— MuroTRON

Betty Bésala – 24 de febrero en Bulegoa z/b

Presentación de Betty Bésala al inicio de su residencia en Bulegoa z/b. Su propuesta Servirte a mi modo, me permite el tiempo fue seleccionada junto a Resonare fibris de Raquel G. Ibañez en la convocatoria de residencias de 2025. El jurado estuvo compuesto por Oier Etxeberria (artista, músico y comisario), Dora García (artista) y las integrantes de Bulegoa z/b.

BETTY BÉSALA: SERVIRTE A MI MODO, ME PERMITE EL TIEMPO

Estimades,

Como accedéis a asomaros por aquí, aparecemos no con palabras elevadas ni verdades duraderas, sino desde la servidumbre del intento.

Perdonadnos si lo escénico no se deja atrapar. Todo ocurre en un lugar de ensayo: taller, ficción, refugio donde el tiempo se distrae. No aspiramos a saber del sol ni de los grandes mundos, basta con tantear ese pequeño mundo que sigue siendo extraño, incluso cuando creemos conocerlo.

Desde una mezcla indisciplinada —literatura, lo plástico y aquello que nos mueve— buscamos el roce entre ficción y realidad, aun a riesgo de caer en el exceso, el recital o cierta cursilería. Así se forma un teatro-matiz: irregular y cambiante. Si queréis llamarlo un lugar de tránsito, o un espacio de cruising con unes diablilles, aceptamos la imagen sin demasiadas explicaciones.

Aunque ahora nos movamos entre la confusión, confiamos en que algo se aclare en el proceso. El jardinero sabe: cuando el arbolito echa renuevos, no es aún fruto, pero ya promete ramas.

*Texto inspirado en “Prólogo en el Cielo» del Fausto de Goethe.

Betty Bésala, colectivo formado por Màrius Peidroz y Carlota Lázaro, nació como un encuentro de amigues ante la necesidad de abandonar el trabajo en solitario en pro del colectivo.

Se cuajó en el aula de sonido de la EHU y ha ido pasando por festivales (como el MEM-Festival de Música Experimental) y demás espacios culturales.

Se centra en una experimentación que se centra en lo absurdo, y parte, sobre todo, de referentes teatrales y literarios.

Es un unirse para pasarlo bien y hacer algo con lo que nos interesa.

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En el marco de Murmullos, el programa de artes en vivo del Año Treinta del MACBA, el 13 de febrero se presenta una sesión a cargo del Observatorio de Vídeo No Identificado (OVNI). Entre 1996 y 1998, el OVNI comisarió en el museo dieciséis programas temáticos de vídeo pioneros en su género, y sentó las bases de la primera videoteca del MACBA. Retomando aquel espíritu de exploración crítica de las imágenes, esta nueva propuesta enlaza con aquella experiencia fundacional y reactiva su potencial para pensar los vacíos, los archivos y las memorias en disputa.

Programa

19:00 – 19:15 h

Tell it Slant. Fuego en las manos. Del 18 al 21 de diciembre, 2025

Lorea Alfaro, Alex Baczyński-Jenkins, Ari Cardozo, Erea Fernández, Trajal Harrell, José A. Sánchez y Alma Söderberg

Curaduría: Isabel de Naverán

Entrada libre hasta completar aforo

Un proyecto de la Fundación Federico García Lorca para el Centro Federico García Lorca. Con la colaboración de EXPERIMENTA. PID2023-148236NB-C21. Financiado por la Agencia Estatal de Investigación (AEI-MICIU) 10.13039/501100011033 y por FEDER, UE.

Jueves 18 de diciembre, 19 h.  AUDITORIO

TRAJAL HARRELL The Return of La Argentina

Danza, seguido de conversación con Isabel de Naverán

Viernes 19 de diciembre, 19 h. SALA TALLERES

ISABEL DE NAVERÁN  Tell it Slant [Decidlo al sesgo]

Conferencia, seguido de conversación con José A. Sánchez

Sábado 20 de diciembre, 18 a 21 h. SALA TALLERES

ALMA SÖDERBERG  Sound a Rose In

Performance, voz. 3 horas, con posibilidad de entrar y salir

Domingo 21 de diciembre

11.30 h Sala Talleres

EREA FERNÁNDEZ Y ALMA SÖDERBERG  Una rosa en forma de boca

Conversación

13 h Huerta de San Vicente y 20 h Hall Auditorio

ALEX BACZYŃSKI-JENKINS Federico

Coreografía

19 h Auditorio

LOREA ALFARO Y ARI CARDOZO Balkoia zabalik utzi [Dejad el balcón abierto]

Conferencia, concierto

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María Jerez – 19 y 20 de diciembre en el CCCB dentro del Sâlmon

The Stain es un espacio de conocimiento compartido en el que María Jerez ha trabajado con un carpintero, un panadero, un pintor, un compositor y un diseñador de iluminación. Un espacio donde desaparecen las firmes clasificaciones de la Modernidad, que tienden a separar el conocimiento en campos segregados. Un espacio inestable donde entidades de distinta naturaleza coexisten y coevolucionan en una coreografía de encuentros constantes con la alteridad.

La construcción de esta coreografía inestable se centra en la idea de diseminación, colonización, invasión, coevolución y coexistencia como marco de pensamiento desde el que relacionar «cuerpos» o fragmentos de «cuerpos» que no están destinados a estar juntos. Entendiendo «cuerpos» como objetos, personas, materiales,

textos, sonidos, materias, colores, atmósferas, espacios, tiempo, espectadores, intérpretes…

The Stain propone una multiplicidad de puntos de vista y modos de atención muy diferentes. De este modo, el espectador transita por una amalgama de estados dispares en los que puede surgir un nuevo potencial de la mirada y del «estar junto a».

Una pieza de María Jerez
En colaboración con Óscar Bueno, Anto Rodríguez, Javi Cruz, Arantxa Martínez, Carlos Granados, Javier
Mansilla, Gilles Gentner, Antonio Peñuelas y Andrea Spaziani.
Coproducido por Buda Kunstencentrum (Kortrijk), Tanzfabrik Berlin y Terreno Común, una iniciativa de la
Fundación Siemens Stiftung en coproducción con Naves Matadero – Centro Internacional de Artes Vivas.
Con el apoyo de NAVE (Santiago de Chile)
Proyecto financiado por Apap-performing Europa 2020, con la ayuda de «Europa Creativa»- Programa de la
Unión Europea.

‘The Stain’ se presenta en colaboración con el CCCB dentro del marco de la exposición ‘Rodoreda, un bosc’.

Más información y entradas. 

El fin de semana del 13 y 14 de septiembre La Escocesa abre sus puertas para mostrar los talleres y procesos creativos de les residentes del centro.

Durante el viernes 12 y sábado 13 de septiembre, lxs artistas y proyectos residentes de Hangar abrirán sus puertas para compartir sus procesos de trabajo, producción e investigación.

La programación incluirá charlas, performances, proyecciones e intervenciones, organizadas por lxs artistas y proyectos residentes, así como por las distintas líneas de investigación y acompañamiento del centro. La jornada del sábado finalizará con una programación festiva y sesiones de DJ abiertas a todo el mundo.

El cartel de esta edición ha sido diseñado por la residente Laura Sub1 e impreso por el proyecto residente Lumbung Press, y estará disponible para todas las personas asistentes.

— Residentes estancia larga: Alícia Arévalo/ Oriol Arnedo Casas/ Jose Begega/ Kate Bohunnis / Ari Cardozo/ Søren Evinson/ Mourae / Eduard Ruiz / Laura sub1 / Silvia Zayas / Huaqian Zhang
— Residentes estancia media: Xavier Michel / Ximena Ferrer Pizarro / Luca Calderó
— Residentes con beca: Álvaro Corral Cid / Ricardo Cárdenas
— Residentes wetlab: Efe Ce Ele / Lara Campos
— Proyectos residentes: Lumbung Press/ #Blendícete
— Habitantes: Hamaca

Más información y programa completo.

Laura Ramírez Ashbaugh – 19 al 22 de junio

Prologue (desde Oasis of Serenity)  es un cruce de visiones y químicas, donde el cuerpo se encuentra en un estado de crisis constante. No hay narrativa, pero la experiencia se siente: hormonas como la adrenalina y el cortisol impulsan una práctica visual que no busca ser vista, sino encarnada. La mirada parpadea, corta el mundo, mientras un cine caótico emerge en la pupila. Exploro la potencialidad de los estados físicos y místicos en un cuerpo que se disuelve, reconfigura y late al ritmo de un flujo emocional constante. ​​Prologue (desde Oasis of Serenity) ofrece una apertura hacia lo desconocido, un espacio donde práctica, éxtasis y transformación coexisten, siempre al borde de la llegada. Es un umbral químico donde el cuerpo siente antes de entender, abrumado por un mundo exterior que lo atraviesa en tiempo real. Aquí, el corazón late más rápido, siempre al borde de la llegada.

Más información y entradas. 

Laura Ramírez Ashbaugh (Madrid, 1988). Coreógrafa, bailarina, y DJ residente en Madrid y Ámsterdam. Licenciada en la RESAD, estudió danza y coreografía en Martha Graham School, SNDO o PAF. Actualmente está terminando sus estudios en el master DAS Choreography en Amsterdam. Desde 2014 forma parte del colectivo Twins Experiment junto a Ainhoa Hernández Escudero. Ha actuado en el Mercat de les flors, Festival Grec, Center for Performance Research, Tanzquartier, Arqueologías del Futuro, Museo del Chopo, IVAM, CA2M, Festival La Becquée, Antic Teatre, La Casa Encendida, Naves de Matadero, Conde Duque y PAF.
Su trabajo se desarrolla entre el espacio del teatro y del museo, habiendo formado parte del departamento de educación-mediación del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía los últimos cinco años y actuado en galerías y museos de España, Francia y Bélgica.
Actualmente su trabajo está centrado en las imágenes del horror, las hormonas y coreografías de la mirada acogiendo múltiples iteraciones de esta investigación (performances, publicaciones, y workshops)

David Maroto – 14 de mayo en La Capella

¿Por qué escriben novelas los artistas? ¿Qué efecto tiene la novela de artista en las artes visuales? ¿Cómo se debería experimentar una novela de este tipo?

En la actualidad, existe una proliferación de artistas visuales que crean novelas como parte de proyectos artísticos más amplios, lo que favorece un tipo de arte basado en el proceso y la subjetividad y permite introducir nociones como la ficción, la narración y la imaginación. En este sentido, es posible hablar de un nuevo medio en las artes visuales.

El artista e investigador David Maroto presenta La novela de artista: La novela como medio en las artes visuales (Greylock Editorial), un libro en dos volúmenes que combina ensayo teórico y un proyecto de investigación en forma de novela. David Armengol, director artístico de La Capella, conversará con Maroto para desentrañar los contenidos de la obra.

La sesión contará también con la participación de Susana Romanos, editora del libro.

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Adriano Galante – 14 de mayo en Arts Santa Mònica 

Este encuentro con el cantante, poeta y performer Adriano Galante (Seward, etc.) es una invitación a la escucha profunda. Un acto de exploración en torno a los paisajes más escarpados de su trabajo musical —siempre expresivo, corporal y fundamentalmente vocal— poniendo a prueba algunos de sus textos favoritos, sus capacidades líricas, relatos sonoros inéditos y quizás alguna canción.

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Adriano Galante. Tras haber estrenado su último espectáculo en la Fundació Joan Brossa de Barcelona, Estoy aquí pero no soy yo, Adriano Galante prepara nuevos proyectos con artistas como Amorante, Fajardo o Warren Walker, al tiempo que celebra 15 años de su banda Seward y continúa desplegando lo propuesto en su disco Toda una alegria (2023) o en su libro Mediante (Arrebato, 2022).

El Conde de Torrefiel – 4, 11, 18 y 25 de mayo en Réplika Teatro

Cuerpos Celestes es un audioguía que dramatiza el espacio público del cementerio: una ciudad poco conocida, habitada por miles de personas que esperan la llegada de algún turista curioso y así poder susurrarle al oído sus secretos. Como Virgilio guió a Dante en su peregrinación al Inframundo, una disertación ecléctica acompaña esta caminata para reflexionar sobre la eterna pregunta: ¿Qué sucede después de nuestro paseo por el mundo?
El Cementerio es una ciudad como otra cualquiera: hay barrios céntricos y hay extrarradio, hay barrios ricos y barrios pobres, hay personas importantes y personas sin nombre. La ciudad dormitorio también se levanta gracias a la piedra y al cemento. Se construye en calles asfaltadas, en edificios y zonas verdes. Es el doble negativo de una comunidad. El dopplegänger de la ciudad de los vivos, al más puro estilo freudiano.

Una disertación ecléctica y vivaz que invita y acompaña a quien escucha por la escenografía única de la ciudad de los muertos. Un lugar inquietante y emocionante, marcado a la vez por la presencia y la ausencia de todas esas personas que han vivido su vida y han reído, hablado y gritado y que, si por un instante se despertaran a la vez, transformarían este lugar en un estadio de fútbol, en una manifestación o en un carnaval.

Más información y entradas. 

Tanya Beyeler (Lugano, 1980) y Pablo Gisbert (Ontinyent, 1982) forman la compañía en Barcelona en 2010. Desde sus inicios, El Conde de Torrefiel ha destacado por un enfoque interdisciplinario que combina coreografía, literatura, y artes plásticas y sonoras. Sus espectáculos crean paisajes insólitos y narrativas visuales donde emergen las tensiones entre lo individual y lo colectivo, llevándolas a escena de manera sorprendente. Este enfoque innovador ha consolidado a la compañía como una referencia pionera del teatro contemporáneo, tanto a nivel nacional como internacional.
Desde su creación la compañía ha creado 13 espectáculos para sala, además de piezas site specific, video-creaciones, instalaciones y audio-guías teatralizadas para museos y espacios no convencionales. Entre sus creaciones más destacadas se encuentran Escenas para una conversación después del visionado de una película de Michael Haneke, Guerrilla, La Plaza, ULTRAFICCIÓN nr.1 / Fracciones de tiempo, Una imagen interior o La luz de un lago.

La labor artística de Beyeler y Gisbert ha sido reconocida con múltiples premios, incluyendo dos premios de la crítica de la ciudad de Barcelona: en 2018 por La Plaza y en 2022 por Una imagen interior. En 2021, Tanya Beyeler recibió el Premio Nacional de Artes Escénicas de Suiza, su país de origen. Durante más de una década, El Conde de Torrefiel ha realizado giras por los teatros y festivales internacionales más prestigiosos de artes vivas, especialmente en Europa. Su trabajo ha sido presentado en el Kunstenfestivaldesarts de Bruselas, La Biennale di Venezia, el Théâtre de Vidy-Lausanne, el Wiener Festwochen de Viena, el Festival GREC de Barcelona, el Festival d’Automne de París y el Festival de Aviñón, entre otros.