— MuroTRON

Núria del Toll – 15 de octubre en Santa Mònica 

/ˈrej.nə/ es una conferencia performativa que se adentra en los lenguajes desarrollados por los pastores para comunicarse con los animales y el territorio. A partir de los espectrogramas de grabaciones de voces y gritos de pastores contemporáneos, la actividad explora el ingenio comunicativo de uno de los oficios ancestrales más importantes de la humanidad: el pastoral.

La propuesta toma la figura del pastor como guardián de un patrimonio cultural, lingüístico y sonoro estrechamente vinculado a los procesos que condujeron a las sociedades humanas hacia el sedentarismo y el arraigo en los territorios. En este recorrido, cada territorio, cada tiempo y cada comunidad han generado formas propias de relación con el ganado y han configurado vocabularios, fonemas, gritos y otras formas de comunicación que pertenecen tanto a la lengua como al entorno que los ha producido.

Acompañada por las aportaciones recopiladas por Joan Amades en El vocabulari dels pastors, la sesión desgrana chillidos, gritos, sonidos y fonemas propios de diferentes pastores catalanes para aproximarse a una de las formas más primigenias de la palabra: aquella que emerge de la imitación de la naturaleza y del acto comunicativo entre la naturaleza y sus habitantes (los animales).

Durante la conferencia, Núria del Toll trabajará con una cardadora Diable, original de Grenoble, mientras desgrana los contenidos de la sesión. Al final del acto, la lana procesada durante la actividad se ofrecerá al público.

Núria del Toll (Ripoll, 1991). No es hija de campesinos ni de la tierra que pisa a diario, como dice Jordi Borràs de Liên de Prats de Molló; pero está donde tiene que estar y hace lo que tiene que hacer. Formada en la Escola d’Art de Vic, desarrolló su interés por las prácticas experimentales. Desde 2020 vive y trabaja en El Toll, entre Moià y Collsuspina, donde cría pollos, cultiva cereales y forraje, y pastorea un rebaño de ovejas que contribuye a mantener limpio el sotobosque. Activista y trabajadora incansable, su discurso nace del contacto directo con la naturaleza, la vida y la muerte.

Más información (entrada libre). 

Taller Placer – 15 y 16 de abril en Inestabale dentro de Dansa València 

Una idea inacabada es un estudio coreográfico de antropología contemporánea para tres intérpretes que trabajan en el contexto de una maqueta de un antiguo teatro-cine a escala 1:20. A través de una selección de objetos cotidianos se explora la manera en la que producimos, el papel del cuerpo y de las manos en estos procesos y cómo estas coreografías modelan nuestras identidades y deseos.

Taller Placer es un colectivo de artes vivas formado que Investiga el papel del arte en las transformaciones sociales a través de proyectos escénicos, de mediación y programación. Su producción combina creación escénica, investigación, talleres, excursiones y performances que funcionan como herramientas críticas para imaginar otras formas de vida y relación.

Más información y entradas. 

11 de abril en la Fundació Joan Miró de Barcelona

El primer encuentro del programa de mediación performativa será la ocasión para inaugurar la grada y plataforma creadas por La Cuarta Piel y de descubrir varias piezas sonoras: una pieza que quedará disponible en el espacio y dos obras presentadas únicamente ese día.

En conjunto esta primera sesión está pensada como un calentamiento. Las obras hablan de cómo arrancar y de cómo permanecer en los albores de la búsqueda, insistiendo, repitiendo e inventando sistemas para ponerse en disposición de crear.

La pieza sonora que permanecerá en las salas de exposición es de Silvia Zayas, una artista que trabaja meticulosamente el sonido para que sea somático y se adentre en el cuerpo. Una infiltración colectiva de cine son unas piezas de audio creadas para producir imágenes mentales individual y colectivamente. Es una especie de calentamiento del cuerpo con resultados en la imaginación. Los audios combinan con humor el formato de la meditación guiada, el entrenamiento físico, la voz y la sucesión rápida de flashes narrativos para que se abran paso imágenes que se infiltran de repente como fantasmas o visiones.

Instalada por un día en el espacio estará Til I get it right (2005) de Ceal Floyer. La obra consiste en un bucle sonoro construido a partir de la canción del mismo título interpretada por Tammy Wynette. Floyer extrae únicamente dos fragmentos y suprime de la canción original la alusión al amor. Esta operación crea una banda sonora repetitiva, donde el sentido romántico desaparece y se transforma en una pieza meditativa sobre la perseverancia y el deseo. El resultado es una sensación agridulce de encantamiento.

Por último, se podrán escuchar los primeros minutos de Calentamiento, la última producción de la coreógrafa Rocío Molina. En ellos explica que antes de empezar con el calentamiento hará un calentamiento previo al calentamiento, para empezar a calentarse antes de empezar. Se trata de lo que en flamenco se conoce como una “tabla de pies” durante la cual afirma “yo no voy a dejar de empezar nunca”; una estrategia para no terminar jamás.

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Consulta el ciclo Un ensayo permanente.

Cherish Menzo – 24 y 25 de abril en el Mercat de les Flors 

En Darkmatter, Cherish Menzo y su compañero de escenario Camilo Mejía Cortés buscan formas de desligar sus cuerpos de la manera en la que son percibidos y de la realidad cotidiana en la que se mueven. Entre otras cosas, contemplan el cielo, la materia oscura y los agujeros negros que se encuentran y chocan entre sí para dar luz a un nuevo cuerpo (afro)futurista y enigmático. Darkmatter quiere acabar con la manera sesgada de observar el cuerpo propio y el de los otros, así como las historias que les atribuimos.

Nacida en los Países Bajos, Cherish Menzo ha trabajado con Lisbeth Gruwez, Jan Martens y Nicole Beutler y ha colaborado con artistas como Akram Khan, Ula Sickle, Olivier Dubois y Eszter Salamon. Su poderoso lenguaje de movimiento también se manifiesta en su propia obra. Cherish ha recibido diversos prestigiosos premios. Se interesa por la transformación del cuerpo y por la «encarnación» de diferentes imágenes físicas. Mediante la distorsión, la decadencia y la disonancia, intenta separar los cuerpos de las percepciones forzadas y de las realidades corporales cotidianas, subrayando la complejidad y la naturaleza contradictoria de les imágenes que parecen reconocibles a primera vista.

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Malicho Vaca Valenzuela – 18 y 19 de octubre en Conde Duque 

Encerrado en su casa durante la pandemia del COVID, Malicho Vaca Valenzuela se sentó frente su ordenador y comenzó a organizar un collage de memorias colectivas. Pero lo que comenzó como un experimento personal sobre los archivos, se transformó en un objeto teatral no identificado. A través de un uso delicado y seductor de las plataformas digitales, el creador escarba en su biografía personal y al mismo tiempo en la biografía de su ciudad, Santiago de Chile, en una memoria reciente y al mismo tiempo en cicatrices profundas, generadas por estallidos sociales y dictaduras pasadas. Se trata de una experiencia que pone el foco en lugares singulares, relevando una topografía emocional, una relación con la ciudad que para todas y todos siempre es diferente, pero en la que inevitablemente nos encontramos. La pieza es un viaje inmóvil, desde la Vía Láctea hasta el angosto pasaje donde ya tres generaciones de su familia han vivido. Malicho excava en la tierra, y con un simple clic en un mapa digital, repone la historia de amor de sus abuelos, envuelta entre boleros, canciones de amor y coreografías, al mismo tiempo que evoca amores misteriosos y anónimos grabados a fuego en su ciudad, y relata esquirlas de revoluciones reprimidas; todos fragmentos de una memoria íntima y colectiva. En REMINISCENCIA nos encontramos con un ensayo documental biográfico muy sensible, político e íntimo a la vez. ¿Qué va a pasar con nuestras huellas cuando ya no estemos aquí?, ¿Quedarán algo de nosotros en las calles de nuestras ciudades?,¿Qué quedará de nosotros en una memoria externa de un computador antiguo?, ¿Qué relato de nosotros contará Google cuando ya no estemos acá? ¿Se puede cartografiar una memoria?

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Itziar Okariz – 30 de marzo en el Fundación Joan Miró 

Hablar en potencial es una acción de escritura sobre la propia piel. El texto que se reproduce corresponde a un fragmento de una conversación sobre el condicional como forma verbal de sugerencia, hipótesis o probabilidad. En la acción, se utiliza el cuerpo como soporte del dibujo de las palabras, y este ajuste a la superficie corporal produce una reorganización de las frases. El pliego/cuerpo obliga a una negociación de la tinta con una superficie que dista mucho de la organización de una página y sus pautas estipuladas. La piel disponible para la escritura es una topografía viva y que condiciona su visibilidad.

Itziar Okariz trabaja en el marco de la acción y la performance. Su obra –performances vocales, acciones, vídeos, instalaciones y piezas de texto- examina los vínculos entre arquitectura, territorio, cuerpo, ritual, sexualidad y semiótica. A menudo está asociada con las prácticas feministas, el punk-rock y la crítica queer de las construcciones normativas de género. En los últimos años, su práctica ha estado ligada a las formas de transmisión y las pedagogías del arte. Ha participado en numerosas exposiciones internacionales, como Dream time, en el UCCA Center for Contemporary Art Beijing; Ho paura che Roma sia esistita!, en el MAXXI Museo Nazionale delle Arti del XXI Secolo de Roma (2024); Diario de sueños, en el MACBA de Buenos Aires (2023); la XXIII Bienal de Arte Paiz Ciudad de Guatemala (2023); Processi 150, en la Real Academia de España en Roma (2023); Playbill, en el Torpedo Theater de Ámsterdam (2022); Urak Dakar, en el Bizkaia Aretoa de Bilbao (2022); Rodeo, en el MUSAC de León (2022); Unquiet objects, en el Disjecta de Portland; La noche de las ideas, en el Museo Nacional de Arte Reina Sofía de Madrid (2021); Moving words, en el Rimi Scenekunst de Stavanger (Noruega, 2021), o Bodies of water, en la XIII Bienal de Shanghái (Shanghái, 2020). Representó a España en la 58.ª Bienal de Venecia, junto a Sergio Prego (2019).

Sarah Vanhee – 9 y 10 de noviembre en Conde Duque 

Es una oda a esas mujeres “invisibilizadas”, a la tierra, a la vida misma, tanto emocional como intelectual, al trabajo y al placer. Mémé es un intento ritual de Vanhee de resucitar a sus abuelas, reconectarlas, repararlas y luego -de otra manera- volver a despedirse, en un tiempo sin fronteras.

Una pieza delicada, tierna y con humor, que nos sitúa en todos esos cambios de la vida de las mujeres que han acontecido desde nuestras abuelas a la relación con nuestros hijos.

Mémé es el último espectáculo en solitario de Sarah Vanhee. Se trata de una obra intergeneracional, que contiene muchas capas y sobre la relación con nuestros antepasados, la tierra (nativa) y el cuerpo femenino, protagonizada por los espíritus de las abuelas flamencas de Vanhee que, como muchas mujeres de la época, pasaron la mayor parte de su vida “trabajando”, en el doble sentido de la palabra: dando a luz y criando a los hijos; y trabajando en el hogar y “en la tierra”, siempre al servicio de los demás.

¿Cómo se relaciona el mundo actual con esas mujeres olvidadas del pasado y con la tierra que cultivaron? ¿Y cómo las vemos reflejadas en las mujeres olvidadas de hoy, cuya labor y trabajo siguen siendo explotados?

Mémé se estrenó en el Kunstenfestivaldesarts de Bruselas.

Sarah Vanhee es artista, performer y autora belga. Su obra transdisciplinar se mueve entre espacios civiles y campos artísticos institucionales. Ha trabajado en descampados, prisiones, salones privados, teatros, , en salas de reuniones de empresas, etc. Entre sus obras más recientes se incluyen, entre otras, Body of Knowledge (escuela), Undercurrents (intervención), Collected Screams (conferencia-performance), Unforetold (performance escénica), The Making of Justice (película), Oblivion (performance escénica), Untitled (reuniones en casas particulares), Lecture For Every One (serie de intrusiones), The C-Project (novela de artista y obra en el espacio público).

Mas información y entradas: https://www.condeduquemadrid.es/actividades/sarah-vanhee-campo-meme.

Activación de Azpitik doaz de Sahatsa Jauregi y Tripak | 3 y 31 de mayo a las 19h en Tabakalera de Donostia

Sahatsa Jauregi propone Azpitik doaz (Segada): una mirada a través del metal, resultado de experiencias con otros cuerpos, concretamente los de la compañía TRIPAK formada por Andrea Berbois, Maite Mugerza, Marina Suárez y Natalia Suárez. Este sistema escultórico de carácter maquínico suscita imágenes de herramientas, plomo, entidades protésicas, armas y guerras a la vez que sirve de telón de fondo, pero también de figura de una dramaturgia que tendrá lugar en tres ocasiones a lo largo de la exposición.

PROGRAMA

DÍA: 23 de febrero (Inauguración)

DÍA: 3 de mayo
HORA: 19:00
LUGAR: Sala de exposición

DÍA: 31 de mayo
HORA: 19:00
LUGAR: Sala de exposición

Pertenece a Larruak eta izurrak

Más información: Tabakalera

María Sánchez – 16 de marzo en Teatros del Canal

La acción se inicia a partir del encuentro íntimo en la sala entre espectadores y artista, generando un pequeño espacio de conexión para reflexionar sobre las relaciones personales y las distancias desde las que nos relacionamos.

María Sánchez (Ávila, 1977) es una artista afincada en Madrid. Estudió Bellas Artes en la Universidad de Salamanca (1996-2001) y en la EBABX, École supérieure des Beaux-Arts de Bordeaux, (2000-2001). Su trayectoria se desarrolla en paralelo como artista y docente. Trabaja en proyectos que reflexionan sobre las relaciones personales, la presencia y lo corpóreo, utilizando acciones que suele documentar con vídeo y fotografía. En 2009 realiza una investigación en Filmoteca Española sobre el Archivo EOC (Escuela Oficial de Cine) gracias a una beca del Ministerio de Cultura. Algunas de sus piezas se han proyectado en: Documenta Madrid 2020, Festival Punto de Vista de Pamplona, PROYECTOR Festival de videoarte, Museo Oteiza, entre otros espacios, y en diferentes ferias y festivales. Como docente ha impartido formación en las escuelas: EFTI, Artediez, IED, LAV (laboratorio experimental cinematográfico), Escuela Superior de Diseño de Madrid y en la Escuela de Arte Alberto Corazón.

Más información y entradas: https://www.teatroscanal.com/espectaculo/canalperformancejuangallerytc2324/.