6:30 h. Amanecer con Edurne Rubio y María Jerez.
      Hace mucho tiempo, se pensaba que el sol era la rueda de un carro que cruzaba el cielo de Este a Oeste.
      Día tras día, noche tras noche, hay un ciclo de atardeceres y amaneceres. Siempre iguales, siempre diferentes. Cambiando los colores del cielo, afectando a la temperatura, el sonido, la condensación; alterando la energía de las plantas, los animales y la tierra; suscitando diversas historias, creencias y teorías.
      ¿Qué ocurre en ese momento de transición? ¿Se repetirá mañana la salida del sol? ¿Estaremos aquí para verlo? Os invitamos a contemplarlo juntos, a experimentarlo, a centrar nuestra atención en este fenómeno natural.
      Unx astrofísicx en conversación con Edurne y Maria y todxs lxs asistentes compartirá con nosotrxs sus conocimientos y experiencias.

Comisarixs: Ignacio de Antonio Antón y María Jerez.

Más información: https://www.lacasaencendida.es/escenicas/acento-2023-14401

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Alberto Cortés – 11 y 12 de febrero en Réplika 

El Ardor parece un discurso donde una sombra habla sobre la necesidad de convertir en inmortales a las comunidades outsiders, adolescentes, viejas, queers y cuerpos al margen, hacer de ellos bandas callejeras que vivan el deseo como un estado romántico inmortal, contra el consumo rápido, como herramienta de destrucción de la sociedad afectivocapitalista. Sueño con un ardor que es el deseo puesto en crisis, no limitado a la pornografía sino a la posibilidad de engendrar un estado casi santo, de entusiasmo eterno. Sueño con ocupar las calles con pasión. Hay algo de incendiario en el discurso de la pieza y mucho de poética influenciado por las teorías postanarquistas de Hakim Bey, la narrativa salvaje y queer de William Burroughs o Arthur Rimbaud y la idea de la inmortalidad de los cosmistas rusos (exigimos al biopoder que haga inmortales a los desheredados, ya son vampiros).

Desde el escenario se mira de lejos el concepto de revolución, de un modo que refleja la óptica contemporánea desde la que miramos el cambio en la sociedad actual: como un romanticismo cinematográfico imposible (estamos encarnando Lo Romántico). Al final del todo lo que parecía un discurso era un poema dedicado a la calle y a mis padres. Y lo que parecía un monstruo era un marica.

Alberto Cortés

Soy Alberto Cortés. Inicié mi formación como director y dramaturgo en Málaga, donde también estudio Historia del Arte. Estoy en la escena porque en cierto modo la detesto y en esa guerra encuentro mi lugar. En 2009 comencé mi camino en lo escénico desde la dirección y la dramaturgia bastarda y se ha ido transformando con los años en un proceso largo de asalvajamiento desde la periferia andaluza. Me encuentro con diversos creadores que han formado parte de mi formación y que en algún momento han influido en mi modo de mirar la escena (Gabriela Carrizo, Rodrigo García, David Fernández, Patricia Caballero, etc…) hasta desarrollar un camino que me hace colocarme sobre el escenario en primera persona. Sigo sosteniendo mis ganas de continuar porque tengo esperanza en lo innombrable, lo intangible y lo humano. Desarrollo mis propias creaciones, comparto mis inquietudes en forma de talleres y acompaño el trabajo de otras creadoras. A día de hoy desarrollo mi identidad siendo creador, director, dramaturgo, acompañante, performer, docente, hijo, tío, amante, amigo.

→ Creación y dramaturgia: Alberto Cortés
→ Iluminación: Benito Jiménez
→ Música: Pablo Peña
→ Asistenta corporal: Patricia Caballero
→ Vestuario: Gloria Trenado
→ Fotografía y vídeo: Manu Rosaleny
→ Agradecimientos a Rebeca Carrera, Rosa Romero, Bárbara Sánchez, Cris Balboa, Cris Celada, Miguel Marín, Isaac Torres, Marco Michelângelo y Dianelis Diéguez.

Más información y entradas: https://replikateatro.com/evento/el-ardor-alberto-cortes/.

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Carmen de Ayora – Del 17 de enero al 9 de abril de 2023 en La Capella

A modo de fábula, Cabra se convierte en mochuela es una propuesta que tiene los animales y su situación en la naturaleza (los que vuelan, los que reptan, etc.) como soporte de la narración. El cuerpo de la mujer se funde en este viaje para explicar su historia. Entre la naturaleza y la cultura, hacia el deseo. Transformación continua e imparable del cuerpo que quiere superar sus propios límites. Tranquilidad insaciable de la voluntad crítica en una instalación de imágenes explosionadas.

Carmen de AyoraLa mayor parte de su trayectoria la pasa alejada del sistema de arte, con algunas incursiones, como exposiciones en Valencia, Madrid, París, Bélgica y Barcelona (Can Sisteré, Galería Alegría, etHALL, Halfhouse, Fabra i Coats y La Escocesa, donde actualmente disfruta de residencia y trabaja con pobreza en los materiales y en connivencia con las vecinas artistas). Usa el pensamiento abstracto como recurso para enfrentarse a la realidad, diálogo que se materializa en dibujo, pintura y texto en salto hacia la escultura.

Más información: https://www.lacapella.barcelona/es/cabra-se-convierte-en-mochuela

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João Lima – 16 y 17 de febrero en el Mercat de les Flors

En el portugués de Brasil, cavalo do cão (“caballo del perro”) es una expresión que se refiere a diferentes cosas: a un insecto, cuya picada provoca un dolor terrible, a una persona indomable y al caballo que monta el diablo. El término sugiere un tipo de animalidad en transformación. En este solo, João Lima pone en juego diversas relaciones entre la voz y el movimiento, el lenguaje oral y el coreográfico. Cavalo do cão busca una respuesta escénica a una interrogación contemporánea: para entender el presente, es necesario reflexionar sobre el gran marco histórico de la modernidad: el colonialismo y sus repercusiones en la actualidad.

João Lima (Brasil, 1980) es performer, coreógrafo y educador en diversas organizaciones artísticas. Estudió en el Curso de Formación de Actores de la Fundación Joaquim Nabuco, en el Curso de Investigación y Creación Coreográfica en el Fórum Dança y en la formación ESSAIS, en el Centre National de Danse Contemporaine d’Angers. Ha colaborado con artistas como Azkona & Toloza, Cecilia Colacrai, Marcela Levi, Vitor Roriz & Sofia Dias, entre otros. Sus piezas se han presentado en contextos como el Centro Cultural de Belém (Lisboa), Sala Hiroshima, Antic Teatre, Dansa Metropolitana y Mercat de les Flors.

Más información y entradas: https://mercatflors.cat/es/espectacle/cavalo-do-cao/

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Psirc – 28 de enero en el Teatre Auditori de Granollers

Després de tot es una tragedia que imagina un futuro desde el que mirar y leer nuestro presente.

Es la historia de una comunidad que intenta sobrevivir en la periferia de cualquier civilización, en un paisaje pantanoso que probablemente Google situaría al margen del mundo. Liderados por una familia de artistas, deciden celebrar el sentido que da vivir y despertar cada nuevo día. Rodeada por una vegetación salvaje y una tecnología sin doma, que parece sostener un alma que imita a la vida, la comunidad intentará resistir el fin de su era haciendo números de circo, montando cines al aire libre, encuentros intelectuales y rituales sanadores.

Ante una vida que no necesita de la existencia humana para ser, poco a poco irá destapándose todo aquello que, como herida infinita, nos constituye como humanidad.

¿Por qué, después de todo, nos empeñamos en existir en todas partes?

Más información y entradas: https://www.teatreauditoridegranollers.cat/ca/programacio/c/3774-despres-de-tot.html

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El Temblor/Victoria Aime – Del 26 de enero al 4 de febrero en Teatro Pradillo

En algún rincón del Universo, la Pastora Intergaláctica encuentra el Voyager Golden Récord, lo escucha y decide visitar la Tierra. Después de aterrizar en la Rosaleda del Parque del Oeste de Madrid, se dirige hacia el norte. En una escala en Gante, entra en la catedral San Bavón para ver el retablo del Cordero místico. La Pastora se queda pasmada. Se acaba de enamorar sin remedio de aquel Cordero. Camina hacia él, entra en la pintura. La música y el canto de los ángeles acompañan su marcha. La Pastora besa el Cordero.

HET LAM GODS. Primera parte: La Pastora. ‘Idilio’ es un drama pastoril de ciencia ficción, una historia de amor interespecie que se presenta bajo la apariencia de un retablo en movimiento liberado de la materia y sus dimensiones espaciales.

Más información y entradas: https://www.teatropradillo.com/het-lam-gods-primera-parte-la-pastora-idilio-2/

EL TEMBLOR somos Victoria Aime y Borja López. Deseamos crear ficciones arraigadas en el conocimiento humano, en la ciencia y la filosofía pero también en la pintura y la música, tratando de proponer objetos de contemplación y reflexión. Trabajamos en espacios teatrales y no convencionales desde la composición coreográfica y la escritura. Hasta la hora, hemos creado El título es Amor (2018), contando con el apoyo de la sala Baratza-Aretoa (Vitoria-Gasteiz) estrenado en DT Espacio Escénico, Madrid. Victoria Aime desarrolla actualmente el ciclo HET LAM GODS del que ya se pudo ver el prólogo HET LAM GODS. Primera parte: La Pastora. “El aterrizaje”, en la Rosaleda del Parque del Oeste (Surge Madrid 2021).

Creación: Victoria Aime
Asistentes: Borja López y Carlos Pulpón
Interpretación: Victoria Aime y José Luis Bustillo
Diseño de iluminación: José W. Paredes y Moïra Dalant
Producción: El Temblor
Apoyo: La Curie (Aubervilliers), Centre Paris Anim’ des Halles (Paris) ), Le musée sauvage (Argenteuil), DT Espacio Escénico (Madrid), Teatro Pradillo (Madrid), Surge Madrid

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Taller Placer – Del 24 de febrero al 12 de marzo en Teatro Rialto de Valencia

Hace tiempo, al terminar un ensayo antes de un estreno, llegó un trabajador con la intención de repintar la caja negra del teatro ya que había algunas manchas casi imperceptibles. El trabajo de este pintor deslizando el rodillo, de un lado a otro, pintando negro sobre negro el suelo y las paredes del escenario nos dejó totalmente hipnotizados. Un hecho tan sutil hizo que el teatro, en el que llevábamos ocho horas trabajando, empezara a funcionar como un verdadero teatro, como una máquina de mirar. El trabajo cotidiano de un pintor, un señor con un rodillo y un cubo de pintura haciendo metódicamente su trabajo se transformó en una magnífica coreografía.

Obra Pública se plantea desde este desplazamiento, poniendo en huelga las formas con las que entendemos y producimos vida en escena y escena en la vida.

Más información y entradas: https://ivc.gva.es/es/ivc/programacion-ivc/teatro-rialto-de-valencia/obra-publica-cas

Autoría: Vicente Arlandis i Paula Miralles
Dirección: Vicente Arlandis
Dramaturgia: Vicente Arlandis i Paula Miralles

Intérpretes:
Arantxa Pastor Aguilar
Aris Spentsas
David Mallols
Gloria March
Héctor Arnau
Hipólito Patón
Lucía Jaén
Rosana Sánchez

Composición musical: Adolfo García
Diseño de iluminación: Isaac Torres
Diseño de espacio: Víctor Colmenero Mir
Diseño de vestuari:o Taller Placer
Ayudante de dirección: Paula Miralles
Auxiliar de direcció: Paula Rausell
Fotografías: Vicente A. Jiménez
Grabación vídeo espectaculo: Marc Martínez
Recursos audiovisuales / redes sociales Rialto: Rafa Piqueas, Irene Herreras
Mediación social Habitem el Rialto: Silvia Clavel (IVC) / Anna Albaladejo / Maribel Bayona
Equipo técnico / Comunicación / Promoción: IVC
Coordinación técnica IVC: Tito Beltrán / Juan Gallego
Producción ejecutiva IVC: Esther Moreno
Dirección adjunta de Artes Escénicas IVC: Roberto García

Producción: Institut Valencià de Cultura

Duración: 1 h 40 min
Edad recomendada: + 12 años
Idioma: valenciano y castellano

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Del 13 de enero al 22 de enero en Burgos

Programación completa: https://cultura.aytoburgos.es/documents/304588/0/Programa+ESCENA+ABIERTA+2023+%281%29.pdf/3bfbb8df-7207-db73-0b61-687394325d86?t=1671633851416

 

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Cuqui Jerez – 18 y 19 de febrero en el Mercat de les Flors

Este proyecto, que transita entre lo coreográfico, lo objetual, lo escenográfico, lo pictórico, lo musical, lo plástico y lo teórico, tiene el objetivo de explorar el límite del lenguaje desde una experiencia estética de contemplación. La pieza se compone de una especie de cuadros vivos que se ponen en movimiento generando narrativas no explícitas. Las relaciones que se producen entre los cuerpos de los performers y los objetos transitan a través de diferentes tiempos y dan pie a resonancias que abren mundos posibles.

Cuqui Jerez empieza a desarrollar su trabajo coreográfico en 2001. Desde entonces ha creado piezas de diferentes naturalezas que se han presentado en numerosos festivales, teatros y museos de Europa, EUA y Latinoamérica. Sus piezas no se corresponden necesariamente con la idea de una “coreografía”, aunque para Cuqui Jerez la creación coreográfica se nutre de elementos de diferentes disciplinas: Desde mis primeras piezas, mi trabajo ha sido una herramienta para entender el acto performativo. Hasta ahora he hecho performances, danzas, piezas de teatro, vídeos, textos, fotografías, objetos, acontecimientos y publicaciones, pero de alguna manera considero todas estas prácticas como coreografías. Mi enfoque de todas las obras es coreográfico, por eso me considero principalmente una coreógrafa.

Concepto y dirección Cuqui Jerez / Creado en colaboración con Cécile Brousse, Oscar Bueno, Javi Cruz, Anto Rodriguez, Louana Gentner, Jorge Salcedo, Gilles Gentner / Performers Cécile Brousse, Oscar Bueno, Javi Cruz, Anto Rodriguez, Louana Gentner i Jorge Salcedo / Asesor de espacio Jorge Salcedo / Dirección técnica y luces Gilles Gentner
Producción Cuqui Jerez / Coproducción Teatros del Canal, Madrid, Festival Next – Kunstencentrum Buda (Kortrijk, Bélgica) y Área de Gobierno de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid / Con el apoyo Inland-Campoadentro, Madrid, Festival de Otoño de la Comunidad de Madrid en col·laboració amb el Museu Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, Acción Cultural Española (AC/E), Beatriz Quintana, Miguel Jerez.

Más información y entradas: https://mercatflors.cat/es/espectacle/las-ultracosas/.    

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