— MuroTRON

OVERture [Sara Martín y Jose Pablo Polo] | DT Espacio Escénico //  25, 26 y 27 de enero. 20,30.

¿Es posible vaciar un texto? ¿Cuándo un texto deja de ser texto para comenzar a ser sonido, para comenzar a ser luz? ¿Cuándo se pierde el significado? ¿Podemos ver el ruido? ¿Podemos borrar la emoción? ¿Hay un silencio para cada emoción?

INVITACIÓN AL DESASTRE es el proyecto multidisciplinar que el colectivo OVERture [Sara Martín y Jose Pablo Polo] presentará los días 25, 26 y 27 de enero en DT Espacio Escénico (C/ de la Reina, 9). Una obra que aúna arte performativo y arte sonoro en una confluencia perfecta que OVERture acostumbra a denominar living sound art, o lo que es lo mismo, los textos de Sara Martín, a través de su voz y su cuerpo, combinados con el sugerente mundo sonoro creado por el compositor Jose Pablo Polo. Un discurso irracional que abre las puertas del inconsciente para sembrar el escenario de dudas, errores, ruidos y puntos suspensivos. 

OVERture es la zona de investigación sonora y textual en la que habitan la escritora y actriz Sara Martín y el músico Jose Pablo Polo. Una forma de arte sonoro en vivo – living sound art- que cuestiona las posibles relaciones existentes e inexistentes entre lenguaje, sonido, espacio y público. Desde septiembre de 2016 trabajan en LAMILA Studio creando diferentes piezas a través de soportes variados como son el vídeo, la performance , la instalación o la grabación sonora.  El resultado de esta investigación se ha mostrado en espacios como La Juan Gallery (Madrid), el Festival de Poesía Joven de Getafe y Festival Seis Cordas 2017 en Vigo.

En 2017 reciben las Ayudas para la Creación Joven del INJUVE para el desarrollo de su proyecto interactivo LISN TU.

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Programa vinculado a Artistas en Residencia, la convocatoria compartida por La Casa Encendida y el Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M), cuyo fin es apoyar la creación y la investigación centradas en el cuerpo desde lo performativo.

Durante tres jornadas los artistas presentarán los proyectos en los que han estado trabajando en 2017 y, al mismo tiempo, se generará un espacio de encuentro con los artistas en residencia seleccionados para 2018.

  • Miércoles 24
    • 00 h – “Moat”, de Laia Estruch.

Moat es una práctica escénica experimental, un solo que se edita a partir de un archivo de ejercicios corporales y vocales alrededor de una estructura transitable que funciona como escena, partitura, instrumento y archivo. A través de una relación directa entre cuerpo y estructura, Moat persigue experimentar, fijar sonidos y recorridos generados por cuerpo y voz.

La actividad tendrá lugar en el CA2M.

  • 00 h – “Flicker” de Aníbal Conde y Magdalena Leite.

Acción escénica de 50 minutos inspirada en la noción de flicker o parpadeo electrónico proveniente del cine experimental.

La actividad tendrá lugar en el CA2M.

  • 30 h – “SuGA”, de Sepa, Lara Brown y Julio Linares.

SuGA es un estado alterado y confuso. Un momento de hiperlucidez. Una dramatización cósmica. Un videoclip. SuGA es un fantasma. Un tono. Un pacto. Con lo bonito que se ve el Windows 10 y lo pesado que es ponerse a programar. SuGA intenta enredarse entre los hilillos invisibles. Entre los calambres. Las chispitas. Esas dimensiones que lo complican todo.

La actividad tendrá lugar en el CA2M.

  • Jueves 25
    • 30 h – “APPRAISERS”, de Quim Bigas.

Un proyecto continuo que va divagando en formatos alrededor de activaciones coreográficas que giran alrededor de la idea de valor, atención, orden o presente. En esta residencia, el artista ha conversado con una pared y sus posibles constelaciones a partir de la excusa de nombrar. Nombrar como eso que apunta, que dispara, que se mueve, que es instantáneo, que señala, que se acumula.

La actividad tendrá lugar en La Casa Encendida.

  • Viernes 26
    • 00 h – “The Drowned Giant” de Anna Moreno.

Presentación de la publicación The Drowned Giant a cargo de la artista Anna Moreno y el experto en blues Ramón del Solo, entre otros.

En 1970 se organizó un happening en Moratalaz (Madrid) para promocionar el proyecto de vivienda utópica La Ciudad en el Espacio, del arquitecto Ricardo Bofill. Un evento que nunca se llegó a documentar, un proyecto que nunca se llegó a construir. El 7 de junio pasado, la artista Anna Moreno repitió aquel happening en el mismo lugar del original.

Se presentará un LP con el registro sonoro de este proceso de restitución, la única documentación existente del evento. El disco contiene los testimonios de Gila Dohle, The Downton Alligators, Enrique Doza, Peter Hodgkinson, Anna Moreno, JC Ramone, Toti Soler y Ramón del Solo, entre otros. La edición también incluye un libreto con relatos de ficción escritos por los arquitectos Paula Currás & Havi Navarro, la comisaria María Montero, el experto en blues Ramón del Solo y la artista Anna Moreno.

La actividad tendrá lugar en el centro cultural El Torito (Moratalaz).

  • 00 h – “Sumario 3/94” de Vicente Arlandis.

El 25 de junio de 1994, Vicente Arlandis Ruiz es detenido por la Guardia Civil acusado de asesinar a María Lidia Bornay, su vecina de 84 años. Después de un largo proceso de juicios y recursos, es condenado a 29 años, 6 meses y 1 día de prisión. Este proyecto pretende interrogar la multitud de historias que se sucedieron alrededor del caso y la forma en que fueron narradas. Partir de la frialdad y la supuesta objetividad del relato judicial y hacerlo estallar en mil pedazos.

La actividad tendrá lugar en La Casa Encendida.

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CINE LOS DOMINGOS EN EL CA2M

28 ENE  25 FEB

18:30 H.

COMISARIOS  PLAYTIME AUDIOVISUALES (ENRIQUE PIÑUEL Y NATALIA PIÑUEL)

Siguiendo la línea de trabajo comenzada en 2014, El cine rev[b]elado propone una aproximación a la experiencia cinematográfica, más allá de la sala oscura y la imagen proyectada. Relacionándola y transformándola a través de otras prácticas, para activar una experiencia en torno al audiovisual, que cuestione no solo su propio lenguaje, si no toda su estructura y logística convencional.

Si en ediciones anteriores presentamos propuestas que relacionaban cine con arte sonoro, new media, arquitectura expandida o danza, en esta tercera edición además nos abrimos a otros campos, más allá de las artes, para incluir proyectos relacionados también con la ciencia.

Seguimos explorando e investigando para compartir y acercar al público asistente, algunas de las prácticas artísticas contemporáneas más destacadas en torno a estos temas que nos ocupan, tanto dentro de la producción española como en la experimentación internacional, propuestas que además se verán por primera vez en Madrid.

Asistencia libre hasta completar aforo

http://elcinerevelado.tumblr.com/

SESIONES

DOMINGO 28 ENERO 18:30 H.

Nº4

Christina Vantzou

Proyecto que combina música contemporánea, cine en 16 mm y vídeo digital, compuesto y dirigido por Christina Vantzou, concebidos como un todo, en el que imagen y música dialogan en armonía, sin que uno esté supeditado al otro.

Nº4 es una pieza que continua con su investigación audiovisual y en la que contará con la colaboración de un cuarteto de cuerda local. Con cada nueva interpretación, sus composiciones adquieren una nueva vida, consiguiendo un hipnótico viaje a través de bellos y oscuros paisajes.

Christina Vantzou es compositora y artista visual de origen norteamericano, con base en Bruselas. Ha compuesto y lanzado tres álbumes de música ambiental clásica y ha desarrollado una forma de notación musical gráfica influenciada por los minimalistas abstractos. La obra de

Christina como compositora y productora es autodidacta. En sus obras entrelaza instrumentos clásicos, voz, sintetizadores y software digital. Esta es la primera vez que actuará en Madrid.

DOMINGO 4 FEBRERO 18:30 H.

(RE) MIX EN SCENE

Amaranta Velarde + Alba G. Corral

(Re) Mix en Scene, es una investigación donde lo visual, lo sonoro y la experiencia escénica se unen para dar lugar a una performance única.

Para esta ocasión, las artistas Amaranta Velarde y Alba G. Corral nos proponen un remix del proyecto inicial (Mix en Scene, producida en 2015) donde trabajan los campos de la acústica, la coreografía y el vídeo en directo. Amaranta, baila accionando partituras coreográficas y pincha en vivo, y a su vez es acompañada por Alba, quién genera piezas visuales en tiempo real. Una remezcla que reproduce, versiona y mezcla fragmentos históricos e icónicos de la danza, la música y el cine. Un devenir de influencias entre las que encontramos a Yvonne Rainer, Kraftwerk, Pina Baush, Aphex Twin, Nijinsky y Laurie Anderson, entre otros. Un viaje que experimenta con la cronología, la yuxtaposición de estilos y principios artísticos, como un collage, utilizando la postproducción y el espíritu Dj de apropiación, manipulación y versionado de materiales. Se trata de reutilizar y samplear para construir algo nuevo.

Amaranta Velarde, se gradúa en CODARTS, Universidad de Danza de Rótterdam (2004). A partir de 2010 comienza a crear sus propios solos “Eclipse”, “Lo Natural” o “Hacia una estética de la buena voluntad”. Como intérprete ha trabajado en piezas con El Conde de Torrefiel, Cecilia Vallejos o Cristina Blanco. Desde el 2013 forma parte del colectivo ARTAS de la Poderosa y comienza a pinchar música en Barcelona.

Alba García Corral, es artista visual con formación en ingeniería informática. Su práctica se extiende a través del directo, el vídeo, new media e instalación. A través de ellas, explora narrativas abstractas, combinando processing art con dibujo, generando así paisajes digitales fascinantes. Su nombre es referente dentro de la cultura Vj.

DOMINGO 11 FEBRERO 18:30 H.

WM_A28 TCM_200DV BK26 BK26. Stefan Tiefengraber

MY BRAIN VS. THE WORLD. Pola Tog

WM_A28 TCM_200DV BK26 BK26 Es una performance audiovisual en la que el sonido y el vídeo se generan a través de cortocircuitos que el artista genera colocando sus dedos humedecidos sobre dispositivos eléctricos abiertos. Una suerte de sinapsis audiovisual, en la que la resistencia de la piel y la conductancia del cuerpo humano, combinada con los componentes de los circuitos, modifican constantemente el sonido. A su vez la señal de audio que se escucha a través de los altavoces, se envía a un proyector que visualiza la señal, recreando formas y líneas abstractas en blanco y negro.

Stefan Tiefengraber, artista austriaco, vive en Linz donde en el año 2010 empezó su formación en media-art en la Universidad de arte y diseño. Su trayectoria artística se mueve entre instalaciones interactivas, piezas sonoras, performance audiovisuales y vídeo experimental.

My brain Vs. The world, es un collage sintético, con aire retro-futurista, repleto de melodías oscuras y texturas analógicas recortadas y pegadas aleatoriamente, por la mente de Joaquín (mitad de Pola Tog), mientras Ana (la otra mitad de Pola Tog) explora la imagen en movimiento con una especial devoción por el error, combinando procesos analógicos, materiales digitales y técnicas artesanales, que van desde el uso de diapositivas y transparencias a la creación de animaciones sobre mesas de luz, creando un discurso narrativo, orgánico y plástico que diluye todas las fronteras.

Pola Tog es el nuevo proyecto de los artistas audiovisuales, Joaquín Urbina y Ana Gale, del estudio Dedo Ciego, reconocidos ambos por su trabajo de visuales en directo y realización de videoclips. En él nos encontramos un mundo informático, en formato analógico. El sonido de Pola Tog, ejecutado por Joaquín, se basa en el electro oscuro y new wave. Ana, se encarga de toda la parte visual.

18 de febrero 18:30 H.

AQUATOCENE / SUBAQUATIC QUEST FOR SERENITY + COLOQUIO

Robertina Šebjanič

Aquatocene es una performance audiovisual que investiga el fenómeno de la contaminación acústica submarina creada por la humanidad en los mares y océanos. Las composiciones sonoras son una remezcla entre la bioacústica de la vida marina (camarones, peces, erizos de mar, etc.), la acústica acuática y la presencia de ruido humano generado en los océanos y mares del mundo.

En los últimos años Robertina ha realizado grabaciones utilizando hidrófonos en diferentes lugares del mundo. El paisaje sonoro marítimo resulta tan rico o más que el terrestre pero supone un gran desconocido.

El directo que nos propone, presenta las composiciones del paisaje sonoro en forma de un bucle esférico continuo, utilizando fuentes de sonido ubicadas en diferentes puntos espaciales de la sala. Además y con carácter exclusivo para este ciclo, ofrecerá un set repleto de sugerentes imágenes transoceánicas.

Robertina Šebjanič, artista eslovena, su trabajo se centra en la construcción de mundos imaginarios y en la búsqueda de relaciones entre lo real y lo irreal para encontrar los bordes sensoriales de la percepción del espectador. En sus proyectos explora varios tipos de medios como el vídeo y las instalaciones sonoras y en un sentido más amplio, new media y el uso de tecnología y la ciencia, en el contexto de la práctica artística contemporánea. Robertina es miembro de la Theremidi orchestraHackteria Network. Fue galardonada con la Mención de honor en Ars Prix Electrónica 2016. Desde el año 2007 es miembro de la Academia de las Artes de Ljubljana.

25 de febrero 18:30 H

SWEET FEVER

Pere Faura

(Performance colectiva) (Premiere en Madrid) + Taller.

Sweet Fever es la ejecución en forma de loop de una única frase coreográfica, la emblemática danza de “Fever Night”, el número coral que bailan en línea los protagonistas de “Saturday Night Fever” (John Badham, 1977) en la discoteca. Interpretada por un grupo numeroso de bailarines, su dilatada repetición transita entre la ejecución fiel, la modificación, la deformación o la desfiguración completa, y al mismo tiempo entra en diálogo con los otros elementos teatrales, como el vídeo, la música o las luces, que re-significan esta icónica coreografía.

Un viaje ritualista y extasiático que propone una (re)visión del mundo del ocio banal y la búsqueda constante del placer inmediato. Una analogía divertida, reflexiva y muy sudada, entre la danza del pasado y la música del presente, entre las coreografías rígidas del cine de los setenta y la corporalidad desbocada del placer nocturno actual, entre la representación de la felicidad en la gran pantalla y la presentación del disfrute físico real en el espacio escénico.

Esta pieza forma parte de una trilogía “macarra y reivindicativa” en palabras del autor, que toma prestado los grandes musicales del cine americano de los 70 y 80 que le sirvieron al propio Pere como inspiración cuando era niño.

Sweet Fever arrancará con un taller de dos jornadas, impartido por el propio Pere Faura, en el que todos los participantes podrán después formar parte de la performance del domingo (ver más información aquí)

Pere Faura, centra su discurso en la relación entre danza y cine/vídeo y sus diversas posibilidades coreográficas y escénicas. Su trayectoria arranca en el año 2004 con la obra “Panoramas, video and dance”. Desde 2007, Faura es coreógrafo residente en el Frascati Theater de Ámsterdam, y allí ha creado los solos Discopolis” y Striptease.

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8-25 febrero > barcelona

programa y más información en www.salmon-dance.com

Lo siguiente

Es evidente para todas que las condiciones han cambiado. El escenario ya es otro y el paisaje ha comenzado a dibujarse de otra manera. Simplemente, estamos ante el advenimiento de lo siguiente. Lo siguiente no es exactamente el futuro. De hecho, lo siguiente no tiene nada que ver con la secuencia lineal clásica que nos obliga a pensar el tiempo a partir de momentos que se excluyen entre sí. Lo que toca ahora es emplear todas nuestras energías y talentos en escuchar y atender a las posibilidades concretas que la realidad, hoy, nos ofrece.

Lo siguiente es la consecuencia. Y la consecuencia conlleva siempre un cambio, una reformulación de posiciones, metodologías, horizontes y alcances. Esta nueva edición del SÂLMON< es una oportunidad de asumir las consecuencias de lo ya sucedido y, sobre todo, para dibujar un nuevo horizonte en el que imaginar una posible continuación.

El SÂLMON< se encuentra ante lo siguiente. Lejos de la idea de festival como algo que interrumpe durante un breve tiempo la cotidianidad y luego desaparece, a lo largo de seis años Salmón ha producido tiempos diversos que se han ido entretejiendo dando lugar no solo una programación sino y sobre todo a una compleja coreografía por la que no han dejado de transitar artistas, gestoras, programadores y espectadores procedentes de contextos muy distintos. Mirando atrás, se hace evidente que todo este rico entramado temporal ha creado una suerte de organismo en el que todo ha sido siempre parte de un proceso. Así, en este tiempo, la labor curatorial ha consistido no tanto en concebir un evento para la exhibición de obras, como en la gestión y el acompañamiento de procesos de creación atendiendo a sus naturalezas temporales específicos.

Esto solo se puede hacer atendiendo a la singularidad de los proyectos y de los artistas con las que hemos colaborado.

Más allá del modelo de festival al uso que, en estos días, se repite hasta la extenuación en cualquier ciudad del mundo mercantilizando la labor de las artistas, estos seis años forman un todo de experiencias únicas y profundamente irrepetibles.

SÂLMON< se ha construido pensando tanto en los puntos de llegada como en las trayectorias, tanto en las obras como en el camino que llevó hasta ellas. Y por eso, sería necio resistirse a la llegada de las consecuencias: todo lo sucedido ha transformado la escena y, simplemente, toca asumir responsabilidades, disfrutar de los logros y darle cuerpo a lo que sigue.

A partir de aquí, SÂLMON< inicia un periodo de transformación en el que entrarán en escena nuevos agentes y se definirán nuevos contextos, que desconocemos a día de hoy.

También es el momento de imaginar y también de invocar. ¿Y si lo siguiente fuera un cambio de escala? ¿Y si a partir de ahora esta ciudad reconociera la necesidad de un espacio que atienda de forma estable a lo singular, a aquello que sólo en entornos así se puede dar, a lo que ha sucedido aquí? ¿Y si el rico entramado tejido a lo largo de seis ediciones se entendiera como una oportunidad para que la ciudad refuerce sus lazos de colaboración real con sus artistas, con otras ciudades y con sus retos? ¿Y si nos atrevemos?

Esta es nuestra invitación: SÂLMON< , un festival singular de ciudad.

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Manuel Segade impartirá la conferencia La performance radical negra. Una performance radical es un desafío a las convenciones represivas que se establecen sobre los cuerpos según parámetros cerrados de clase, raza o género. La performance radical negra amenaza de manera interseccional esos tres vectores básicos, abriendo posibilidades nuevas de formas de vida inéditas. Partiendo de la exposición Elements of Vogue. Un caso de estudio de performance radical, actualmente en las salas del CA2M, su director ofrecerá una conferencia entendida como una forma de performance.

Manuel Segade (A Coruña, 1977) es licenciado en Historia del Arte por la Universidad de Santiago de Compostela. Desde 1998 trabaja en fragmentos de una historia cultural de las prácticas estéticas de finales del siglo XIX, sobre lo que publicó el ensayo Narciso fin de siglo(Melusina, 2008).

Ha sido coordinador de contenidos de Metrònom en Barcelona y comisario jefe del CGAC de Santiago de Compostela. Como comisario independiente, realizó proyectos para la Fundació Joan Miró, La Casa Encendida, ARCO, MUSAC, Centre d’Art La Panera, Pavillon Vendôme (Francia), Kadist Foundation (Francia), Bienal de Cuenca (Ecuador), ArteBA (Buenos Aires) o TENT, (Róterdam). Ha sido profesor de prácticas curatoriales en diferentes programas de posgrado y máster como Honnours in Curatorship de la Michaelis University en Ciudad del Cabo (Sudáfrica) o el Programa de Estudios Independientes del MACBA en Barcelona, Capacete en Sao Paulo o la École du Magasin de Grenoble (Francia).

Actualmente reside en Madrid, donde dirige el Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M) de la Comunidad de Madrid.

Fecha: miércoles 17 de enero de 2018

Hora: 17:00h

Duración: 1 hora 30 minutos

Dirigido a: abierta al público

Lugar:  Sala de Prensa. Centro Danza Canal

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*Pincha sobre la imagen para más información

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Olga de Soto | 25 de enero a las 20 h. en Azkuna Zentroa

“Incorporar el aire, el agua, sus sonidos, el espacio, hacer que una cosa se una con otra, combinar profundamente una materia con otra, diluir un elemento en uno mismo, para que entren como parte de un todo, definido, delimitado, en silencio. Hacer cuerpo y dejar resonar las acciones y los sonidos de una deambulación que toma forma gracias a una proximidad extrema entre el movimiento y la acción, en el gesto íntimo de aquel que está completamente concentrado en la meticulosa observación de sus exploraciones, absorto como un niño.” (Olga de Soto)

‘INCORPORAR’ es el primer capítulo o solo acompañado de una serie de cuatro cuyo punto de partida es el espectáculo Éclats mats, obra  para tres bailarines y un artista, creada en 2001 y retomada en 2005 en el Centro Pompidou de París.

Desde el punto de vista formal, este proyecto consiste en una serie de solos que en realidad no lo son, ya que podrían ser dúos, tríos o cuartetos. Ningún solo es lo que parece ser, su particularidad radica en tratarse de solos acompañados, cuya articulación sigue un juego de relevos en que el actor principal de cada capítulo cede su sitio a uno de sus acompañantes en el capítulo siguiente, pasando este último a su vez a ser acompañado por otro/s.

La pieza ‘INCORPORAR’ fue concebida inicialmente para y junto a Vincent Druguet y es interpretada ahora por Sylvain Prunenec. En Azkuna Zentroa, Olga de Soto propone reactivar la pieza, tras nueve años sin ser mostrada, y mostrarla en un espacio no teatral, más cercano al cubo blanco de una galería o de un museo, para observarla y estudiarla desde otro punto de vista, para ver sus potencialidades en este nuevo marco. Ese espacio es el CAC2.

Tras la presentación de la pieza, se organizará un coloquio abierto al público.

Ficha artística:
Concepto y coreografía: Olga de Soto
Escenografía y vestuario: Thibault Vancraenenbroeck
Iluminación: Gilles Gentner
Difusión sonora y espacialización en tiempo real: Pierre Gufflet
Dirección técnica: Christophe Gualde
Con  Sylvain Prunenec acompañado por Olga de Soto. Este solo fue creado inicialmente por y para Vincent Druguet acompañado de Olga de Soto
Producción: Niels Production (Bruselas, BE)
Coproducción: Centre Pompidou / les Spectacles Vivants (París, FR), con el apoyo de Nadine (Bruselas) y Centre Chorégraphique National de Franche-Comté (Belfort, FR).
Duración: 35 min. seguidos de coloquio con los artistas

Olga de Soto es coreógrafa e investigadora en danza, nacida en Valencia y afincada en Bruselas. Licenciada por el Centro Nacional de Danza Contemporánea de Angers, tras haber cursado estudios de danza clásica, danza contemporánea y solfeo en Valencia y en Madrid. Su trabajo de creación comienza en 1992 y desde comienzos de 2000 se centra en el estudio de la memoria y del impacto del arte escénico, su utilidad y su perennidad. Su trabajo ha sido mostrado en una veintena de países y es invitada con regularidad a dar talleres y conferencias en diferentes universidades o a compartir su metodología de trabajo. En 2013 recibió el Premio de la SACD Bélgica — Sociedad de Autores y de Compositores Dramáticos belga, en la categoría de Artes Escénicas, por el conjunto de su trayectoria y en particular por su trabajo de investigación y de creación en torno a La Mesa Verde, de Kurt Jooss.

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La Ribot | Del 15 de diciembre al 3 de febrero en en la Galería Max Estrella

Con esta ‘Take a Seat’ Max Estrella muestra de forma concisa tres pilares en la creación de la Ribot: los vídeos Traveling Olga / Traveling Gilles, 2003, Mariachi 17, 2009, y Walk the Bastards, 2017. Espaciados en el tiempo estos trabajos comparten el común denominador del interés investigativo de La Ribot por la imagen, el espacio y el movimiento.

Walk the Bastards, 2017, es una instalación de 11 sillas compuesta por aquellas que no fueron incluidas en Walk the Chair 2010, una obra anterior que La Ribot realizó por encargo de la Hayward Gallery de Londres y que formó parte de la exposición ‘MOVE=Choreographing You’.  Las 50 sillas pirograbadas de Walk the Chair con citas de coreógrafos, filósofos, y artistas sobre el movimiento y el arte participativo, tienen una doble función: ser leídas, convirtiendo al visitante en intérprete, o ser utilizadas en su función más obvia como punto de observación. Tanto Walk the Chair como Walk the Bastards, son instalaciones cambiantes y aleatorias en la que la silla ocupa el lugar que le da el espectador.

Traveling Olga / Traveling Gilles, 2003, presenta dos tomas individuales y no editadas de cuatro minutos de duración, grabadas cámara en mano por los bailarines Olga Mesa y Gilles Jobin. Estos vídeos son el resultado de una intensa colaboración: grabar, revisar y grabar de nuevo con cambios y correcciones. Cada secuencia supuso cinco días y al menos treinta tomas. La estrategia es esencialmente la misma en cada vídeo, pero aplicada a dos sujetos danzantes muy distintos entre sí en dos lugares diferentes. Los espacios fueron elegidos para cada intérprete en función de sus personalidades. Mesa, nacida en la lluviosa Asturias, se siente estimulada en un frío, húmedo e invernal jardín inglés, mientras que a Jobin se le envuelve en un escenario fotográfico que fuerza hasta el límite las ambigüedades espaciales del cuerpo-operador. Las paredes y el suelo están recubiertos con fotografías murales de arboledas, lagos y montañas de los Alpes deliberadamente cursis, pero a medida que la cámara “vuela” a través de ellos se convierten en una caja multicolor de “efectos especiales”: un lago azul se transforma en un cielo y los árboles de un bosque otoñal en una alfombra transitable. La melancólica y popular melodía del Entreacto III de la ópera Carmen de Bizet introduce una nota irónica a la vez que inyecta una impresión de falsa seguridad en las acciones.

Mariachi 17, 2009, es un vídeo filmado en plano secuencia de 25 minutos grabado por tres bailarines cámara en mano en el teatro de La Comédie de Genève. Las bailarinas / operadoras nos muestran la imagen que resulta de su movimiento. El cambio de manos de la cámara es principalmente perceptible en la caligrafía del cuerpo, en su ritmo, en su peso, en su atención. La primera cámara, Marie Caroline Hominal, es ligera, veloz, ágil. La segunda, Delphine Rosay, más serena, controlada, concentrada. La tercera, La Ribot, es sutil, elegante y habilidosa. Son estos los tres movimientos de una sola composición, casi perfecta, sorprendente, que  perturba la mirada del público sin sumergirla en el caos a la vez que descompone la noción de espacio, arrastrándola a la imaginaria danza de un cuerpo invisible que penetra en el mecanismo de la construcción.

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Marlene Montero Freitas | 17 y 18 de enero en Teatros del Canal a las 19h. 

Marlene Monteiro Freitas comenzó a bailar por influencia de la cultura de Cabo Verde, su país de nacimiento, y de ahí proviene el título de esta obra. «Guintche» es el nombre de un pájaro, pero también se refiere a la mujer prostituida o a una persona que salta de una cosa a otra sin seguir una lógica aparente. Así es la pieza que nos presenta Monteiro, una cuestión de impurezas.

En Guintche todo sucede en la parte alta y en la parte baja del cuerpo. De la cadera a los pies el cuerpo se entrega a una mecánica repetitiva del contoneo. A la altura de la cara sucede una frenética sucesión de muecas desligadas de cualquier emoción psicológica. Son movimientos que producen un estado de trance visual, porque Marlene baila con todo, desde los músculos a los dientes, desde lo visible a lo invisible.

Lo que se pone en juego en esta obra no puede reducirse ni al teatro ni a la danza, ni siquiera a la performance. Se sitúa en el territorio de lo que cada uno ve con la imaginación.

Esta pieza está vinculada a la exposición Elements of Vogue. Un caso de estudio de la performance radical (16 de noviembre — 6 de mayo), en el Centro de Arte Dos de Mayo (Móstoles, Madrid).

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