— MuroTRON

Laura Ramírez Ashbaugh – 19 al 22 de junio

Prologue (desde Oasis of Serenity)  es un cruce de visiones y químicas, donde el cuerpo se encuentra en un estado de crisis constante. No hay narrativa, pero la experiencia se siente: hormonas como la adrenalina y el cortisol impulsan una práctica visual que no busca ser vista, sino encarnada. La mirada parpadea, corta el mundo, mientras un cine caótico emerge en la pupila. Exploro la potencialidad de los estados físicos y místicos en un cuerpo que se disuelve, reconfigura y late al ritmo de un flujo emocional constante. ​​Prologue (desde Oasis of Serenity) ofrece una apertura hacia lo desconocido, un espacio donde práctica, éxtasis y transformación coexisten, siempre al borde de la llegada. Es un umbral químico donde el cuerpo siente antes de entender, abrumado por un mundo exterior que lo atraviesa en tiempo real. Aquí, el corazón late más rápido, siempre al borde de la llegada.

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Laura Ramírez Ashbaugh (Madrid, 1988). Coreógrafa, bailarina, y DJ residente en Madrid y Ámsterdam. Licenciada en la RESAD, estudió danza y coreografía en Martha Graham School, SNDO o PAF. Actualmente está terminando sus estudios en el master DAS Choreography en Amsterdam. Desde 2014 forma parte del colectivo Twins Experiment junto a Ainhoa Hernández Escudero. Ha actuado en el Mercat de les flors, Festival Grec, Center for Performance Research, Tanzquartier, Arqueologías del Futuro, Museo del Chopo, IVAM, CA2M, Festival La Becquée, Antic Teatre, La Casa Encendida, Naves de Matadero, Conde Duque y PAF.
Su trabajo se desarrolla entre el espacio del teatro y del museo, habiendo formado parte del departamento de educación-mediación del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía los últimos cinco años y actuado en galerías y museos de España, Francia y Bélgica.
Actualmente su trabajo está centrado en las imágenes del horror, las hormonas y coreografías de la mirada acogiendo múltiples iteraciones de esta investigación (performances, publicaciones, y workshops)

David Maroto – 14 de mayo en La Capella

¿Por qué escriben novelas los artistas? ¿Qué efecto tiene la novela de artista en las artes visuales? ¿Cómo se debería experimentar una novela de este tipo?

En la actualidad, existe una proliferación de artistas visuales que crean novelas como parte de proyectos artísticos más amplios, lo que favorece un tipo de arte basado en el proceso y la subjetividad y permite introducir nociones como la ficción, la narración y la imaginación. En este sentido, es posible hablar de un nuevo medio en las artes visuales.

El artista e investigador David Maroto presenta La novela de artista: La novela como medio en las artes visuales (Greylock Editorial), un libro en dos volúmenes que combina ensayo teórico y un proyecto de investigación en forma de novela. David Armengol, director artístico de La Capella, conversará con Maroto para desentrañar los contenidos de la obra.

La sesión contará también con la participación de Susana Romanos, editora del libro.

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Adriano Galante – 14 de mayo en Arts Santa Mònica 

Este encuentro con el cantante, poeta y performer Adriano Galante (Seward, etc.) es una invitación a la escucha profunda. Un acto de exploración en torno a los paisajes más escarpados de su trabajo musical —siempre expresivo, corporal y fundamentalmente vocal— poniendo a prueba algunos de sus textos favoritos, sus capacidades líricas, relatos sonoros inéditos y quizás alguna canción.

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Adriano Galante. Tras haber estrenado su último espectáculo en la Fundació Joan Brossa de Barcelona, Estoy aquí pero no soy yo, Adriano Galante prepara nuevos proyectos con artistas como Amorante, Fajardo o Warren Walker, al tiempo que celebra 15 años de su banda Seward y continúa desplegando lo propuesto en su disco Toda una alegria (2023) o en su libro Mediante (Arrebato, 2022).

El Conde de Torrefiel – 4, 11, 18 y 25 de mayo en Réplika Teatro

Cuerpos Celestes es un audioguía que dramatiza el espacio público del cementerio: una ciudad poco conocida, habitada por miles de personas que esperan la llegada de algún turista curioso y así poder susurrarle al oído sus secretos. Como Virgilio guió a Dante en su peregrinación al Inframundo, una disertación ecléctica acompaña esta caminata para reflexionar sobre la eterna pregunta: ¿Qué sucede después de nuestro paseo por el mundo?
El Cementerio es una ciudad como otra cualquiera: hay barrios céntricos y hay extrarradio, hay barrios ricos y barrios pobres, hay personas importantes y personas sin nombre. La ciudad dormitorio también se levanta gracias a la piedra y al cemento. Se construye en calles asfaltadas, en edificios y zonas verdes. Es el doble negativo de una comunidad. El dopplegänger de la ciudad de los vivos, al más puro estilo freudiano.

Una disertación ecléctica y vivaz que invita y acompaña a quien escucha por la escenografía única de la ciudad de los muertos. Un lugar inquietante y emocionante, marcado a la vez por la presencia y la ausencia de todas esas personas que han vivido su vida y han reído, hablado y gritado y que, si por un instante se despertaran a la vez, transformarían este lugar en un estadio de fútbol, en una manifestación o en un carnaval.

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Tanya Beyeler (Lugano, 1980) y Pablo Gisbert (Ontinyent, 1982) forman la compañía en Barcelona en 2010. Desde sus inicios, El Conde de Torrefiel ha destacado por un enfoque interdisciplinario que combina coreografía, literatura, y artes plásticas y sonoras. Sus espectáculos crean paisajes insólitos y narrativas visuales donde emergen las tensiones entre lo individual y lo colectivo, llevándolas a escena de manera sorprendente. Este enfoque innovador ha consolidado a la compañía como una referencia pionera del teatro contemporáneo, tanto a nivel nacional como internacional.
Desde su creación la compañía ha creado 13 espectáculos para sala, además de piezas site specific, video-creaciones, instalaciones y audio-guías teatralizadas para museos y espacios no convencionales. Entre sus creaciones más destacadas se encuentran Escenas para una conversación después del visionado de una película de Michael Haneke, Guerrilla, La Plaza, ULTRAFICCIÓN nr.1 / Fracciones de tiempo, Una imagen interior o La luz de un lago.

La labor artística de Beyeler y Gisbert ha sido reconocida con múltiples premios, incluyendo dos premios de la crítica de la ciudad de Barcelona: en 2018 por La Plaza y en 2022 por Una imagen interior. En 2021, Tanya Beyeler recibió el Premio Nacional de Artes Escénicas de Suiza, su país de origen. Durante más de una década, El Conde de Torrefiel ha realizado giras por los teatros y festivales internacionales más prestigiosos de artes vivas, especialmente en Europa. Su trabajo ha sido presentado en el Kunstenfestivaldesarts de Bruselas, La Biennale di Venezia, el Théâtre de Vidy-Lausanne, el Wiener Festwochen de Viena, el Festival GREC de Barcelona, el Festival d’Automne de París y el Festival de Aviñón, entre otros.

Idoia Zabaleta – Del 13 al 15 de marzo en Azkuna Zentroa

Idoia Zabaleta es una de las creadoras más destacadas de la escena contemporánea actual y artista asociada a Azkuna Zentroa.

Alberto Cortés – 7 y 8 de febrero en La Mutant

Estás viendo una playa. Ahora estás en ella. Esa no, piensa otra. Ahora miras a los laterales, no hay nadie más. Ahora junto a ti hay un amante hermoso que coge tu mano. Ahora lloras desconsoladamente y el amante no se inmuta. Mira el mar, aparece un humo que se desliza sobre el agua. En el centro del mar una figura delgada y sucia te canta. Te cuenta su historia, te vuelca encima toda la poesía que puede para que haga algo con tus heridas. No asegura cura pero asegura cambio de la temperatura interna. Ponte en sus manos, este fantasma te va hacer ver cosas: un caballo con un cuerpo encima, una pradera, un maricón andalú sufriente, hombres desnudos, una noche estrellada, una ría, un pueblo chico, un casamiento, playas sexualizadas, playas lloronas, playas heridas, playas macabras, playas inocentes. El fantasma se llama Analphabet.

Os convoco para una invocación espiritista; invocamos a Analphabet. Con la ayuda de un libro que recoge su testimonio haremos que ese objeto haga de conexión con su mundo, que lo lleve de un plano a otro, que lo traiga aquí, que lo traiga aquí. El libro lleva por nombre “Siempre vengo de noche”. Lo lees y casi aparece.

Unas recomendaciones para la sesión:

–       Trae puesta alguna prenda negra

–       Trae un libro que te conecte con tus fantasmas

–       Ven con una canción en la cabeza

–       Perfúmate como más te guste o bien ponte crema de protección solar 50

Más información y entradas.

Pol Clusella Arimany – Del 28 de enero al 20 de abril en La Capella 

Cada diez o quince mil años, se produce una erupción en La Garrotxa. La última fue la del Croscat, hace más de diez mil años. Por lo tanto, la siguiente erupción podría tener lugar dentro de cinco mil, quinientos o cinco años. O quién sabe si mañana.

Parodiando el tecno-optimismo más atrevido y el lamento ecologista a la vez, Mañana será otro día explora la incertidumbre de la catástrofe natural como motor de renovación social y urbana.

Pol Clusella Arimany

Arquitecto de formación y músico de vocación, su práctica es ecléctica y mantiene una estrecha relación con el mundo del arte, entendido como un juego. La parodia y el absurdo suelen marcar el tono de su obra, ya sea en montajes teatrales (Ròmul i Rem el musical, de Berta Prieto y Belén Barenys; Diversión obligatoria, de Júlia Barbany); instalaciones interactivas (Patates, presentada y realizada en el Convent Sant Agustí junto con el artista Irieix) o su proyecto musical, Petit Ibèric.

Artículo de Rubén Ramos sobre la obra. 

Del 30 de enero al 2 de febrero en el Mercat de les Flors

El trabajo de Søren Evinson se mueve en la intersección entre la performance, el teatro y la danza. A través del cuerpo, del texto y del espacio genera situaciones que especulan con diferentes estructuras de poder, velando los discursos hasta que ya no se pueden rastrear. Combina materiales coreográficos con la palabra y el canto para crear piezas directas y delirantes en una relación provocativa con el público. Ha presentado sus trabajos internacionalmente en festivales de danza, de teatro y de performance, galerías de arte, edificios abandonados y plaza públicas. Su primera pieza en solitario, A Nation is Born in Me, se presentó en L’Antic Teatre dentro del festival Grec 2019.

Pack Søren Evinson – Consíguelo aquí.

laSADCUM – 14 de diciembre en Réplika

NAVAJA presenta un autorretrato escénico sobre poéticas sexoafectivas en el autoaprendizaje dictado por el algoritmo en la adolescencia SADCUM. Cinco personajes denominados LOINKS emprenden un (no)viaje de tres actos, enmarcados en una demo abandonada a medio programar.

El proyecto de danza de laSADCUM nació en 2019 en Barcelona de la mano de Guillem Jiménez, con la primera pieza escénica de corto formato THE UNCANNY VALLEY (2019). En 2020 hacen una segunda pieza escénica corta, THE LESSON (2020) presentada en el espacio TKM ROOM (Barcelona) dentro del 2º aniversario de MARICAS MARICAS, y reprogramada en el propio conjuntamente con la exposición CLASSMATES (2020).  En 2021 les encargan, para la exposición digital BURNT, RADIANT, SCROLLING (Nueva York), el video-performances UNTILTE (2021). En 2022 presentan en CCCB (Barcelona) en colaboración con Dansa Metropolitana 2022 , la primera producción escénica de gran formato, ACLUCALLS (2022), proyecto que recibió los premios DansaCat 2024 para mejor espacio sonoro y mejor coreografía. De ella deriva la obra CÀSULA ACLUCALLS (2022).  Posteriormente, ese mismo año, se inaugura la exposición TWINK TWINK TWINK (2022) en aula46 (Barcelona). En 2024 estrenan NAVAJA (2024), en Paral·lel 62 dentro del festival Danza Metropolitana 2024 y coproducido por éste, pieza ganadora del premio DansaCat 2024 como mejor espectáculo. Sus obras se han podido ver en espacios y contextos como Teatros del Canal, Museo Guggenheim de Bilbao, La Mutant, Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona, La Capella, Danza Valencia, La Casa Encendida, Tanečno Festival, Danza Metropolitana, Teatre El Musical, Sala Apolo, Festival Terrassa Nuevas Tendencias, Teatre Alegría, Pluto, entre otros.

Más información y entradas: https://replikateatro.com/evento/navaja/.

Alexandra Laudo – 11 de diciembre en el 4×4 (Sala Taro)

Alexandra Laudo prepara una nova conferència performativa que s’estrenarà al Teatre Lliure la primavera del 2025, i que, entre altres coses, tracta sobre la llum elèctrica i l’Exposició Internacional de 1929. En aquesta sessió de 4×4, Laudo obrirà el seu procés de treball per presentar-nos alguns materials, accions i idees en una forma bastarda i híbrida, a mig camí entre la performance, la conferència i l’exposició narrada.

Más información y entradas: https://dice.fm/event/bbvrov-4×4-alexandra-laudo-llum-artificial-fi-de-temporada-amb-les-eminncies-11th-dec-sala-taro-barcelona-tickets.