— MuroTRON

Artistas trabajando de Ana Ayuso | 3, 10 y 17 de mayo de 12 a 20h en la sala de exposiciones de la planta 2 de la Fabra i Coats: Centre d’art contemporani de Barcelona

Activación de obra vinculada a la exposición ‘¡Si llueve así, que no escampe!’

El espacio expositivo en el que se sitúa Artistas trabajando* deviene lugar de trabajo para la artista Ana Ayuso algunos viernes en el horario de apertura del Centro de Arte, de 12 a 20 h, con una pausa para comer allí mismo, delante del ordenador. La (des)activación es una muestra literal de aquello que la artista hacía durante el programa de residencia: ocupar el espacio de trabajo para trabajar algunos días de la semana y ausentarse muchos otros días para seguir trabajando.

Algunas intenciones de la intervención son: por un lado, el carácter ilimitado del trabajo, es decir, exponer un trabajo sobre el trabajo (que es trabajo) y el hecho de estar (y no estar) para poder trabajar; por otro lado, la imposibilidad de limitar la separación entre vida, arte y trabajo (incluso el trabajo «alimenticio», es decir, trabajar para comer y sobrevivir); y, finalmente, las dicotomías ficticias pero que tienen consecuencias reales, como cuando se dispone de tiempo y no de dinero (ni de tranquilidad mental) para poder dedicarse al arte, en contraposición a cuando se dispone de dinero (y tranquilidad mental) pero solo se puede trabajar para otros.

El título de la activación supone un guiño a diversos referentes:
Artist at Work (2015) es el título del libro de Bojana Kunst sobre el trabajo de lxs artistas.
Artist at Work (1978) es el título de la serie fotográfica de Mladen Stilinović en la que aparece él durmiendo.

* Nota: en el título de esta actividad, Ayuso añade la «s» a artista por considerar que «no somos unx sino muchxs quienes nos encontramos en esta situación».

Más información: Fabra i Coats

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Grip de Jan Martens | 3 y 4 de mayo en el Teatro Central de Sevilla

TRAS EL ACLAMADO any attempt will end in crushed bodies and shattered bones (TEATRO CENTRAL, FEBRERO 2023), JAN MARTENS NOS PROPONE UN ESPECTÁCULO PARA SUMERGIRNOS EN LA HISTORIA DE LA MÚSICA Y RESALTAR VOCES DESCONOCIDAS DE MUJERES.

UNA PRODUCCIÓN COMPUESTA DE DANZA Y MÚSICA EN EL QUE LA VOZ FEMENINA JUEGA UN PAPEL IMPORTANTE.

VOICE NOISE son dos partes de un proyecto ficticio formado por un total de 24, en el que cada una es un espectáculo de danza de 50 minutos con música interpretada por voces femeninas.

Da la impresión de que forma parte de un evento mucho más grande, en el que bailarines y voces van y vienen a través de un sinfín de tesoros musicales escondidos u olvidados: más de cien años de voces femeninas en la historia de una música que canta, tararea, mece, grita o susurra.

La pieza está inspirada en el texto The gender of sound de Anne Carson escrito en la década de 1990, que analiza la forma en que las mujeres han sido silenciadas a lo largo de la historia. Desde los antiguos griegos a Margaret Thatcher pasando por Gertrude Stein. Este ensayo describe hasta qué punto han sido consideradas superfluas las voces de las mujeres, con su timbre estridente, sus gritos agudos o sus conversaciones inútiles. Escribe: Silenciar a las mujeres ya estaba en la Grecia preclásica y clásica con un conjunto complejo de legislaciones y convenciones, teniendo como hilo conductor la afirmación de Sófocles: El silencio es el cosmos (el buen orden y el orden del universo) de la mujer.

VOICE NOISE es un acontecimiento compartido tanto por el público como por los intérpretes. El teatro se convierte en un espacio abierto indefinido en el que “ver y escuchar” se sitúan en un plano de igualdad.

Tras sus recientes producciones con grandes elencos para any attempt will end in crushed bodies and shattered bones y FUTUR PROCHE, Jan Martens vuelve a trabajar para un conjunto más pequeño. Personas que ya lo han inspirado en el pasado (Steven Michel, Courtney May Robertson y Loeka Willems) y otras tres que son caras nuevas (Sue-Yeon Youn, Elisha Mercelina y Mamadou Wagué).

La obsesión de Jan Martens por los números, la geometría y los esquemas dialoga con los lenguajes físicos únicos de cada uno de sus intérpretes, lo que lleva a redescubrir el interés por la danza misma: en el detalle y la sutileza, en la redefinición, la gracia y la elegancia.

Más información: Teatro Central de Sevilla

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Obra imposible de Los Bárbaros | Del 9 al 11 de mayo en Condeduque Madrid

Para Los Bárbaros (Javier Hernando y Miguel Rojo), Obra imposible es otro intento, quizás el último, de hacer algo juntos. Toda una declaración de intenciones de una compañía que lleva una década entre nosotros y que ha trabajado conceptos en torno al poder, la imaginación y la identidad, y que a raíz de Obra infinita, declaraba: “Lo que queríamos con esta obra era juntarnos para escucharnos, porque este un mundo bastante vacío, en el que somos incapaces de mirar al otro y decir es verdad, yo no tenía razón, me voy contigo o, joder, me has abierto un mundo. Aquí nos juntamos no solo para estar juntos, sino para escucharnos, y que esa escucha pueda atravesarme a mí y modificarme corporalmente, y yo me adueñe de todo eso, de ese relato y de la escucha, y propagarlo, y volverme a juntar con otro, y con otro… Si no, no se puede hacer nada”.

Obra imposible es la última parte de una trilogía formada también por Obra inacabada y Obra infinita, dos piezas en las que, respectivamente, nos han hablado de la imposibilidad de terminar las historias y del relato sinfín de los cuentos populares. Dicen que en sus creaciones buscan formas de contarse a sí mismos. Y lo hacen a través de todo lo que tienen a su alcance, empezando por el teatro, el gesto y los objetos y acabando por las artes plásticas, la literatura y la música. Siempre con el convencimiento que el espectador es un ser cercano a quien se le puede seducir a través de un todo que es la experiencia escénica.

Los Bárbaros cuestionan, desde diversas perspectivas, conceptos en torno a la sociedad contemporánea, el poder y las formas de relacionarnos, trabajando entre la realidad y la ficción. Han creado un corpus de trabajos donde una misma cuestión es abordada desde la escena, las artes plásticas o la literatura. Les gusta el humor, la imaginación, la memoria y las cosas invisibles. Y Obra imposible promete ser un último paso o quizá otro más hacia regiones inexploradas.

Más información: Condeduque Madrid

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Laura Ramírez Ashbaugh y Lucía Millet |30 de abril a las 19:30h en La Hipoteca de Madrid

Dorothy Michaels tiene el placer de acoger a Laura Ramírez Ashbaugh y Lucía Millet en la primera residencia de REMOLINO realizada en colaboración con La Hipoteca y de invitaros a la apertura del proceso el próximo día 30 de abril a las 19:30h en La Hipoteca (C/ Belmote de Tajo 28, 28019 Madrid).

Más información: Dorothy Michaels

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Symphony performance de Sara Manubens | 11 y 12 de mayo en Réplika Teatro, Madrid

Estreno en Madrid de la versión escénica de Symphony Performance de la artista Sara Manubens.

Symphony of the Seas es una travesti patéticamente inestable que ensaya un gran escándalo. Al borde entre la realidad y la ficción, Symphony entrega su cuerpo a sus últimas fantasías, creando escenas melodramáticas y con alta carga visceral: emocionarse es un acto disidente. Symphony es un cuerpo que transiciona en su propia histeria mientras promete un gran espectáculo que nunca llega. Symphony Performance es un estudio en la construcción del lenguaje con herramientas híbridas que provienen tanto de la Danza y la Performance como de la práctica e identidad Travesti, un estudio emocional sobre el amor y la violencia que recibe el cuerpo trans-femenino.

→ Concepto, coreografía y producción: Sara Manubes
→ Diseño de iluminación y técnica en funciones: Manoly Rubio
→ Tecnologías Backstage: Feña Celedón
→ Vestuario: Hanna Tervonen
→ Diseño y publicación: Bruna Kury
→ Residencias: El Canal Salt, La Poderosa, Festival Linha de Fugida (PT)
→ Co-producción y estreno: Antic Teatre (2024)

Idioma: Castellano

Duración: 50 minutos.

Edad recomendada: A partir de 16 años.

SARA MANUBENS. Artista, coreógrafa y travesti en Barcelona. Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual (Museo Reina Sofía, grupo ARTEA). Su trabajo se mueve entre el site-*specific, la performance y la danza y se centra en la transcorporalidad y su impacto en la realidad. Toma la práctica e identidad travesti desde una mirada crítica y experimental. Desarrolla sus propios proyectos de investigación desde 2015. Diseña y ejecuta proyectos educativos entre ellos, DRAG KIDS (2020) o TEEN HORROR (2023). Trabaja como performer con Cuqui Jerez, Aimar Pérez Galí, Idoia Zabaleta. Escribe reseñas críticas sobre danza y performance en el Blog del Mercat deles Flors.

Más información: Réplika Teatro

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Thauma de Andreu Martínez y Magda Puig Torres | Del 8 al 26 de mayo en el Espai Lliure de Barcelona

Magda Puig Torres es la artista residente de esta temporada. Junto a Andreu Martínez, explorará el concepto thauma, que significa sorpresa y maravilla, y que ya Aristóteles consideró el origen del conocimiento y la filosofía.

Vivimos en un mundo lleno de respuestas, pero cada vez con menos preguntas. Asombrarse es precisamente eso, plantearse preguntas. De hecho Aristóteles consideraba el thauma (la maravilla) como el origen del conocimiento. El asombro es ese estado radical de extrañeza e incredulidad ante lo que nos rodea, y nos hace indagar sobre un mundo que creemos conocer a la perfección.

Thauma es un viaje por una cabeza en estado de asombro.
Funciona como un juego poético en el que se confunden arriba y abajo, fondo y figura, lo grande y lo pequeño, creando diferentes formas de ver lo mismo.
Sigue los códigos de la novela gráfica y el teatro de objetos proponiendo un paisaje que va abriéndose, revelando su interior.
Thauma es un poema escénico centrado en la capacidad de asombrarnos y quedar suspendidos en un terreno poético que no tiene finalitat, ni conclusión, ni cierre.

Más información: Teatre Lliure

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Festival Tara | Del 2 al 9 de mayo en Las Palmas de Gran Canaria

El escaparate de nuevos lenguajes artísticos programará 10 piezas artísticas en torno a la deriva en diversos espacios de la capital grancanaria.

El Festival Tara lanza su programación para la IV Edición, la cual se celebrará del 2 al 19 de mayo de 2024. Tras el escopetazo de salida el pasado 20 de abril con Esta fiesta es un fracaso, celebración de esta nueva edición que dará comienzo en 10 días, el festival anuncia hoy, 22 de abril, todo lo que tienen preparado para este mayo cultural junto con la venta de bonos y entradas.

En el marco de la programación de este año podemos observar un alto porcentaje de propuestas de origen peninsular e internacional, una apuesta del festival por tratar de crear puentes y erradicar los problemas que genera la insularidad; y propuestas que reflexionan acerca del concepto de la deriva.Este año proponemos prácticas que giren en torno a la deriva como eje común. 10 encuentros que conformarán un viaje por varios rincones de la ciudad de Las Palmas de Gran Canaria, con una parrilla de diversos lenguajes y prácticas artísticas.” comenta Patricia Jorge, directora del festival de creación contemporánea. Con piezas itinerantes como Ruina digital de Manuel Senén, un viaje a los vestigios de una civilización futura; BZD (benzodiacepinas) hasta los huesos de Amelia Repetto, performance sobre cómo el sistema neutraliza y medicaliza el trauma; u Oficina de amaneceres de Cía. La Soledad, performance poética que se lleva a cabo en un espacio público al amanecer, de la cual no se sabrá la localización hasta dos días antes de la función.

El festival vuelve al Teatro Guiniguada con la obra del artista tinerfeño Roberto García de Mesa Poco (o alguien dirá que nos equivocamos), un poema escénico acerca de cuatro dualidades que afectan profundamente al ser humano de nuestro tiempo: el cuerpo-no cuerpo, la soledad-no soledad, la opresión-no opresión y el tiempo-no tiempo; y con Sweet Dreams de Alberto Velasco, primera pieza escénica de esta edición, un espectáculo sobre, a pesar de todo, las ganas de vivir. Velasco, actor, bailarín, productor y director, también impartirá el taller de creación escénica ¿No ves que estoy ardiendo?, el cual tendrá lugar el viernes 3 de mayo.

En la línea de la memoria histórica y social nos encontramos con la pieza Estación Recuerdo de Producciones Kepler, un espacio íntimo de reflexión sobre la memoria familiar de cada participante y un homenaje a las historias que se quedaron sin contar. También se podrá reflexionar sobre el lenguaje con la performance de Fran Vélez Pez Mantequilla, una deriva por el espacio de las palabras, la cual tendrá lugar en la Biblioteca Pública Municipal Josefina de la Torre.

Asimismo, el festival continúa un año más produciendo piezas propias, como Futboqueer, una propuesta que ocupa un espacio de juego tradicionalmente masculino, donde desde la desmasculinización del juego se realiza una revisión y apropiación de lo que, tras muchos años de costumbres sociales, ha tomado un carácter cishetero normativo que no representa la pluralidad del siglo XXI. Y vuelve a la programación El cine de verano, la iniciativa que sembró la semilla del festival.

Como en las anteriores ediciones, el festival apuesta por un formato de exhibición basado en los espacios no convencionales, como una guagua que guiará al público a un espacio donde poder presenciar la huella de una ruina digital o un lugar al aire libre desde el cual poder apreciar el amanecer.

La IV Edición de Festival Tara tendrá lugar del 2 al 19 de mayo, se podrá ver toda la programación adquiriendo un bono que se encuentra ya a la venta o a través de entradas individuales para cada pieza, también disponibles desde el día de hoy.

Este año el Festival Tara cuenta con la revista digital Binary (https://binary.media/) como medio oficial del evento, quienes cubrirán todo lo ocurrido durante las tres semanas que dura el encuentro cultural.

Más información: Festival Tara

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Bailar una partitura de Elisa Arteta | Viernes 3 de mayo a las 18.30h en la Casa de Cultura de Aoiz

Como parte de la expo bat bitan. Notas, borrones, partituras y otras escrituras al oído, comisariada por Xabier Erkizia para el programa Uholdeak del Centro Huarte.

Al ver la obra de Carlos Irijalba en la exposición de Uholdeak sentí un gran movimiento en mi interior. Me provocó lo que busco, cada vez más, en el arte, cualquiera que sea su manifestación: un estallido afectivo e intelectual de forma simultánea. Que, a través de la percepción, amplíe mi sensibilidad y mi mirada al mundo, para que se abran las puertas a nuevas posibilidades.

A pesar de tratarse de una fotografía y no de la pieza original, Pannotia me transmitió una gran sensorialidad y sensualidad, ganas de tocar esos cilindros acabados de forma irregular. Los palpé en mi imaginación suaves, pero a la vez robustos.

En esa materialidad, además, estaban recogidos miles de años, tal vez millones, o incluso miles de millones. Eón es la palabra que vino a mí en ese momento. Un vocablo que he descubierto recientemente y que, en términos geológicos, significa mil millones de años, aunque de forma indefinida.

Mi mente estalló, incapaz de concebir/sentir/proyectar/abarcar/asir esa otra temporalidad en la que cada una de nuestras vidas es tan solo una ínfima parte de un mecanismo perfecta y minuciosamente orquestado (¿tal vez con una gran partitura que se auto-transforma constantemente?).

‘Todo estado es transitorio’ dice Carlos en uno de sus textos descriptivos que acompañan la obra, y eso es lo que quiero bailar. Esa transición, ese espacio-tiempo que escapa a la cotidianidad, no para evadirla, sino para comprenderla desde un prisma más amplio. Cómo llevar esto al cuerpo y el movimiento supone ahora un reto. ¿Cómo conectar con esa eternidad/inmensidad/infinitud pese a mis propios límites físicos?

Más información: Centro Huarte

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Ànima de Òscar Dasí | 26 de abril en el Mercat Vell de Mollet del Vallès

He abdicado de seguir siendo lo que era. He renunciado a mi identidad a conciencia, para poder extrañarme de mí mismo y así, despojado, volver a sentirme inexperto, inmaduro, de nuevo carne fresca y libre para deleitarme de cómo desear. He abolido la realidad que me sustentaba y me he dedicado a observar cómo se resquebraja la estructura fija bajo el peso de la vida misma, a observar los escombros de lo que fui esparcidos a mi alrededor. Tranquilamente, sin pretender atenuar el impacto de la caída, resistiendo el impulso de hacer parches, la urgencia por recomponerme. Lanzarse a la acción, alegre, despojado, contemplando el fracaso como el más probable de los horizontes. He abdicado por intentar un imposible, nacer de nuevo.

Revisitar alma ahora, 10 años después, es un gesto y celebración. También un misterio.

Más información: Ajuntament de Mollet del Vallès

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1Dance de 71Bodies | 27 de abril en La Mutant de València

La obra está inspirada en 71 experiencias personales y testimonios de personas transgénero y de género, personas no conformes que viven en Noruega, Suecia, Dinamarca y España.

La actuación tiene una duración de 71 minutos, representando 1 minuto por cada experiencia personal que inspiró este trabajo. El trabajo físico se basa en el cuerpo, sus cualidades y sus texturas. Sin distracciones ni ornamentación; sólo el cuerpo y su fisicalidad. El cuerpo desnudo es un espacio cargado de emociones; sosteniendo vulnerabilidad, fuerza, vergüenza, placer, intimidad y empoderamiento. Con esta producción se pretende dar visibilidad, despertar la curiosidad y generar conocimiento sobre la comunidad transgénero desde un nivel humano y a través de un enfoque artístico. Al exponer diversas formas de ser, la performance desea vislumbrar nuevas referencias y formas de apreciar la belleza y generar deseo.

AVISO

Espectáculo con desnudez total. Luces estroboscópicas de menos de un minuto de duración. No se permite la grabación de vídeo o audio ni la toma de fotografías. Prohibida la entrada a menores de 18 años a no ser que estén acompañados por un adulto.

FICHA

Daniel Mariblanca, Concept, Choreography & Performer

Ursula Kaufmann, Filmmaker

Amanda Billberg, Dramaturg

Camilla Svingen, Financial Producer

Jon Eirik Sira, Light Designer

Mar C Llop(Decd), Photographer

Gunnar Innvær, Composer

Miriam Casal Madinabeitia, Composer

Florian Dorrehofer, Composer

Current Touring Team

Daniel Mariblanca, Concept, Choreography & Performer

Thomas Bruvik, Tour Technician

Davone Sirmans, Company & Tour Manager

BIO

71BODIES es una compañía de danza y espectáculos inclusiva para personas transgénero con sede en Bergen, Noruega. Creada por Daniel Mariblanca en 2016, la empresa sigue evolucionando de forma natural de manera sostenible mediante la cual un proyecto inspira al otro y al siguiente, y así sucesivamente.

Más información y entradas: La Mutant

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