— MuroTRON

Olatz Gorrotxategi – 9 de febrero en Azkuna Zentroa 

Progreso es una pieza performativa de Teatro Documento que narra la historia de la humanidad y su relación con el planeta que habita.

Está formulada desde una retrospectiva antropológica y existencialista de la creación del ser humano, utilizando como analogía la paradigmática historia de la invención del plástico.La última creación de la dramaturga Olatz Gorrotxategi es un trabajo de sala que utiliza como lenguajes escénicos el teatro de objetos, el audiovisual, la ficción sonora y el texto teatral para hablar sobre el universo y el lugar que ocupamos en él.

Progreso no es un espectáculo infantil, es una puesta en escena pensada para entretener y estimular a personas a partir de los 10 años.

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Tino Sehgal – 22 de febrero en Conde Duque 

El Centro de Cultura Contemporánea Condeduque reconoce la trayectoria de Boris Charmatz a partir de dos piezas: (untitled) (2000) de Tino Sehgal, donde Boris participa como intérprete; y SOMNOLE (2021), coreografía creada por Boris, un solo donde destila intereses y sensibilidades presentes en sus más de treinta años de carrera.

El trabajo de Charmatz está atravesado por el interés por someter la danza a restricciones formales que redibujan su campo de posibilidades. El coreógrafo, bailarín y creador de proyectos experimentales como la escuela efímera Bocal, el Musée de la danse o Terrain, se pregunta por el estado de los cuerpos contemporáneos, y articula performances y formatos híbridos para lugares y espacios muy diferentes –desde escenarios a museos, instituciones ficticias o al aire libre–. Las propuestas de Charmatz relacionan el contexto en el que se despliegan con los repertorios de la danza y su transmisión, así como el deseo de conectar la teoría con las sensaciones e intensidades del cuerpo que baila.

Sobre (untitled) (2000)

(untitled) (2000) es una pieza del artista Tino Sehgal interpretada por Boris Charmatz y Frank Willens. La trayectoria de Sehgal incluye importantes exposiciones como la Bienal de Venecia de 2005, la Documenta 13 y solos en el Museo Guggenheim de Nueva York, el ICA o la Sala de Turbinas de la Tate Modern de Londres. (untitled) (2000) es la última pieza que realizó en el marco de la danza antes de insertar su trabajo en el campo de las artes visuales, y describe en muchos sentidos el inicio de su relación con el museo como dispositivo que refleja la comprensión y la transmisión de conocimiento de las sociedades contemporáneas.

En escena el cuerpo desnudo, sin escenografía ni música, despliega breves extractos del repertorio de la historia de la danza del siglo XX. La pieza exhibe la danza tratando de acercarse a un orden estético similar al del museo, con el deseo de resituar las prácticas coreográficas y su articulación corporal.

Cuando se presentó por primera vez en el Moderna Museet de Estocolmo, el conservador Jens Hoffmann le dijo a Sehgal que «era como un museo de la danza».

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Boris Charmatz – 20 de febrero en Conde Duque 

El Centro de Cultura Contemporánea Condeduque reconoce la trayectoria de Boris Charmatz a partir de dos piezas: (untitled) (2000) de Tino Sehgal, donde Boris participa como intérprete; y SOMNOLE (2021), coreografía creada por Boris, un solo donde destila intereses y sensibilidades presentes en sus más de treinta años de carrera.

El trabajo de Charmatz está atravesado por el interés por someter la danza a restricciones formales que redibujan su campo de posibilidades. El coreógrafo, bailarín y creador de proyectos experimentales como la escuela efímera Bocal, El Musée de la danse o Terrain, se pregunta por el estado de los cuerpos contemporáneos, y articula performances y formatos híbridos para lugares y espacios muy diferentes –desde escenarios a museos, instituciones ficticias o al aire libre–. Las propuestas de Charmatz relacionan el contexto en el que se despliegan con los repertorios de la danza y su transmisión, así como el deseo de conectar la teoría con las sensaciones e intensidades del cuerpo que baila.

Sobre SOMNOLE 

Tras una serie de piezas de grupo y eventos colectivos en el marco de Terrain, Boris Charmatz vuelve a la forma del solo con una coreografía sucinta acompañada únicamente por un tenue silbido. Una danza que vehicula melodías familiares y materializa gestos latentes.

Centrada en dos ejes principales: por un lado, la idea de somnolencia, que evoca un estado intermedio, a medio camino entre la vigilia y el sueño, como una suerte de puente entre el mundo mental y el mundo físico; y, por otro, que el propio intérprete produce la música en forma de silbido, modelando el movimiento al escapar el aliento de los labios.

Charmatz silba notas, hace aparecer una melodía tras otra, como una cartografía efímera de un estado de ánimo. Después de infini (2019), pieza caracterizada por una oralidad desbordante, en la que la pronunciación de cifras se transmitía de un cuerpo a otro, el coreógrafo opta por una reducción radical del sentido y la fisicalidad. En SOMNOLE, el aire exhalado de los silbidos se une a la aparición de un movimiento, formando un frágil vínculo de danza y música. Charmatz dice “basta con tener los labios secos para que se detenga. Te quedas sin aliento y se detiene; de ahí la necesidad de producir una danza sencilla, atenuada y lánguida. Si te mueves demasiado rápido, el silbido suena rápidamente falso o se vuelve inaudible.” A medida que la música se construye, con sus mezclas y rupturas, se desarrollan cualidades de movimiento y enlaces entre el silbido y la dinámica del gesto, ya sea ralentizado, entrecortado, somnoliento o agudo.

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Lia Rodrigues – 13 y 14 de febrero en Conde Duque 

“Es una mezcla entre El Bosco y Balenciaga”, divagaba una crítica de danza holandesa, en su intento por definir Encantado, coreografía más allá de la danza, que supone una experiencia que existe para verla y vivirla. Nadie, en realidad, puede contar con verdadera precisión todo lo que ocurre durante este extraño pero fascinante ritual, a medio camino entre lo sagrado y lo pagano, lo obsceno y lo exquisito, que hoy nos devuelve al escenario del Centro de Cultura Contemporánea Condeduque a la creadora brasilera Lia Rodrigues (Sao Paulo, 1956) y su compañía de danza del Maré, una de las favelas más grandes y peligrosas de Río de Janeiro, quienes ya bailaron aquí la inclasificable Furia la temporada pasada.

Aunque muy diferentes, coinciden ambos trabajos en expresarse desde una estética ya perfectamente reconocible hecha a partir de objetos baratos y cotidianos, y unos modos escénicos que arman su dramaturgia a través de una narrativa en la que, en el caso de Encantado, once hábiles intérpretes hacen aparecer y desaparecer, como si fuera un encantamiento, figuras, imágenes y composiciones evocadoras de realidades del Brasil de los contrastes.

Lo que al inicio nos parece una alfombra de vivos colores perfectamente enmarcada en el escenario se nos va a desvelar pronto como escenografía y vestuario, el maravilloso deux ex machina de esa economía de recursos ya característica de la creadora brasilera. Con lentitud ceremonial, uno a uno, los bailarines desnudos se van deslizando bajo el aparente tapiz, y lo van habitando y desmembrando en las cientos de sábanas y telas de fulgurantes colores que lo conforman.

Para esta gente, que vive en unas condiciones de continuada emergencia, inventarse la vida cada mañana es prioridad y necesidad. Encantado es una metáfora perfecta de esta situación. Identidad, camuflaje, disfraz, travestismo, metamorfosis, transformación, cambio… muchas son las sensaciones e ideas que van pasando por la cabeza del que observa embobado esta performance extravagante que se nos presenta como una parada, un desfile de moda o quizá una comparsa de carnaval. De esas telas salen trajes y carruajes, insectos gigantes y monstruos feroces, la imaginación no deja de ser estimulada y de manera irremediable, Lia Rodrigues nos mete en un loop alucinante, del que definitivamente no queremos salir.

Más allá de los muchos valores artísticos de la propuesta, la de Lia Rodrigues es una danza de la resiliencia, de la persistencia y la perseverancia, una danza que ha nacido bella emergiendo de la precariedad y la urgencia vital de los artistas que la hacen. La coreógrafa admite que nació privilegiada en una sociedad que no ofrece muchos privilegios. Se formó como bailarina en París, donde trabajó con Maguy Marin, precursora de la nouvelle danse francesa, de la que aprendió, sobre todo, el valor inmenso de lo más pequeño. Y en 2004, volvió e instaló su compañía en el Maré, con la convicción de que el arte podía ser una alternativa para estos jóvenes mantenidos fuera de la educación artística por el sistema. En el 2008 fundó la Escola Livre de Danças da Maré, y ha sabido cómo convertir una danza nacida en la favela en un referente europeo, que despierta asombro y fascinación en las audiencias que no pueden resistir caer hipnotizadas y literalmente encantadas con sus propuestas, hoy largamente imitadas pero difícilmente superadas. Y es que Lia Rodrigues, en sí misma, es un encanto.

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Lautaro Reyes – Del 28 de febrero al 2 de marzo en el Mercat de les Flors

Esta propuesta quiere ofrecer un espacio poético y contemplativo que nos acerque a formas de afectarnos y a posibles maneras de vivir y de estar en movimiento desde los sitios que hemos habitado. A partir de una frase de movimiento al unísono, abrimos un espacio donde la danza tiene un papel esencial. El unísono nos permite comprender el movimiento y la danza como una plataforma donde encontrarnos, sentirnos afectadas, presenciar texturas y acompañarnos desde la escucha y los cuidados. La danza como un movimiento que podemos hacer juntas, que puede abrir mundos y grietas.

Quim Bigas trabaja dentro de los campos de la coreografía, la dramaturgia y los procedimientos informacionales. A menudo en sus trabajos utiliza procesos documentales para desplegar una posibilidad coreográfica que abre perspectivas de tiempo continuas. Bigas se preocupa de como abrir modos de ser a través del acercamiento a la conjunción entre la memoria y la experiencia subjetiva y la ausencia. Además, también está comprometido al papel del cuerpo como una entidad somática que mantiene sus preguntas y preocupaciones sobre las perspectivas de lo real. Desde 2018, es profesor asociado en coreografía en Den Danske Scenekunstskolen en Copenhaguen.

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Quim Bigas – Del 27 de febrero al 2 de marzo en el Mercat de les Flors

Esta propuesta quiere ofrecer un espacio poético y contemplativo que nos acerque a formas de afectarnos y a posibles maneras de vivir y de estar en movimiento desde los sitios que hemos habitado. A partir de una frase de movimiento al unísono, abrimos un espacio donde la danza tiene un papel esencial. El unísono nos permite comprender el movimiento y la danza como una plataforma donde encontrarnos, sentirnos afectadas, presenciar texturas y acompañarnos desde la escucha y los cuidados. La danza como un movimiento que podemos hacer juntas, que puede abrir mundos y grietas.

Quim Bigas trabaja dentro de los campos de la coreografía, la dramaturgia y los procedimientos informacionales. A menudo en sus trabajos utiliza procesos documentales para desplegar una posibilidad coreográfica que abre perspectivas de tiempo continuas. Bigas se preocupa de como abrir modos de ser a través del acercamiento a la conjunción entre la memoria y la experiencia subjetiva y la ausencia. Además, también está comprometido al papel del cuerpo como una entidad somática que mantiene sus preguntas y preocupaciones sobre las perspectivas de lo real. Desde 2018, es profesor asociado en coreografía en Den Danske Scenekunstskolen en Copenhaguen.

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Park Keito – 20 y 21 de febrero en el Mercat de les Flors

Este trabajo coreográfico, a caballo entre la performance y la acción sonora, toma como punto de partida los poemas de Takahide Nishiwaki, breves impresiones y reflexiones atemporales que hablan de la efimeridad del ser humano y la relación con la naturaleza. Rokatei significa ‘la cabaña de las 6 canciones’. Dos personas en escena en un movimiento de traslación por diferentes ficciones, alrededor de un núcleo utópico, buscan y construyen paisajes mediante la corporeización, la transformación del espacio y la palabra. Esta cabaña es un refugio frágil, una estructura estable como una roca, pero también es vulnerable en una tierra húmeda, un abismo en una cueva.…Diversas implicaciones simbólicas que se van desplegando durante el espectáculo a la vez que se plantea preguntas sobre el ciclo de la vida.

La asociación Park Keito, afincada en Barcelona desde 2017, contiene el trabajo de Kotomi Nishiwaki y de Miquel Casaponsa. Sus intereses en la investigación que llevan a cabo se reúnen en distintas disciplinas como el movimiento, el sonido y el arte visual para componer y coreografiar, en la creación de piezas escénicas y en instalaciones. Sus proyectos enfatizan con distintos imaginarios sobre la percepción y temporalidades compartidas con la audiencia, tanto en teatros como en espacios ‘site-specific’. Hasta ahora han creado Move here underneath the soccer field (2014), Miru (2018), New(a)days (2021) y Yukedo Yukedo (2023).

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Óscar Bueno – 15 y 16 de febrero 

Esta pieza se incluye dentro del proyecto de investigación Los paisajes ajenos, en el que el artista pone en relación la música, la imagen y la acción para buscar o descubrir otros paisajes. Apoyatura se adentra en esta investigación y propone una relación coreográfica, musical y visual entre un cuerpo, un piano y un cielo ficcionado. La relación entre los tres crea un ecosistema de decisiones sonoras, corporales y visuales.

Con una práctica que se mueve constantemente entre parámetros musicales, coreográficos y visuales, Óscar Bueno se define como autor, pero también acompaña procesos de otros artistas. Además, ha desarrollado diversas investigaciones sobre el sonido y la escena en proyectos como Sonidación (Soundtrack, Estudios para sonidación, Amarillo Chillón) y Los paisajes ajenos (Apoyatura, Vientos). Ha colaborado y colabora con otros artistas como Cuqui Jerez, María Jerez, Cris Blanco, Anto Rodríguez, Amalia Fernández e Itxaso Corral.

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Joaquín Collado – 13 de febrero en La Mutant

Con este trabajo me propongo como desafío colocar el cuerpo y sus bailes en el espacio, y nada más. Y que esté. Y que haga. Y que balbucee. Y que baile. Partiendo de esta proposición, algunas de las preguntas que me animan son: ¿Cómo, a través del gesto danzado, generar una presencia que escape de toda categorización, que emborrone las fronteras entre los géneros, que desoriente toda adivinación de lo que es, y que, afirmándose en ese inacabamiento, se mantenga alegremente presente y comprometida con su estar, con su bailar? ¿Cómo expandir la imaginación del que mira, produciendo un cuerpo hecho de trozos de otras muchas corporalidades, nombres y caras, y una danza impura hecha de múltiples gestos?

Ahora el baile todo (título provisional) se plantea como un proyecto de investigación y creación en solitario, con el que quiero reflexionar, a través del gesto del bailar y de mi cuerpo como bailarín hombre, sobre los procesos de construcción de una danza bastarda y plural, y sobre las ideas de categorización e identidad que operan en la danza y el bailarín, y por extensión, en todo cuerpo.

El proyecto se encuentra en una fase inicial de investigación.

Con el Apoyo de Graners de Creación, La Mutant de Valencia y La Caldera – centro de danza en Barcelona.

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Alberto Cortés – 7 y 8 de febrero en La Mutant

Estás viendo una playa. Ahora estás en ella. Esa no, piensa otra. Ahora miras a los laterales, no hay nadie más. Ahora junto a ti hay un amante hermoso que coge tu mano. Ahora lloras desconsoladamente y el amante no se inmuta. Mira el mar, aparece un humo que se desliza sobre el agua. En el centro del mar una figura delgada y sucia te canta. Te cuenta su historia, te vuelca encima toda la poesía que puede para que haga algo con tus heridas. No asegura cura pero asegura cambio de la temperatura interna. Ponte en sus manos, este fantasma te va hacer ver cosas: un caballo con un cuerpo encima, una pradera, un maricón andalú sufriente, hombres desnudos, una noche estrellada, una ría, un pueblo chico, un casamiento, playas sexualizadas, playas lloronas, playas heridas, playas macabras, playas inocentes. El fantasma se llama Analphabet.

Os convoco para una invocación espiritista; invocamos a Analphabet. Con la ayuda de un libro que recoge su testimonio haremos que ese objeto haga de conexión con su mundo, que lo lleve de un plano a otro, que lo traiga aquí, que lo traiga aquí. El libro lleva por nombre “Siempre vengo de noche”. Lo lees y casi aparece.

Unas recomendaciones para la sesión:

–       Trae puesta alguna prenda negra

–       Trae un libro que te conecte con tus fantasmas

–       Ven con una canción en la cabeza

–       Perfúmate como más te guste o bien ponte crema de protección solar 50

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