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Espectáculo

Del 22 al 24 de noviembre en La Mercè, Girona.

El spin off de LA PLAZA (Premio de la Crítica 2018) desmonta convenciones teatrales con la firma de uno de los colectivos más innovadores de la escena catalana.

A un proyecto de El Conde de Torrefiel se debe ir abierto a la sorpresa y la curiosidad. Su obstinación con el derribo de fronteras y etiquetas continúa con KULTUR, spinoff de LA PLAZA, montaje que flirteaba con la instalación museística y que fue galardonado con el Premio de la Crítica 2018. Esta idea de la performance también domina esta nueva propuesta que enfrenta al espectador a una escena en apariencia realista (un casting que exige una escena de sexo explícito) para crear una experiencia íntima y subjetiva, para que adopte, ayudado por la oscuridad y unos auriculares, la posición de un voyeur que espía una situación que crece en intensidad.

Más información: https://temporada-alta.com/es/event/kultur/

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21 de noviembre, Azkuna Zentroa

La compañía escénica La Tristura presenta su último montaje, Future Lovers. Una reflexión en torno a la juventud, los sueños y las expectativas que se cumplieron y las que no, a través de los ojos y el pensamiento de un grupo de millennials.

En Future Lovers seis jóvenes nacidos en torno al año 2000 hablan entre ellos y ellas y hacia el mundo. Es una noche de verano a las afueras de una gran ciudad, en la que un grupo de amigos, quizás en el paso del instituto a la universidad, han quedado para beber, bailar, hablar y besarse.

Viéndoles simplemente estar y comportarse, como si nadie les estuviese mirando. El objetivo es «crear una burbuja, un nido, que al ser visto desde fuera nos apele directamente, nos obligue a volver a ese momento de nuestra vida», explican desde la compañía. La pieza invita a cada persona observadora a encontrar las siete diferencias con respecto a su adolescencia, a su juventud, para que decida cómo relacionarse con una cuestión siempre compleja: ¿Cuáles eran las expectativas que tenía de mi propia vida? ¿Se cumplieron? ¿Estaba equivocado entonces o quizás lo estoy ahora?

La Tristura trabaja alrededor de las artes escénicas contemporáneas, tratando de generar “situaciones” dentro y fuera del escenario, desde hace más de 10 años. «Entendemos la escena como un lugar de investigación desde el que amplificar las posibilidades de la vida», explican. Future Lovers responde a este interés. «Si no resulta sencillo encontrar una situación para relacionarnos de forma libre y profunda con los adolescentes, con los futuros líderes y los futuros amantes, queremos hacerlo en escena, intentando generar una experiencia común que, con suerte, nos revele algo de nuestro pasado y de nuestro futuro».

Más información: https://www.azkunazentroa.eus/az/cast/inicio/agenda-4/la-tristura-future-lovers-/al_evento_fa

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Basado en Entrevistas breves con Hombres repulsivos del escritor americano David Foster Wallace.

Acercarse a la vida, la obra y el pensamiento de David Foster Wallace, el escritor que captó como pocos el malestar y la hipocresía de los Estados Unidos. Este es el hilo conductor del nuevo montaje de creación libre de Juan Navarro y Gonzalo Cunill. La inspiración llega alimentada por algunos relatos de Entrevistes breus amb homes repulsius. Un puñetazo —cómo prácticamente todos sus escritos— y sin embargo la puerta o umbral para entrar a su universo sensible, desde el cual el autor intentaba sobrevivir día tras día. Los umbrales pueden aterrorizar o amedrentar, pero también pueden estimular la imaginación para crear fantasías inesperadas.

Temporada Alta
Sala La Planeta, Girona
viernes, 15 – 20:30
sábado, 16 – 18:00
20€

Más información: https://temporada-alta.com/es/event/en-lo-alto-para-siempre-basat-en-entrevistes-breus-amb-homes-repulsius-de-david-foster-wallace/

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Del 6 al 17 de noviembre
De martes a sábado, 20:30 h
Domingo, 19:30 h

Del 6 al 17 de noviembre el Teatro de La Abadía A.K.A. (Also Known As). La pieza, escrita por Daniel J. Meyer, dirigida por Montse Rodríguez Clusella e interpretada por Albert Salazar, se presenta como un monólogo narrativo que reflexiona sobre los problemas de un chico de 15 años, sensible y solitario, que mira directamente a los ojos y al corazón de su historia. El relato de un adolescente repleto de preguntas sobre su identidad.

LA VIDA DE CARLOS

Carlos es un buen alumno, se aburre, está enfadado, está bien, sale con sus colegas al parque, baila hip-hop. Es una persona feliz y un día conoce a Claudia. Y… ¡magia!

Escrito de un tirón por Daniel J. Meyer, A.K.A. nos habla de un periodo de la adolescencia de Carlos del que nosotros formamos parte. Nos relata su día a día a los 15 años: el instituto, la terapia, el rechazo, la rabia y el miedo, los amigos, el amor y el deseo, la relación con sus padres… Un momento en el que la experiencia más traumática de su vida hace temblar sus cimientos, sus raíces, su identidad. Y es que Carlos es adoptado… Este monólogo habla sobre la identidad, pero también sobre la diferencia entre lo que sientes que eres y lo que deter­mina la sociedad que eres. Del dentro y el fuera. De cómo la mirada externa a veces cuestiona nuestra propia individualidad.

Entran en escena temas como la xenofobia, la amistad, el primer amor, las redes sociales, el clasismo y los prejuicios que practicamos a diario. El joven protagonista lleva a los espectadores de la mano, sin cuarta pared, contagiando su vitalidad y haciendo al público testigo, juez y cómplice del rechazo que sufre, de la injusticia que le ha apartado de su vida normal y, en general, de una sociedad que mantiene un discurso de rechazo constante hacia lo que es y lo que hace.

¿Somos los que los demás ven? ¿Lo que quieren ver? ¿Lo que mostramos? ¿Lo que ocultamos? ¿Lo que emerge cuando estamos solos?

“Hemos desarrollado la ansiedad compulsiva del juicio social ligado a las redes sociales. Estas son maravillosas, pero no sabemos hacer un buen uso de ellas todavía. Estamos esperando a los likes y los retuits, el juicio ajeno. Este es un siglo en el que nos gusta mucho gustar. Y todo ello puede afectar mucho a alguien cuya identidad se está formando aún, como es el caso de los adolescentes”, nos cuenta Daniel J. Meyer.

Una propuesta honesta, valiente y comprometida con el lenguaje y las inquietudes de los adolescentes, que en raras ocasiones tienen oportunidad de ver y sentir reflejado su propio universo generacional, dirigida de manera sensible y enérgica por Montse Rodríguez Clusella: “Carlos es un personaje entrañable que ha tenido, en los últimos cuatro años (los que abarca la obra), una historia bonita, a la par que dura. La cuenta desde una sensibilidad, una vulnerabilidad y una apertura tan grande que no puedes hacer otra cosa sino entenderlo y quererlo”.

Más información: https://www.teatroabadia.com/es/temporada/560/a.k.a.-also-known-as/

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5 y 6 de Noviembre en el Teatro Central de Sevilla.

«VÁRVARA»propone un acercamiento feminista al arquetipo cristiano de María Magdalena. Partiendo de lugares aparentemente tan dispares como la cultura valenciana del bacalao y la idea mística del éxtasis, Bárbara Sánchez encarna la figura de La Gran Amante. Como en toda práctica mística, el objetivo aquí es la unión, la disolución definitiva de la distancia. No queda espacio ya para la ironía, el sarcasmo y mucho menos para lo autorreferencial. María Magdalena es la loca ejemplar, capaz de vaciarse para encarnar al Amado, capaz de destrozar cualquier institución patriarcal para afirmar su Amor Infinito. Ella habla directamente con su Dueño, elegido libremente. No hay ni distancias ni intermediarios que valgan. Frente a la imposición capitalista de un modelo de mujer privilegiada blanca que se puede permitir dedicar sus esfuerzos a observarse a sí misma, Ella lleva a cabo un desalojo radical, una bajada consciente y deseada a los escombros del mundo, a ese lugar desde donde reina su Cristo. // Jaime Conde Salazar

Más información: https://www.mesdedanza.es/programacion/2019/varvara/

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Philipe Quesne | 18, 19 y 20 de julio en Naves Matadero

Siete topos cavando sus madrigueras han aterrizado en un escenario de teatro. Siete topos viviendo juntos, una utopía para un animal supuestamente solitario.

Los espectadores pueden ver a estas criaturas subterráneas viviendo, comiendo, durmiendo, muriendo, trabajando, dando a luz, copulando, divirtiéndose y formando una banda de rock… La Nuit des Taupes, del vanguardista creador francés Philippe Quesne, sumerge al público en un mundo paralelo, sin palabras ni humanos, conquistado por las garras y los hocicos de siete topos en un universo eléctrico que vibra con la música underground que se escucha en garajes y sótanos. Como los sucesores de Sísifo, los topos hacen rodar sus piedras cuesta arriba ofreciendo su visión de la historia de la humanidad. Juguetones, codiciosos y algunas veces agresivos, exploran las razones más profundas de su existencia y descubren su interés por el arte y el ritual. En este espectáculo contundente y explosivo, su creador evita contar historias y se concentra en la esencia de su trabajo: explorar los materiales y el poder de la música, la construcción de espacios y la creación de la luz que baña a sus personajes.

Philipe Quesne ha diseñado escenografías para teatro, ópera y exposiciones. En 2003 fundó Vivarium Studio Company con quien ha desarrollado su particular estilo y, desde 2014, codirige el Centro Dramático Nacional Nanterre-Amandiers en Francia. Quesne busca lo maravilloso, lo pequeño y las experiencias extremas de nuestra vida cotidiana, junto a la relación entre la humanidad y la naturaleza. De niño ya lo hacía cuando recolectaba insectos y ahora, trabaja y estudia pequeñas comunidades bajo su microscopio y utiliza la escenografía como un ecosistema en el que sumerge a sus actores. Además de su trabajo más escénico, como el que presenta en Naves Matadero, crea performances e intervenciones en espacios públicos que dialogan con la pieza teatral.

En Madrid, además de presentar esta pieza, Philippe Quesne y sus topos intervienen en Veranos de la Villa en el programa Cuando el río suena… y en Verbena animal.

+ info y entradas

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6, 7 y 8 de junio de 11 a 19h en Azkuna Zentroa

Oscar Gómez Mata es artista asociado en Azkuna Zentroa. Esta nueva línea de apoyo a la creación acompaña a artistas cuyos trabajos suponen una inspiradora mirada sobre los lenguajes artísticos.

El artista Oscar Gómez Mata dirige el 6,7 y 8 de junio el Catálogo de derivas, actividad donde propone realizar diversas derivas con el fin de trabajar sobre la observación y la exploración de los paisajes urbanos cotidianos.

Una deriva es una práctica en la que a través del acto de caminar, se pretende establecer conexiones entre el paisaje urbano y la vida interior del participante. Despertar lo inesperado, reinventar y probar algo que todos sabemos y conocemos.

Estimular el azar, la sincronicidad y la serendipia. Ver cómo se genera un material personal a partir de esta experiencia. La idea de deriva concebida como desplazamiento o recorrido físico y mental a partir de instrucciones previas, intentando modificar el punto de vista del participante.

Realizando este ejercicio, la deriva se puede convertir también en una herramienta para generar material artístico. El desplazamiento físico y mental nos lleva a encontrar y recoger diferentes materiales: textos, reflexiones, pensamientos, imágenes, sonidos… siempre trabajando con el pensamiento: “voy a encontrar algo”.

OSCAR GÓMEZ MATA (Donostia, 1963) vive y trabaja en Suiza, en Ginebra. Actor, director y también autor y escenógrafo, empieza sus actividades teatrales en España donde, en 1987, es cofundador de la Compañía Legaleón-T, con la cual crea espectáculos hasta el 1996. En Ginebra en 1997, funda la Compañía L’Alakran por la cual firma la dirección, la concepción, la dramaturgia o los textos de varios espectáculos. Oscar Gómez Mata desarrolla también un trabajo pedagógico en la escuela de Teatro Serge Martin (Suiza), en Les Chantiers Nomades (Francia). Desde 2013, es profesor regular en la Manufacture – Escuela de teatro de Suiza francesa (HETSR). Premio nacional suizo de teatro en 2018.

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Del 23 de mayo al 8 de junio, a las 20:00, en Conde Duque.
10 € / 8 € reducida.

Lecciones de vuelo es una propuesta site-specific en la que por una vez, los niños son los que mandan y han propuesto qué es lo que los mayores deben rescatar de su mirada infantil.

Un hombre que echa de menos a su niño. Una mujer que no sabe dónde ha puesto a los suyos. Y un dragón que custodia el lugar donde los miedos de ambos se cruzan. Del encuentro de estos dos adultos sin niño con este niño sin adulto se despliega un juego en el sentido opuesto al habitual: un camino de vuelta a la infancia en el que las identidades se borran, las pérdidas se vuelven una forma mágica de ganancia y la confianza en el momento presente todavía es posible.

Los talleres lúdicos del Made by Kids han sido generadores de ideas y temas que varios grupos de niños han querido convertir en un espectáculo para adultos. Tras varios procesos de ideación y prototipado, un equipo de profesionales de la escena ha tomado la materia creativa generada por estos pequeños artistas de 5 a 11 años, para convertirla en una experiencia en la que los adultos viajaremos a su territorio. Así surge LECCIONES DE VUELO, una propuesta site-specific en la que por una vez, los niños son los que mandan y han propuesto qué es lo que los mayores deben rescatar de su mirada infantil. Las bóvedas de Conde Duque se convierten así en el Reino del Asombro, donde podremos conectar con aquel niño que un día fuimos y que aún podemos volver a ser.

– DIRECCIÓN Belén Santa-Olalla

– AYUDANTE DE DIRECCIÓN Rodrigo de la Calva

– PRODUCCIÓN Conde Duque Madrid y Stroke114

– INTÉRPRETES: Alberto Novillo, Lydia Ramírez y Fernando de Retes

– DRAMATURGIA Sergio Martínez Vila

– ESCENOGRAFÍA Rosa Moreno

– VESTUARIO Barbara Balloqui

– ILUMINACIÓN Diego Conesa

– ASESORÍA DE MOVIMIENTO: Poliana Lima

– CARTEL Aleyna Rentz

– AUDIOVISUALES Jorge Sarrión

– COMUNICACIÓN: Franco Masok

– DISEÑO Y FACILITACIÓN TALLERES Cristina Bucero

– COORDINACIÓN DE PRODUCCIÓN Cipactli Casillas

 EQUIPO DE IMAGINADORES:

Cecilia Casado Angulo (5 años)

Yasmina Akian (5 años)

Mateo García Hurtado de Mendoza (5 años)

Nora Pozo Martín (6 años)

Candela Miralles Heredero (6 años)

Irene López Páez (5 años)

Leo Gorgemans Sempere (6 años)

Maia Irisarri (6 años)

Agatha Tressino (6 años)

Marco Reina Ibañez (6 años)

Zoe Fernández Machuca (6 años)

Luis Felicio Ramos (7 años)

Samira Akian Dominguez (7 años)

Olivia Pozo Martín (7 años)

Lucas Gutierrez Francisco (8 años)

Aimar Sielle Pérez (8 años)

Celia Parrondo (8 años)

Aroa Ballén Villegas (8 años)

Santiago Chavez Pinzón (8 años)

Ángel Pereira Collado (9 años)

Daniela Fraga Morán (10 años)

Chiara Nicotra (10 años)

AGRADECIMIENTOS

A los imaginadores del Colegio Pi i Margall, gracias por vuestra creatividad sin límites, por vuestra mirada limpia y por vuestro amor a la vida, gracias por hacer que esto no se olvide.

A las madres y padres de todos los imaginadores, al AMPA y al Colegio Pi i Margall, especialmente a Diego Casado y Alejandro Calle, porque sin ellos y sin la imaginación y la libertad de sus hijos, esta historia no existiría.

A todos los intérpretes que se presentaron a la convocatoria de audiciones y a los seleccionados que acudieron y se dejaron la piel en las pruebas.

A Sara Miguelez, Tomás Muñoz y los alumnos del taller de escenografía de la Universidad Europea (Ginevra Brighetti, Pilar González, Daniele Lacobucci, Jaime Iglesias, Paula López de Turiso, Laura Poza, Maria Sofia Quaresima) por su aportación y participación en la fase de talleres.

A Miguel, Isla, Pablo, Alex, Goyo, Víctor, María, Inés, Oksana y al resto del equipo de Conde Duque Madrid y artistas asociados, por su interés y esfuerzo por levantar este proyecto.

Más información: https://www.condeduquemadrid.es/actividades/lecciones-de-vuelo

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Del 22 de mayo al 2 de junio en el Escenari Joan Brossa

Horarios De miércoles a sábado a las 20 h y domingo a las 18 h
Precios Miércoles y jueves: 12€. Viernes, sábado y domingo: 17€
El día 23 de mayo es el Día del Teatro de SGAE, sólo pagas los derechos de autor (1,20€)

“La última frontera del capitalismo es el cuerpo de las mujeres”.
Silvia Federici

El dinero, el deseo, los derechos es un proyecto de teatro documental que analiza la gestación subrogada desde una perspectiva feminista posando en relación (y en conflicto) la maquinaria capitalista que posa precio al cuerpo de las mujeres y mercantiliza la vida con los testigos reales de estas mujeres. El caso de Mary Beth Whitehead, una ama de casa de Nueva Jersey que en ochenta se convirtió en la primera madre subrogada que reclamaba la custodia del bebé que paría, nos sirve de referente y se contrapone a los casos de mujeres del siglo XXI en Ucrania, India, Estados Unidos o Canadá que firmen contratos mercantiles y acceden a posar el cuerpo para gestar un hijo ajeno. El Dinero, el deseo, los derechos es un manifiesto poético; un intento d´il•luminar la potencia transformadora y subversiva de la maternidad como estadio sexual de la mujer, un llamamiento a devolver al orden simbólico de la madre para neutralizar la violencia que capitalismo y patriarcado ejercen sobre nuestros úteros.

Espectáculo en catalán y castellano

ACTIVIDADES
Cada día habrá un coloquio post función con la compañía y personas relacionadas con la temática del espectáculo.
Miércoles 22 de mayo coloquio post función con María Jesús Izquierdo, Doctora en economía especializada en economía feminista y de las curas i professora de Teoría Sociológica de la Universitat Autònoma de Barcelona y doctora en economia
Jueves 23 de mayo coloquio post función con Maria Llopis, activista post-porno y autora del libro Maternitats Subversives
Viernes 24 de mayo coloquio post función con Lola González, psicóloga perinatal.
Domingo 26 de mayo coloquio post función con Beatriz Sanroman, investigadora del Grup AFIN de la UAB.
Jueves 30 de mayo coloquio post función con Gabriela Serra, activista social.
Viernes 31 de mayo coloquio post función con Laura Cardús, Doctora en antropología especializada en Antropología Visual, Universitat de Barcelona. Cordina el proyecto MATER, asociación para un parto respectado

FICHA ARTÍSTICA
Creación e interpretación Núria Lloansi, Susanna Barranco y Juan Navarro
Investigación documental Susanna Barranco y Marta Galán Sala
Diseño de iluminación Ana Rovira
Diseño de sonido Juan Navarro
Edición i diseño de vídeo Roger La Puente y Susanna Barranco
Rodaje y edición del material audiovisual Susanna Barranco
Coordinación técnica Lluís Robirola
Dramaturgia y dirección Marta Galán Sala
Producción Mithistòrima Produccions s.l. (Sala La Planeta)

Con el soporte del ICEC, Ayuntamiento de Girona y Diputación de Girona.
Con la colaboración de: La fàbrica de creació Escenari Joan Brossa.

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Centro Párraga / 24 de mayo / 21:00 horas / Espacio 0
Precio de la entrada: 8 Euros
Duración: 50 min

Cris, Jorge y Guillem nos conocemos desde hace años y por fin trabajamos juntos. A esta primera colaboración la hemos llamado Lo Mínimo y es una creación en proceso que cristaliza en dos momentos: uno que llamamos lo pequeño que mostramos en mayo de 2018 en La Pedrera y que es lo que veréis aquí, y otro que se llamará Lo Mínimo que se estrenará en el Mercat de les Flors en abril 2019.

En lo pequeño hemos trabajado sobre el artificio y nuestra manera de acercarnos a él, que es hacer visibles la maquinaria y estrategias teatrales. Partiendo de una situación, un espacio y un tiempo poco definidos, como suspendidos, vamos construyendo pequeñas situaciones o mini espectáculos los unos a los otros, creando diferentes capas de artificio, realidad o ficción, jugando con la expectación, la expectativa y la espectacularidad.

Creación e interpretación: Cris Blanco, Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol.
Sonido y coordinación técnica: Carlos Parra.
Producción Ejecutiva: El Climamola.
Producción de La Pedrera con la colaboración del Mercat de les Flors.
Barcelona Mayo de 2018.

Más información: http://www.centroparraga.es/servlet/s.Sl?sit=c,914,m,3898,i,1&r=Portal-43333-DETALLE_EVENTO

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