— MuroTRON

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Espectáculo

Más información: https://www.mataderomadrid.org/programacion/ciudad-bailar-exagerar-0

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Del 1 al 3 de octubre, 20:00
Entrada general: 15.00 euros

Se define a sí mismo como payaso conceptual y modelo, probablemente como parte de un juego clasificatorio irónico. Lo que es seguro es que es un artista con un lenguaje escénico muy personal que sigue evolucionando desde que comenzó su carrera a finales de los años 80 del siglo pasado, sin terminar de ajustarse a las categorías de bailarín, coreógrafo, actor o performer, pero sin dejar de integrarse en todas ellas. En los últimos tiempos, su práctica artística defiende radicalmente la imaginación, «no como fantasía —dice—, sino como producción de realidad y capacidad de pensamiento. Es en el teatro como espacio de libertad, de riesgo y provocación, como espacio generativo de diálogo, donde la imaginación puede desplegar todo su potencial transformador».

En esta temporada nos trae a Condeduque Tálamo, la segunda parte de su trilogía titulada No hay presente, mejor mirar atrás, un trabajo donde, precisamente, la imaginación del espectador cobra un gran protagonismo. Tálamo se desgaja de la primera pieza de la trilogía, My only memory, una coreografía-partitura, textual verbal, que el espectador escuchaba en la oscuridad del teatro. Casi, porque en los últimos 7 minutos de la pieza, después de estar dedicado exclusivamente a la escucha, el espectador comienza a intuir visualmente algo muy sutil en la escena, una imagen apenas imperceptible. «En estos últimos 7 minutos, la voz se silenciaba para dar paso a la imagen propuesta como una mezcla singular: parte visión, parte proyección, parte imaginación», explica Juan.

El final de aquella obra es el principio de esta otra. Tálamo lleva hasta sus últimas consecuencias esos últimos 7 minutos de My only memory. Se trata de buscar una vez más un estado físico activo del que mira, trabajando con y desde la oscuridad, con y desde la pérdida de referencias, en los límites no definidos entre lo legible y lo ilegible. Provocar esta necesidad de orientación, de comprensión, de reconocimiento y de resignificación de lo que se intuye sin llegar a saber exactamente lo que se ve, no puede ir más acorde con este tiempo de inflexión que vivimos tras el azote pandémico. «En ese estado el cerebro se activa de una manera inusual y la producción de significado y sentimiento se proyecta y crece exponencialmente. Después, la luz y la imaginación hacen aparecer la imagen».

Más información: https://www.condeduquemadrid.es/actividades/talamo

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Se respira en el jardín como en un bosque y se está en el teatro como en el mundo. Pero ni el jardín es la Naturaleza ni el teatro es el mundo. Alguien prepara los jardines para disfrutar de un pedazo organizado de naturaleza, en su origen salvaje y llena de peligros.

En el teatro alguien ordena las palabras y las imágenes en un discurso que dibuja una lógica que parece una respuesta. Pero así como cuando abandono el jardín y entro en el bosque, cuando salgo del teatro y vuelvo al mundo, toda la ilusión se esfuma y el mundo que aparece de nuevo ante mis ojos se vuelve indomable, peligroso y siempre incomprensible.

Cada pase tiene una duración aproximada de 35 minutos y es para un único espectador/a.

NOTA IMPORTANTE: El/la espectadora debe estar 15 minutos antes de que comience su pase en el teatro.

Se realizarán un total de 28 pases, con lo que participarán en la instalación 28 espectadores.

Los pases se realizarán el

30/9/20 de 11h a 13:40h: total 9 pases
30/9/20 de 17h a 20h: total 10 pases.
01/10/20 de 11h a 13:40h: total 9 pases.

La Mutant. Espai d’arts vives.
24, Carrer de Joan Verdeguer, 22
46024 València

Más información: https://russafaescenica.com/representacion/los-protagonistas/

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Bárbara Bañuelos 

20 y 27 de junio en el Teatro Español

“De cómo encontré en la calle la típica foto de un plato combinado y terminé buscando a Hemingway en la casa de mis abuelos.
De como te encuentras una ecografía abandonada en las calles del Líbano , visualizas 15 veces el monólogo de “ Belle de Jour” e investigas las obras inacabadas de Oscar Niemeyer.
De como las fotos de unas niñeras , me lleva a investigar el caso Watergate y acabo de fiesta con el hijo de John Lennon.
De cómo unos naipes de Vitoria y los artistas Gilbert&George me ayudaron a descubrir el nombre real de Jack el Destripador”

Desde 1996, Bárbara Bañuelos ha estado recopilando objetos (principalmente planos y de papel) que ha ido encontrando en la calle.

Objetos cotidianos del día a día de cualquier persona, o retazos de cosas que formaban parte de algo o fragmentos de cosas no queridas, perdidas, abandonadas. Cosas sin valor económico. Aquello que no se quiere, lo que se desecha. Los olvidados.

Inventario es un recorrido inusual por una parte de la memoria, por los objetos y la intuición. Un juego posible que se desplaza entre la ficción y la realidad.El recorrido que cada objeto genera es inesperado, las relaciones y conexiones que se establecen no son premeditadas ni medidas y se despliegan solas a modo de memoria expandida configurando una búsqueda no lineal. Bárbara Bañuelos utiliza su presencia escénica como un archivo vivo corporal que habita las propias vivencias y a partir de fragmentos autobiográficos  devuelve cierta memoria a los objetos creando un mapa de ramificaciones infinitas. Como si de un rizoma se tratara, cada historia se repliega sobre sí misma multiplicada en infinitas, manteniendo abierto las posibilidades de lenguaje para que se conviertan en herramientas de acción.

+ info y entradas

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Del 22 al 24 de noviembre en La Mercè, Girona.

El spin off de LA PLAZA (Premio de la Crítica 2018) desmonta convenciones teatrales con la firma de uno de los colectivos más innovadores de la escena catalana.

A un proyecto de El Conde de Torrefiel se debe ir abierto a la sorpresa y la curiosidad. Su obstinación con el derribo de fronteras y etiquetas continúa con KULTUR, spinoff de LA PLAZA, montaje que flirteaba con la instalación museística y que fue galardonado con el Premio de la Crítica 2018. Esta idea de la performance también domina esta nueva propuesta que enfrenta al espectador a una escena en apariencia realista (un casting que exige una escena de sexo explícito) para crear una experiencia íntima y subjetiva, para que adopte, ayudado por la oscuridad y unos auriculares, la posición de un voyeur que espía una situación que crece en intensidad.

Más información: https://temporada-alta.com/es/event/kultur/

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21 de noviembre, Azkuna Zentroa

La compañía escénica La Tristura presenta su último montaje, Future Lovers. Una reflexión en torno a la juventud, los sueños y las expectativas que se cumplieron y las que no, a través de los ojos y el pensamiento de un grupo de millennials.

En Future Lovers seis jóvenes nacidos en torno al año 2000 hablan entre ellos y ellas y hacia el mundo. Es una noche de verano a las afueras de una gran ciudad, en la que un grupo de amigos, quizás en el paso del instituto a la universidad, han quedado para beber, bailar, hablar y besarse.

Viéndoles simplemente estar y comportarse, como si nadie les estuviese mirando. El objetivo es «crear una burbuja, un nido, que al ser visto desde fuera nos apele directamente, nos obligue a volver a ese momento de nuestra vida», explican desde la compañía. La pieza invita a cada persona observadora a encontrar las siete diferencias con respecto a su adolescencia, a su juventud, para que decida cómo relacionarse con una cuestión siempre compleja: ¿Cuáles eran las expectativas que tenía de mi propia vida? ¿Se cumplieron? ¿Estaba equivocado entonces o quizás lo estoy ahora?

La Tristura trabaja alrededor de las artes escénicas contemporáneas, tratando de generar “situaciones” dentro y fuera del escenario, desde hace más de 10 años. «Entendemos la escena como un lugar de investigación desde el que amplificar las posibilidades de la vida», explican. Future Lovers responde a este interés. «Si no resulta sencillo encontrar una situación para relacionarnos de forma libre y profunda con los adolescentes, con los futuros líderes y los futuros amantes, queremos hacerlo en escena, intentando generar una experiencia común que, con suerte, nos revele algo de nuestro pasado y de nuestro futuro».

Más información: https://www.azkunazentroa.eus/az/cast/inicio/agenda-4/la-tristura-future-lovers-/al_evento_fa

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Basado en Entrevistas breves con Hombres repulsivos del escritor americano David Foster Wallace.

Acercarse a la vida, la obra y el pensamiento de David Foster Wallace, el escritor que captó como pocos el malestar y la hipocresía de los Estados Unidos. Este es el hilo conductor del nuevo montaje de creación libre de Juan Navarro y Gonzalo Cunill. La inspiración llega alimentada por algunos relatos de Entrevistes breus amb homes repulsius. Un puñetazo —cómo prácticamente todos sus escritos— y sin embargo la puerta o umbral para entrar a su universo sensible, desde el cual el autor intentaba sobrevivir día tras día. Los umbrales pueden aterrorizar o amedrentar, pero también pueden estimular la imaginación para crear fantasías inesperadas.

Temporada Alta
Sala La Planeta, Girona
viernes, 15 – 20:30
sábado, 16 – 18:00
20€

Más información: https://temporada-alta.com/es/event/en-lo-alto-para-siempre-basat-en-entrevistes-breus-amb-homes-repulsius-de-david-foster-wallace/

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Del 6 al 17 de noviembre
De martes a sábado, 20:30 h
Domingo, 19:30 h

Del 6 al 17 de noviembre el Teatro de La Abadía A.K.A. (Also Known As). La pieza, escrita por Daniel J. Meyer, dirigida por Montse Rodríguez Clusella e interpretada por Albert Salazar, se presenta como un monólogo narrativo que reflexiona sobre los problemas de un chico de 15 años, sensible y solitario, que mira directamente a los ojos y al corazón de su historia. El relato de un adolescente repleto de preguntas sobre su identidad.

LA VIDA DE CARLOS

Carlos es un buen alumno, se aburre, está enfadado, está bien, sale con sus colegas al parque, baila hip-hop. Es una persona feliz y un día conoce a Claudia. Y… ¡magia!

Escrito de un tirón por Daniel J. Meyer, A.K.A. nos habla de un periodo de la adolescencia de Carlos del que nosotros formamos parte. Nos relata su día a día a los 15 años: el instituto, la terapia, el rechazo, la rabia y el miedo, los amigos, el amor y el deseo, la relación con sus padres… Un momento en el que la experiencia más traumática de su vida hace temblar sus cimientos, sus raíces, su identidad. Y es que Carlos es adoptado… Este monólogo habla sobre la identidad, pero también sobre la diferencia entre lo que sientes que eres y lo que deter­mina la sociedad que eres. Del dentro y el fuera. De cómo la mirada externa a veces cuestiona nuestra propia individualidad.

Entran en escena temas como la xenofobia, la amistad, el primer amor, las redes sociales, el clasismo y los prejuicios que practicamos a diario. El joven protagonista lleva a los espectadores de la mano, sin cuarta pared, contagiando su vitalidad y haciendo al público testigo, juez y cómplice del rechazo que sufre, de la injusticia que le ha apartado de su vida normal y, en general, de una sociedad que mantiene un discurso de rechazo constante hacia lo que es y lo que hace.

¿Somos los que los demás ven? ¿Lo que quieren ver? ¿Lo que mostramos? ¿Lo que ocultamos? ¿Lo que emerge cuando estamos solos?

“Hemos desarrollado la ansiedad compulsiva del juicio social ligado a las redes sociales. Estas son maravillosas, pero no sabemos hacer un buen uso de ellas todavía. Estamos esperando a los likes y los retuits, el juicio ajeno. Este es un siglo en el que nos gusta mucho gustar. Y todo ello puede afectar mucho a alguien cuya identidad se está formando aún, como es el caso de los adolescentes”, nos cuenta Daniel J. Meyer.

Una propuesta honesta, valiente y comprometida con el lenguaje y las inquietudes de los adolescentes, que en raras ocasiones tienen oportunidad de ver y sentir reflejado su propio universo generacional, dirigida de manera sensible y enérgica por Montse Rodríguez Clusella: “Carlos es un personaje entrañable que ha tenido, en los últimos cuatro años (los que abarca la obra), una historia bonita, a la par que dura. La cuenta desde una sensibilidad, una vulnerabilidad y una apertura tan grande que no puedes hacer otra cosa sino entenderlo y quererlo”.

Más información: https://www.teatroabadia.com/es/temporada/560/a.k.a.-also-known-as/

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5 y 6 de Noviembre en el Teatro Central de Sevilla.

«VÁRVARA»propone un acercamiento feminista al arquetipo cristiano de María Magdalena. Partiendo de lugares aparentemente tan dispares como la cultura valenciana del bacalao y la idea mística del éxtasis, Bárbara Sánchez encarna la figura de La Gran Amante. Como en toda práctica mística, el objetivo aquí es la unión, la disolución definitiva de la distancia. No queda espacio ya para la ironía, el sarcasmo y mucho menos para lo autorreferencial. María Magdalena es la loca ejemplar, capaz de vaciarse para encarnar al Amado, capaz de destrozar cualquier institución patriarcal para afirmar su Amor Infinito. Ella habla directamente con su Dueño, elegido libremente. No hay ni distancias ni intermediarios que valgan. Frente a la imposición capitalista de un modelo de mujer privilegiada blanca que se puede permitir dedicar sus esfuerzos a observarse a sí misma, Ella lleva a cabo un desalojo radical, una bajada consciente y deseada a los escombros del mundo, a ese lugar desde donde reina su Cristo. // Jaime Conde Salazar

Más información: https://www.mesdedanza.es/programacion/2019/varvara/

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Philipe Quesne | 18, 19 y 20 de julio en Naves Matadero

Siete topos cavando sus madrigueras han aterrizado en un escenario de teatro. Siete topos viviendo juntos, una utopía para un animal supuestamente solitario.

Los espectadores pueden ver a estas criaturas subterráneas viviendo, comiendo, durmiendo, muriendo, trabajando, dando a luz, copulando, divirtiéndose y formando una banda de rock… La Nuit des Taupes, del vanguardista creador francés Philippe Quesne, sumerge al público en un mundo paralelo, sin palabras ni humanos, conquistado por las garras y los hocicos de siete topos en un universo eléctrico que vibra con la música underground que se escucha en garajes y sótanos. Como los sucesores de Sísifo, los topos hacen rodar sus piedras cuesta arriba ofreciendo su visión de la historia de la humanidad. Juguetones, codiciosos y algunas veces agresivos, exploran las razones más profundas de su existencia y descubren su interés por el arte y el ritual. En este espectáculo contundente y explosivo, su creador evita contar historias y se concentra en la esencia de su trabajo: explorar los materiales y el poder de la música, la construcción de espacios y la creación de la luz que baña a sus personajes.

Philipe Quesne ha diseñado escenografías para teatro, ópera y exposiciones. En 2003 fundó Vivarium Studio Company con quien ha desarrollado su particular estilo y, desde 2014, codirige el Centro Dramático Nacional Nanterre-Amandiers en Francia. Quesne busca lo maravilloso, lo pequeño y las experiencias extremas de nuestra vida cotidiana, junto a la relación entre la humanidad y la naturaleza. De niño ya lo hacía cuando recolectaba insectos y ahora, trabaja y estudia pequeñas comunidades bajo su microscopio y utiliza la escenografía como un ecosistema en el que sumerge a sus actores. Además de su trabajo más escénico, como el que presenta en Naves Matadero, crea performances e intervenciones en espacios públicos que dialogan con la pieza teatral.

En Madrid, además de presentar esta pieza, Philippe Quesne y sus topos intervienen en Veranos de la Villa en el programa Cuando el río suena… y en Verbena animal.

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