— MuroTRON

El Temblor

LA ROSALEDA DEL PARQUE DEL OESTE

Calle de la Rosaleda, 1, (Parque del Oeste) 28008 Madrid

10 octubre
12:00h

Autoría: Victoria Aime
Intervienen: Paola Cabello Shoenmakers, Ana Rocío Dávila, Marie Delgado, Ana María Mauri, Carlos Pulpón y Lucía Yenes.

En un recóndito rincón del Universo, La Pastora Intergaláctica acaba de encontrar el ‘Voyager Golden Record’, lo escucha y decide visitar el planeta Tierra.

Damas y caballeros, les invitamos a presenciar en exclusiva mundial la llegada de La Pastora Intergaláctica. La pista de aterrizaje será algún lugar ciertamente simétrico de la ciudad de Madrid. Nos informan de que al pasar por el plano meridiano 51.053054909452506 y como consecuencia del choque con la superficie terrestre, la Pastora Intergaláctica se difractará en seis entes más o menos antropomórficos. Este aterrizaje en forma de oda sucederá el domingo 10 de octubre, cuando el sol alcance su cenit.

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Lema de 2021: Reset

La resiliencia era la palabra comodín que desde hace unos diez años ya nos martilleaba desde la política, el coaching, los manuales para el emprendimiento o los libros de autoayuda, pero que ha tomado un nuevo impulso desde la aparición de la pandemia. Ante la parada en seco, resiliencia. Ante la carencia de recursos, resiliencia. Ante una catástrofe, resiliencia. La voluntad, la capacidad de cambio del individuo frente a la adversidad, y una taimada culpabilidad que crece ante el supuesto fracaso de no haber sabido ser resiliente. De cambiar, de adaptarnos, de reconfigurar nuestras formas de hacer y trabajar, de lidiar con pocos recursos, sabemos un poco en el medio artístico y cultural. Pero también conocemos de la importancia del trabajo en equipo, de que pensar juntas es más práctico y sobre todo más enriquecedor, que los cambios no siempre son buenos, que adaptarse o transformarse a veces puede significar alejarse del contexto para y con el que se trabaja. Nos planteamos RESET este año como lema del Festival porque sabíamos de la necesidad de repensar las artes escénicas, el Festival, los vínculos que hemos ido trazando a lo largo de una década, pero lo hacemos desde la perspectiva de lo que es y ha sido más valioso para el sector y para el público, no desde la idea de un borrado de lo que nos ha ido construyendo. Nos centramos en los VIVEROS, nuestras piezas cortas en espacios no convencionales, que se han convertido en la cantera de los y las creadoras emergentes y han generado un público más amplio para las artes escénicas. Apostamos por dotar a estas creadoras/es de un espacio para poder montar sus creaciones, pero también buscamos a un público fuera del centro, fuera de la capitalidad de Valencia, en otras ciudades y pueblos de nuestro entorno, que sean partícipes y puedan disfrutar de esta creación emergente. Para ello hemos trazado nuevos vínculos con distintos ayuntamientos que quieren participar en proporcionar a la creación emergente de recursos, pero también quieren hacer llegar este trabajo, a través de la mediación, a su propio público, y que sea éste mismo quien también participe en parte de la programación de su propio ayuntamiento. Estamos muy agradecidas de la apuesta de estos municipios. Este año pulsamos RESET para llegar más lejos desde lo que tenemos más cerca. 

Equipo Russafa Escènica. Festival de Tardor 2021.

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Stalkeo

Sábado 25 de septiembre a las 12:00 en Condeduque

Stalkear, verbo y acción movido por la pasión que supone indagar obsesivamente en el sujeto digital de una persona o artista por la cual se tienen sentimientos a menudo inconfesados o de índole fantasiosa. Hacer scroll infinito acelerando el amor, el miedo o el afecto online con la banda sonora del presente.

En ese limbo que se genera entre la excitación, la curiosidad y las ganas insaciables de saber se produce este encuentro. Su fin: enmarcar la importancia de las transformaciones en ciertos sonidos y palabras que permean, desde la música a nuestra vida cotidiana. Una sesión con el artista sevillano Pedro LaDroga como protagonista, pionero del trap en España y audaz experimentador musical (el título deriva de una de sus canciones) y con el colectivo audiovisual creador del programa underground El Bloque como guía de nuestro archivo.

Pedro LaDroga, artista inclasificable, genuino y adelantado a su tiempo ha sido pionero y artesano de un vocabulario y un sonido propios. El sevillano es posiblemente el mejor ejemplo de experimentación musical y de personalidad propia en nuestra escena de la cual es referencia desde hace ya más de 10 años.

El bloque es un colectivo de comunicadores y realizadores audiovisuales (Alicia Álvarez Vaquero, Daniel Madjody, David Camarero, Blanca Martínez, Aleix Mateu, Aïda Camprubí, Alba Rupérez y Quique Ramos) apasionados por la música y apasionados por el presente. Creadores en 2017 de un programa cultural de entrevistas en Youtube que, bajo el mismo nombre, visibiliza y da cabida a los discursos de toda una generación musical y pretende rescatar la esencia de los programas musicales de la televisión tradicional de los años 80′, fusionándola con las nuevas técnicas de creación audiovisual DIY y el consumo de pantallas híper-fragmentado e híper-acelerado. Desde la experimentación y el juego con los formatos tradicionales y la estética digital. El programa es ya un espacio de culto e historia oral de la música. Tres temporadas más tarde El Bloque cuenta en su canal de youtube con piezas que mezclan el imaginario digital con la renovación de todo tipo de formatos. Una apuesta por una tele plural, diversa y politizada. La periodista Sílvia Cruz (El Mundo) lo definió como «el programa de la generación que no ve la tele». En 2021 publican Making Flu$ (Penguin Random House) un libro que da cuenta de la transformación estética y la revolución musical en los últimos 10 años de nuestra historia con las declaraciones de más de 50 entrevistadxs: C. Tangana, Yung Beef, Mala Rodríguez, Bad Gyal, María José Llergo, Steve Lean, El Mini, Cecilio G, Pedro LaDroga, Chirie Vegas, Sonia Cuevas (Zona Bruta), César Lores (Sony), María KeFisherman, Bárbara Farré, Kigo y Ho$oi… y más.

Relacionado con: FESTIVAL BLAM !!!

Más información y entradas: https://www.condeduquemadrid.es/actividades/stalkeo-basico

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Julián Pacomio

24 de septiembre de las 6 a las 9.30h de la mañana

Imprescindible inscripción previa en: lacapella@bcn.cat

Llevamos mucho tiempo acostándonos temprano. Somos gentes del día, la noche es cosa de otros. Esperamos el apocalipsis todos juntos, aquí. En algún momento, lo familiar, lo íntimo, se tornará inquietante y el fin llegará apacible, amable. Algo oscuro emergerá a la superficie acusando la vida, y ya nada será igual; los recuerdos, los de entonces, ya no importarán, y solo servirán los más fuertes, es decir, los de ahora. Nunca más seremos contemporáneos y solo quedará la luz del día, simplemente.

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[…] es que esto no tiene sentido pero lo demás no tiene sentido pero lo demás es la muerte.

Creación: Julián Pacomio

Performers: Sara Vieira Marques, Marina Dubia, Víctor Colmenero Mir, Nina Botkay, Ángela Millano, Luis Moreno Zamorano y Matilde Amigo.

Iluminación: Santiago Rodríguez Tricot

Sonido: Borja Caro

Acompañamiento: Alexandra Laudo

Agradecimientos: Alina Ruiz Folini, Iván Haidar, Daniel Pizamiglio, Ignacio de Antonio Antón, Leire Aranberri, Carolina Campos, Luz Broto, Óscar Dasí, Núria Gómez Gabriel, Adaline Anobile, João Dos Santos Martins y Alicia Carrera.

Apoyos:

Barcelona Producció. Centre d’Art La Capella.  Acció en viu

Residencia de creación. Graner. Centro de Danza y Artes Vivas. Barcelona

Fabra i Coats – Fábrica de Creación. Barcelona

Ayudas a Artistas Visuales de Extremadura. Producción

O Rumo do Fumo. Residencia de creación. Lisboa

PACAP #4. Forum Dança. Residencia de creación. Lisboa

ARAR. La Caldera. Barcelona

Julián Pacomio. Artista, performer y comisario. Indaga en la idea de copia, remake, traducción y apropiación de materiales ajenos con sus proyectos escénicos. Desde 2018 colabora con la coreógrafa Ángela Millano (España) en el proyecto de investigación Asleep Images, del que forman parte las piezas Make It, Don’t Fake It (2019) y PSYCHO (2020). Trabaja con coreógrafos como João Fiadeiro (Portugal), Carolina Campos (Brasil), Luis Garay (Colombia), Daniel Pizamiglio (Brasil-Portugal) o Annika Pannitto (Italia), entre otros. En 2020 comisarió NO NO NO SOLO SOLO NO, un ciclo de performances para la sala Amadís del INJUVE (Madrid), y prepara, junto con Ignacio de Antonio Antón (España), la exposición Contemplar una superficie inestable, ganadora del concurso Inéditos 2021 en La Casa Encendida. https://julianpacomio.net/

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Jaume Ferrete

21 de septiembre en La Capella

Sesiones a las 18.30 h, a las 19:30 h y a las 20:30 h

Imprescindible inscripción previa en: lacapella@bcn.cat / Aforo limitado

Este proyecto plantea desarrollar una herramienta para realizar una performance a partir del altavoz inteligente Echo y de la asistente virtual basada en reconocimiento y síntesis de voz Alexa, producidxs y vendidxs por Amazon.

En un momento en el que las grandes empresas de tecnología están haciendo enormes esfuerzos para convertir la voz en la principal vía de interacción con sus productos y servicios, introduciendo en nuestros espacios íntimos una serie de dispositivos siempre encendidos y siempre a la escucha, parece urgente explorar las relaciones corpoafectivas que imaginamos poder tener con las voces técnicamente reproducidas.

Jaume Ferrete Vázquez trabaja en torno a la noción de políticas o ideologías de voz y escucha mediante performances, sesiones de escucha, archivos, talleres, conversaciones, trabajos sonoros y sitios web.

MACBA, Grand Union, Tabakalera, CA2M, Festival SOS 4.8, Fundació Antoni Tàpies, MNCARS, TEOR/éTica, MUAC UNAM, Universidad de Barcelona, Universidad del País Vasco, Programa de Estudios de Género de la UNAM, etc. Premio Generación 2016 de La Casa Encendida, Becas Leonardo a Investigadores y Creadores Culturales, Premio Miquel Casablancas, estancia artística de la Agencia Mexicana para la Cooperación Internacional y el Desarrollo, etc.

Desde 2008, contribuye a coordinar el proyecto Sonidos de Barcelona, iniciado por el Grupo de Tecnología Musical de la Universidad Pompeu Fabra.

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Sandra Gómez

Del 16 al 19 de septiembre en Teatro Círculo

Volumen 2 es una propuesta escénica que trata de explorar las posibilidades narrativas del sonido. La pieza está compuesta por una serie de ejercicios autónomos e independientes entre sí que ponen en juego los conceptos de ritmo y silencio y con la idea de deriva como método de trabajo. Cada ejercicio se construye desde un lenguaje diferente, de esta manera, el movimiento, el texto y la voz y el lenguaje musical y sonoro se suceden en un recorrido que va creando diferentes ambientes.

Ficha artística

Concepto: Sandra Gómez.
Intérpretes: Javi Vela y Sandra Gómez.
Espacio sonoro: Javi Vela.

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8 de septiembre en Conde Duque

En función de 1,2,3… es la primera pieza de danza de Isidoro Valcárcel Medina.

Es una pieza escénica de danza contenida, en la que la función es tanto representación como fórmula matemática.

La obra de Isidoro Valcárcel Medina (Murcia, España, 1937) se caracteriza por romper con los esquemas más convencionales del arte. Se centra en la creación de situaciones, intervenciones, acciones o proyectos más allá del objeto artístico, y de los aspectos comerciales de la obra.

Es además la primera pieza de la compañía de danza ELAMOR dentro de su serie Nuevos coreógrafos en la que artistas ajenos a la danza en sus prácticas, experimentan por primera vez con este medio en movimiento.

Isidoro Valcárcel es un artista clave del arte conceptual en España. Su obra se ha caracterizado por romper con los esquemas más convencionales del arte. Ajeno a las tendencias, su trabajo se centra en la creación de situaciones, intervenciones, acciones o proyectos, más allá del objeto artístico, que dan cuenta de su actitud comprometida y alejada de los aspectos comerciales del arte.

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11 y 12 de septiembre en Sala Carme (Valencia)

Bailar es peligroso, amenaza el sistema, complica la situación. La danza incomoda, afecta, descoloca y complejiza los modos de estar hegemónicos. La danza, contagiosa e invasiva, desestabiliza las lógicas de la palabra, amenaza el lenguaje normativo. Bailar puede ser una epidemia. Esta bailarina no tiene trucos de magia preparados. Su material coreográfico es basto y a veces incomprensible, fracasa en los giros con la pierna izquierda. Esta bailarina nunca quiso ser Giselle. Con todxs nosotrxs: un cuerpo en rebelión, atravesado, sublevado, la bailarina nonormativa, la bailarina faquir, la taumaturga, la subalterna. Formas de estar que complican. Estrategias de la invisibilidad activa o identidades disidentes. Vida atravesada. Ficción bastarda. Capacidad para imaginar. Divagación dificultosa con apariencia de profundidad. Esta es una peza autobiográfica sin biografía, una trampa al ojo, una coreografía maraña, un engaño narrativo: coreo- biografía pirata. Esto va de bailar bailando. 

Vacaburra es el resultado de la colisión de dos artistas, una vaca y una burra: la variopinta Andrea Quintana y a mullerona Gena Baamonde que unen sus inquietudes y trayectorias en un proyecto común. Vacaburra surge como un colectivo de reciente formación que gira en torno a creación escénica y coreográfica. Abierto al diálogo continuo con otras artistas y disciplinas, bebiendo de los diversos lenguajes escénicos para la creación de sus proyectos. Interesadas en las prácticas fronterizas y en las pedagogías alternativas llevando más allá de lo escénico los trabajos de investigación y los procesos de creación.

Esta obra forma parte del V Cicle de Escèniques LGTBI.

Creación y coreografía: Andrea Quintana.
Dirección y dramaturgia: Gena Baamonde y Andrea Quintana.
Iluminación: Baltasar Patiño.
Espacio sonoro: Davide González y Andrea Quintana.
Vestuario: Saturno.
Producción ejecutiva: Manu Lago.
Galicia Danza Contemporánea.

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20 de septiembre en Azkuna Zentroa

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«Como actividad vinculada casi al cierre de mi exposición Todos los conciertos, todas las noches, todo vacío, me parecía interesante hablar con otra artista para traspasar soportes físicos propiamente escultóricos y para romper con esquemas teóricos que parece siguen inamovibles o carecen de suficiente “sangre». A menudo, aspiro a colaborar intensamente con otras creadoras/es con los que me siento cercana siendo su trabajo muy distinto. Considero que una conversación entre dos “hacedoras» puede ser otra clase de dibujo incorpóreo. En esta exposición, la palabra que ha estado pululando más en el aire, como una especie de mantra es “cuerpo”, y en esa ausencia-presencia del cuerpo, en ese no acabar de entender qué significa “cuerpo”, pensé inmediatamente en La Ribot. Este es un encuentro experimental en donde se desvelarán aspectos creativos comunes: ausencia-presencia del cuerpo, repetición como estructura dúctil, re-interpretación del “aura”, acercamiento de la ironía a sus contrarios, des-ubicación de la forma, el espectador como material, moldear en el espacio un ente abstracto… En definitiva, cuestionar los discursos, las fórmulas, las narrativas, etc.»

Ana Laura Aláez

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