— MuroTRON

Archive
Espectáculo

1-2-3 febrero 20h30
Carme Teatre, València
Más información y entradas: https://www.atrapalo.com/entradas/lp_e4827070/

Nos emocionamos con canciones que decimos detestar. Lloramos con temas que nos transportan a otras vivencias. Cantamos a solas, a todo volumen, y nos dejamos llevar sin importarnos el tono, la afinación o la melodía.

LP es una propuesta escénica que trata de jugar con los límites de lo musical. A partir del objeto “canción” la pieza trabaja la descomposición y recomposición de esos pequeños universos sonoros para adentrarse en todas sus posibilidades dramatúrgicas y escénicas. Partiendo de conceptos en ocasiones más técnicos y otras veces más emocionales o biográficos la pieza viaja de una canción a la siguiente tejiendo un hilo musical íntimo a compartir.

Paula Miralles. Licenciada en Comunicación Audiovisual por la Universidad de Valencia y en Arte Dramático por la ESAD de Valencia. Ha realizado una intensa trayectoria como actriz de teatro. En 2016 crea la compañía Colectivo Mortero junto a David Alarcón, Esther Vidal y Pilar Parreño. Con esta formación pone el acento en la relación entre música y lenguaje, sonido, texto y palabra. Actualmente participa en el proyecto colectivo Taller Placer junto a Vicente Arlandis, Miguel Ángel Martínez, Violeta Ros y Aina Vidal y combina su faceta artística y creativa con la de gestión y producción de proyectos escénicos, tanto propios como ajenos. “LP” es su primer solo con el que inicia su propia línea de creación.

Read More

La compañía Mikel Aristegui presenta el estreno de su nuevo espectáculo en el Auditorio Municipal de Ourense el 15 de noviembre a las 20.30hIn Between.

In Between es el primer espectáculo de Mikel Aristegui producido en Galicia. El proceso de creación comenzó el pasado mes de febrero a través de unos encuentros entre los intérpretes en Allariz – Ourense: Nuria Sotelo, Rosabel Huguet y Mikel Aristegui. En junio presentaron un extracto de la pieza en el Festival Vila Real Dansa en Castelló, como previo al estreno del espectáculo escénico.

 In between es ese espacio entre los cánones del hombre y de la mujer, entre lo masculino y lo femenino, la definición del género no binario, la necesidad de entrar en una dinámica de género fluido que proteja a la persona como tal, más allá del sexo que pueda representar. 

Dirección y coreografía: Mikel Aristegui

Interpretación: Rosabel Huguet, Nuria Sotelo y Mikel Aristegui

Iluminación: Octavio Mas

Música original: Gabor Csongradi

Vídeo: Camila Rapetti

Diseño gráfico: Marta Romero

Producción: Mikel Aristegui

Colaboran: Galicia Danza Contemporánea y Auditorio Municipal de Ourense

Espectáculo realizado en un ambiente seguro y de respeto para el colectivo LGTBIQ

Mikel Aristegui

En sus casi 30 años como profesional, Mikel Aristegui alternó su trabajo como intérprete con colaboraciones de creación con otros artistas: vídeo, iluminaciones, músicos, cantantes, artistas plásticos e incluso con estudiantes. También ha trabajado como productor, creando 2 festivales de coreógrafos vascos en Berlín (2009 y 2011ç9 y ha trabajado como comisario de arte y coordinador en una exposición en Berlín.

Arístegui trabajó como bailarín con Sasha Waltz & Guess durante casi 10 años, con Dv8 Physical Theater durante 3 años en la producción “Just for show” y como coreógrafo con el director de teatro Thomas Ostermeier, en la Ópera “Orpheo e Euridice” y para la Compañía “Dantzaz” entre otros.

Vive y trabaja en Allariz desde 2017.

 www.mikelaristegui.com

 

Read More

Verónica Navas Ramírez, 09/11/2018 – 20:00h, CC Urgell, Entrada gratuita.

¿Qué se le puede hacer a una madre cuando ya está muerta? ¿Y qué se le puede decir? ¿Y qué nos podemos permitir sentir ante su muerte? ¿Y cómo nos emocionaremos? ¿Y qué nos diremos? ¿Y, cuando nuestra madre esté muerta, seguirá estando o habrá desaparecido por siempre jamás? ¿Seguirá con nosotros? ¿Seguirá en nosotros? ¿Seguirá viva en pequeños detalles, en pequeñas cosas que quizás son grandes, que quizás nos hacen cómo somos, nos hacen quién somos?

Verònica Navas se ha propuesto dar respuesta a estas y otras cuestiones sobre las relaciones entre madres e hijas y sobre cómo esta relación marca nuestra identidad, nuestra manera de ser y afrontar aquello que nos pasa, en un espectáculo que lo es a pesar de que no lo parezca: que nadie se espere una historia con argumento y desenlace, que nadie se espere personajes ni mentiras… Verònica Navas nos habla de ella y nos habla de su madre y lo hace en una conferencia que tampoco es sólo una conferencia aunque en un principio lo pueda parecer.

Hasta agotar existencias está hecho de palabras, las de su autora, pero también de las palabras de otros que nos llegan a través de varias grabaciones. Hasta agotar existencias está hecho de imágenes: la de Verónica Navas sobre el escenario pronunciando una conferencia sobre quién es su madre y quién es ella y cómo se relacionan y cómo se relacionarán cuando una de ellas, la madre, deje de estar; pero también otras imágenes, muchas imágenes, que nos llegan a través de una pantalla y que no ilustran pero que sí que explican.

Son imágenes y palabras que hablan de recuerdo y de legado, de presencia y de ausencia, de madres e hijas, de ser y estar.

 

FICHA

Autoría: Verónica Navas Ramírez. Asistente de dirección: Ona Sallas. Mirada externa: Anna Pérez, Agustina Basso, María García Vera. Diseño de iluminación y asistencia en espacio escénico: Oriol Corral. Agradecimientos: Salva Márquez, família Navas Ramírez. Una coproducción de Verónica Navas y el Institut del Teatre. Con la ayuda del Antic Teatre.

Más información: http://lameva.barcelona.cat/districtecultural/es/agenda/hasta-agotar-existencias-ensayando-para-que-la-muerte-de-mi-madre-no-me-pille-desprevenida

Read More

MACARENA RECUERDA SHEPHERD. “¡Ay! ¡Ya!”

9 de noviembre de 2018 a las 20:00 Pamplona. Calle S. Agustín, 5

¡AY! ¡YA! es una ilusión que nos lleva a percibir la realidad de diferentes formas sugeridas por la imaginación o causadas por el engaño del sentido de la vista.

En ¡AY! ¡YA! observar se convierte en un juego. Una ilusión que se produce cuando la imagen que tenemos ante nosotros se transforma en otra, se multiplica o, simplemente, toma formas imposibles.

Cuerpos con varias extremidades, incompletos, transformables y moldeables.

Una performance que nos muestra “la ilusión” como la esencia del teatro. Una excusa para volver a encontrarnos.

IDEA: Macarena Recuerda Shepherd.

CREACIÓN: Idurre Azkue, Alberto de la Hoz y Macarena Recuerda Shepherd y la colaboración de Sofía Asencio

BANDA SONORA: Alberto de la Hoz

PRECIO: 10 € (en tauqilla y página web). Personas en paro y venta anticipada: 8€ (en taquilla)

TAQUILLA: abierta todos los días de función desde hora y media antes de las mismas y los miércoles de las 18:30 a las 19:30 h.

Más información: http://www.laescueladeteatro.com/es/agenda/macarena-recuerda-shepherd

Read More

10 y 11 de noviembre 2018, Centro de Arte Conde Duque, 12:30 h, dentro del ciclo Dame cuartelillo. Entrada libre hasta completar aforo. 

En este proyecto hay un acto directo de representación: una representación pública, sin metáforas, sin presupuestos formales o técnicos. Hay también un deseo de revelar un espacio social, un espacio de posible encuentro, a través de la reconstrucción de lugares geográficos en los que no estamos, lugares de ausencia compartida, usando fragmentos de sonido, narraciones breves y, tal vez, un puñado de imágenes borrosas como referencia.

Rosa Casado y Mike Brookes son dos artistas multidisciplinares que, desde la acción, generan una propuesta de reflexión, creación y crítica en torno a los espacios y los lugares que transitamos, ocupamos y habitamos. Colaboran desde el año 2000 y sus trabajos se han presentado internacionalmente. Se acercan al conceptualismo desde una mirada pragmática y les interesa la literalidad y lo obvio como recurso para el hacer.

mikebrookes.com

rosacasado.com

Colabora La Casa del Burro (Peroblasco, La Rioja)

Más información: https://www.condeduquemadrid.es/actividades/quiet-too-quiet-not-silent

Read More

08/11/2018 – 11/11/2018. Teatros del Canal. Sala Negra. De jueves a sábado, 18.30 h. Domingo, 17.30h. Duración: 1h 40min

La representación es la ficción de un ensayo con todo lo que supone la ficción de algo que ha de parecer en proceso pero que ya está ensayado y, de hecho, se está representando. A lo largo de su ya larga trayectoria, Cuqui Jerez (Madrid, 1973), su autora, ha ido reflexionando sobre la idea de la repetición, una constante que en The Rehersal (El ensayo, 2007), una de sus creaciones más celebradas, es llevada hasta sus últimas (o al menos más insospechadas) consecuencias.

Hay en la coreografía una suerte de confusión creciente acerca de quién tiene el mando en el ensayo de esta pieza, aparentemente in progress, en un proceso que es constantemente interrumpido por alguien que aparece con aires de directora dando nuevas y diferentes directrices al elenco. Jerez lo define como “una ficción dentro de una ficción dentro de una ficción… y así hasta el infinito”, una espiral de confusión que va siendo progresivamente alimentada con una serie de referencias a la cultura popular, no exentas de un humor directo y desconcertante.

Aun cuando alguna vez se ha definido a sí misma como “artista, coreógrafa, performer, secretaria, managertour manager, administrativa, amante esposa, docente y chica de la limpieza”, lo cierto es que se trata de una de las más innovadoras creadoras españolas moviéndose en los terrenos de arenas movedizas de la performance. Estudió ballet y danza contemporánea en Madrid y Nueva York pero desde los años noventa ha ido atesorando un nutrido grupo de creaciones híbridas, entre las que cabría citar Me encontraré bien enseguida solo me falta la respiración (1995), Hiding Inches (1999), A space odyssey 2001 (2001) y The Real Fiction (2005), una creación en la que ya se asoman algunas de las inquietudes que terminarán desarrolladas plenamente en The Rehearsal, que se estrenó en 2007. La representación de la pieza en Teatros del Canal supone la celebración de los diez años de su estreno.

Más información: https://www.teatroscanal.com/espectaculo/cuqui-jerez/

Read More

La coreógrafa y bailarina norteamericana Meg Stuart afincada entre Berlín y Bruselas acaba de recibir el León de Oro de la Bienal de Venecia por su carrera. Esta coreógrafa fundó su compañía Damaged Goods en Bruselas en 1994, con la que ha creado más de 30 producciones, desde solos hasta grandes coreografías, además de vídeos e instalaciones. El trabajo coreográfico de Stuart gira entorno a la idea de un cuerpo incierto, vulnerable y autoreflexivo. Mediante la improvisación explora estados físicos y emocionales o el recuerdo de estos estados. Su trabajo artístico es análogo a una identidad en transformación constante que se redefine continuamente, a la vez que busca nuevos contextos de presentación y territorios para la danza. Su obra ha sido aclamada internacionalmente.

An evening of solo works,  7 y 8 de noviembre, 20 h, Sala PB, 16 €

A lo largo de los últimos años, Meg Stuart ha creado un buen número de solos en los que explora los movimientos cotidianos y las condiciones físicas. An evening of solo works (2013) presenta una selección de estos solos, así como fragmentos de obras de larga duración.

“¿Cómo se pueden traducir en movimiento las sensaciones y los monólogos interiores? ¿Es posible detectar las vacilaciones o los movimientos involuntarios?”. Meg Stuart

Coreografía e interpretación Meg Stuart / Producción Damaged Goods (Bruselas) / Meg Stuart & Damaged Goods reciben el apoyo del Gobierno Flamenco y la Comisión de la Comunidad Flamenca
Meg Stuart/Damaged Goods colabora regularmente con el Kaaitheater (Bruselas) y el HAU Hebbel am Ufer (Berlín).

#MegStuart #Violet #Aneveningofsoloworks

El jueves 8 de noviembre (18h), proyección de la película ‘Before We go’ de JORGE LEÓN (2014), con Meg Stuart, Benoît Lachambre y Simone Aughterlony

Más información y entradas: http://mercatflors.cat/es/espectacle/an-evening-of-solo-works/

VIOLET, del 9 al 11 de noviembre, 20 h (domingo 18h), Sala MAC, 22 €

VIOLET podría ser el nombre de una banda de rock. Así es como nos sentimos, como si estuviéramos dando un concierto de rock duro en lugar de un espectáculo de danza”. Meg Stuart

Cinco bailarines nos rebelan de manera simultánea y singular un paisaje lleno de energía, un terreno cargado de opciones. VIOLET es un descenso vertiginoso, un remolino de formas enérgicas y esculturas cinéticas llenas de detalles. En VIOLET, creada en 2011, Meg Stuart sitúa el movimiento como motor primario de la obra, identificando la coreografía con una alquimia de los sentidos. La pieza cuenta con la música en directo de Brendan Dougherty a la percusión y la música electrónica.

Coreografía Meg Stuart / Creada con Alexander Baczynski-Jenkins, Varinia Canto Vila, Adam Linder, Kotomi Nishiwaki, Roger Sala Reyner / Intérpretes Márcio Kerber Canabarro, Mor Demer, Renan Martins de Oliveira, Kotomi Nishiwaki, Roger Sala Reyner / Música en viuBrendan Dougherty / Dramaturgia Myriam Van Imschoot / Escenografía Janina Audick /Diseño iluminación Jan Maertens / Vestuario Nina Kroschinske / Asistente escenografía Julia Kneusels / Asistente vestuario Nina Witkiewicz  / Entrenadora ensayos Joséphine Evrard / Director técnico Jitske Vandenbussche / Director escena Pierre Willems / Técnico sonido Richard König / Director producción Eline Verzelen / Responsable gira Delphine Vincent / Asistente producción Mira Moschallski / Agradecimientos Ulrike Bodammer, Eric Andrew Green, Claudia Hill, Leyla Postalcioglu, Anna-Luise Recke, Annegret Riediger, Jozef Wouters
Producción Damaged Goods (Bruselas) / Coproducción PACT Zollverein d’Essen, Festival de Avignon, Festival d’Automne à Paris, Les Spectacles Vivants – Centre Pompidou de Paris, La Bâtie-Festival de Ginebra, Kaaitheater de Bruselas

#MegStuart #Violet #Aneveningofsoloworks

Más información y entradas: http://mercatflors.cat/es/espectacle/violet/

Read More

Arbusto Ardiente, imagen de Esperanza Collado

Arbusto Ardiente, Amaia Urra

Miércoles, 24 de octubre – 18:00 h / Jueves, 25 de octubre – 12:00 h

Museo Reina Sofía (Edificio Sabatini, Jardín)

*Entrada libre hasta completar aforo

Como parte del ciclo de artes escénicas diseñado conjuntamente con Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid, el Museo Reina Sofía presenta Arbusto Ardiente, el resultado de una residencia llevada a cabo en 2015 por Amaia Urra en el jardín paisajista del Parque Jean-Jacques-Rousseau de Ermenonville en Oise, París, donde el filósofo vivió sus últimas semanas. La pieza, uno de los últimos trabajos de esta artista, parte de la lectura y reescritura de distintos manuales de botánica para proponer una nueva catalogación de plantas que escapan a las categorías objetivables de la ciencia en favor de clasificaciones vinculadas con la cultura popular y otras lógicas semánticas, formales y afectivas. Como otras obras de Amaia Urra, esta pieza se centra en el lenguaje y la acción de nombrar las cosas, así como la dificultad que esto entraña.

Su primera performance, El Eclipse de A., realizada en 2002 en Arteleku en el marco del programa de creación artística Mugatxoan, reflexionaba sobre la espera como un estado mental y corporal inscrito en una temporalidad cotidiana a la vez que separado de ella, pues provoca una suspensión respecto al ritmo general favoreciendo la aparición de relaciones distintas. A este trabajo le siguen otros que exploran la capacidad del lenguaje para determinar la realidad y despiertan en la artista el interés por lo que sucede en los márgenes, ya sean temporalidades no productivas o palabras en desuso. La escritura, la repetición, la elaboración de listados o la búsqueda y comparación entre distintas definiciones oficiales y consensuadas por diccionarios o enciclopedias nutren un recorrido en el que la escritura, la lectura y la acción van unidas al canto, al paseo y a otras derivas, presentando situaciones que revelan, desde una actitud poética, lo que no se ve, no se oye o no se tiene en cuenta.

Todas sus acciones tienen en común una utilización sintética del lenguaje, sea hablado, cantado, leído o tarareado. En unas, como en Una vuelta-ta (2013-2016), Calles (2012-2014) o Ahora (2015-2016), se improvisa a partir de unas reglas de juego muy concretas, de variaciones mínimas que operan dentro de unos límites definidos con antelación. En otras, las llamadas por la artista “derivas de sinónimos”, el texto funciona como una partitura escrita de antemano, en las que listas de verbos como “desaparecer, aparecer, renunciar, inaugurar, caminar, pasear, tararear…” conducen a acciones literales marcadas por el significado de las palabras en el diccionario oficial del momento, pero a la vez desembocan en acciones inesperadas, improvisadas a la fuerza en el lugar.

En 2012 la acción Renuncio, realizada para el festival In-presentable en La Casa Encendida, comenzaba con la artista entonando la palabra “renuncio” en una de las  salas. A continuación salía de ella, del edificio y, como quien sigue el curso de una melodía, continuaba caminando y cantando por la calle hasta meterse dentro de un taxi bajo la atenta mirada del público, testigo de cómo su presencia y su voz se perdían en la distancia. Desde entonces desarrolla acciones para contextos específicos: instituciones como museos, galerías y teatros, o espacios abiertos en la ciudad o fuera de ella.

Más que una acción, Arbusto Ardiente se presenta como una situación o un paisaje. El sonido de la voz interviene y se camufla en la vegetación, evocando escenas propias de las novelas románticas, mientras la percepción de la voz se transforma gracias a la repetición, provocando desplazamientos del sentido.

Amaia Urra (Donostia / San Sebastián, 1974) es artista. Licenciada por la Universidad del País Vasco en la especialidad de Escultura en 1998, en 2002 presenta su primera performance, El eclipse de A. producida por Arteleku en el marco del programa Mugatxoan.

Entre 1999 y 2009 vive entre París, Bruselas, Madrid y Berlín, donde trabaja con diferentes coreógrafos: Jérôme Bel, Cristina Blanco, Blanca Calvo, Juan Domínguez, María y Cuqui Jerez, Xavier le Roy y Ion Munduate.

Sus piezas se han representado en espacios, encuentros y festivales como Art nomade, encuentro internacional de performance de Saguenay (Quebec), Axeneo7 & SAW Gallery en Gatineau (Otawa), Líneas de acción en Casa Maauad (México DF), festival In-presentable de La Casa Encendida (Madrid), festival 2D2H (Fuenterrabía, Hendaya), espacio Bulegoa z/b (Bilbao), la serie Ecolalias de RSS Radio del Museo Reina Sofía (Madrid), Zarata Fest (Bilbao), el centro de cultura contemporánea Azkuna (Bilbao), la 15ª edición de las Picnic Sessions del Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M, Móstoles) o la sala Héctor Escandón (México DF), entre otros.

Actualmente vive y trabaja en Donostia / San Sebastián, donde entre marzo de 2017 y febrero de 2018 dirigió el espacio Alkolea Beach, junto con Sandra Cuesta y Larraitz Torres.

Read More

“Inconsistencia de los hombres” es una pieza escénica colaborativa entre padre e hijo, Jaime Vallaure y Juan Vallaure, que nace con una doble intencionalidad. Por un lado, profundizar en la relación entre ambos y utilizar las dinámicas de trabajo escénico como un cambio de paradigma abordando otras maneras de entendimiento y colaboración entre las partes. Por otro, abordar diferentes temáticas vinculadas a la actualidad para aportar puntos de vista contrastados que provoquen, en última instancia, reflexión y debate. El proyecto trabaja necesariamente aspectos biográficos y contextuales pero siempre desde una perspectiva lúdica donde los roles puedan cambiar y las historias personales puedan reinventarse.

 Esta obra está relacionada con el taller “Tú eres yo, yo soy tú” que tendrá lugar en La Casa Encendida del 15 de septiembre al 27 de octubre. El taller es una invitación a tratar las relaciones madres/padres hijas/hijos a través de las artes escénicas contemporáneas, un lugar de confrontación abstracto donde ponerse en la piel del otro, dejarse hacer, proponer, inventar, cambiar de rol, someterse y rebelarse, un ring con dos personas, dos iguales, dos tan diferentes. El sábado 27 de octubre a las 20.00 horas tendrá lugar una muestra pública del proceso. 

Jaime Vallaure, artista y docente en performance y artes escénicas. Con la colaboración de Juan Vallaure como hijo.

Fecha: 8 y 9 de septiembre

Lugar: La Casa Encendida, Torreón 1

Hora: 20.00 h

Entrada: entrada libre hasta completar aforo.

Más info

Read More

Jueves 5 – 20:30 + Viernes 6 – 20:30 en saT! – Sant Andreu Teatre

Entradas: http://lameva.barcelona.cat/grec/ca/espectacle/la-plaza/

Una innovadora compañía que rompe las barreras entre el texto, la coreografía y las artes plásticas debuta en el Grec Festival de Barcelona con un montaje que habla del espacio y del tiempo a partir de la idea de una gran plaza.

Pablo Gisbert y Tanya Beyeler firmaron en 2010 el espectáculo La historia del rey vencido por el aburrimiento, su primera pieza larga, y marcaron, así, el inicio de una compañía entregada a la investigación de nuevas formas escénicas que se escapaban de las tradicionales divisiones por géneros. Entre sus últimos espectáculos, siempre brillantes, poco convencionales, viscerales y con un notable contenido filosófico están Guerrilla (2016) y, ahora, La Plaza, un montaje del cual vimos una pre-ensayo en la última edición del festival Sâlmon<, en el Mercat de les Flors (M.C.: Las historias naturales), pero que, de hecho, se ha estrenado este mismo año en el Kunstenfestivaldesarts de Bruselas. Los espectadores de este festival han visto ya un montaje que se sitúa en una gran plaza llena de monumentos y de seres humanos, protagonistas de unos cuadros vivientes que nos ilustran sobre el presente y el futuro, y sobre una violencia que no solo forma parte de nuestra vida cotidiana, sino que, además, es una fuerza que lleva moviendo el Universo desde los primeros momentos de la existencia. El escenario se convierte en manos de El Conde de Torrefiel en una gran plaza donde el futuro se nos muestra como un tiempo ignoto e imprevisible que aparece ante los ojos de los espectadores a partir de una serie de situaciones inesperadas. Una reflexión escénica sobre el futuro, la inmutabilidad del tiempo y sobre la violencia como base de la existencia.

Enlaces:

Entrevista a El Conde de Torrefiel

Crónica del estreno de La Plaza en el Kunstenfestivaldesarts

Una coproducción del Grec 2018 Festival de Barcelona, el Kunstenfestivaldesarts (Bruselas), El Conde de Torrefiel, Vooruit (Gante), Mousonturm (Frankfurt), Wiener Festwochen (Viena), Teatro Maria Matos & Alkantara Festival (Lisboa), Festival de Marseille (Marsella), Triennale dell’Arte (Milán), Festival d’Automne & Centre Pompidou (París), HAU (Berlín), Zurcher Theaterspektakel (Zúrich), Black Box Theater (Oslo).
Con el apoyo del Graner, Centre de creació.
Con la colaboración de Fabra i Coats. Fàbrica de Creació.

El día 6 de julio, después de la representación, tendrá lugar un coloquio con miembros de la compañía.

FICHA ARTÍSTICA

Idea y creación: El Conde de Torrefiel en colaboración con los intérpretes Dirección y dramaturgia: Tanya Beyeler, Pablo Gisbert Texto: Pablo Gisbert Diseño de la iluminación: Ana Rovira Escenografía: El Conde de Torrefiel, Blanca Añón Vestuario: Blanca Añón y los intérpretes Diseño del sonido: Adolfo García Regiduría: Isaac Torres Interpretación: Gloria March Chulvi, Albert Pérez Hidalgo, Mónica Almirall, Nicolás Carbajal, Amaranta Velarde, David Mallols Producción ejecutiva: Kunstenfestivaldesarts (Bruselas) Producción en gira: Caravan Productions (Bruselas)

Más información: http://lameva.barcelona.cat/grec/ca/espectacle/la-plaza/

Read More