Actividades paralela | MuroTRON

Estudio de técnicas interiores. Seminario en torno a Steve Paxton

By: admin

30-06-2020

Del 8 al 9 de julio en Azkuna Zentroa y por retransmisión online

Coordinado por Ixiar Rozas

“Poner la consciencia donde tiende a desaparecer.”

A lo largo de 60 años el bailarín y coreógrafo americano Steve Paxton ha concebido la danza como un laboratorio para explorar el cuerpo humano.

En el seminario Estudios de técnicas interiores abordaremos la obra y el pensamiento de Paxton, a partir del libro Drafting Interior Techniques (Culturgest, Lisboa, 2019), editado por Romain Bigé.

El libro está organizado en ocho capítulos –estudios– que recorren las herramientas que Paxton ha practicado durante su trayectoria. Cada persona invitada al seminario tomará un capítulo del libro para relacionarlo con su propia obra, su investigación y experiencia vital. ¿Qué hacen nuestros cuerpos cuando no somos conscientes de ello? ¿Qué hacemos cuando improvisamos? ¿Qué podemos aprender de nosotras mismas? ¿Es el momento de probar la anarquía? ¿Qué gestos hacemos con la tierra? ¿Han cambiado? ¿Qué gestos hacemos ahora al no poder tocarnos en espacios públicos? ¿Qué experiencias del auto-tocarnos se despliegan con el C-19?

La publicación está pensada como un manual de bolsillo para el auto-hackeo y estas preguntas son abiertas, como el cielo.

En el seminario participan Ion Munduate, Maria Muñoz, Pep Ramis, Steve Paxton, Otto Ramstad, Ula Iruretagoiena, Marc Badal, Romain Bigé e Ixiar Rozas.

PROGRAMA

8 de julio, miércoles

10:30 – 11:00h – Ixiar Rozas

Estudio en el tacto. Introducción al seminario

11:00 – 12:30h – Ion Munduate

Estudio en gravedad. Moviendo-movido

13:00 – 14:30h – Otto Ramstad (Videoconferencia)

Estudio en anarquía. Estudio en gravedad

16:00 – 17:30h – Ula Iruretagoiena

Estudio en movimientos caminantes

18:00 – 19:30h – Marc Badal

Estudio en anarquía. Estudio en gravedad. Gestos con la tierra: ingravidez y estandarización

9 de julio, jueves

11:00 – 12:30h – Romain Bigé (Videoconferencia)

Estudio en compost

13:00 – 14:30h – María Muñoz y Pep Ramis

Estudio en solo. Goldberg Variations de Steve Paxton

16:30 – 18:30h – María Muñoz, Pep Ramis y Steve Paxton (Videoconferencia)

En conversación sobre Drafting Interior Techniques

Plaza presenciales agotadas, inscripción abierta al seminario online

>Más info

Danza a fin de mes

By: admin

11-02-2020

Actividades paralela

29 de febrero, y 7 y 28 de marzo en el MACBA

El programa de los sábados de fin de mes del primer trimestre del año está dedicado a la danza. Porque la historia del arte y el museo no están solamente conformados por objetos y porque la danza y la coreografía forman parte indisociable de las experimentaciones más radicales del arte. En el caso del minimalismo, la importancia de la relación entre objeto, espacio y cuerpo hizo que fuese considerado como un nuevo género de lo teatral, y artistas como Charlotte Posenenske introdujeron elementos coreográficos en sus obras.

Por ello Danza a fin de mes se abrirá el último sábado de enero con Carmelo Salazar en las salas de Charlotte Posenenske: Work in Progress. El coreógrafo y bailarín canario ha explorado de manera intensa los límites de la danza desde diversos experimentos físicos en los que ha desbordado los límites de lo escénico. En esta ocasión, Salazar entrará en diálogo con la obra de Posenenske, su variabilidad y la crítica social que plantea.

En febrero la comisaria de performance Catherine Wood abrirá la sesión con una conferencia sobre la obra de Posenenske y su carácter transicional, comparándola con conductores o nodos que actúan como puntos de transición de un estado a otro. La conferencia irá seguida de Invisible labor de Paz Rojo, quien desde hace más de una década se interroga sobre la potencia del cuerpo, sobre la danza más allá del mercado, el anonimato y las posibilidades de una producción cultural más allá del marco de la producción de valor.

Para cerrar el trimestre, el museo participa de la Quinzena Metropolitana de la Dansa con la pieza Soliloquios de Jon Maya, Cesc Gelabert y Andrés Marín.

PROGRAMA

Catherine Wood, Charlotte Posenenske. La escultura en las redes sociales, 29 de febrero a las 19.30h

La comisaria de performance Catherine Wood abrirá la sesión con una conferencia sobre la obra de Posenenske y su carácter transicional, comparándola con conductores o nodos que actúan como puntos de transición de un estado a otro.

“En esta conferencia hablaré de la forma en que Charlotte Posenenske emplazaba, escenificaba y ejecutaba sus esculturas de la Serie D tanto en las redes humanas como de infraestructuras. Su singular concepción de la coreografía de sus esculturas minimalistas tenía elementos en común con el minimalismo americano, pero Posenenske ponía de manifiesto más explícitamente cómo la escultura podía incidir en la realidad del lugar donde estaba situada, y cómo el arte podía intervenir en la realidad social y operar dentro de un contexto industrial. La elección de aeropuertos, carreteras y zonas peatonales en las calles para situar sus obras, además de las galerías de arte, demuestra, en mi opinión, que las esculturas interactivas de fabricación en serie que realizó en los años sesenta no deben entenderse como un punto final, sino como una puerta de acceso al trabajo social que desarrolló posteriormente.”

Catherine Wood es conservadora de arte internacional (performance) en la Tate Modern. Recientemente ha comisariado, junto con Anne Imhof, el proyecto Sex para The Tanks en la Tate Modern, así como la muestra de 2018-2019 realizada por la artista cubana Tania Bruguera en The Turbine Hall, en el marco de la serie de instalaciones anuales patrocinada por Hyundai. En 2017 co-comisarió la retrospectiva de Robert Rauschenberg en la Tate Modern e inició el ciclo anual Live Exhibition en The Tanks, donde se han presentado trabajos de Fujiko Nakaya e Isabel Lewis (2017) y Joan Jonas y Jumana Emil Abboud (2018). Anteriormente comisarió A Bigger Splash: Painting after Performance (2012) y The World as a Stage (Tate Modern, 2007). Desde 2003 ha encargado trabajos a artistas como Mark Leckey, Joan Jonas, Otobong Nkanga, Sturtevant y también If Tate Modern was Musée de la danse? de Boris Charmatz. En 2011 inició el proyecto de emisora online BMW Tate Live: Performance Room. Aparte de la Tate, ha comisariado Yvonne Rainer Dance Works para Raven Row de Londres en 2013 y es autora de Yvonne Rainer: The Mind is a Muscle (2007, Afterall/MIT Press) y de Performance in Contemporary Art (Tate Publishing, 2018).

Paz Rojo, Invisible Labor, 29 de febrero a las 20.30h

Después de la conferencia de Catherine Wood, Danza a fin de mes presentará Invisible labor de Paz Rojo, quien desde hace más de una década se interroga sobre la potencia del cuerpo, sobre la danza más allá del mercado, el anonimato y las posibilidades de una producción cultural más allá del marco de la producción de valor.

En inglés, el sentido del sustantivo labor significa «cuerpo de trabajadores como clase» (1839). También incluye el sentido de los «esfuerzos físicos del parto», atestiguado desde la década de 1590 como abreviatura de «trabajo de parto» (dar a luz). El verbo «trabajar» está ligado también a poner en orden; arreglar el futuro con un fin predeterminado. Por otro lado, el adjetivo «invisible» se refiere a aquello que es imposible de ver. Lo que no puede percibirse con la vista o lo que no puede percibirse pues ha sido invisibilizado por aquellos dispositivos que legitiman lo visible frente a lo invisible. «Invisible» aparece también como sinónimo de «inmaterial». La expresión «trabajo inmaterial» describe –entre otras– las condiciones alienantes y las labores asociadas al trabajo de cuidado y el trabajo doméstico, las cuales mantienen un componente afectivo y materializado. «Invisible» es también sinónimo de oculto, latente, escondido. A veces el trabajo invisible incluye la resistencia a la inactividad y al paso del tiempo, mirar cara a cara al silencio y al aburrimiento.

En 1968, la coreógrafa Yvonne Rainer afirmaba: «mi cuerpo sigue siendo una realidad duradera.» Hoy, tal realidad incluye el desarreglo del futuro (o el no-futuro). Después de todo, la afirmación «no hay alternativa» de Margaret Thatcher resultó ser dolorosamente cierta. Una profunda derrota cuya realidad corpórea ha de ser atravesada desde dentro. Se trata de un momento decisivo, de una insolvencia semiótica tal, que la cuarta pared de este teatro de lo invisible no mostraría nada más que lo que está sucediendo, lo que está trabajando, lo que está coreografiando, lo que está acechando, lo que ya está pasando. «Decisivo», sí; aunque decidir sea siempre, de una forma u otra, no saber qué va a suceder.

Una intervención concebida por Paz Rojo (concepto y danza); Emilio Tomé (texto y trailer); Lola Manzano (voz y presencia).

Paz Rojo (1974, Madrid) es coreógrafa, bailarina e investigadora. Su actividad se desarrolla en el cruce entre las prácticas artísticas, la coreografía y la filosofía, punto de encuentro a través del cual investigar la danza como una práctica disidente y transformadora. Actualmente ultima su proyecto doctoral de investigación artística llamado The decline of choreography and its movement: a body’s (path)way en la Stockholm University of the Arts, Estocolmo, Suecia. Acaba de publicar el libro To Dance in the Age of No-Future con Circadian (editorial sin fines de lucro), Berlín, 2019.

Más información en circadian y researchcatalogue.net.

Carmelo Salazar, Non Show Work in Minimal Ground, 7 de marzo a las 19.30h

Danza a fin de mes abrirá el último sábado de enero con Carmelo Salazar en las salas de Charlotte Posenenske: Work in Progress. El coreógrafo y bailarín canario ha explorado de manera intensa los límites de la danza desde diversos experimentos físicos en los que ha desbordado los límites de lo escénico. En esta ocasión, Salazar entrará en diálogo con la obra de Posenenske, su variabilidad y la crítica social que plantea.

“Este otoño pasado recibí una invitación del MACBA y el Festival SÂLMON< para poner en juego mi trabajo coreográfico, en el marco de la exposición de la artista minimalista Charlotte Posenenske. Después de darle muchas vueltas, decidí que lo que iba a presentar eran dos de mis coreografías anteriores: concretamente, uno de mis primeros trabajos grupales, El salón dorado (2003), y mi última creación, Fin del mundo beauty (2019). De alguna manera, me sentí obligado a escoger estas dos piezas porque, aunque no fueron construidas desde una conciencia o paraguas minimalista, ambas parten de una subversión formal y conceptual, son del todo minimalistas y, nota importante, pueden hacer suyas la mayoría de reflexiones, éticas y estéticas, que hace la propia Posenenske sobre su trabajo. Todo tiene que ver con la materia y el material de las cosas. La forma pura. No voy a reponer ninguna coreografía de manera literal; voy a soltar los materiales de trabajo en el paisaje que ofrecen las esculturas expuestas, e introducir, sobre la mezcla de los cuerpos de las dos coreografías, algunas derivas generadas específicamente para este superevento minimal.”

Coreografía: Carmelo Salazar

Intérpretes: Teresa Lorenzo, Sergi Faustino, Bea Fernández, Oscar Dasí, Rosa Muñoz, Carmelo Salazar.

Carmelo Salazar vive y trabaja en Barcelona. Es coreógrafo desde 1992, y desde esa fecha ha llevado a cabo gran número de proyectos principalmente centrados en la investigación y revolución de la danza. Durante más de 15 años ha sido codirector de La Porta, donde su labor como comisario ha obtenido, entre otros, el Premio Nacional de Danza y el Premi Ciutat de Barcelona. Codirector del festival de danza LP en sus tres ediciones y fundador de Teatron, comunidad online de artes vivas. Desde 2001 desarrolla una profunda investigación pedagógica y trabaja en herramientas de escritura y prácticas de creación. Ha realizado varios trabajos de videodanza y videoarte. Actualmente combina su actividad como coreógrafo con la pedagogía y la creación de películas de estudio.

Soliloquios, 28 de marzo a las 19.30h

Danza a fin de mes cierra el trimestre con la participación del museo en la Quinzena Metropolitana de la Dansa con la pieza Soliloquios de Jon Maya, Cesc Gelabert y Andrés Marín. Tres bailarines dispersos por tres salas del museo mientras el público realiza un viaje por ellas. Tres trayectorias personales y tres miradas hacia el arte convergen en un mismo espacio y tiempo, salpicado por la instalación sonora de Luis Miguel Cobo, que propone una contaminación acústica constante y simultánea.

Idea original: Jon Maya
Concepción coreográfica: Cesc Gelabert
Bailarines: Cesc Gelabert, Jon Maya, Andrés Marín
Creación musical: Luis Miguel Cobo
Diseño de iluminación: David Bernués
Producción: Kukai Dantza (Jon Maya, Doltza Oararteta, Nagore Martínez)

+ info y entradas de Danza a fin de mes

Interespacios con Jimena Croceri

By: admin

10-12-2019

Actividades paralela

La residente de BAR project Jimena Croceri hace un taller gratuito y abierto a todas y todos en torno a nuestros cuerpos, huecos y materias:
INTERSPACIOS es un taller grupal para experimentar proximidades, cambios de estado de la materia, sensaciónes de tiempo, de ritualidad, de humedad, o de fusión. Forma parte de una serie de encuentros para los cuales la artista invita a personas, colaboradores, o amigos a imaginar, ensayar y calcar espacios entre sus cuerpos. Lo que queda al separarse es la impronta endurecida, ese aire en forma de hueso que te une a otrxs.
Al inicio realizaremos una breve presentación de la serie y varias actividades preparatorias a través de un proceso mental y fisico compartido. El encuentro esta impulsado por el deseo de la participación activa y es abierto para todas las personas y todos los cuerpos. Si el clima nos acompaña el taller se realizará en la playa.

Paisajismo musical y sonoro a cargo de Noe Valdez Vera.

NOTA: traer debajo de la ropa mayas o calzas cortas que puedan ensuciarse momentáneamente con yeso

Actividad gratuita con inscripción previa. Si quieres asistir escribe a hello@barproject.net

Taller abierto: los días 12, 13 y 14 de diciembre Jimena estará recibendo a quien tenga interés en conocer más de su práctica en su taller de Fabra i Coats. Si te interesa asistir, escribe a jimenacroceri@gmail.com

De l’error a la pedra o de la literatura a l’objecte

By: admin

16-05-2018

Actividades paralela, Exposición, Instalaciones

Visita comentada
De l’error a la pedra o de la literatura a l’objecte
Diumenge 20 de maig de 2018, 12 h
Sales d’exposicions de Can Palauet
Entrada lliure

Dins de les activitats organitzades per a l’exposició “Sortir-se de la línia”, comissariada per Rita Andreu.

L’artista Anna Dot farà una visita comentada del procés de creació de la seva instalació “Les pedres del camí” i la relació amb la literatura i el concepte de l’error.

Quan ens diem “no caiguis dues vegades amb la mateixa pedra”, entenem que hem de procurar no cometre dues vegades el mateix error. Així, en aquesta frase, la paraula “pedra” funciona com un sinònim d’error. Tenint en compte això, un equip d’investigació en traducció ens vam preguntar per la forma dels errors: quina aparença tindrien, si fossin pedres?

“De l’error a la pedra o de la literatura a l’objecte” és la presentació del procés d’investigació sobre la traducció de la literatura a l’objecte que ha acabat donant com a resultat la instal·lació artística “Les pedres del camí”.

Anna Dot

Organitza: M|A|C – Direcció de Cultura de l’Ajuntament de Mataró

Res és meu

By: admin

05-12-2017

Actividades paralela

Enric Farrés Duran | 9 de diciembre a las 18.30 en Hangar

Nada es mío es una conferencia sin conferenciante. Es una declaración de intenciones donde una serie de objetos toman el protagonismo de un relato en primera persona. En el espectáculo veremos como dos personajes actúan de manera profesional y hacen exactamente lo que se les ha pedido, todo se lo que parece y el tiempo teatral discurre en paralelo al tiempo vital. Los objetos se convertirán estructuras, y las estructuras nos permitirán ver todo direccionando nuestra mirada subjetiva. Si entendemos el texto teatral como un Gruyere -lleno de agujeros donde el lector tiene que rellenar a través de imaginarse el escenario- podremos darnos cuenta que aquí la nada es el verdadero protagonista de la historia. Un espacio vacío donde, como dijo el poeta Roberto Juarroz, hay una fiesta.

Black Noise

By: admin

05-10-2017

Actividades paralela

6 de octubre a las 17 h en el edificio Nouvel del Reina Sofía (Sala de Protocolo)

El Museo Reina Sofía presenta, en colaboración con Naves Matadero. Centro Internacional de Artes Vivas, el proyecto en curso Black Noise del performer Vicente Colomar. A la presentación, le seguirá una conversación entre el artista y el dramaturgo y profesor de teoría de la danza Roberto Fratini.
Black Noise es una investigación coreográfica y musical sobre la construcción de los objetos y las conexiones de estos con sus representaciones. El proyecto gira en torno a la producción de la forma, y para ello se sirve de acciones realizadas con elementos cotidianos como sillas, mesas y mantas. En este sentido, Colomar se interesa por la zona de fricción situada en el límite de los objetos, preguntándose cuándo un objeto pierde el significado que le es asignado culturalmente y comienza a ser otra cosa, a establecer otras relaciones.

Todos los objetos tienen la misma forma y el mismo tamaño.
No es menos material el odio que una manzana.
Todos los objetos están formados de objetos.
Entre un objeto y otro siempre hay otro objeto.
Todos los objetos son el mismo objeto.
Todos los objetos son la nada.
Somos objetos.

[Vicente Colomar]

El proyecto se inició en el marco del programa Research Studios en P.A.R.T.S., de Bruselas, con el apoyo de la Beca Integral para la Ampliación de Estudios Internacionales en Coreografía de la Fundación SGAE curso 2015-2016, los programas Iberescena y Departures and Arrivals (DNA)/P.A.R.T.S., Bruselas, y la colaboración de Coreógrafos en Comunidad del Centro Cultural Conde Duque de Madrid.

Black Noise se estrena en Naves Matadero. Centro Internacional de Artes Vivas en dos formatos: como instalación del 23 al 30 de noviembre y como performance los días 1 y 2 de diciembre de 2017.

Vicente Colomar es artista escénico, reside y trabaja entre Madrid y Bruselas. En esta última ciudad formó parte del proyecto de investigación Research Studios en P.A.R.T.S., en el que ha desarrollado Black Noise. Licenciado por la RESAD, fue estudiante del Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual de ARTEA (UCLM, MNCARS). Ha trabajado para el Centro Dramático Nacional (CDN) y la Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC), y con los directores teatrales Ernesto Caballero o Alfredo Sanzol, entre otros. En el año 2009 comienza una nueva etapa artística centrada en la experimentación y la investigación escénicas. A partir de ese momento, promueve y participa en diferentes proyectos de creación, colaboración y encuentro. Su trabajo ha recibido el apoyo de Iberescena, Fundación SGAE, La Casa Encendida, Naves Matadero, Red de Teatros Alternativos, Festival Escena Contemporánea o Centro de Arte Dos de Mayo.

Roberto Fratini es dramaturgo y profesor de Teoría de la Danza en el Conservatori Superior de Dansa (CSD) de Barcelona (Institut del Teatre). Ha sido profesor de la Università Statale de Pisa y de Aquila. Imparte clases magistrales y conferencias en diversas entidades académicas y teatrales, como el CCCB y el Mercat de les Flors de Barcelona, la Université de Lyon, el ADC de Ginebra, el Pôle Sud Strasbourg UFR Arts de Estrasburgo, o el Hochschule der Kunst de Zúrich y Berna). Sus piezas han sido representadas en los principales festivales de danza europeos y ha obtenido diversos premios, entre ellos el Prix de la Société des Auteurs Français, el Grand Prix de l’Association des critiques de danse français, con Caterina Sagna, y el premi Ciutat de Barcelona per la Dansa con Germana Civera. En 2013 recibió el premio FAD Sebastià Gasch Ha publicado los libros A Contracuento. La danza y las derivas del narrar (Ediciones Poligrafa, 2012) y Filosofía de la danza (Edicions Universitat de Barcelona, 2015) con Magda Polo Pujadas y Bàrbara Raubert.

Anna Dot – Ci siamo – dissabte 14 de gener – Casino de Vic

By: admin

09-01-2017

Actividades paralela, Instalaciones

estimats tots,

el dissabte 14 de gener el meu pare i jo intentarem moure uns quants centenars de kilos de pedra
a la sala d’exposicions del Casino de Vic.
després provarem de construir un muretto a secco
seguint la tècnica que ens van ensenyar els Ibrahimaij.

hi serem des de les 10 del matí fins a les 8 del vespre.
el meu pare no les té pas totes i em diu que necessitarem algun cop de mà,
que, “Anna, entre tu i jo no cardarem res”.

en definitiva, el què us vull dir és que estarem allà.
si ens passeu a saludar estarem molt contents. sobretot jo.
i si ens ajudeu una mica, encara més. sobretot el meu pare.
mentre movem pedres us explicarem la tècnica dels Ibrahimaij,
algunes llegendes albaneses i algunes tradicions pulleses.

entre les 14h i les 16h anirem a dinar i, si voleu venir amb nosaltres, també ens agradarà molt.

el mur o la cosa que acabem construint es podrà veure a la sala fins al 19 de febrer.