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El Conde de Torrefiel- Del 23 al 25 de abril en Réplika Teatro

 

Aunque es de noche
Su origen no lo sé, pues no lo tiene
Mas sé que todo origen de ella viene
Aunque es de noche
La corriente que nace de esta fuente
Bien sé que es tan capaz y omnipotente
Aunque es de noche
Aquí se están llamando a las criaturas
Y de esta agua se hartan, aunque a oscuras
En esta viva fuente de deseo
En este pan de vida, yo la veo
Aunque es de noche

“Qué bien sé yo la fuente que mana y corre”
San Juan de la Cruz, 1577

 

KULTUR, nace como un spin-off libre de LA PLAZA, anterior trabajo teatral de El Conde de Torrefiel estrenado en 2018, del cual se secciona una situación literaria expuesta para así iniciar una nueva propuesta. KULTUR se articula formalmente como una instalación de carácter performativo y se organiza a través de un solo cuadro en el que se observa una situación in crescendo. Su propósito es crear una experiencia para el espectador lo más subjetiva posible, aislándolo del resto de los asistentes mediante la oscuridad y la entrega de auriculares mientras una voz susurra un texto de carácter intimista.

KULTUR es así un soliloquio interno, organizado intuitivamente a través de la mirada de un persona ante el estímulo dado por su propio reflejo. Es el intento personal de otorgar un sentido a la existencia compartida con otros, bajo una antigua bóveda de conocimientos y reglas comunes, de referentes de una época y una cultura, de ideas predeterminadas, de creencias preexistentes, de sensaciones vividas, de conceptos establecidos y obtenidos de manera acumulativa y casi involuntaria.

El Conde de Torrefiel se ha dado a conocer por sus trabajos a veces incómodos, sobre la tensión entre lo individual y lo colectivo y la frágil configuración de la sociedad occidental, y así observar las formas en las que se manifiestan los sentimientos que provocan nuestro tiempo. El dúo formado por Tanya Beyeler y Pablo Gisbert, hace a menudo uso de textos proyectados, que se articulan tanto como juegos narrativos de simulación futuristas hasta consideraciones y juicios intimistas parecidos a soliloquios en un diario. Los textos revelan estados propios de una generación insegura en una pretendida libertad, textos que se oponen a la puesta en escena de coreografías minimalistas y sonidos evocadores.
La empatía del que asiste a sus espectáculos emerge por la combinación de estos elementos en contraste, que exploran la irreconciliabilidad entre las observaciones “honestas” de los individuos retratados y la autoconcepción de una sociedad que resulta difícil de entenderse.

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→ Ideado y creado por El Conde de Torrefiel
→ Dirección: Tanya Beyeler and Pablo Gisbert
→ Texto: Pablo Gisbert
→ Intérpretes: Carmen Collado, Sylvan, Arno Genista
→ Diseño escenográfico: El Conde de Torrefiel & María Alejandre
→ Atrezzo y Vestuario: María Alejandre
→ Diseño de sonido: Rebecca Praga
→ Dirección técnica: Isaac Torres
→ Voces: Gloria March Chulvi (Castellano), Victoria Macarte (Inglés), Svenja Wasser (Alemán)
→ Traducción: Victoria Macarte (Inglés), Martin Orti (Alemán)
→ Producción: El Conde de Torrefiel
→ Co-producción: Donaufestival (Krems), Gessnerallee (Zürich)
→ Difusión & tour management: Caravan Production

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Laila Tafur

Del 16 al 18 de abril en Teatro Pradillo

Soy Laila, eso lo sé, pero no sé qué significa. Sé lo que me gustaría ser: libre, completa, total. Sé de dónde vengo en términos físicos y geográficos, Granada y sus montañas, mi madre y mi padre. Salir de ahí es muy difícil. No sé cómo se me ve y me lo pregunto a veces. No sé qué piensan de mí otras mujeres, quizá una mezcla de particularidad bonita y ser erróneo. Soy tímida y me cuesta llevarlo, a veces me pongo roja y me da mucha rabia, me pregunto por qué será. Soy Laila, medio niña, medio mujer, medio hombre y quiero contar la historia de cómo la carne escapa a ser nombrada. Reivindico el monstruo como forma natural de la danza.

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De Les Myrtilles

14 de abril en el Centro Cultural Paco Rabal (Madrid)/ Entrada libre hasta completar aforo

Les Myrtilles es una versión libre del texto homónimo de Grisélidis Réal que ella describe como «SKETCH destinado a alegrar las Navidades en los centros de menores».
Noche cerrada. Una mujer sentada en una cocina no quiere salir a trabajar. Cansada, espera al hombre que ama. Llaman a la puerta. Aparece una mujer joven acompañada de un hombre, ambos entran y se sientan con ella. La mujer se levanta y ofrece arándanos con nata a su amiga recién llegada. La mujer joven come de un cuenco mientras cuenta por qué y desde cuándo trabaja de prostituta. Al terminar deja el plato, se levanta y sale. El hombre y la mujer se quedan solos. Ella le pregunta si todavía quiere casarse y camina hacia la ventana. Él promete llevarla con sus niños a un apartamento. Ella le pide que lo piense bien. El hombre también se va. La mujer, a solas como al principio de la obra, se vuelve hacia los espectadores y les escupe el resto de arándanos y su desprecio.

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25 de abril en el Teatro del Barrio

Nuestras piezas en el ámbito performativo siempre han intentado desarrollar soluciones comunicativas que trabajan en relación a la vida cotidiana. Nos parece muy importante que el arte contemporáneo no se reduzca a elementos crípticos que sólo puedan ser comprendidos por personas cercanas a este territorio. El enfoque de nuestras obras en general (La cultura, El dinero, La economía, El desierto, etc.) trabaja en esa dirección.

En este caso queremos afrontar directamente el propio tema de “El arte” en la medida en que, en nuestra propia vida, nos hemos podido mover en relación a este territorio.

No pretendemos, ni mucho menos, contar nuestra historia, sino aprovechar nuestra trayectoria para construir una investigación acerca del arte contemporáneo como experiencia. Confiamos en que, en relación a un asunto tan complejo, nos podamos hacer entender.

EL ARTE

Los griegos no quisieron cuentas con el 0. En el comienzo estuvo Duchamp. El arte no es necesario hacerlo bien…Durante más de dos millones y medio de años las redes neuronales humanas no cesaron de crecer… Los humanos tenían muy poca cosa que mostrar… 600 cm cúbicos de cerebro. La belleza artística es superior a la naturaleza. Hacer cuadritos encantadores. Extrañas fanfarrias. Los famosos eran hambrientos. Yo soy artista. Yo ya no soy artista. ¿Para qué haces todo esto? De ninguna manera se admiten perros. Unos cien jets privados aterrizan en Basilea. Los suizos disfrutan respetando las reglas. Al menos eso es lo que se dice. El Arte Contemporáneo es un denominación que se crea en los años 70. Ni descriptiva, ni provocativa… Ni geográfica……. perfectamente absurda… De una neutralidad apabullante… Casi paródica… En esta época de presente permanente. Nunca hemos sido modernos. No sé puede intentar ser original sólo a través de la originalidad. Salvar al arte contemporáneo. Gatitos pequeños a merced de todo lo que se mueve. La imitación de la naturaleza. El arte imita la naturaleza. Si hay arte es porque no hay un dios detrás… Instrucciones para hacer la Gioconda. Arte es lo que el artista decide qué es arte…El mundo del arte es el espectador del arte… Nosotros no lo sabemos pero los que vengan después sí lo van a saber…La inteligencia del universo es comunitaria… En un instante serás cenizas y huesos…

Los Torreznos son una herramienta de comunicación sobre lo social, lo político y las costumbres más arraigadas. Trabajan desde la realidad más directa, incluida la familiar, traduciendo al lenguaje contemporáneo temas que forman parte de la cotidianeidad más absoluta.

La intención de su trabajo se orienta hacia la búsqueda y la experimentación expresiva a través de formas sencillas como son, el gesto, el lenguaje y la presencia. Formas, que en primera instancia son accesibles a cualquier persona y no sólo a aquellos especialistas en los lenguajes del arte contemporáneo. Utilizan el humor y tratan contenidos que reflejan el devenir cotidiano, lo que cualquier persona puede vivir. Su obra se desarrolla a través de diversos formatos tanto de carácter presencial (performance o arte de acción) como multimedia (vídeo, piezas sonoras) también realizan talleres de carácter formativo y conferencias.

Aunque Los Torreznos se constituyen como tal en el año 2000, Rafael Lamata y Jaime Vallaure han realizado numerosos trabajos de intervención conjunta con anterioridad a esta fecha. Así mismo han sido miembros fundadores y componentes activos del grupo de creación experimental Circo Interior Bruto 2000/05 y Zona de Acción Temporal (ZAT) 1997/98. Previamente, cada uno de ellos, desarrolló su propio trabajo de creación.

Los Torreznos han participado en la 52ª edición de la Bienal de Venecia dentro del proyecto “Paradiso spezzato” en el Pabellón Español.

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Del 9 al 11 de abril en el Mercat de les Flors

“Tres piezas de una de las coreógrafas del momento que exploran las diferencias de la condición humana”.

Ayelen Parolin, coreógrafa y bailarina, nació en Buenos Aires y actualmente vive y trabaja en Bruselas. Ha sido intérprete para coreógrafos como Mathilde Monnier, Mossoux-Bonte, Jean-François Peyret, Mauro Paccagnella, Louise Vanneste, Alexandra Bachzetsis, Anne Lopez y Riina Saastamoinen. Desde 2004, Ayelen Parolin ha llevado a cabo un trabajo personal en el que cada una de sus creaciones gira alrededor de un motivo a partir del cual construye la escritura coreográfica.

 

 

 

 

WEG

10 y 11 de abril

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Como parte de la programación anual de Mover Madrid, durante abril, en la Cuarta Pared:

Mover el sentido – Paz Rojo, Oihana Altube y Lucas Condró

Taller práctico impartido por Paz Rojo, Oihana Altube y Lucas Condró


Pensar la danza – Mesa de debate

Cierre del taller Mover el sentido, moderada por Sandra Cendal (editora de Continta me tienes), el jueves 7 de abril a las 21h00.


Ahora_ya – Amaia Bono

Pieza de danza que tendrá lugar el jueves 8 de abril a las 21:00h.


Inventario – Miguel Ballarín

Pieza de danza que tendrá lugar el viernes 9 de abril a las 21:00h.


Ser devenir – Lara Brown

Pieza de danza que tendrá lugar el sábado 10 de abril a las 21:00h.

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15 y 16 de abril en Azkuna Zentroa

El actor y director Oscar Gómez Mata estrena en Euskadi junto al actor Juan Loriente “Makers”, la pieza resultado de su proyecto como Artista Asociado a Azkuna Zentroa.

“Makers” es una obra sobre la luz, el tiempo y el amor, viajando entre desbordamiento cómico y la contención emocional, entre el disparate y la verdad. Un espectáculo que mezcla lo poético y lo filosófico, en una especie de manual para sobrevivientes que trata de aportar soluciones a nuestro tránsito en la realidad.

La pieza nace de la función esencial de los ‘makers’: investigar para hacer la luz. «Somos detectives, tratamos de buscar lo sensible bajo lo sensible, encontrar una solución poética a la realidad», explica el artista asociado a Azkuna Zentroa. El resultado es una puesta en escena en la que este «dúo cómico» aborda temas clásicos como el amor, el tiempo y la luz, mezclado con humor emotivo. Nos dan así otro punto de vista sobre lo cotidiano de esta época fragilizada, de contornos borrosos e inciertos.

En su propuesta escénica diferencian su lado más épico, en el que el teatro es «una es una forma de espionaje, de investigación para vigilar al mundo», y la parte más íntima «tratando de detectar lo sensible escondido bajo lo sensible». Un espectáculo en la línea de los trabajos de la compañía L’Alakran, dirigida por Óscar Gómez Mata.

Así los ‘makers’, crean protocolos para espiar la realidad. «La obra es una historia de capas que se superponen, deshojamos lo que damos como cierto para descubrir lo que no esperábamos sentir». En “Makers”«hay sorpresa y sospecha. La actitud propicia de los makers se define en la frase de Daniel Innerarity (filósofo): “…la realidad es compleja, y cuando alguien la plantea de forma binaria tenemos la obligación de sospechar”».

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Ficha artística / Créditos del proyecto:

Concepción y dirección: Oscar Gómez Mata

Interpretación: Juan Loriente y Oscar Gómez Mata

Textos: Agustín Fernández Mallo, Rodrigo García y Oscar Gómez Mata

Colaboración artística: Delphine Rosay

Colaboración juego actoral: Espe López

Creación luz y dirección técnica: Leo García

Creación sonido: Aymeric Demay

Espacio escénico: Vanessa Vicente

Vestuario: Doria Gómez Rosay

Producción y administración: Aymeric Demay

Difusión Compagnie L’Alakran/ Carlota Guivernau

Coproducción: Compagnie L’Alakran, Azkuna Zentroa Alhóndiga-Bilbao, Théâtre Saint-Gervais-Genève, Théâtre populaire romand – La Chaux-de-Fonds.

Apoyos: Pro Helvetia, Loterie romande, Fondation Ernst Göhner

L’Alakran es una compañia concertada con la Ciudad de Ginebra, la República y el Cantón de Ginebra y la Fundación Arc en Scènes (2019-2021).

Oscar Gómez Mata es artista asociado a Azkuna Zentroa – Alhóndiga Bilbao (2019-2021).

Azkuna Zentroa – AlhóndigaBilbao – 15 y 16 de abril 2021

TPR – La Chaux-de-fonds – Del 20 al 22 de mayo 2021

Arsenic – Lausanne – Del 25 al 30 de mayo 2021

Teatro La Abadia – Madrid – Del 7 al 17 de octubre 2021

Festival Internacional de Teatro – Vitoria – 28 de octubre 2021

Muestra de teatro contemporáneo – Universidad de Santander – 22 de noviembre 2021

Théâtre Saint-Gervais – Genève – Del 2 al 7 de noviembre 2021

Les Subsistances – Lyon – Enero 2022

OSCAR GÓMEZ MATA. Actor, director y también autor y escenógrafo, Oscar Gómez Mata empieza sus actividades teatrales en España donde, en 1987, es cofundador de la Compañía Legaleón-T, con la cual crea espectáculos hasta el 1996. En Ginebra en 1997, funda la Compañía L’Alakran por la cual firma la dirección, la concepción, la dramaturgia o los textos de varios espectáculos. Desde 2013, es profesor regular en la Manufacture – Escuela de teatro de Suiza francesa. (HETSR) Premio Nacional Suizo de teatro en 2018.

JUAN LORIENTE. Actor cántabro, más conocido en el teatro ya que es un habitual de los montajes de Rodrigo García y La Carnicería Teatro. También ha trabajado de manera esporádica en cine, en películas entre las que hay que mencionar La espalda de Dios (Pablo Llorca) o Smoking Room (Cesc Gay).

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10 de abril en La Casa Encendida

Cecilia Bengolea, junto a Damion Bg Dancer, Craig Blak Eagle y dj Master Will, nos invitan a una sesión de dancehall en su performance Party Animal.

El dancehall es un género hijo del reggae con origen en la Jamaica de los años 80 y que ha derivado en una subcultura espiritual. Tras cinco años de colaboración, la artista Cecilia Bengolea, junto a los bailarines jamaicanos Damion Bg Dancer, Craig Blak Eagle y el dj Master Will, nos invitan a practicarlo en su performance Oneness – Party Animal.

Party Animal es el título de una canción donde el artista jamaicano Charly Black le dice a una chica que es un animal de fiestas. Algo en lo que se convierten todos los y las bailarinas cuando asisten a las raves callejeras con soundsystems que duran de lunes a lunes en Kingston, Jamaica. La vibración de la música, sumado a la letra de las canciones y los ritmos, crean unidad, Oneness.

Cecilia Bengolea se centra en su trabajo en formas antropológicas y urbanas de baile y su relación con la naturaleza, sus elementos y figuración. Percibe la danza y la performance como si se tratasen de esculturas animadas y abraza el hecho de que estas formas le permitan ser objeto y sujeto al mismo tiempo. Estudió Filosofía e Historia del Arte en la Universidad de Buenos Aires e hizo el máster en coreografía Ex.e.r.c.e. de Mathilde Monnier, en Montpellier. Las instalaciones y performances de Cecilia Bengolea han formado parte de eventos e instituciones como la Biennale de Lyon (2015), The Tanks y Tate Modern (2015), la Biennale de Sao Paulo (2016), el Palais de Tokyo (2015 y 2018), Art Basel Miami Beach (2018) o el Centro Pompidou (2010 y 2016). Sus trabajos Pâquerette (2005-2008) y Sylphides (2009) ganaron el Premio de la Crítica de París y el Young Artist Prize de Gwangju Biennial en 2014. Además, ha co-creado piezas de danza para el Ballet de Lyon (2013), el Ballet de Lorraine (2014) o Pina Bausch Tanztheater Wuppertal (2015). En este trabajo Bengolea ha creado junto a Sam Twidale un software para mezclar varios de sus vídeos que se proyectan en vivo. A través de un sistema de algoritmos, esta pieza ofrece cuatro horas de proyección de los bailes que ella misma ha grabado durante cinco años en Jamaica. Los vídeos, que responden a los parámetros de la música y el movimiento, se mezclan en vivo.

Damion BG Dancer es un bailarín de dancehall jamaicano, profesor de danza y líder del grupo BG dancerz. Su grupo se llama BG en referencia a la comunidad llamada Burger Gully y está formado por siete miembros. Es conocido por tener gran cantidad de bailes diferentes y es posible encontrar los pasos que han creado en videoclips de artistas como Neyon o Omarian & kranium, o en una de las películas más populares de dancehallKing of the dancehall.

Craig Black Eagle descubrió sus habilidades para bailar a los 19 años. Con mucho poder de decisión y ambición, se ha convertido en uno de los bailarines de dancehall más destacados del mundo.

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De Taller Placer & rosanayaris

Del 9 al 11 de abril en La Mutant

 “La imitación como primer acto apropiacionista, la imitación como triunfo de la fantasía, y la fantasía como ofensa al mundo para crear nuevos mundos. Hay que ofender al mundo. Ofender al mundo es nuestra única misión. Se han encontrado pisadas de mamut en cuyo interior hay pisadas humanas, huellas dentro de huellas; los cazadores primitivos pisaban allí donde habían pisado los animales para así imitarlos, para simular que eran ellos y de ese modo confundirlos y cazarlos y vestirse sus pieles y comer sus carnes y alumbrarse con su grasa. No otro es el origen del disfraz y del teatro, el origen de nuestro mejor y más supremo hallazgo: simular ser otro para ser uno mismo.”

¿Es esta nuestra obra?

Ficha artística

Concepto: Taller Placer & rosanayaris

Creación: Vicente Arlandis, Paula Miralles, Rosana Sánchez y Aris Spentsas.

Participan: Toni Climent y Víctimas Civiles

Técnica: Isaac Torres

Duración: 90’ aprox

Colaboran: Ayuntamiento de Valencia, Institut Valencià de Cultura, Patronato de Alfafara & Ayuntamiento de Godella

Gracias a Teatre El Musical.

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De Marta Galán

Del 1 al 25 de abril en el Teatre Lliure

Forasters vindran… es un proyecto que reúne a un grupo de artistas independientes de las artes escénicas, plásticas, audiovisuales y profesionales de la mediación artística, la acción social y comunitaria y la investigación histórica con el objetivo de indagar varias metodologías que implican la irrupción de elementos de lo “real” en la composición formal o artística. La idea es explorar de qué manera podemos transferir esta información que procede de lo real, del testimonio, de la vida, al contexto de la obra artística o de la ficción escénica.

Un proyecto que articula diferentes procesos artísticos, documentales y comunitarios y que se desarrolla en tres fases consecutivas: una primera fase de investigación comunitaria y documental con un grupo de 9 personas protagonistas de la migración interna de los años 50 y 60 en Barcelona y un grupo de jóvenes de la migración global; una segunda fase de residencia artística en el Teatre Lliure, donde este material ha tomado forma escènica con los actores Susanna Barranco, Núria Lloansi y Juan Navarro, y una tercera fase prevista para julio de 2021, cuando se retomará la relación con el grupo de jóvenes para generar una obra escénica comunitaria.

La creación que presentamos en el Espai Lliure se concentra en la investigación histórica y documental con las personas que migraron a Barcelona en los años 50 y 60. Pese al desemparo y la vulnerabilidad, sus testimonios revelan movimientos de autorganización, lucha vecinal y autoconstrucción de casa, vida, futuro… Un futuro que toma cuerpo y presencia en el relato autobiográfico de Susanna Barranco, nieta de esta migración.

La investigación también nos ha llevado al Centro de Clasificación de Indigentes de Montjuïc; un centro de internamiento y deportación de las personas que llegaban a Barcelona y no acreditaban tener trabajo o residencia; un espacio siniestro de represión franquista, unido también al expolio colonial, que ha desaparecido (literalmente) del mapa de la ciudad, pero que persiste en la memoria de todas las personas con las que hemos hablado…

Marta Galán

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