Soren Evinson – 21 de abril en el Goethe Institut de Madrid
A NATION IS BORN IN ME ocupa el encuentro mismo entre intérprete y público transformando nuestra presencia en un resbaladizo campo de batalla. Y a base de perforar ese encuentro, construye una forma irreemplazable. Algo que desactiva cualquier resistencia. Algo contra lo que no se puede luchar. Algo por lo que vale la pena rendirse.
A la luz del resurgimiento y fortalecimiento progresivo de los movimientos nacionalistas e identitarios en el siglo XXI, A NATION IS BORN IN ME extrae dinámicas que operan en dichos movimientos y los combina con aspectos asociados a las políticas de identidad, la cultura mediática, la cultura deportiva, la cultura del esfuerzo, la espiritualidad, la brutalidad y la híper-presencia, provocando una extraña cercanía entre estas estéticas. A través de las diferentes presentaciones del cuerpo, el texto , la música, el canto y los objetos, A NATION IS BORN IN ME construye un intenso y delirante paisaje en el que estas dinámicas aparentemente desconectadas se fortalecen mutuamente en una relación directa aunque de proposición incierta.
Idea, texto, creación, performance _Soren Evinson
Música original _ Daniel Papell
Dramaturgia _ Florine Lindner
Diseño vestuario y sastrería _ Samara Scott
Construcción objetos _ Charlie Hope
Diseño iluminación _ Julia Bauer
Adjunta a la producción _: Marine Budin
«Subsol» es un nuevo festival de cultura popular y subcultura que se celebra en tres jornadas en el CCCB. Su voluntad es dar cabida a propuestas que por definición quedan excluidas de los parámetros de la cultura más seria o «alta» cultura.
Chill Mafia Trap-punk desde el zulo «El euskera lo solemos utilizar para que no nos entiendan si viene la policía.» Aparte de memorabilia y giras de reunión, ¿dónde ha ido a parar aquella energía del rock radical vasco de los ochenta? La respuesta es Chill Mafia, un colectivo no-permanente que conecta el nihilismo canalla de Eskorbuto con el de unos Pxxr Gvng. Medio en euskera, medio en castellano; medio punk, medio trap, algunos de sus miembros más activos visitarán «Subsol» para hablarnos de un fenómeno independiente que no deja de sumar adeptos –tan solo en YouTube, «Barkhatu» roza el medio millón de reproducciones. Beñat, Sara, Irene y Ben Yart serán entrevistados por Aïda Camprubí, presentadora de Feeel en Betevé y parte del colectivo El Bloque.
El Jueves no es lo que era Mamen Moreu, Maribel Carod, Ana Belén Rivero e Irene Márquez «La chica del viernes» era una sección de desnudos femeninos aderezados con pies de página de un humor jurásico que, durante sus primeros años reinando los quioscos, podíamos encontrar en las páginas de El Jueves. Desde hace algún tiempo, la revista satírica se ha abierto a nuevas sensibilidades –feminismo, ecologismo, antifascismo– sin abandonar nunca el humor desgarrado que forma parte de su ADN, y lo ha hecho con autoras como Mamen Moreu, Maribel Carod, Ana Belén Rivero e Irene Márquez. Las cuatro repasarán los chistes gráficos más salvajes de sus respectivas carreras, en una mesa redonda moderada por Sílvia Aymí, parte del equipo directivo del festival GRAF y librera especializada en cómic de la librería Finestres.
Saïm Punk emotivo desde Mallorca Su nombre suena a manteca, pero Saïm son de todo menos untuosos. Un trío de Felanitx/Manacor (Mallorca) que canta en catalán y extrae sus influencias del mundo Dischord/Washington DC y Touch & Go, punk rock melódico, emocional y con jondura. Para los oídos de Subsol suenan a Samiam y Seam y Jawbreaker, pero otro podría señalar a Superchunk o Jawbox o Burning Airlines. Y sin embargo Saïm tampoco son un grupo de tributo. En tres discos (el último de ellos Fràgil, del 2021, con hits pop del mañana como “La mar gran” o “Autumne”) han construido un sonido y lírica y métrica propias, lleno de coros feroces y cantos a la redención y la supervivencia (melancólica). Joan Roig (guitarra, voz) y los hermanos Natàlia (bajo) y Daniel Gómez (batería) son tres, pero –como comprobará el espectador del festival– parece que haya mucha más gente allí arriba: Saïm son fieros y ruidosos.
IN-SONORA vuelve a Réplika Teatro en la 12ª edición de la Muestra Internacional de Arte Sonoro e Interactivo con una representación de artistas internacional muy variada, con trabajos en formato de performance, instalación sonora y/o interactiva, realidad virtual, experiencia 360, audiovisual o pieza sonora.
4 de marzo
Edith Alonso + Edu Cortina (España) | KHÔRA
La palabra griega Χώρα es un de los inspiraciones de este obra. Puede significar « la tierra de nadie » y también puede significar como un receptáculo, un espacio, un lugar; una matriz que pone junto todo la materia que está en movimiento continuamente. Khôra es un viaje a otro mundo, lejo y desconocido, donde busca una tierra desolada.
Sin embargo, es posible subir y pensar que todo es posible, y como Icarus, intenta a tocar el sol y obtenerlo. Y esta vez, no hay caídas.
Edith Alonso (España) Compositora, improvisadora y artista sonora madrileña. Tras una estancia en París, en la que descubrió la música concreta de la mano de los continuadores de las enseñanzas de Pierre Schaeffer (François Bayle y Pierre Henry), decidió dedicarse a explorar nuevas formas de experimentar con el sonido. Desde entonces se interesa por la música electroacústica y el arte radiofónico, colaborando regularmente con otros artistas y diluyendo las fronteras entre las artes y sus definiciones. Explora el sonido de una manera innovadora y cambiando de set frecuentemente (bajo preparado, sintetizadores analógicos y digitales, laptop, circuit-bending, acusmática, live-electronic…). Se interesa por la transformación física del sonido y en cómo cambia nuestra percepción de la realidad. Le encanta el ruido de la ciudad, pero siempre necesita viajar a una zona desértica de Aragón para alejarse de la agitación del mundo.
Edu Cortina (España) Desarrolla su base académica en Zaragoza, estudiando Imagen y Sonido y diseño gráfico, así como en diversos cursos de Zentrum Clip, Etopia-Centro de Arte y Tecnología de Zaragoza y Artnet Madrid. Realiza instalaciones museísticas, trabajos visuales para teatro, así como videomapping sobre arquitectura, elementos paisajísticos o personas. A su vez colabora con diversos artistas como Edith Alonso, Antony Maubert, Brian Cross, Quique Tejada, colaborando también como Vj en diferentes festivales de música electrónica, como Radical dB en Zaragoza o Tesla en León. Componente del colectivo 48CUBE.
The live show es una sesión de música ambient y visuales en directo a través de un dispositivo que va desde la composición sonora en tiempo real a la búsqueda y proyección de cámaras en vivo en internet. Se presenta como un portal temporal que agrieta la experiencia cotidiana del presente cronológico. Esta pieza se desarrolla mediante la investigación y composición de diferentes materiales como la creación sonora en directo y la búsqueda de cams online en internet.
Zuky Motora (España, 1991) Jose Velasco es un artista multidisciplinar que se desarrolla en el campo de las artes visuales a través de la investigación y creación de proyectos escénicos, digitales y performativos. Tras estudiar arte dramático en la especialidad de teatro del gesto en Resad (Madrid), estudia el OY en Artes digitales y diseño de experiencias en 2015 en IED Madrid. A partir de entonces se interesa por los dispositivos mixtos escénicos/digitales a través de herramientas como el videomapping y el diseño de interacción. En 2017 cursa el Master en práctica escénica y cultura visual en el MNACRS, y se desarrolla como creador escénico y sonoro en piezas basadas en la investigación de nuevos lenguajes. velascojose.cargo.site
5 de marzo
Tras su paso por el MTL Connecte de Montreal [CA] o el L.E.V. de Gijón, Alex Augier presenta en Réplika Teatro su performance audiovisual PR(—) dentro de la 12º edición del festival IN-SONORA.
Alex Augier (Francia) | PR(—)
En esta versión “Site-specific” de p(O)st, en vez de usar una pantalla cilíndrica, el artista francés Alex Augier proyecta directamente sobre la arquitectura del espacio. Usando 2 proyectores de vídeo, el material es mapeado y adaptado a las diferentes superficies. pr(—) mantiene una aproximación transversal al proyecto original, integrando visuales generativos, espacio, nuevas formas para la performance y una interface innovadora específicamente programada para el proyecto. La transversalidad de la performance es una bella ilustración de cómo los artistas se emancipan de las formas tradicionales, yendo al margen de lo convencional y estéticas conocidas, imaginando nuevos caminos para tocar, creando espacios únicos, especialmente adaptados para su difusión.
Diseño de Monome por Brian Crabtree & Kelli Cain pr(—) está co-producido por Arcadi (París/FR), apoyado por La Muse en Circuit (Alfortville, FR).
Alex Augier (Francia) Músico electrónico y artista audiovisual afincado en París. Su obra explora la estética de la música digital aplicando los procesos de creación de manera totalmente transversal, incluyendo siempre en sus trabajos tanto elementos sonoros como visuales, formales y espaciales. Estos elementos interactúan con el espacio escénico y consigo mismo, adquiriendo la forma de performances audiovisuales singulares. Augier defiende una visión general del proceso creativo donde el diseño, la programación y la tecnología son parte integral del proyecto artístico.
La artista New Media Heidi Hörsturz presenta en Réplika Teatro su AV performance Formatdentro de la 12º edición del festival IN-SONORA.
Heidi Hörsturz (Países Bajos) | FORMAT
Artista New Media con sede en Róterdam.
Heidi Hörsturz aborda las distintas facetas de la imagen-movimiento y el sonido. Se mueve entre las animaciones por ordenador, las performances audiovisuales y las instalaciones multimedia. En sus obras examina la influencia de las nuevas tecnologías y las cuestiones sociales que han surgido como resultado del desarrollo digital.
Entendiendo el arte como un medio para explorar la convivencia social y la supresión estructural entre personas, fantasías y visiones, lleva la sobrecarga mediática de estímulos al absurdo.
Tras completar sus estudios en la ArtEZ University of the Arts en los Países Bajos, ha presentado su trabajo en todo el mundo. Ha actuado en lugares como el ICA London, el Multimedia Art Museum de Moscú o el CultureHub NYC. Su obras se han mostrado en el FILE Sao Paulo, EMAF, Athens Digital Arts Festival o el EYE Amsterdam, entre otros.
IN-SONORA es una plataforma activa desde el año 2005 que da apoyo y difusión a propuestas experimentales en torno al sonido y la interacción. Desde ese mismo año celebra en Madrid una Muestra Internacional de Arte Sonoro e Interactivo que prepara ahora su 12ª edición para marzo 2022. Paralelamente desarrolla otros proyectos y colaboraciones.
IN-SONORA es un proyecto abierto, que apuesta por un programa único y renovado en cada edición, en el cual se presenta a artistas nacionales e internacionales con perfiles y trayectorias muy diversas, gracias a la colaboración con diferentes sedes.
La cultura es el territorio por el que nos movemos. Se trata del intento de construcción de una especia de conferencia acerca de la cultura, siendo ella misma el reflejo de algunas posiciones principales al respecto.
Los Torreznos son una herramienta de comunicación sobre los social, lo político y las costumbres más arraigadas. Trabajan desde la realidad más directa, incluida la familiar, traduciendo al lenguaje contemporáneo temas que forman parte de la cotidianeidad más absoluta.
Los Torreznos como tales se crearon en el año 2000. Sus componentes son Rafael Lamata y Jaime Vallaure que llevan trabajando juntos desde 1992 en diferentes proyectos de creación, tanto propia, como de generación en espacios y grupos de investigación artística independiente, como fueron la Zona de Acción Temporal y el Circo Interior Bruto.
De Alexandra Laudo / 17 de diciembre en el Teatre Lliure
Hace muchos años, las personas observaban el cielo para saber aproximadamente qué hora era y utilizaban vagas referencias temporales para quedar con alguien. Proponían encontrarse “al mediodía”, o “al anochecer”, i a veces esperaban unas cuantas horas hasta que la persona con la que habían quedado aparecía. Hace siglos, cuando los relojes eran de agua o de arena, alguien debía quedarse despierto por la noche para mantenerlos en funcionamiento. Hace mucho tiempo, antes de que se sistematizasen los registros civiles, mucha gente no sabía exactamente cuántos años tenía, ni qué día exacto era su cumpleaños. Hace unos años, la comunidad científica creó un reloj atómico tan preciso que no se avanzará ni se atrasará ni un sólo segundo en 15.000 millones de años.
An Intellectual History of the Clock es una conferencia performativa que habla del tiempo y de cómo lo medimos. Plantea cómo, a lo largo de la historia, a través de convenciones e instrumentos, hemos ido convirtiendo algo tan abstracto y subjetiva como la experiencia de la temporalidad en un hecho compartido y en un instrumento de organización y homogeneización social. Habla de husos horarios, turnos nocturnos, metrónomos, John Cage, despertadores, estaciones de tren, la luna y el inverno, y también de muchas obras de arte. Porque An Intellectual History of the Clock es también una exposición de arte contemporáneo en la que las piezas no se despliegan en el espacio sino en el tiempo, a través de la narración; un acto de storytelling con momentos de acción que investiga las posibilidades de comisariar una exposición artística sin obras de arte, sólo mediante la referencia, las imágenes, el relato y de la performatividad.
Alexandra Laudo (Barcelona, 1978) es comisaria de arte. En sus proyectos curatoriales ha trabajado cuestiones relacionadas con la narración, el relato y los espacios de intersección entre las artes visuales y la literatura; la construcción social del tiempo y la experiencia de la temporalidad; la historia de las imágenes y su relación con nuestras modos de ver y mirar; y el uso de la oscuridad, la opacidad y la ausencia en la práctica artística. En los últimos años, ha explorado la posibilidad de introducir la oralidad, la performatividad y la narración en la propia práctica curatorial, a través de proyectos de comisariado híbridos, como por ejemplo conferencias performativas o propuestas curatoriales situadas entre el ensayo literario, la crítica y el comisariado. Es en el marco de esta investigación que ha desarrollado las conferencies performatives An Intellectual History of the Clock –estrenada en Malongen-Nordiska Konstförbundet (Estocolmo), presentada en varios centros de arte y festivales europeos–; How to observe a nocturnal sky –producida por el centro de arte Collective (Edimburgo), donde se estrenó, y que ha sido presentada posteriormente en el Centre d’Art Fabra i Coats (Barcelona) en el marco del Festival Loop y en el Teatre Lliure, en el marco del ciclo Katharsis; y Darrere els ulls, davant l’esquena, estrenada en el Centre d’Art Maristany, y que próximamente se presentará en La Caldera, en el marco del festival Salmon
Consolidamos la experiencia de diálogo más democrática con la tercera edición de La taula. Esta vez os ofrecemos 7 comidas que tienen por menú la conversación con los anfitriones Quim Bigas, Denise Duncan, Isabel Sucunza y Oriol Puig Taulé. Cada uno de los tres últimos estará presente en dos sesiones en las que se tratarán temas diferentes. En este proyecto original de la compañía Split Britches, todo el que lo desee puede hablar de lo que quiera a partir de un tema inicial y siguiendo siempre la etiqueta de la escucha mutua.
15 de diciembre en el Teatre Lliure, La taula con Quim Bigas: Hospitalidad, huéspedes y normas
Me apetece que hablemos de la hospitalidad y los roles que se ejercen entorno a ella.
¿Qué implica una invitación?
¿Qué implica abrir las puertas de un teatro para que la gente comparta experiencias?
¿De qué manera eliminamo los roles inherentes que existen en cualquier invitación?
¿De qué manera la anfitriona se convirte en una desconocida de su propia casa?
¿A qué estamos invitando, exactamente?
Y me apetece compartir dos fragmentos que me parecen interesantes del libro Of Hospitality dee Anne Dufourmantelle y Jacques Derrida, en el que ella le invita a responder sus preguntas:
“Así que de hecho es el maestro, el que invita, el anfitrión invitado, el que se convierte en el rehén —y que realmente siempre lo ha sido. Y el invitado, el rehén invitado, se convierte en el que invita al que invita, el maestro del anfitrión. El invitado se convierte en el anfitrión del anfitrión. El invitado (hôte) se convierte en el anfitrión (hôte) del anfitrión (hôte). Estas sustituciones convierten a todos en rehenes de los demás. Tales son las leyes de la hospitalidad.”
“¿La hospitalidad consiste en interrogar a los recién llegados? ¿Comienza con la pregunta dirigida al recién llegado (que parece muy humana y a veces amorosa, asumiendo que la hospitalidad debe estar vinculada al amor —un enigma que dejaremos en reserva por el momento): ¿cómo te llamas? dime tu nombre, ¿cómo debo llamarte, yo que te estoy llamando, yo que quiero llamarte por tu nombre? ¿Cómo voy a llamarte? También es lo que a veces les pedimos con ternura a los niños y a los que amamos. ¿O la hospitalidad empieza con la bienvenida incuestionable, en un doble borrado, el borrado de la pregunta y el del nombre? ¿Es más justo y amoroso preguntar o no preguntar?”
Cecilia Bengolea y Erika Miyauchi presentan Hakai Dub, una propuesta en la que muestran, en formato abierto, su investigación compositiva en tiempo real inspirada en el sound system. El título proviene del término hakai, que en japonés significa destrucción, pero también es entendido como la oportunidad de mejorar y reconstruir cosas, y del dub, una técnica en la que la música se separa en más de 16 pistas y se recompone en directo en cada sesión.
Hakai Dub intenta romper con las convenciones teatrales del espectador pasivo. El público está invitado a participar, tanto metafórica como físicamente, y a reconectar con el rito de moverse juntos y generar entre todos inteligencia colectiva.
Hakai Dub se articula en tres partes: una proyección en vídeo en la que se muestran obras de Cecilia Bengolea en colaboración con la escena dancehall de Jamaica; un solo de la bailarina japonesa Erika Miyauchi, con el que prosigue en su investigación sobre el dancehall bailando sobre zapatillas de puntas; y un taller en el que se invita al público a participar en la realización de un baile conjunto.
Cecilia Bengolea y Erika Miyauchi mantienen una colaboración desde 2015 que las ha llevado a investigar en profundidad el lenguaje dub, la cultura dancehall y el sound system originarios de Jamaica y considerados espacios de libertad y expresión, de creatividad y de transformación social. Su trabajo conjunto ha desembocado en la creación de varias piezas escénicas, que se han presentado en espacios públicos y museos de todo el mundo.
Cascadas es un proyecto de encuentro intergeneracional entre artistas escénicos -inicialmente en Barcelona- a través de la práctica artística. Es un proyecto de Julia Rubies que surge de la necesidad personal de conectar con el tejido intergeneracional entre artistas escénicas de su ciudad natal después de haber vivido fuera del país durante 8 años.
Apostando por la práctica como un lugar de encuentro para encarnar conocimientos y experimentar juntas, Cascadas propone el compartir estrategias como una muestra de afecto y agente catalizador de la práctica colectiva.
El 21 y 22 de Octubre se harán 2 transmisiones y una presentación del proyecto en Madrid a modo de crear una versión satélite del proyecto. Invitamos a Beatriz Fernández y Paz Rojo a que compartan sus prácticas y a Javier Cruz, como colaborador y mediador, que junto con Julia Rubies harán de hilo conductor de la propuesta.
17.30-19.30. Encuentro con jóvenes artistas menores de 35 y Júlia Rúbies Subirós junto a Javier Cruz
Dirigido a: jóvenes artistas trabajando en / interesadas en las artes escénicas menores de 35 años
22 de Octubre
11.00-14.00. Paz Rojo transmitirá una práctica artística.
15.00-19.00. Bea Fernández transmitirá una práctica artística.
Dirigido a: jóvenes artistas trabajando en / interesadas en las artes escénicas menores de 35 años
19.30-21.30. Presentación pública del proyecto y conversatorio con Paz Rojo, Bea Fernández y Javier Cruz.
El deseo de conectar con el tejido intergeneracional de Júlia Rúbies Subirós surgió tras un encuentro con el archivo de La Porta, donde se dio cuenta de que Barcelona había sido una ciudad bastante activa en relación al mundo de la performance, especialmente en la escena independiente/experimental, y se sintió ‘como si se hubiera perdido la fiesta’.
Durante estos últimos meses Julia ha invitado a 4 artistas que trabajan ahora en Barcelona y/o que lo llevan haciendo estos últimos 20 años a que le compartan prácticas artísticas. Hablando con algunas artistas de su generación Julia se encontró con un sentimiento compartido de también querer conectar con otras partes del tejido experimental. Julia abrió el proceso para que las artistas de su generación que quisieran participaran en las transmisiones con el fin de reconectar con lo que ha estado pasando.
Bros es un espectáculo protagonizado por un grupo de seres anónimos donde la acción inmediata es el motor de la trama. El maestro del riesgo Romeo Castellucci escenifica una comisaría de policía donde surgen temas sobre la ley, la responsabilidad individual y la colectiva. Una propuesta basada en la experiencia del momento, huyendo de cualquier tipo de preparación. Los protagonistas, vestidos con uniforme policial, reciben en todo momento ordenes a través de unos auriculares para encarnar una historia irrepetible de comedia y violencia. Conociendo la trayectoria artística de Castellucci, este relato huirá de los caminos más previsibles e incluso hará un guiño a los cómicos del cine mudo.
