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Espectáculo

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Del 21 al 24 de marzo en la Sala MAC del Mercat de les Flors – 20h (dg 18h) 16€

CÈL·LULA es una estructura flexible para la creación, la transmisión continua y el desarrollo de la danza. Invita y acoge a coreógrafos e intérpretes, y tiene como objetivo facilitar y producir creaciones de formato medio/grande.

CÈL·LULA#1: Primera producción del Mercat de les Flors dentro del proyecto CÈL·LULA

Dentro de La Quinzena metropolitana de dansa

Albert Quesada continua su investigación personal sobre el mundo del flamenco y su complejidad con la intención de encontrar el origen mismo del movimiento y el canto. El coreógrafo quiere descubrir el motor del flamenco y desplazarlo a otros cuerpos y otras músicas para generar un nuevo sentido. Conseguir, en definitiva, que la pequeña chispa que cada persona custodia dentro de sí se convierta, finalmente, en un gran incendio.

Flamingos es el resultado de colocar a Carmen Amaya en medio de una escena de John Waters. El impulso del flamenco para compartir el interior del alma humana se mezcla con la música, el vestuario y el imaginario más pop. ¿Cuál es nuestro propio flamenco? ¿Cuál es nuestra música y qué danzas invita a bailar? Los cuerpos, los deseos, los miedos y los referentes se dejan contaminar para dar voz a una jam session llena de duende. Una juerga que se alarga hasta la madrugada donde ocho intérpretes se exponen y se desnudan con la única voluntad de celebrar y de celebrarse, con movimientos y cantos que no dejan lugar a la duda o la incertidumbre. Esto es así y no puede ser de ninguna otra manera. ¡Ea!

Actualmente Albert Quesada es coreógrafo asociado al Mercat de les Flors y ha sido invitado a crear la primera producción del proyecto CÈL·LULA.

Idea, coreografía y dirección Albert Quesada / Ayudante dirección Claudia SolWat /Creada con e interpretada por Blanca Tolsá, Eliott Marmouset, Mario G. Sáez, Miquel Fiol, Katie Vickers, Laila Tafur, Víctor Pérez Armero, Viktoria Andersson / Diseño sonoro Rafael Cañete, Julián D’Avino, Carlos Parra / Diseño escénico y de iluminación CUBE.ez / Vestuario Jorge Dutor, Txell Janot / Dramaturgia Albert Pérez Hidalgo, Pau Masaló / Agradecimientos Mireia de Querol, Kosmonaut Production
Producción Mercat de les Flors / Coproducción Dansa – Quinzena metropolitana / Con la colaboración Fundació Banc Sabadell /

Más información: http://mercatflors.cat/es/espectacle/flamingos/

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Cuerpo gozoso se eleva ligero, de VICENTE ARLANDIS / TALLER PLACER

23 de marzo, 20:30h. La Mutant.

+ info: https://www.lamutant.com/portfolio-item/cuerpo-gozoso-se-eleva-ligero/

Una pieza escénica que tiene su inicio en el mundo del personaje del idiota y su conexión con tres cuestiones físicas muy concretas: el cuerpo, el placer y la ligereza.

Una obra que tiene mucho de instalación visual.  Hemos trabajado a partir de materiales muy ligeros como el aire, el gas y el plástico partiendo de la idea de ligereza y confrontando dichos materiales en una especie de batalla lúdica contra la gravedad, entendida ésta como una fuerza que se ejerce sobre nosotras en todos los ámbitos de la vida.

“Y entonces me iluminó de repente este pensamiento sencillo y santo: que yo no tenía que ser ni maduro ni inmaduro sino así como soy… que debía manifestarme y expresarme en mi forma propia y soberbiamente soberana, sin tener en cuenta nada que no fuera mi propia realidad. ¡Ah, crear la forma propia! ¡Expresarse! ¡Expresar tanto lo que ya está en mí claro y maduro, como lo que todavía está turbio, fermentando!; ¡que mi forma nazca de mí, que no me sea hecha por nadie…

Ferdydurke de Witold Gombrowicz

Una idea de Vicente Arlandis/TALLER PLACER
Creación e interpretación  Sandra Gómez, Aris Spentsas, Vicente Arlandis y Rosana Sánchez  con la colaboración de Hipólito Patón.
Iluminación  Isaac Torres
Producción Paula Miralles
Una coproducción del Centro Cultural Conde Duque de Madrid
Con el apoyo del Ayuntamiento de Valencia y el Instituto Valenciano de Cultura
Agradecimientos INPLASBA y La Mutant

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1-2-3 febrero 20h30
Carme Teatre, València
Más información y entradas: https://www.atrapalo.com/entradas/lp_e4827070/

Nos emocionamos con canciones que decimos detestar. Lloramos con temas que nos transportan a otras vivencias. Cantamos a solas, a todo volumen, y nos dejamos llevar sin importarnos el tono, la afinación o la melodía.

LP es una propuesta escénica que trata de jugar con los límites de lo musical. A partir del objeto “canción” la pieza trabaja la descomposición y recomposición de esos pequeños universos sonoros para adentrarse en todas sus posibilidades dramatúrgicas y escénicas. Partiendo de conceptos en ocasiones más técnicos y otras veces más emocionales o biográficos la pieza viaja de una canción a la siguiente tejiendo un hilo musical íntimo a compartir.

Paula Miralles. Licenciada en Comunicación Audiovisual por la Universidad de Valencia y en Arte Dramático por la ESAD de Valencia. Ha realizado una intensa trayectoria como actriz de teatro. En 2016 crea la compañía Colectivo Mortero junto a David Alarcón, Esther Vidal y Pilar Parreño. Con esta formación pone el acento en la relación entre música y lenguaje, sonido, texto y palabra. Actualmente participa en el proyecto colectivo Taller Placer junto a Vicente Arlandis, Miguel Ángel Martínez, Violeta Ros y Aina Vidal y combina su faceta artística y creativa con la de gestión y producción de proyectos escénicos, tanto propios como ajenos. “LP” es su primer solo con el que inicia su propia línea de creación.

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La compañía Mikel Aristegui presenta el estreno de su nuevo espectáculo en el Auditorio Municipal de Ourense el 15 de noviembre a las 20.30hIn Between.

In Between es el primer espectáculo de Mikel Aristegui producido en Galicia. El proceso de creación comenzó el pasado mes de febrero a través de unos encuentros entre los intérpretes en Allariz – Ourense: Nuria Sotelo, Rosabel Huguet y Mikel Aristegui. En junio presentaron un extracto de la pieza en el Festival Vila Real Dansa en Castelló, como previo al estreno del espectáculo escénico.

 In between es ese espacio entre los cánones del hombre y de la mujer, entre lo masculino y lo femenino, la definición del género no binario, la necesidad de entrar en una dinámica de género fluido que proteja a la persona como tal, más allá del sexo que pueda representar. 

Dirección y coreografía: Mikel Aristegui

Interpretación: Rosabel Huguet, Nuria Sotelo y Mikel Aristegui

Iluminación: Octavio Mas

Música original: Gabor Csongradi

Vídeo: Camila Rapetti

Diseño gráfico: Marta Romero

Producción: Mikel Aristegui

Colaboran: Galicia Danza Contemporánea y Auditorio Municipal de Ourense

Espectáculo realizado en un ambiente seguro y de respeto para el colectivo LGTBIQ

Mikel Aristegui

En sus casi 30 años como profesional, Mikel Aristegui alternó su trabajo como intérprete con colaboraciones de creación con otros artistas: vídeo, iluminaciones, músicos, cantantes, artistas plásticos e incluso con estudiantes. También ha trabajado como productor, creando 2 festivales de coreógrafos vascos en Berlín (2009 y 2011ç9 y ha trabajado como comisario de arte y coordinador en una exposición en Berlín.

Arístegui trabajó como bailarín con Sasha Waltz & Guess durante casi 10 años, con Dv8 Physical Theater durante 3 años en la producción “Just for show” y como coreógrafo con el director de teatro Thomas Ostermeier, en la Ópera “Orpheo e Euridice” y para la Compañía “Dantzaz” entre otros.

Vive y trabaja en Allariz desde 2017.

 www.mikelaristegui.com

 

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Verónica Navas Ramírez, 09/11/2018 – 20:00h, CC Urgell, Entrada gratuita.

¿Qué se le puede hacer a una madre cuando ya está muerta? ¿Y qué se le puede decir? ¿Y qué nos podemos permitir sentir ante su muerte? ¿Y cómo nos emocionaremos? ¿Y qué nos diremos? ¿Y, cuando nuestra madre esté muerta, seguirá estando o habrá desaparecido por siempre jamás? ¿Seguirá con nosotros? ¿Seguirá en nosotros? ¿Seguirá viva en pequeños detalles, en pequeñas cosas que quizás son grandes, que quizás nos hacen cómo somos, nos hacen quién somos?

Verònica Navas se ha propuesto dar respuesta a estas y otras cuestiones sobre las relaciones entre madres e hijas y sobre cómo esta relación marca nuestra identidad, nuestra manera de ser y afrontar aquello que nos pasa, en un espectáculo que lo es a pesar de que no lo parezca: que nadie se espere una historia con argumento y desenlace, que nadie se espere personajes ni mentiras… Verònica Navas nos habla de ella y nos habla de su madre y lo hace en una conferencia que tampoco es sólo una conferencia aunque en un principio lo pueda parecer.

Hasta agotar existencias está hecho de palabras, las de su autora, pero también de las palabras de otros que nos llegan a través de varias grabaciones. Hasta agotar existencias está hecho de imágenes: la de Verónica Navas sobre el escenario pronunciando una conferencia sobre quién es su madre y quién es ella y cómo se relacionan y cómo se relacionarán cuando una de ellas, la madre, deje de estar; pero también otras imágenes, muchas imágenes, que nos llegan a través de una pantalla y que no ilustran pero que sí que explican.

Son imágenes y palabras que hablan de recuerdo y de legado, de presencia y de ausencia, de madres e hijas, de ser y estar.

 

FICHA

Autoría: Verónica Navas Ramírez. Asistente de dirección: Ona Sallas. Mirada externa: Anna Pérez, Agustina Basso, María García Vera. Diseño de iluminación y asistencia en espacio escénico: Oriol Corral. Agradecimientos: Salva Márquez, família Navas Ramírez. Una coproducción de Verónica Navas y el Institut del Teatre. Con la ayuda del Antic Teatre.

Más información: http://lameva.barcelona.cat/districtecultural/es/agenda/hasta-agotar-existencias-ensayando-para-que-la-muerte-de-mi-madre-no-me-pille-desprevenida

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MACARENA RECUERDA SHEPHERD. “¡Ay! ¡Ya!”

9 de noviembre de 2018 a las 20:00 Pamplona. Calle S. Agustín, 5

¡AY! ¡YA! es una ilusión que nos lleva a percibir la realidad de diferentes formas sugeridas por la imaginación o causadas por el engaño del sentido de la vista.

En ¡AY! ¡YA! observar se convierte en un juego. Una ilusión que se produce cuando la imagen que tenemos ante nosotros se transforma en otra, se multiplica o, simplemente, toma formas imposibles.

Cuerpos con varias extremidades, incompletos, transformables y moldeables.

Una performance que nos muestra “la ilusión” como la esencia del teatro. Una excusa para volver a encontrarnos.

IDEA: Macarena Recuerda Shepherd.

CREACIÓN: Idurre Azkue, Alberto de la Hoz y Macarena Recuerda Shepherd y la colaboración de Sofía Asencio

BANDA SONORA: Alberto de la Hoz

PRECIO: 10 € (en tauqilla y página web). Personas en paro y venta anticipada: 8€ (en taquilla)

TAQUILLA: abierta todos los días de función desde hora y media antes de las mismas y los miércoles de las 18:30 a las 19:30 h.

Más información: http://www.laescueladeteatro.com/es/agenda/macarena-recuerda-shepherd

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10 y 11 de noviembre 2018, Centro de Arte Conde Duque, 12:30 h, dentro del ciclo Dame cuartelillo. Entrada libre hasta completar aforo. 

En este proyecto hay un acto directo de representación: una representación pública, sin metáforas, sin presupuestos formales o técnicos. Hay también un deseo de revelar un espacio social, un espacio de posible encuentro, a través de la reconstrucción de lugares geográficos en los que no estamos, lugares de ausencia compartida, usando fragmentos de sonido, narraciones breves y, tal vez, un puñado de imágenes borrosas como referencia.

Rosa Casado y Mike Brookes son dos artistas multidisciplinares que, desde la acción, generan una propuesta de reflexión, creación y crítica en torno a los espacios y los lugares que transitamos, ocupamos y habitamos. Colaboran desde el año 2000 y sus trabajos se han presentado internacionalmente. Se acercan al conceptualismo desde una mirada pragmática y les interesa la literalidad y lo obvio como recurso para el hacer.

mikebrookes.com

rosacasado.com

Colabora La Casa del Burro (Peroblasco, La Rioja)

Más información: https://www.condeduquemadrid.es/actividades/quiet-too-quiet-not-silent

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08/11/2018 – 11/11/2018. Teatros del Canal. Sala Negra. De jueves a sábado, 18.30 h. Domingo, 17.30h. Duración: 1h 40min

La representación es la ficción de un ensayo con todo lo que supone la ficción de algo que ha de parecer en proceso pero que ya está ensayado y, de hecho, se está representando. A lo largo de su ya larga trayectoria, Cuqui Jerez (Madrid, 1973), su autora, ha ido reflexionando sobre la idea de la repetición, una constante que en The Rehersal (El ensayo, 2007), una de sus creaciones más celebradas, es llevada hasta sus últimas (o al menos más insospechadas) consecuencias.

Hay en la coreografía una suerte de confusión creciente acerca de quién tiene el mando en el ensayo de esta pieza, aparentemente in progress, en un proceso que es constantemente interrumpido por alguien que aparece con aires de directora dando nuevas y diferentes directrices al elenco. Jerez lo define como “una ficción dentro de una ficción dentro de una ficción… y así hasta el infinito”, una espiral de confusión que va siendo progresivamente alimentada con una serie de referencias a la cultura popular, no exentas de un humor directo y desconcertante.

Aun cuando alguna vez se ha definido a sí misma como “artista, coreógrafa, performer, secretaria, managertour manager, administrativa, amante esposa, docente y chica de la limpieza”, lo cierto es que se trata de una de las más innovadoras creadoras españolas moviéndose en los terrenos de arenas movedizas de la performance. Estudió ballet y danza contemporánea en Madrid y Nueva York pero desde los años noventa ha ido atesorando un nutrido grupo de creaciones híbridas, entre las que cabría citar Me encontraré bien enseguida solo me falta la respiración (1995), Hiding Inches (1999), A space odyssey 2001 (2001) y The Real Fiction (2005), una creación en la que ya se asoman algunas de las inquietudes que terminarán desarrolladas plenamente en The Rehearsal, que se estrenó en 2007. La representación de la pieza en Teatros del Canal supone la celebración de los diez años de su estreno.

Más información: https://www.teatroscanal.com/espectaculo/cuqui-jerez/

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La coreógrafa y bailarina norteamericana Meg Stuart afincada entre Berlín y Bruselas acaba de recibir el León de Oro de la Bienal de Venecia por su carrera. Esta coreógrafa fundó su compañía Damaged Goods en Bruselas en 1994, con la que ha creado más de 30 producciones, desde solos hasta grandes coreografías, además de vídeos e instalaciones. El trabajo coreográfico de Stuart gira entorno a la idea de un cuerpo incierto, vulnerable y autoreflexivo. Mediante la improvisación explora estados físicos y emocionales o el recuerdo de estos estados. Su trabajo artístico es análogo a una identidad en transformación constante que se redefine continuamente, a la vez que busca nuevos contextos de presentación y territorios para la danza. Su obra ha sido aclamada internacionalmente.

An evening of solo works,  7 y 8 de noviembre, 20 h, Sala PB, 16 €

A lo largo de los últimos años, Meg Stuart ha creado un buen número de solos en los que explora los movimientos cotidianos y las condiciones físicas. An evening of solo works (2013) presenta una selección de estos solos, así como fragmentos de obras de larga duración.

“¿Cómo se pueden traducir en movimiento las sensaciones y los monólogos interiores? ¿Es posible detectar las vacilaciones o los movimientos involuntarios?”. Meg Stuart

Coreografía e interpretación Meg Stuart / Producción Damaged Goods (Bruselas) / Meg Stuart & Damaged Goods reciben el apoyo del Gobierno Flamenco y la Comisión de la Comunidad Flamenca
Meg Stuart/Damaged Goods colabora regularmente con el Kaaitheater (Bruselas) y el HAU Hebbel am Ufer (Berlín).

#MegStuart #Violet #Aneveningofsoloworks

El jueves 8 de noviembre (18h), proyección de la película ‘Before We go’ de JORGE LEÓN (2014), con Meg Stuart, Benoît Lachambre y Simone Aughterlony

Más información y entradas: http://mercatflors.cat/es/espectacle/an-evening-of-solo-works/

VIOLET, del 9 al 11 de noviembre, 20 h (domingo 18h), Sala MAC, 22 €

VIOLET podría ser el nombre de una banda de rock. Así es como nos sentimos, como si estuviéramos dando un concierto de rock duro en lugar de un espectáculo de danza”. Meg Stuart

Cinco bailarines nos rebelan de manera simultánea y singular un paisaje lleno de energía, un terreno cargado de opciones. VIOLET es un descenso vertiginoso, un remolino de formas enérgicas y esculturas cinéticas llenas de detalles. En VIOLET, creada en 2011, Meg Stuart sitúa el movimiento como motor primario de la obra, identificando la coreografía con una alquimia de los sentidos. La pieza cuenta con la música en directo de Brendan Dougherty a la percusión y la música electrónica.

Coreografía Meg Stuart / Creada con Alexander Baczynski-Jenkins, Varinia Canto Vila, Adam Linder, Kotomi Nishiwaki, Roger Sala Reyner / Intérpretes Márcio Kerber Canabarro, Mor Demer, Renan Martins de Oliveira, Kotomi Nishiwaki, Roger Sala Reyner / Música en viuBrendan Dougherty / Dramaturgia Myriam Van Imschoot / Escenografía Janina Audick /Diseño iluminación Jan Maertens / Vestuario Nina Kroschinske / Asistente escenografía Julia Kneusels / Asistente vestuario Nina Witkiewicz  / Entrenadora ensayos Joséphine Evrard / Director técnico Jitske Vandenbussche / Director escena Pierre Willems / Técnico sonido Richard König / Director producción Eline Verzelen / Responsable gira Delphine Vincent / Asistente producción Mira Moschallski / Agradecimientos Ulrike Bodammer, Eric Andrew Green, Claudia Hill, Leyla Postalcioglu, Anna-Luise Recke, Annegret Riediger, Jozef Wouters
Producción Damaged Goods (Bruselas) / Coproducción PACT Zollverein d’Essen, Festival de Avignon, Festival d’Automne à Paris, Les Spectacles Vivants – Centre Pompidou de Paris, La Bâtie-Festival de Ginebra, Kaaitheater de Bruselas

#MegStuart #Violet #Aneveningofsoloworks

Más información y entradas: http://mercatflors.cat/es/espectacle/violet/

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Arbusto Ardiente, imagen de Esperanza Collado

Arbusto Ardiente, Amaia Urra

Miércoles, 24 de octubre – 18:00 h / Jueves, 25 de octubre – 12:00 h

Museo Reina Sofía (Edificio Sabatini, Jardín)

*Entrada libre hasta completar aforo

Como parte del ciclo de artes escénicas diseñado conjuntamente con Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid, el Museo Reina Sofía presenta Arbusto Ardiente, el resultado de una residencia llevada a cabo en 2015 por Amaia Urra en el jardín paisajista del Parque Jean-Jacques-Rousseau de Ermenonville en Oise, París, donde el filósofo vivió sus últimas semanas. La pieza, uno de los últimos trabajos de esta artista, parte de la lectura y reescritura de distintos manuales de botánica para proponer una nueva catalogación de plantas que escapan a las categorías objetivables de la ciencia en favor de clasificaciones vinculadas con la cultura popular y otras lógicas semánticas, formales y afectivas. Como otras obras de Amaia Urra, esta pieza se centra en el lenguaje y la acción de nombrar las cosas, así como la dificultad que esto entraña.

Su primera performance, El Eclipse de A., realizada en 2002 en Arteleku en el marco del programa de creación artística Mugatxoan, reflexionaba sobre la espera como un estado mental y corporal inscrito en una temporalidad cotidiana a la vez que separado de ella, pues provoca una suspensión respecto al ritmo general favoreciendo la aparición de relaciones distintas. A este trabajo le siguen otros que exploran la capacidad del lenguaje para determinar la realidad y despiertan en la artista el interés por lo que sucede en los márgenes, ya sean temporalidades no productivas o palabras en desuso. La escritura, la repetición, la elaboración de listados o la búsqueda y comparación entre distintas definiciones oficiales y consensuadas por diccionarios o enciclopedias nutren un recorrido en el que la escritura, la lectura y la acción van unidas al canto, al paseo y a otras derivas, presentando situaciones que revelan, desde una actitud poética, lo que no se ve, no se oye o no se tiene en cuenta.

Todas sus acciones tienen en común una utilización sintética del lenguaje, sea hablado, cantado, leído o tarareado. En unas, como en Una vuelta-ta (2013-2016), Calles (2012-2014) o Ahora (2015-2016), se improvisa a partir de unas reglas de juego muy concretas, de variaciones mínimas que operan dentro de unos límites definidos con antelación. En otras, las llamadas por la artista “derivas de sinónimos”, el texto funciona como una partitura escrita de antemano, en las que listas de verbos como “desaparecer, aparecer, renunciar, inaugurar, caminar, pasear, tararear…” conducen a acciones literales marcadas por el significado de las palabras en el diccionario oficial del momento, pero a la vez desembocan en acciones inesperadas, improvisadas a la fuerza en el lugar.

En 2012 la acción Renuncio, realizada para el festival In-presentable en La Casa Encendida, comenzaba con la artista entonando la palabra “renuncio” en una de las  salas. A continuación salía de ella, del edificio y, como quien sigue el curso de una melodía, continuaba caminando y cantando por la calle hasta meterse dentro de un taxi bajo la atenta mirada del público, testigo de cómo su presencia y su voz se perdían en la distancia. Desde entonces desarrolla acciones para contextos específicos: instituciones como museos, galerías y teatros, o espacios abiertos en la ciudad o fuera de ella.

Más que una acción, Arbusto Ardiente se presenta como una situación o un paisaje. El sonido de la voz interviene y se camufla en la vegetación, evocando escenas propias de las novelas románticas, mientras la percepción de la voz se transforma gracias a la repetición, provocando desplazamientos del sentido.

Amaia Urra (Donostia / San Sebastián, 1974) es artista. Licenciada por la Universidad del País Vasco en la especialidad de Escultura en 1998, en 2002 presenta su primera performance, El eclipse de A. producida por Arteleku en el marco del programa Mugatxoan.

Entre 1999 y 2009 vive entre París, Bruselas, Madrid y Berlín, donde trabaja con diferentes coreógrafos: Jérôme Bel, Cristina Blanco, Blanca Calvo, Juan Domínguez, María y Cuqui Jerez, Xavier le Roy y Ion Munduate.

Sus piezas se han representado en espacios, encuentros y festivales como Art nomade, encuentro internacional de performance de Saguenay (Quebec), Axeneo7 & SAW Gallery en Gatineau (Otawa), Líneas de acción en Casa Maauad (México DF), festival In-presentable de La Casa Encendida (Madrid), festival 2D2H (Fuenterrabía, Hendaya), espacio Bulegoa z/b (Bilbao), la serie Ecolalias de RSS Radio del Museo Reina Sofía (Madrid), Zarata Fest (Bilbao), el centro de cultura contemporánea Azkuna (Bilbao), la 15ª edición de las Picnic Sessions del Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M, Móstoles) o la sala Héctor Escandón (México DF), entre otros.

Actualmente vive y trabaja en Donostia / San Sebastián, donde entre marzo de 2017 y febrero de 2018 dirigió el espacio Alkolea Beach, junto con Sandra Cuesta y Larraitz Torres.

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