Quim Pujol: crítico con peluca

At the end of “Self-Unfinished” by Xavier Leroy, the following conversation takes place at the exit of Teatro Juárez:
a)-I need a beer. I don’t know how people can cope with contemporary performing arts without beer.
b)-Didn’t you like it? I loved it! It was very simple yet so effective… He was taking you from one place to another and he never lost my attention.
c)-I was bored to tears. It’s the same as always. They try to sell something as highly conceptual and in fact it’s a pain in the ass. I saw many people yawning and then they clapped like crazy just because it’s Xavier Leroy and he’s got a reputation.
a)-Come on! Now you are the one who is boring. Performing arts don’t need to be entertaining. We have known this for a while now.
b)-Yes, everything just did fit in. The only thing I am not so sure about is when he kicks the top of the table. That was the only moment where I felt a rupture with the flow of the performance.
c)-Well, I just couldn’t stand it. This general denial, the refusal to dance, the superficial ideas about the nature of the human body… It’s so old fashioned! It pretends to be so clever and it’s so plain…
a)-I wonder what is the problem with you. The violence of your reaction against this performance is rising its value under my eyes by the moment. Why can’t you accept people having a different way of working and following their own research? In my case I wasn’t thrilled but I definitely ackowledge its professionality. It’s serious, personal work. The problem for me is that I have seen many pieces very similar to it… But then this is an old piece, maybe he was one the first people to make such a proposal. Maybe some years ago this piece was more surprising and now it has become quite an established genre.
(C gives A and B the odd look and sashays away. A and B look at each other and they shrug their shoulders).

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I get to the Teatro Macedonio Alcalá after bumping my head onto a shelf and with some ices cubes on my bleeding forefront. Not in the best of moods for being open and available to the performance. I always thought critiques should explain how they felt before the show. The emotional context of each person plays such an important role as the lighting or the music…
The first 20 minutes of “Powered by emotion” I absolutely hate it and I want to kick Mårten’s ass. At the same time I’m angry with myself because I don’t know whether it is the performance or it’s me being grumpy. I try to focus on his dancing. No, it’s not me. It’s him. I dislike his dancing. I don’t have any problems with dancers who didn’t follow a conventional training (as a matter of fact I didn’t), but Mårten seems to go for some type of classical dancing that requires a lot of technique or just looks ridiculous. The music is definitely Romantic. At least this matches the title of the performance. Some members of the audience leave the room.
Then the music stops, Mårten grabs the microphone and gets to the center of the stage. He sings in an terrible Spanish and in a terrible voice “Chan Chan”, mainly known because of the Buenavista Social Club CD. The whole thing is getting worse by the moment. Another group of people leaves the room.

And then Mårten sings another emotional song in his broken Spanish and there is a switch. Suddenly I am really into the performance. I have a good time and I know why. I have seen this mechanism before in plays by Forced Entertainment or Marco Berretini. The whole thing consists in making a really bad joke and maintaining it for a long time. To make such a bet you have to be a performer with a lot of guts, because at the beginning people hate you. After a while it becomes hilarious for most of them, although many never get it and they leave the room angrily. And indeed, some more people leave the room and some audience members even boo the following songs. At the end he just stands quiet while we listen to the initial music for some time.

I recognize the mechanism behind the performance and I appreciate it, although maybe I would have wished for a more elaborated structure.

This is an open text. You are welcome to contradict, tinge or agree by adding your own opinions under the text in my site: http//www.tea-tron.com/quimpujol

Este solo archifamoso de más de diez años  de antigüedad está compuesto de pequeñas acciones y sobrios elementos de movimiento. Debido a la pulcritud de su estructura formal me atrevería a decir que estamos ante una excelente performance contemporánea de corte clásico. Aunque eso es lo que me parece hoy en día, a saber si hace diez años esta forma resultaba innovadora o incluso transgresora.

En cuanto al fondo, el solo explora toda una serie de elementos relacionados con la homosexualidad masculina. Y en este aspecto la pieza carece de mucho interés para mi subjetividad particular. Los códigos de la homosexualidad me resultan tan extremadamente familiares que los intuyo en escena apenas el intérprete empieza a esbozarlos. Al mismo tiempo que la elevada habilidad para descifrar estos referentes merma mi placer como espectador, aprecio por otro lado la utilidad social de una propuesta como ésta en lugares como Oaxaca donde la homosexualidad sigue siendo tabú. Pero por otro lado también me pregunto si este factor es algo a tener en cuenta a la hora de valorar una pieza…

Como siempre invito a todo el mundo a expresar su propia opinión y rebatir, apoyar, contradecir o ampliar todo lo que afirmo con sus propios argumentos. ¡Muchas gracias!

                                                                                                  (Sin acentos y sin enyes, desde un teclado gringo…). Dos hombres muy altos que rondan la cincuentena  y que calzan botines de tacon que no les hacen femeninos, sino aun mas altos. En el suelo un pentagrama rojo y una velas, un piano electronico, unos microfonos y unas lamparas. Este es el sobrio escenario que escogen Robert Steijn y Frank Poelstra para su performance “Laughing and dying”. Dicen que van a adorar el diablo pero a la hora de la verad solo explican historias algo absurdas intercaladas por escenas de danza. Bailan “mal”, narran “mal” y tocan el piano “fatal”, y sin embargo funciona. Porque son dos personajes extranyisimos y el sinsentido acaba por convertise en una forma muy clara de coherencia. Y una vez mas el Do It Yourself tiene mil veces mas atractivo que los bailarines de PARTS. Sera porque soy un cafre? Sera porque son mas interesantes las personas que exhiben sus flaquezas que aquellas que nos intentan vender sus virtudes? Sera porque el fracaso es el fenomeno mas adecuado para representar la condicion humana? Lastima que Robert no pudiese contener una sonrisa  complice en medio de sus “errores” y “torpezas”. Si hubiese llevado el juego hasta el limite “Laughing and dying” hubiese sido catapultada directamente a mi panteon personal de performances inolvidables.

Como siempre invito a todo el mundo a expresar su propia opinión y rebatir, apoyar, contradecir o ampliar todo lo que afirmo con sus propios argumentos. ¡Muchas gracias!

Una nave vacía con cuatro tarimas y en cada una de ellas tiene lugar una pequeña escena. Una majestuosa mujer se presenta ataviada con un traje folclórico y un rótulo te invita a lavarle los pies con un trapo húmedo. Es la reina de la performance. En una mesa de operaciones una mujer con bata blanca clava banderas nacionales con un alfiler sobre el cuerpo de una muchacha desnuda. En otra mesa de operaciones una mujer con peluca azul y una camiseta atravesada de cables somete a un individuo a una operación sangrienta. En un atril, Guillermo lee sus textos. Me gusta que el público circule entre las tarimas y el tiempo lento de las acciones que transcurren sobre las mismas. Eso hace recaer el peso de la representación sobre el público. Que piensen un poco.
Al principio de la performance una amiga me dice desanimada y quejosa: “todo es tan transparente”.
Y tiene razón: todos los códigos se leen de forma diáfana. Al fin y al cabo, por eso son códigos. La referencia a los indígenas, a las nacionalidades, a la tecnología… Pero a medida que desarrolla su discurso, Guillermo no cesa de añadir capas: desde los chicanos al discurso de la toma de posesión de Obama pasando por el “Y quien es él” de Perales o conceptos filosóficos sobre el cuerpo. Un indígena maya exhibe su danza ritual con zapatos rojos de tacón mientras la Lolita de Kubrick se contonea sus pies. Una boda por papeles en la frontera o bien la amenaza de un tiro en el ano que acabe para siempre con los vaqueritos. Y a medida que se multiplican los referentes, el conjunto se vuelve ciertamente interesante, porque los códigos dejan de ser diáfanos para convertirse en una argamasa identitaria caótica con mil facetas distintas y sus correspondientes intersecciones: una aproximación a la realidad que nos rodea. Ya sé que la foto no cuadra con el tamaño del blog y lo invade todo, pero me gusta tanto que la voy a dejar así.

Como siempre invito a todo el mundo a expresar su propia opinión y rebatir, apoyar, contradecir o ampliar todo lo que afirmo con sus propios argumentos. ¡Muchas gracias!

Aquí os remito la nota de prensa del Teatre Lliure que anuncia algunas de las “sorpresas” que nos depara la temporada que viene. Si la anterior temporada ya era en gran medida un corta y pega de la programación 2007-2008, la siguiente amenaza con ser otro pegote. Al menos de momento no hablan de Frank Castorf ni de la Schaubühne…

La única buena noticia parece ser el remontaje de “La pantera imperial” de Carles Santos. Junto con “Sama Samaruck” posiblemente sea su mejor pieza de los últimos 12 años. Santos es otro abonado a la programación del Lliure, pero en este caso no puedo decir ni mu. Con la escasez de genios que hay en el país mejor sacarle partido.

En el apartado de ignominias flagrantes vemos como el director se reserva dos nuevos montajes y la reposición de dos montajes antiguos. Cuatro espectáculos por temporada. ¿Abuso de los fondos públicos en beneficio propio? ¿Procesos teatrales exprés? Pero, ¿a este señor no se le acababa el contrato? Y lo peor, con lo que circula por ahí, aún podría ser que lo echásemos a faltar en el futuro, que cualquier día de estos vuelve CIU y cambian los radicals Lliure por los pastorets…

Mientras, la Xarxa Transversal de Teatres está poniendo en marcha una programación estable de “Espectacles multidisciplinars no convencionals” (tenéis que ir al apartado “Projectes” y luego “En curs”). Así que están más avanzados en las comarcas que en la metrópolis. En fin, no voy a hacer más comentarios, si queréis hacerlos vosotros ya sabéis cómo.

Aquí está el fragmento con el avance de temporada. Como decía alguien, “un segundo que hago corta y pega”:
Pel que fa a la programació, la temporada 2009-2010, s’obrirà amb Nixon-Frost, de Peter Morgan dirigit per Àlex Rigola, un espectacle a la Sala Fabià Puigserver que es presentarà en dos formats escènics (l’habitual i ‘l’unplugged’; on el canvi residirà en el format), mentre que l’Espai Lliure acollirà Al cel, un espectacle de Xavier Albertí i Narcís Comadira a partir de la figura i l’obra de Jacint Verdaguer. També formaran part de la programació vinent Alícia al país de les meravelles, de Lewis Carroll dirigit per Carlota Subirós; American Buffalo, de David Mamet, amb direcció de Julio Manrique (que passa a ser director resident per a la temporada vinent i per la 2010/2011), El encuentro de Descartes con Pascal joven dirigit per Josep Mª Flotats, i les estrenes de Dues dones que ballen, de Josep Maria Benet i Jornet, dirigit per Àlex Rigola, de l’últim text d’Albert Espinosa (amb el sexe com a tema principal) i de l’última col·laboració del tandem Cunillé/Albertí: la pajarera catalana. Pel que fa a la dansa, es reposarà un dels muntatges emblemàtics de la Gelabert-Azzopardi Companyia de Dansa, Im (goldenen) Schnitt I (La secció daurada I), una coreografia de Gerhard Bohner de l’any 1989 reconstruïda i interpretada per Cesc Gelabert el 1996 mentre era resident al Hebbel Theatre de Berlín i que es va poder veure al Teatre Lliure el febrer de 1997.
Un altre muntatge emblemàtic de Carles Santos, La pantera imperial, també es podrà tornar a veure a l’escenari de la Sala Fabià Puigserver durant la temporada 09/10.
La plaça Margarida Xirgu tornarà a acollir, de la mateixa manera que durant la temporada 07-08, un nou espectacle del Circ Cric .La temporada vinent comptarà també amb dues reposicions: rock’n'roll i 2666 (premi Max al millor espectacle i a la millor escenografia). Aquests dos espectacles junt amb Nixon/Frost permetran al Teatre Lliure intentar mantenir una companyia estable formen amb la que fer gira per Catalunya, l’Estat Espanyol i l’estranger.

Antes de ir a ver este solo oigo una serie de fuertes opiniones al respecto. Una ex-alumna de Keersmaeker me dice que esta brillante coreógrafa no resulta interesante como intérprete y otros me recuerdan el peso de la creadora dentro del mundo de la danza. Sin duda, con estas vacas sagradas resulta difícil obviar el aura que acarrean con ellas y valorar la pieza por si misma. Yo mismo no puedo evitar unas expectativas altas debido a la impresión que me causaron sus previos Zeitung, Fase o Rain en el Mercat.

Al final, a pesar de una cierta rigidez y una insistencia en una manera de bailar francamente académica que no siempre despierta mi interés, este solo se me gana debido al carácter íntimo del mismo.

Es como si Keersmaeker hubiese escogido uno de sus discos favoritos (un concierto de Joan Baez) y bailase para nosotros en el salón de su casa, recreándose en pasajes que ha escuchado mil veces. Curiosamente los momentos más interesantes de toda la pieza son cuando realiza pequeños movimientos que ilustran frases de las canciones. Esto resulta realmente sorprendente, porque suelo detestar lo meramente ilustrativo -al fin y al cabo no hay estrategia más fácil-. Si me pregunto por qué aquí me gusta algo que normalmente me desagrada, llego a la conclusión de que estos pequeños gestos humanizan tremendamente a la intérprete y rompen con la rigidez de sus movimientos. Debido al carácter intimista de la propuesta, la sala grande del Lliure no es un espacio que ayude para su disfrute. A la salida, comentamos con R. cuánto hubiésemos disfrutado del solo en un lugar más recogido.

Esta pieza con un ritmo a menudo lento y pasajes sin movimiento es aplaudida con vehemencia cuando termina. Y a mí me parece bien, pero no puedo evitar una sensación de déjà-vu. Es decir, esta propuesta de Keersmaeker emplea un tipo de lenguaje sobrio, con un ritmo pausado y donde la danza no siempre está presente. ¿Cuántas propuestas así no se ven marginadas constantemente en las programaciones cuando son los intérpretes locales los que las proponen bajo la excusa de que resultan difíciles o aburridas? ¿O bien porque son lentas o “no se baila lo suficiente”? Pero en fin, todos conocemos el contexto en el que vivimos, así que no voy a descubrirle a nadie la sopa de ajo.

Respecto a lo de “no bailar” en las piezas de movimiento, me estoy leyendo “Agotar la danza” de Lepecki en la edición del Mercat de les Flors junto con la Universidad de Alcalá y el Centro Coreográfico Galego.

Cuando los bailarines bailan por bailar se me hace un nudo en el estómago. Yo hasta ahora lo atribuía a la necesidad de que haya un porqué poderoso detrás de cada cosa y creía que estas coreografías de movimiento incesante me parecían yermas debido a la falta de consistencia detrás de sus propósitos. Me refiero a las obras donde la única razón por la que se baila es porque se decidió al principio que se iba a tratar de una pieza de danza. Este razonamiento tautológico suele desembocar en obras terriblemente olvidables.

Sin embargo, Lepecki enuncia otra justificación que explicaría porque a todos nos cuesta tanto el “bailar por bailar”. Se trata de un razonamiento sociológico donde explica las dinámicas que se esconden detrás de la coreografía tradicional. Primero hay un carácter ciertamente teológico. Es decir, el coreógrafo Dios-amo-rey impone sus criterios a los intérpretes creyentes-esclavos-súbditos. ¿Cómo mantener esta forma de trabajo en una sociedad con Internet donde las dinámicas horizontales cobran más importancia? Pero más allá de esta lógica jerárquica, Lepecki defiende que la modernidad se caracteriza por lanzar a los individuos al movimiento, por someterlos a un patrón dinámico sin tregua. En este sentido, la inmovilidad abre un espacio de reflexión y se convierte en resistencia ante el sometimiento dinámico de nuestro mundo. Sigue produciendo, muévete, no te detengas un instante para que la máquina no deje de funcionar, nos dice el capitalismo. En el momento en que nos detenemos adquirimos la posibilidad de pensar y poner en cuestión esta exigencia dinámica. Lepecki lo explica mejor que yo y, sinceramente, me parece un argumento contundente. Me ha convencido.

Las instituciones democráticas se caracterizan por producir anticuerpos que ponen en duda criterios básicos que las sustentan y cambian su rumbo. En este sentido, la publicación de “Agotar la danza” por el Mercat de les Flors me parece una enorme inyección de penicilina contra una parte sustancial de la programación del Mercat de les Flors de este último año. Cesc Casadesus me dijo en una charla reciente que el Mercat estaba especializado en movimiento y que esta especialización era positiva y resultaba un criterio necesario a la hora de escoger las piezas de la programación. Vale. Pero, ¿qué pasa cuando el movimiento pierde su sentido como disciplina aislada? ¿Qué programa un centro de movimiento cuando el arte que exige nuestra situación sociopolítica pide en gran medida que nos quedemos quietos? ¿Acaso no habría que incluir un espacio amplio para las propuestas de no-movimiento o poco-movimiento dentro de la programación? Este artículo no tiene mala intención alguna, simplemente me gustaría abrir un debate alrededor de esta cuestión. Podéis dejar vuestros comentarios abajo. Recordad que para que un debate sea interesante todos los comentarios deben seguir las más estrictas normas de educación, evitar ataques personales y basarse en sólidos argmentos. ¡Gracias!

Aprovecho que estoy en Madrid para ver qué se cuece por allí y voy a ver esta pieza por recomendación de David Rodríguez. El texto de “Siempre fiesta” es imaginativo y de buena calidad, pero entra dentro de un género con el que tengo poco contacto. Es teatro de texto con un toque de vodevil, algo francamente accesible que no debería tener problemas para lograr un notable éxito comercial, así que me sorprende ver algo así en una sala relativamente pequeña y algo alternativa.

Las críticas que hay colgadas en la pared halagan la obra y la etiquetan como “teatro contemporáneo”. Por supuesto todo lo que se haga en nuestros días resulta inevitablemente “contemporáneo”, pero sin embargo este adjetivo no sería el primero que yo hubiese escogido para “Siempre fiesta”. Aunque también es cierto que la presencia de un narrador externo a la acción es algo que aparece en bastantes obras recientes, desde Jan Lauwers hasta “Alice Bell” de Lone Twin. Yo tengo mis reservas sobre la puesta en escena, pero aún así me alegro de haber asistido debido al estilo actoral claramente diferente respecto al estándar al que estamos acostumbrados en Barcelona. Otros actores son posibles.

SNUFF K7

Què passa:
Un jove, assegut en una cadira al mig de l’escenari, ens narra les violacions, tortures i assassinats que perpetren un home i dos adolescents.

Què fa servir:
1) uns titelles.
2) un radiocasset.
3) dos texts que reparteix perquè la gent els llegeixi en moments determinats de l’espectacle.
4) la ventriloquia.

Què fem servir:
1) molt, les orelles: la majoria de la informació és sonora.
2) molt, el cap: els sons s’hi  desenvolupen i cadascú assoleix la tragèdia dins seu, a la seva.
3) bastant, els músculs de la panxa endurida.
4) una mica, les ulleres de llegir.
5) un dona, els talons, per repicar-los contra el linòleum mentre fuig de l’espectacle, víctima d’una suposada crisi d’angoixa.

Què brilla:
1) l’intèrpret.
2) l’ús de recursos mínims per arribar a una màxima expressió del que sigui –en aquest cas, l’horror i sanguinolència més exacerbats.
3) tothora el mecanisme del fora camp, com aquella càmera que mira cap a l’altre cantó mentre explota el cap d’un nen petit, a Funny Games. Molt pitjor que els pèls i senyals, l’antítesi del gore: el terror d’allò que no veus.
4) els últims minuts de pur snuff-k7, quan ja passa de titelles i ni obre la boca per seguir fent cacofonies anguniosíssimes. Esplèndid i memorable.

Mari Clavé

La mélancolie des dragons

“La mélancolie des dragons” de Philippe Quesne es una pieza espléndida. En ella un grupo de heavies que se encuentran atrapados en la nieve muestran a una mujer madura las atracciones de su parque temático particular.  Apenas hay narrativa y el conflicto brilla por su ausencia. El tempo es muy pausado. Las atracciones son de un sencillez aplastante y consisten en los más elementales efectos teatrales: una máquina de hacer burbujas de jabón, una máquina de humo, un ventilador… Nada que no hayamos visto mil veces en escena. Sin embargo la mirada cándida de estos personajes sobre estos trucos nos hace redescubrir su encanto como si fueramos niños. Para mí la pieza se convierte en una alegoría de la fascinación por lo “espectacular”: una cierta declaración de amor hacia la escena. Un miembro de la organización del Lliure aseguraba que nunca habían traído nada tan extraño. Personalmente, no me pareció tan rebuscado. O bien si la extrañeza consiste en desmarcarse de los patrones tópicos, bienvenida sea. Ojalá este tipo de ”extrañezas” nos visiten más a menudo.

Al día siguiente veo la nueva versión de “Z” de Sergi Fäustino. Tengo una resaca descomunal y salgo de la pieza con el estómago del revés. El director apuesta por disminuir el elemento textual, desdibuja las escenas que tenía construidas y aumenta el carácter gore y punk de la obra. En la sala atestada de refinados programadores franceses se palpa el rechazo. Personalmente, no tengo la certeza de hacia dónde apunta Sergi con este nuevo “Z”. ¿Se trata de una apuesta decididamente punk? ¿O bien el vacío por el que deambulan estos zombis podría llegar a darle la vuelta a la propuesta y convertirla en un objeto raro? Me inclino más por el punk aunque en algún momento me pareció vislumbrar esta segunda posibilidad. Un sector del público abandonó la sala airado. Otros lo disfrutaron a fondo. Para complicar las cosas aún más, me explican que al día siguiente la recepción por parte del público fue entusiasta, así que igual hay un efecto “bolo”. Yo me quedé con la sensación de que “Z” todavía estaba en proceso y que su propósito aún debía clarificarse. Pero entre el calor, la resaca, el intenso olor a salsa de tomate, los escupitajos y el manoseo de vísceras, tampoco confiaría mucho en mi propio juicio.

“Jerk” de Gisèle Vienne es un trabajo muy peculiar. Esta narración de Dennis Cooper para un solo marionetista destacaba por su parquedad. Un intérprete, una silla, cuatro marionetas… Hacía tiempo que no veía nada tan sencillo en un teatro. Y esta austeridad era un gustazo. Creo que todos nos delectamos con ese enorme espacio vacío alrededor de la silla donde se sentaba el intérprete. Además del excelente texto de Cooper, el trabajo de voz y el diseño milimétrico y obsesivo de la propuesta, lo que más me interesó fueron los dos fragmentos donde se pedía al público que leyese una parte de la historia en un programa de mano. Esta estrategia tan simple cambiaba por completo la relación espectador-intérprete, haciendo que en esos dos fragmentos la experiencia colectiva se intercambiase por un tú a tú con la narración. Un efecto similar al de de las cajitas circulantes de “You are here“. Estos terremotos en la construcción del espacio escénico me seducen por completo.

Finalmente “Agnès” de Claudia Faci fue una sorpresa mayúscula. Había visto el vídeo y me había gustado, pero no podía imaginar que la experiencia en directo sería tanto mejor. “Agnès” es una de esas raras piezas que alcanzan altas cotas de trascendencia, inteligencia y poesía sin parecer farragosas ni pretenciosas. En esta obra se entrecruzan el discurso del cuerpo y la performance contemporánea con la técnica sosegada y sin estridencias del teatro clásico. En fin, es una de esas piezas que dejan en evidencia como el debate “clásico vs. contemporáneo” es un falso debate. El personaje de “Agnès” asegura que le hubiese gustado traer un tigre para hablar de la presencia escénica, que es lo que a ella le interesa. Quizás no fue un tigre lo que vimos, pero el animal que deambulaba por las tablas del Espai Brossa con una copa de cava en la mano tenía un pelaje imposible de olvidar. Este es uno de los mayores placeres de bucear en las programaciones: de tanto en tanto descubres un tesoro.

¡Última oportunidad para ver ”Agnès” de Claudia Faci en el Espai Brossa!

22 y 23  de mayo a las 21 horas y 24 de mayo a las 19 horas

Yo me lo perdí en el Antic debido a otros espectáculos y esta vez no lo dejaré pasar.

El vídeo de la pieza resultaba MUY prometedor.