— MuroTRON

Sábado 17 de Junio a las 18:00h.

Centro de Creación Contemporánea de Andalucía. C3A

Jinete Último Reino es el nombre de una zona de investigación acerca de la desobediencia interior, el deseo y la represión, de lo que hay que hacerse adentro para decir que sí y que no a la contra de la desproporción de mandatos que nos ordenan.

Jinete Último Reino es un concierto lírico y un recital analírico. Una obra audiotextual. Es una proposición de distorsión, desvío y emociones. Aunque existe una primera historia de la desobediencia para oboe y dispositivo electrónico puesta en escena en noviembre de 2013, hemos esperado a enero de 2017 para retomar nuestras preguntas. Este que aquí se presenta es el tercer fragmento de una obra aún por construir y componerse por entero: Frag. 3 habla de la noche de todo tipo, es decir, de allí donde las cosas cambian de forma para por la mañana no volver a ser igual.

Jinete no es jinete sino el efecto de la resistencia a la llanura, la experiencia de ganar caber al descomunal mundo que hace por descabernos, nada que dure mucho ni sin pena ni sin riesgo y, no obstante, esperemos que no desaparezca.

Creación e interpretación: María Salgado y Fran MM Cabeza de Vaca
Iluminación y dirección técnica: Óscar Villegas
Con la colaboración de AZALA espazioa y Matadero Madrid

Fotografía: Jorge Mirón

*Jinete Último Reino se presenta dentro de las Acciones en torno a Espaliú comisariadas por Jesús Alcaide

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EQUIPO PALOMAR. Propaganda Queer

Del 26 de junio al 1 de julio de 2017

Inauguración: lunes 26 de junio a las 19h

Homesession: C/ Creu dels Molers, 15. Barcelona

Propaganda Queer plantea hacer uso de la apropiación de determinadas herramientas y estrategias de difusión normalmente encarnadas por campañas políticas y publicitarias para difundir y expresar determinadas demandas, contradicciones, luchas y pulsiones que se dan en la teoría y práctica queer o de género. Propaganda Queer se activará el día 22 de junio a las 10h en la Plaza de la Bella Dorita, frente al Molino del Paralelo, y durante toda la jornada El Equipo Palomar llevará a cabo una serie de intervenciones callejeras en el barrio del Poble Sec de Barcelona. Estas activaciones serán fruto de la puesta en común de ideas y materiales gráficos generados a lo largo de dos talleres que se realizarán en la Facultad de Bellas Artes de Barcelona y en el Programa de Estudios Independientes del MACBA. Paralelamente, se busca conformar a lo largo de este proceso un pequeño archivo digital que recopile los diversos materiales enviados por diferentes personas afines a la temática. La intención es editar estos materiales, así como los que surjan en los talleres, para generar fanzines, volantes, carteles, pegatinas, pancartas, performances, etc. El resultado de las intervenciones (registros, fanzines, material gráfico, material audiovisual) será expuesto el lunes 26 de junio a las 19h en Homesession. También se facilitará la descarga digital del archivo. Para esta ocasión Equipo Palomar ha colaborado codo con codo en la coordinación y elaboración del proyecto con lx artista Belo C. Atance.

Equipo Palomar, integrado por Mariokissme y R. Marcos Mota, es un proyecto artístico enfocado a la investigación, recuperación y producción de una posible memoria transmaricabollo. El Palomar es un contexto de trabajo, un posicionamiento político y un replanteamiento institucional. Sus artífices son artistas, programadoras y comisarias que generan discursos críticos. Este laboratorio de base queer marca sus propios ritmos, combinando identidades múltiples para modificar las formas de trabajar con el arte desde el afecto. Algunos de sus últimos trabajos son No es homosexual simplemente el homófilo sino el cegado por el falo perdido (La Capella, 2016), Hedonismo Crítico (Fundació Joan Miró, 2016) y Fonsarmari i figura per Ismael Smith (Museu Nacional/Sala d’Art Jove, 2015. Sus proyectos también se han podido ver en espacios como Es Baluard (2017), Centro Párraga (2016), SOS 4.8 (2014), Biblioteca MNCARS (2016) o Galería Àngels Barcelona (2015). Equipo Palomar ha sido ganador del Concurs d’Arts Visuals Premi Miquel Casablancas 2017. http://el-palomar.tumblr.com/ VISITAS Del martes 27 de junio al sábado 1 de julio visita con cita previa enviando e-mail a: danilo@homesession.org.

Homesession es uno de los espacios independientes y no comerciales claves de la escena barcelonesa. Creado en 2007 aprovechando el salón de la casa particular de los iniciadores del proyecto, Homesession propone dos programas principales: una residencia (Residency, Exchange Residency) y unas becas de producción (Invited). Hoy en día, los ejes del proyecto se han incrementado con la inclusión del programa Polaritats con la colaboración de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcleona. En su local, inaugurado en abril del 2012 al barrio de Poble Sec, Homesession articula así un espacio de proyectos y un espacio de residencia para artistas internacionales.

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«(…) lo que para él es fracaso a nosotros nos parece un camino,

por lo menos una señal en el camino»

El perseguidor, Julio Cortázar

 

Salirse de línea es una propuesta expositiva que reúne ocho proyectos articulados a partir de la idea de errar. Etimológicamente, el verbo errar proviene de la palabra latina errare, y en su significado primigenio remite a la idea de vagar, de deambular al azar, sin un rumbo fijo. De esta primera acepción, se deriva la idea de de estar equivocado, en el sentido de desviarse o perder la buena orientación intelectual o moral y, finalmente, de esta última surge la idea de errar como sinónimo de equivocarse, de no acertar o de apartarse de la verdad.

Permitirse perder un cierto control sobre la propia práctica, aceptar el desarrollo no lineal en el seno del proceso creativo de una obra, son elementos que comparten  algunos de estos proyectos. Vagar, ir al azar sin rumbo fijo, son acciones que definen el proceso de creación de estas propuestas, permeables al hecho de que lo imprevisto, lo que se escapa a nuestro control, intervenga en ellas, las condicione o las conforme. En este sentido, la deriva, el desplazamiento incontrolado, ya sea a través de un espacio físico o sobre la superficie de un soporte material, emerge como práctica central.

Por otra parte, el error o equívoco – propio o externo – aparecen como epicentros de otra serie de proyectos. En estos, la extrañeza y el desconcierto que provoca el error motivan la activación de otros discursos y relatos. De esta manera, el equívoco se convierte en una especie de fisura, una grieta que rompe con las expectativas y los consensos, a la vez que abre un abanico de posibilidades. No estigmatizar el fracaso, no descartar el error si no más bien al contrario, trabajar a partir de la perplejidad que genera, para incorporarlo, apropiárselo, pensarlo y así aproximarse a lo real des de otra perspectiva.

Rita Andreu, comisaria

Más información: web-desplegable_sortir-se-de-la-linia.pdf (287,43 KB)

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16 y 17 de junio a las 22h en La Casa Encendida

Kratimosha es una partitura músico-visual que se despliega en varias direcciones y se recoge sobre sí misma.

Kratimosha

  • es un grafiti escrito en el casco de un trasatlántico
  • significa buena suerte en chino
  • es el título de una película muda
  • es un caballo de carreras
  • es el nombre artístico de una striper
  • es un proyecto de tatuaje en el hombro, que nunca llegó a realizarse
  • es la contraseña del correo electrónico de mi marido
  • es frívola porque es jugar por jugar, y es profunda por la misma razón
  • es hacer y rehacer la acción, escribir y rescribir

Es una obra de teatro con una cantante en bragas, una voz en off, un retrato de hogar y familia imaginario, un difunto, un montón de ruiditos copiados de la realidad, una serie de parejas a punto de enamorarse o a punto de romper y un final que se parece al principio, pero no en la forma, sino en la mofra, en la famor, en la romaf y en la ofram.

Ficha artística

Concepto, texto y dirección: Amalia Fernández; intérpretes: Cathi Sardella y Amalia Fernández; vestuario: Amparo Sánchez; sonido: Nilo Gallego: música: estate of John Pizzarelli, I´ve got you, de Frank Sinatra y Aldapeko interpretado por el orfeón donostiarra; diseño de iluminación: Maria Güell; diseño gráfico: Andrés Martínez; vídeo: Johanson Producctions; producción y distribución: Amalia Fernández; coproduce: Centro Párraga; colabora: Teatro de La Laboral, festival Mapa, L´estruch, La Casa Encendida y el aula de danza Estrella Casero de la UAH.

Amalia Fernández (Granada, 1970) es bailarina, estudió Danza Clásica y Contemporánea en el conservatorio de Sevilla y en La Escuela del Teatro de la Danza de Madrid (INAEM), completando su formación con diversos coreógrafos como Francesc Bravo, Debra Greenfield, Carl Paris, Ana Buitrago, Elena Córdoba, María José Ribot y Mónica Valenciano, con quien trabajó desde 1994 hasta el 2005 en la compañía El Bailadero Mónica Valenciano como intérprete y ayudante de dirección en cinco espectáculos. Como artista independiente ha estrenado los espectáculos:Matrioshka en 2005, Maya en 2006, Shichimi Togarashi en 2007, Las perras en 2008, Kratimosha en 2009, Souvenir en 2010 y En Construcción en 2010 y 2013.
Ha colaborado en proyectos con Gary Stevens, Odd Enginears, Karin Elmore y Cuqui Jerez.

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Sábado 17 de junio a las 20.30h y domingo 18 de junio a las 19h en La Caldera

Heartbeat es un solo de movimiento para un intérprete. La primera finalidad de este solo es ocupar un espacio y un tiempo bailando. Una sesión de tres horas de música dance, hip hop, techno y electrónica sirven de base al movimiento. La pulsación de la música es la que marca el ritmo y la que ofrece el estímulo al cuerpo para moverse. Un cuerpo que está “a la escucha” de sus necesidades así como de su espontaneidad en un ejercicio de improvisación.
 
La temporalidad que propone el trabajo provoca y permite calentar el cuerpo mediante la acción. Es así cómo, a través de dicha acción, baile o danza y mediante un efecto físico-químico, este cuerpo sube su temperatura, sus poros se dilatan y suda, se hace permeable abriéndose a cualquier estímulo, dejándose afectar. Un cuerpo que se entrega a la pérdida, al abandono para acabar mostrándose en su carnalidad. Podría decirse que, el recorrido que realiza, viene marcado por una búsqueda, la de perderse y encontrarse en un nuevo cuerpo o incluso en diferentes cuerpos, en diferentes realidades donde deseo y placer están presentes.
 
En Heartbeat el movimiento quiere alejarse de lo formal y de lo académico, siendo éste un elemento plástico y expresivo resultado del uso de una determinada energía y no una coreografía de formas cerradas. Una propuesta donde se juega a buscar los límites espaciales, temporales y energéticos de un cuerpo.

Nota:debido a la duración de la propuesta se permite entrar y salir de la sala según las necesidades del espectador.

Este solo fue preestrenado el 30 de octubre de 2016 en la sala Pradillo de Madrid y estrenado el 20 de enero de 2017 en la sala Carme Teatre de Valencia.

SANDRA GÓMEZ. Master en Producción Artística por la Facultad de Bellas Artes de Valencia (especialidad en Pensamiento Contemporáneo y Cultura Visual). Licenciada en Arte Dramático por la ESAD de Valencia y amplia formación en danza contemporánea en Valencia y Bruselas. Desde el año 2001 trabaja de manera conjunta con Vicente Arlandis en el colectivo LOSQUEQUEDAN en numerosos proyectos de creación e investigación que son mostrados en diferentes festivales de ámbito nacional. Desde el año 2012 lleva a cabo su propia investigación y trabaja en proyectos centrados en el cuerpo y el movimiento: Heartbeat (Valencia, 2017), No soy yo (Valencia, 2016), Tentativa and Guests (Valencia, 2016-2014), The love thing piece (Madrid, 2013) y Tentativa (Valencia, 2012).

Duración: 3 horas

Idea e interprete: Sandra Gómez / Proyección: Sergi Faustino / Luces: Antoine Forgeron / Gracias a: Espai Flotant / Con el apoyo del Ayuntamiento de Valencia

Este trabajo se ha gestado dentro del espacio de encuentro e intercambio misióndivina.

 

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Hora: 14h hasta 22h.

Duración: 10 horas

Dirigido a: todos los públicos

Lugar: Centro Danza Canal: estudio 5 y Sala de Prensa

Entradas: Libre acceso hasta completar aforo

El Festival de vídeo & danza dança em foco de Brasil conmemora sus 15 años de existencia con proyecciones en varias ciudades del mundo en 2017. Durante los días 10 y 11 de junio Madrid será la ciudad elegida para esta celebración. Para ello en el Centro Danza Canal se exhiben una selección de 12 programas ininterrumpidamente durante 10 horas. Cada programa contiene una selección de videodanza de entre 3 y 5 minutos de duración. Cada programa tiene dos pases durante los dos días.Además, el sábado 10 de junio a las 20h, en la sala de Prensa, dos de los directores del festival, Leonel Brum y Eduardo Bonito, presentarán el programa “Retrospectiva de la producción de videodanza de Brasil en los últimos 15 años de historia del festival”. 

Programa sábado y domingo:

14:00h Site-specific, 28min. Selección REDIV – Red Iberoamericana de Videodanza, 37min

14:30h Retrospectiva Alexandre Veras, 65min. Solos introspectivos, 24min

15:00h Urbanidades, 28min

15:30h Interiores, 27min. Solos especiales, 26min

16:00h Coreoediciones  Américas, 25min. Solos especiales, 26min

16:30h  Solos introspectivos, 24min. Duos especiales, 26min

17:00h  Interiores, 27min. Solos Iberoamericanos, 19min

17:30h  Urbanidades, 28min. Coreoediciones  Américas, 25min

18:00h  Teatralidades latinas, 30min. Site-specific, 28min

18:30h  dança em foco 15 anos, 62min. Teatralidades latinas, 30min

19:00h  Retrospectiva Alexandre Veras, 65min

19:30h  Selección REDIV – Red Iberoamericana de Videodanza, 37min

20:00h  Solos Iberoamericanos, 19min. dança em foco 15 anos, 62min + charla presentación directores festival

20:30h  Retrospectiva Alexandre Veras, 65min

21:00h  dança em foco 15 anos, 62min

21:30h  Interiores Dramáticos,  29min

Fecha: sábado 10 y domingo 11 de junio

 

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9 de junio en el Leal.Lav

Partiendo de la apropiación de una conferencia TED, la creadora CLAUDIA FACI propone al espectador un recorrido por la dramaturgia oficial en la que estamos inscritos, aquella que estructura nuestras formas de pensar, desear y habitar el mundo. Sin embargo, el término dramaturgia también está preñado de posibilidades transformadoras, aquellas que se abren a lo real y lo social. Y es justamente eso lo que hará saltar por los aires el andamiaje del dispositivo TED: lo real y lo social asaltando la escena y dinamitando la sofisticación de la dramaturgia de la certeza.

¿Cómo? Cagándola a conciencia. Es decir: desertando el público, desertando la presencia escénica, desertando la imagen inflada hasta el paroxismo y su supremacía… en definitiva, regresando al cuerpo sensible y a lo que late por debajo de éste. Detectada la lógica del sistema, sólo queda apagarla y destruirla en nuestros corazones. ¿Y las nuevas palabras? ¿Y las nuevas ideas? Esas llegarán cuando el corazón esté preparado.

Y es precisamente alguien que ha desertado de la lógica del sistema quien toma la palabra a continuación. ANTONIO RUIZ, un hombre que ha logrado hacerse un corazón nuevo después de atravesar la experiencia de la psicosis y de la estigmatización social. El rostro y la voz de Antonio confrontan con el espectador a través del dolor y la valentía de su experiencia vital, golpeando las defensas del público con la violencia, lucidez, ternura y sinrazón de un auténtico desertor.

El resto del trabajo ha de hacerlo el espectador. En la sala y al salir de ella…

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Viernes 2 de junio a partir de las 19 h en el IVAM (Valencia)

Ciclo de danza, práctica, experimentación y pensamiento en el museo.

Equipo Radicantes: Tatiana Clavel, Mireia Ferrer, Cristina Núñez y Rocío Pérez

 El sujeto del radicante se crea al describir su propia trayectoria, gracias a su misma dinámica […] el radicante puede crecer y desarrollar sus raíces en cualquier tipo de superficie [….].

Borriaud, Nicolas. Radicante, 2009

Radicantes. Danza y otras especies pretende crear un espacio de investigación, experimentación y reflexión en torno al cuerpo; un campo semántico abierto en el que la acción y el movimiento adquieren pleno protagonismo.

Un dispositivo diseñado para compartir el acto creativo en vivo. Un laboratorio escénico, un espacio de prueba, experiencia y observación donde el público es parte activa del experimento, incidiendo directamente en los resultados.

El ciclo lo conforman distintas prácticas con carácter procesual que derivarán en un diálogo abierto con el público, en formato de veladas.

En esta primera edición de Radicantes hemos decidido abordar como temática

GIM ( Género identidad memoria)

Participantes en GIM: Sandra Gómez; Cristina Núñez y Rocío Pérez; Carme Torrent; Mireia Ferrer (dinamizadora)

Género: seres con una o varias cosas en común, categoría, mercancía, tejido, taxón.

En un mundo cada vez más cambiante y fluctuante la necesidad de identificarse se hace cada vez más patente. Identidad significa la búsqueda de lo colectivo, lo idéntico, los rasgos que me asemejan al/los otro/os; pero también aquello que me singulariza y me hace distintivo.  La identidad surge de esas dos pulsiones contradictorias que se manifiestan en el seno de cada uno, contradicciones que marcan las constantes vitales de la identidad contemporánea.

Memoria, lo que no se logra escribir, lo que se escapa (De Diego, Estrella) y en el vacío/lleno de la memoria, la imaginación, el lugar en el que la ausencia se hace presencia, hacer dinámico lo estético, convertir el recuerdo en sucesión de recuerdos (Klein, Irene) y al hacerlo retar a la verdad, a la autenticidad, no hacer memoria, ser memoria porque la memoria es un acto encarnado.

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