Daniel Moreno Roldán (feat. Estel Boada & Narr Eph) - 21 de diciembre en Arts Santa Mònica
Un hilo musical constante, conformado por multitud de fragmentos de canciones de estilos y procedencias dispares, se reproduce a través de un sistema de emisión de radio FM multicanal. Esta emisión es recibida por un cúmulo de minicadenas obsoletas que están dispersas por el espacio. Entre los diversos tracks de la banda sonora -que recuerda en estética a un álbum de género “vaporwave”-, de vez en cuando, Estel Boada da voz y letra a alguna de las melodías, repitiéndose en bucle a través de la retransmisión .
Daniel Moreno Roldán es artista residente de larga duración en Hangar, además de ser productor musical y diseñador de sonido. A través de su práctica trabaja con referentes que, por su naturaleza digital -supuestamente inmaterial y no tangible-, tienden a desvanecerse. Reflexiona sobre cuestiones de obsolescencia, nostalgia y temporalidad, a través del uso de multitud de formatos -música, instalación, video, etc.-, pero normalmente entendidos bajo los códigos de lo escénico y performático. Es miembro y cofundador del Club de Videojuegos, un grupo de personas interesadas por los videojuegos más allá de ser formas de entretenimiento, que se reúne bimestralmente en Hangar. Junto a Estel Boada, forma parte del proyecto de música electrónica SOSUN.dance, para el que compone canciones usando ordenadores y videoconsolas obsoletas.
El Conde de Torrrefiel – Del 27 al 30 de diciembre, del 2 al 4 y 7 y 8 de enero en el Mercat de les Flors
Había una vez una historia que no sabía cómo empezar y que esperaba a sus protagonistas para ser explicada
La primera propuesta escénica de El Conde de Torrefiel para público infantil es un recorrido itinerante en el que los pequeños espectadores irán descubriendo paisajes enigmáticos a través de una instalación; así, se sumergirán en imaginarias tierras remotas en una historia indefinida que invita a ser descubierta atravesándola e interpretándola. Esta pieza desea despertar la imaginación a través de la fisicalitat, la contemplación y la percepción, con los métodos propios de esta personal compañía.
En los trabajos escénicos de El Conde de Torrefiel convergen coreografía, texto e imágenes plásticas para crear narraciones inusuales que plasmen las contradicciones y tensiones de la sociedad europea actual de manera siempre sorprendente. La compañía, formada por Tanya Beyeler y Pablo Gisbert, empezó en el año 2010 y desde entonces han creado numerosas piezas.
Azkona & Toloza – 18 de noviembre en la Sala La Planeta de Girona
Con Teatro Amazonas cerraron la trilogía Pacífico y con Cantomineral abren Falla, su nueva creación dedicada a convertir en protagonista a todo el universo ligado a la geología, esa parte de nuestro mundo que más parece sin alma ni voz. Laida Azkona y Txalo Toloza siempre dan voz a los márgenes, convierten en sujetos lo que obviamos o miramos sólo como objetos. Ahora son las piedras, los minerales, las montañas, las placas tectónicas, los volcanes, las cimas, con sus historias y mitos. También es un viaje desde el desierto de Atacama hasta las llanuras rojas de Marte. Un proyecto entre el documento y una historia de ciencia ficción sobre minería extraterrestre.
Monte Isla – Del 23 al 26 de novembre al Centre de les arts lliures
No sabem del cert què és el que va passar aquí. El fet és que ja no queda cap rastre de la vida que coneixem, només esquelets soterrats en el passat que van desapareixent a poc a poc en el paisatge. Aquest espectacle és sobre un lloc a milers d’anys d’avui: sorra blanca, serralades pelades i albades estranyes… Descobrirem tots els racons d’aquest futur silenciós com observadors impossibles de la nostra pròpia absència. Aquesta és l’oportunitat de poder mirar a través de la finestra de l’última utopia: la bellesa radical d’un paisatge solitari. Benvingut al lloc on la realitat sembla un somni i l’estranyesa és familiar.
CONTEXTUALITZEM LA CREACIÓ Allí donde no estamos sorgeix a través d’una recerca escènica basada en l’absència dels cossos humans. El dispositiu escènic de la peça en un teatre a escala reduïda que funciona com un titella. Dins de l’espai escènic hi ha una maqueta d’un desert blanc, com si fossin les restes d’una civilització extingida. Aquesta petita escenografia és activada per tot el dispositiu tècnic del teatre, que sembla estar “viu”: les bambolines, les llums, els telons i fins i tot les parets del teatre transformen aquest paisatge. El dispositiu el completen uns auriculars a través dels quals es crea una experiència íntima. Aquesta experiència vol crear un vincle fort entre subjecte d’observació i l’objecte observat. La percepció sensitiva de l’espectador és l’engranatge que afina la composició a partir de l’exercici de la imaginació, omplint els paisatges amb la presència de la seva mirada: les ruïnes d’una civilització, un vaixell abandonat en el desert, un ball de telons, unes serralades silencioses o una cova que canvia de color. El viatge que es proposa a Allí donde no estamos és una experiència plàstica i sonora que radica en la profunditat d’una imatge complexa, amb contrastos visuals profunds i radicals. L’objectiu és oferir a l’espectador la possibilitat d’observar la bellesa d’un món post-apocalíptic sense cap nostàlgia, com un paisatge que contemplem una bona estona des d’un mirador. El caràcter de la peça està pensat més enllà de tot allò humà: l’expressivitat de les forces de la naturalesa, el temps absolut, els colors impossibles, la música del no-res…
Del 08.09.22 al 19.10.22 en el Centre Cívic Sant Andreu
Vull estar fort es un proyecto de investigación de Alex Solé que aúna el mundo del fisioculturismo y el del artesanado. Pone el punto de partida en las herramientas que convierten a la masa viva en objeto funcional y requiere del cuerpo del investigador como herramienta para vivir los cambios que en él acontecen al practicar estas dos disciplinas.
Un espacio-casa transitable y un jardín en el que hay varias piezas resumen de la investigación realizada. También se presenta una publicación, dividida en un archivo de fotos de comida y un cómic con distintos textos.
La exposición tendrá además dos actividades:
.- 17.09, de 11h a 14h: Del Gólem a The Rock: una genealogía de músculos amasados. En este taller trabajaremos la figura del héroe forzudo: esta criatura hipermasculina que es capaz de proezas indecibles.
.- 08.10, de 11h a 14h: Las herramientas del taller. En este taller construiremos un pequeño mueble entre todos y todas a ritmo de beat en una sesión de fitness furniture.
Libreto Vaiva Grainytė, dirección Rugilė Barzdžiukaitė, dirección musical Lina Lapelytė – Del 12 al 23 de octubre en el Teatre Lliure
De Lituania, la versión escénica de la instalación-ópera-performance sobre la crisis climática de Rugilė Barzdžiukaitė, Vaiva Grainytė y Lina Lapelytė, que recibió el León de Oro de la Bienal de Arte de Venecia 2019.
En una playa de arena iluminada por un sol artificial, gente en bañador disfruta de un típico día de playa. Toman el sol, leen, juegan y charlan mientras el público circula por una pasarela y los observa desde arriba. Esta situación totalmente banal y cotidiana se transforma cuando irrumpe la música. Las canciones suscitan una serie de preocupaciones, tanto individuales como colectivas: desde la piel quemada por exponerse demasiado al sol hasta el miedo a una catástrofe medioambiental. Gradualmente, las frívolas microhistorias dejan paso a cuestiones mucho más serias, y las canciones individuales, a un coro universal que se dirige a inquietudes de escala planetaria.
Sun & Sea es la versión escénica de la instalación-ópera-performance presentada por el pabellón oficial de Lituania en la Bienal de Arte de Venecia 2019. El proyecto de Rugilė Barzdžiukaitė (directora de cine y teatro y artista plástica), Vaiva Grainytė (escritora, dramaturga y poeta) y Lina Lapelytė (músico y compositora) ganó el León de Oro a la mejor participación nacional. La propuesta es una llamada crítica contra la crisis climática que combina la instalación artística y la performance teatral.
Sun & Sea es la segunda colaboración entre tres artistas. Su ópera contemporánea para 10 cajeros, sonidos de supermercado y piano Have a Good Day!-creada entre 2011 y 2013 y que sigue de gira- ganó más de 6 premios europeos. Ha girado por más de veinte festivales y se ha adaptado para la BBC Radio 3 y la Radio Nacional de Lituania.
Soren Evinson – 21 de abril en el Goethe Institut de Madrid
A NATION IS BORN IN ME ocupa el encuentro mismo entre intérprete y público transformando nuestra presencia en un resbaladizo campo de batalla. Y a base de perforar ese encuentro, construye una forma irreemplazable. Algo que desactiva cualquier resistencia. Algo contra lo que no se puede luchar. Algo por lo que vale la pena rendirse.
A la luz del resurgimiento y fortalecimiento progresivo de los movimientos nacionalistas e identitarios en el siglo XXI, A NATION IS BORN IN ME extrae dinámicas que operan en dichos movimientos y los combina con aspectos asociados a las políticas de identidad, la cultura mediática, la cultura deportiva, la cultura del esfuerzo, la espiritualidad, la brutalidad y la híper-presencia, provocando una extraña cercanía entre estas estéticas. A través de las diferentes presentaciones del cuerpo, el texto , la música, el canto y los objetos, A NATION IS BORN IN ME construye un intenso y delirante paisaje en el que estas dinámicas aparentemente desconectadas se fortalecen mutuamente en una relación directa aunque de proposición incierta.
Idea, texto, creación, performance _Soren Evinson
Música original _ Daniel Papell
Dramaturgia _ Florine Lindner
Diseño vestuario y sastrería _ Samara Scott
Construcción objetos _ Charlie Hope
Diseño iluminación _ Julia Bauer
Adjunta a la producción _: Marine Budin
«Subsol» es un nuevo festival de cultura popular y subcultura que se celebra en tres jornadas en el CCCB. Su voluntad es dar cabida a propuestas que por definición quedan excluidas de los parámetros de la cultura más seria o «alta» cultura.
Chill Mafia Trap-punk desde el zulo «El euskera lo solemos utilizar para que no nos entiendan si viene la policía.» Aparte de memorabilia y giras de reunión, ¿dónde ha ido a parar aquella energía del rock radical vasco de los ochenta? La respuesta es Chill Mafia, un colectivo no-permanente que conecta el nihilismo canalla de Eskorbuto con el de unos Pxxr Gvng. Medio en euskera, medio en castellano; medio punk, medio trap, algunos de sus miembros más activos visitarán «Subsol» para hablarnos de un fenómeno independiente que no deja de sumar adeptos –tan solo en YouTube, «Barkhatu» roza el medio millón de reproducciones. Beñat, Sara, Irene y Ben Yart serán entrevistados por Aïda Camprubí, presentadora de Feeel en Betevé y parte del colectivo El Bloque.
El Jueves no es lo que era Mamen Moreu, Maribel Carod, Ana Belén Rivero e Irene Márquez «La chica del viernes» era una sección de desnudos femeninos aderezados con pies de página de un humor jurásico que, durante sus primeros años reinando los quioscos, podíamos encontrar en las páginas de El Jueves. Desde hace algún tiempo, la revista satírica se ha abierto a nuevas sensibilidades –feminismo, ecologismo, antifascismo– sin abandonar nunca el humor desgarrado que forma parte de su ADN, y lo ha hecho con autoras como Mamen Moreu, Maribel Carod, Ana Belén Rivero e Irene Márquez. Las cuatro repasarán los chistes gráficos más salvajes de sus respectivas carreras, en una mesa redonda moderada por Sílvia Aymí, parte del equipo directivo del festival GRAF y librera especializada en cómic de la librería Finestres.
Saïm Punk emotivo desde Mallorca Su nombre suena a manteca, pero Saïm son de todo menos untuosos. Un trío de Felanitx/Manacor (Mallorca) que canta en catalán y extrae sus influencias del mundo Dischord/Washington DC y Touch & Go, punk rock melódico, emocional y con jondura. Para los oídos de Subsol suenan a Samiam y Seam y Jawbreaker, pero otro podría señalar a Superchunk o Jawbox o Burning Airlines. Y sin embargo Saïm tampoco son un grupo de tributo. En tres discos (el último de ellos Fràgil, del 2021, con hits pop del mañana como “La mar gran” o “Autumne”) han construido un sonido y lírica y métrica propias, lleno de coros feroces y cantos a la redención y la supervivencia (melancólica). Joan Roig (guitarra, voz) y los hermanos Natàlia (bajo) y Daniel Gómez (batería) son tres, pero –como comprobará el espectador del festival– parece que haya mucha más gente allí arriba: Saïm son fieros y ruidosos.
IN-SONORA vuelve a Réplika Teatro en la 12ª edición de la Muestra Internacional de Arte Sonoro e Interactivo con una representación de artistas internacional muy variada, con trabajos en formato de performance, instalación sonora y/o interactiva, realidad virtual, experiencia 360, audiovisual o pieza sonora.
4 de marzo
Edith Alonso + Edu Cortina (España) | KHÔRA
La palabra griega Χώρα es un de los inspiraciones de este obra. Puede significar « la tierra de nadie » y también puede significar como un receptáculo, un espacio, un lugar; una matriz que pone junto todo la materia que está en movimiento continuamente. Khôra es un viaje a otro mundo, lejo y desconocido, donde busca una tierra desolada.
Sin embargo, es posible subir y pensar que todo es posible, y como Icarus, intenta a tocar el sol y obtenerlo. Y esta vez, no hay caídas.
Edith Alonso (España) Compositora, improvisadora y artista sonora madrileña. Tras una estancia en París, en la que descubrió la música concreta de la mano de los continuadores de las enseñanzas de Pierre Schaeffer (François Bayle y Pierre Henry), decidió dedicarse a explorar nuevas formas de experimentar con el sonido. Desde entonces se interesa por la música electroacústica y el arte radiofónico, colaborando regularmente con otros artistas y diluyendo las fronteras entre las artes y sus definiciones. Explora el sonido de una manera innovadora y cambiando de set frecuentemente (bajo preparado, sintetizadores analógicos y digitales, laptop, circuit-bending, acusmática, live-electronic…). Se interesa por la transformación física del sonido y en cómo cambia nuestra percepción de la realidad. Le encanta el ruido de la ciudad, pero siempre necesita viajar a una zona desértica de Aragón para alejarse de la agitación del mundo.
Edu Cortina (España) Desarrolla su base académica en Zaragoza, estudiando Imagen y Sonido y diseño gráfico, así como en diversos cursos de Zentrum Clip, Etopia-Centro de Arte y Tecnología de Zaragoza y Artnet Madrid. Realiza instalaciones museísticas, trabajos visuales para teatro, así como videomapping sobre arquitectura, elementos paisajísticos o personas. A su vez colabora con diversos artistas como Edith Alonso, Antony Maubert, Brian Cross, Quique Tejada, colaborando también como Vj en diferentes festivales de música electrónica, como Radical dB en Zaragoza o Tesla en León. Componente del colectivo 48CUBE.
The live show es una sesión de música ambient y visuales en directo a través de un dispositivo que va desde la composición sonora en tiempo real a la búsqueda y proyección de cámaras en vivo en internet. Se presenta como un portal temporal que agrieta la experiencia cotidiana del presente cronológico. Esta pieza se desarrolla mediante la investigación y composición de diferentes materiales como la creación sonora en directo y la búsqueda de cams online en internet.
Zuky Motora (España, 1991) Jose Velasco es un artista multidisciplinar que se desarrolla en el campo de las artes visuales a través de la investigación y creación de proyectos escénicos, digitales y performativos. Tras estudiar arte dramático en la especialidad de teatro del gesto en Resad (Madrid), estudia el OY en Artes digitales y diseño de experiencias en 2015 en IED Madrid. A partir de entonces se interesa por los dispositivos mixtos escénicos/digitales a través de herramientas como el videomapping y el diseño de interacción. En 2017 cursa el Master en práctica escénica y cultura visual en el MNACRS, y se desarrolla como creador escénico y sonoro en piezas basadas en la investigación de nuevos lenguajes. velascojose.cargo.site
5 de marzo
Tras su paso por el MTL Connecte de Montreal [CA] o el L.E.V. de Gijón, Alex Augier presenta en Réplika Teatro su performance audiovisual PR(—) dentro de la 12º edición del festival IN-SONORA.
Alex Augier (Francia) | PR(—)
En esta versión “Site-specific” de p(O)st, en vez de usar una pantalla cilíndrica, el artista francés Alex Augier proyecta directamente sobre la arquitectura del espacio. Usando 2 proyectores de vídeo, el material es mapeado y adaptado a las diferentes superficies. pr(—) mantiene una aproximación transversal al proyecto original, integrando visuales generativos, espacio, nuevas formas para la performance y una interface innovadora específicamente programada para el proyecto. La transversalidad de la performance es una bella ilustración de cómo los artistas se emancipan de las formas tradicionales, yendo al margen de lo convencional y estéticas conocidas, imaginando nuevos caminos para tocar, creando espacios únicos, especialmente adaptados para su difusión.
Diseño de Monome por Brian Crabtree & Kelli Cain pr(—) está co-producido por Arcadi (París/FR), apoyado por La Muse en Circuit (Alfortville, FR).
Alex Augier (Francia) Músico electrónico y artista audiovisual afincado en París. Su obra explora la estética de la música digital aplicando los procesos de creación de manera totalmente transversal, incluyendo siempre en sus trabajos tanto elementos sonoros como visuales, formales y espaciales. Estos elementos interactúan con el espacio escénico y consigo mismo, adquiriendo la forma de performances audiovisuales singulares. Augier defiende una visión general del proceso creativo donde el diseño, la programación y la tecnología son parte integral del proyecto artístico.
La artista New Media Heidi Hörsturz presenta en Réplika Teatro su AV performance Formatdentro de la 12º edición del festival IN-SONORA.
Heidi Hörsturz (Países Bajos) | FORMAT
Artista New Media con sede en Róterdam.
Heidi Hörsturz aborda las distintas facetas de la imagen-movimiento y el sonido. Se mueve entre las animaciones por ordenador, las performances audiovisuales y las instalaciones multimedia. En sus obras examina la influencia de las nuevas tecnologías y las cuestiones sociales que han surgido como resultado del desarrollo digital.
Entendiendo el arte como un medio para explorar la convivencia social y la supresión estructural entre personas, fantasías y visiones, lleva la sobrecarga mediática de estímulos al absurdo.
Tras completar sus estudios en la ArtEZ University of the Arts en los Países Bajos, ha presentado su trabajo en todo el mundo. Ha actuado en lugares como el ICA London, el Multimedia Art Museum de Moscú o el CultureHub NYC. Su obras se han mostrado en el FILE Sao Paulo, EMAF, Athens Digital Arts Festival o el EYE Amsterdam, entre otros.
IN-SONORA es una plataforma activa desde el año 2005 que da apoyo y difusión a propuestas experimentales en torno al sonido y la interacción. Desde ese mismo año celebra en Madrid una Muestra Internacional de Arte Sonoro e Interactivo que prepara ahora su 12ª edición para marzo 2022. Paralelamente desarrolla otros proyectos y colaboraciones.
IN-SONORA es un proyecto abierto, que apuesta por un programa único y renovado en cada edición, en el cual se presenta a artistas nacionales e internacionales con perfiles y trayectorias muy diversas, gracias a la colaboración con diferentes sedes.
La cultura es el territorio por el que nos movemos. Se trata del intento de construcción de una especia de conferencia acerca de la cultura, siendo ella misma el reflejo de algunas posiciones principales al respecto.
Los Torreznos son una herramienta de comunicación sobre los social, lo político y las costumbres más arraigadas. Trabajan desde la realidad más directa, incluida la familiar, traduciendo al lenguaje contemporáneo temas que forman parte de la cotidianeidad más absoluta.
Los Torreznos como tales se crearon en el año 2000. Sus componentes son Rafael Lamata y Jaime Vallaure que llevan trabajando juntos desde 1992 en diferentes proyectos de creación, tanto propia, como de generación en espacios y grupos de investigación artística independiente, como fueron la Zona de Acción Temporal y el Circo Interior Bruto.
