— MuroTRON

De Alexandra Laudo / 17 de diciembre en el Teatre Lliure

Hace muchos años, las personas observaban el cielo para saber aproximadamente qué hora era y utilizaban vagas referencias temporales para quedar con alguien. Proponían encontrarse “al mediodía”, o “al anochecer”, i a veces esperaban unas cuantas horas hasta que la persona con la que habían quedado aparecía. Hace siglos, cuando los relojes eran de agua o de arena, alguien debía quedarse despierto por la noche para mantenerlos en funcionamiento. Hace mucho tiempo, antes de que se sistematizasen los registros civiles, mucha gente no sabía exactamente cuántos años tenía, ni qué día exacto era su cumpleaños. Hace unos años, la comunidad científica creó un reloj atómico tan preciso que no se avanzará ni se atrasará ni un sólo segundo en 15.000 millones de años.

An Intellectual History of the Clock es una conferencia performativa que habla del tiempo y de cómo lo medimos. Plantea cómo, a lo largo de la historia, a través de convenciones e instrumentos, hemos ido convirtiendo algo tan abstracto y subjetiva como la experiencia de la temporalidad en un hecho compartido y en un instrumento de organización y homogeneización social. Habla de husos horarios, turnos nocturnos, metrónomos, John Cage, despertadores, estaciones de tren, la luna y el inverno, y también de muchas obras de arte. Porque An Intellectual History of the Clock es también una exposición de arte contemporáneo en la que las piezas no se despliegan en el espacio sino en el tiempo, a través de la narración; un acto de storytelling con momentos de acción que investiga las posibilidades de comisariar una exposición artística sin obras de arte, sólo mediante la referencia, las imágenes, el relato y de la performatividad.

Más información y entradas: https://www.teatrelliure.com/es/conferencies-performatives-sessio2. 

Alexandra Laudo (Barcelona, 1978) es comisaria de arte. En sus proyectos curatoriales ha trabajado cuestiones relacionadas con la narración, el relato y los espacios de intersección entre las artes visuales y la literatura; la construcción social del tiempo y la experiencia de la temporalidad; la historia de las imágenes y su relación con nuestras modos de ver y mirar; y el uso de la oscuridad, la opacidad y la ausencia en la práctica artística. En los últimos años, ha explorado la posibilidad de introducir la oralidad, la performatividad y la narración en la propia práctica curatorial, a través de proyectos de comisariado híbridos, como por ejemplo conferencias performativas o propuestas curatoriales situadas entre el ensayo literario, la crítica y el comisariado. Es en el marco de esta investigación que ha desarrollado las conferencies performatives An Intellectual History of the Clock –estrenada en Malongen-Nordiska Konstförbundet (Estocolmo), presentada en varios centros de arte y festivales europeos–; How to observe a nocturnal sky –producida por el centro de arte Collective (Edimburgo), donde se estrenó, y que ha sido presentada posteriormente en el Centre d’Art Fabra i Coats (Barcelona) en el marco del Festival Loop y en el Teatre Lliure, en el marco del ciclo Katharsis; y Darrere els ulls, davant l’esquena, estrenada en el Centre d’Art Maristany, y que próximamente se presentará en La Caldera, en el marco del festival Salmon

Consolidamos la experiencia de diálogo más democrática con la tercera edición de La taula. Esta vez os ofrecemos 7 comidas que tienen por menú la conversación con los anfitriones Quim Bigas, Denise Duncan, Isabel Sucunza y Oriol Puig Taulé. Cada uno de los tres últimos estará presente en dos sesiones en las que se tratarán temas diferentes. En este proyecto original de la compañía Split Britches, todo el que lo desee puede hablar de lo que quiera a partir de un tema inicial y siguiendo siempre la etiqueta de la escucha mutua.

15 de diciembre en el Teatre Lliure, La taula con Quim Bigas: Hospitalidad, huéspedes y normas

Me apetece que hablemos de la hospitalidad y los roles que se ejercen entorno a ella.
¿Qué implica una invitación?
¿Qué implica abrir las puertas de un teatro para que la gente comparta experiencias?
¿De qué manera eliminamo los roles inherentes que existen en cualquier invitación?
¿De qué manera la anfitriona se convirte en una desconocida de su propia casa?
¿A qué estamos invitando, exactamente?

Y me apetece compartir dos fragmentos que me parecen interesantes del libro Of Hospitality dee Anne Dufourmantelle y Jacques Derrida, en el que ella le invita a responder sus preguntas:

“Así que de hecho es el maestro, el que invita, el anfitrión invitado, el que se convierte en el rehén —y que realmente siempre lo ha sido. Y el invitado, el rehén invitado, se convierte en el que invita al que invita, el maestro del anfitrión. El invitado se convierte en el anfitrión del anfitrión. El invitado (hôte) se convierte en el anfitrión (hôte) del anfitrión (hôte). Estas sustituciones convierten a todos en rehenes de los demás. Tales son las leyes de la hospitalidad.”

“¿La hospitalidad consiste en interrogar a los recién llegados? ¿Comienza con la pregunta dirigida al recién llegado (que parece muy humana y a veces amorosa, asumiendo que la hospitalidad debe estar vinculada al amor —un enigma que dejaremos en reserva por el momento): ¿cómo te llamas? dime tu nombre, ¿cómo debo llamarte, yo que te estoy llamando, yo que quiero llamarte por tu nombre? ¿Cómo voy a llamarte? También es lo que a veces les pedimos con ternura a los niños y a los que amamos. ¿O la hospitalidad empieza con la bienvenida incuestionable, en un doble borrado, el borrado de la pregunta y el del nombre? ¿Es más justo y amoroso preguntar o no preguntar?”

13 de noviembre en el MACBA

Cecilia Bengolea y Erika Miyauchi presentan Hakai Dub, una propuesta en la que muestran, en formato abierto, su investigación compositiva en tiempo real inspirada en el sound system. El título proviene del término hakai, que en japonés significa destrucción, pero también es entendido como la oportunidad de mejorar y reconstruir cosas, y del dub, una técnica en la que la música se separa en más de 16 pistas y se recompone en directo en cada sesión.

Hakai Dub intenta romper con las convenciones teatrales del espectador pasivo. El público está invitado a participar, tanto metafórica como físicamente, y a reconectar con el rito de moverse juntos y generar entre todos inteligencia colectiva.

Hakai Dub se articula en tres partes: una proyección en vídeo en la que se muestran obras de Cecilia Bengolea en colaboración con la escena dancehall de Jamaica; un solo de la bailarina japonesa Erika Miyauchi, con el que prosigue en su investigación sobre el dancehall bailando sobre zapatillas de puntas; y un taller en el que se invita al público a participar en la realización de un baile conjunto.

Cecilia Bengolea y Erika Miyauchi mantienen una colaboración desde 2015 que las ha llevado a investigar en profundidad el lenguaje dub, la cultura dancehall y el sound system originarios de Jamaica y considerados espacios de libertad y expresión, de creatividad y de transformación social. Su trabajo conjunto ha desembocado en la creación de varias piezas escénicas, que se han presentado en espacios públicos y museos de todo el mundo.

Más información y entradas: https://www.macba.cat/es/exposiciones-actividades/actividades/hakai-dub-cecilia-bengolea-erika-miyauchi

Cascadas es un proyecto de encuentro intergeneracional entre artistas escénicos -inicialmente en Barcelona- a través de la práctica artística. Es un proyecto de Julia Rubies que surge de la necesidad personal de conectar con el tejido intergeneracional entre artistas escénicas de su ciudad natal después de haber vivido fuera del país durante 8 años.
Apostando por la práctica como un lugar de encuentro para encarnar conocimientos y experimentar juntas, Cascadas propone el compartir estrategias como una muestra de afecto y agente catalizador de la práctica colectiva.

El 21 y 22 de Octubre se harán 2 transmisiones y una presentación del proyecto en Madrid a modo de crear una versión satélite del proyecto. Invitamos a Beatriz Fernández y Paz Rojo a que compartan sus prácticas y a Javier Cruz, como colaborador y mediador, que junto con Julia Rubies harán de hilo conductor de la propuesta.

Este proyecto se ha hecho posible gracias a las ayudas a la creación joven Injuve. El programa de estos dos días se hacen dentro de las VII Jornadas Escénicas de injuve. (http://www.injuve.es/creacionjoven/noticia/vii-jornadas-escenicas-injuve)

Programa 

21 de Octubre

17.30-19.30. Encuentro con jóvenes artistas menores de 35 y Júlia Rúbies Subirós junto a Javier Cruz
Dirigido a: jóvenes artistas trabajando en / interesadas en las artes escénicas menores de 35 años

22 de Octubre

• 11.00-14.00. Paz Rojo transmitirá una práctica artística.
• 15.00-19.00. Bea Fernández transmitirá una práctica artística.
  Dirigido a: jóvenes artistas trabajando en / interesadas en las artes escénicas menores de 35 años
• 19.30-21.30. Presentación pública del proyecto y conversatorio con Paz Rojo, Bea Fernández y Javier Cruz.

Participación gratuita previa inscripción: creacioninjuve@injuve.es

Más información sobre el proyecto:

El deseo de conectar con el tejido intergeneracional de Júlia Rúbies Subirós surgió tras un encuentro con el archivo de La Porta, donde se dio cuenta de que Barcelona había sido una ciudad bastante activa en relación al mundo de la performance, especialmente en la escena independiente/experimental, y se sintió ‘como si se hubiera perdido la fiesta’.

Durante estos últimos meses Julia ha invitado a 4 artistas que trabajan ahora en Barcelona y/o que lo llevan haciendo estos últimos 20 años a que le compartan prácticas artísticas. Hablando con algunas artistas de su generación Julia se encontró con un sentimiento compartido de también querer conectar con otras partes del tejido experimental. Julia abrió el proceso para que las artistas de su generación que quisieran participaran en las transmisiones con el fin de reconectar con lo que ha estado pasando.

cascadesprojecte.squarespace.com
http://www.injuve.es/en/creacionjoven/noticia/cascadas
https://instagram.com/cascades.project

Romeo Castellucci

18 y 19 de noviembre en Temporada Alta

Bros es un espectáculo protagonizado por un grupo de seres anónimos donde la acción inmediata es el motor de la trama. El maestro del riesgo Romeo Castellucci escenifica una comisaría de policía donde surgen temas sobre la ley, la responsabilidad individual y la colectiva. Una propuesta basada en la experiencia del momento, huyendo de cualquier tipo de preparación. Los protagonistas, vestidos con uniforme policial, reciben en todo momento ordenes a través de unos auriculares para encarnar una historia irrepetible de comedia y violencia. Conociendo la trayectoria artística de Castellucci, este relato huirá de los caminos más previsibles e incluso hará un guiño a los cómicos del cine mudo.

Más información y entradas: https://temporada-alta.com/es/shows/bros/

Maria Ptqk, comisaria de la exposición «Ciencia Fricción» y Òscar Holloway, artista seleccionado por Barcelona Producció con el proyecto expositivo Otherly Seers, nos invitan a acompañarlos durante un itinerario físico que pone en diálogo dos relatos expositivos, a la vez que los espacios en los cuales tienen lugar: el CCCB y La Capella.

Actividad en colaboración con La Capella vinculada con la exposición Otherly Seers de Oscar Holloway.

Jaume Ferrete

21 de septiembre en La Capella

Sesiones a las 18.30 h, a las 19:30 h y a las 20:30 h

Imprescindible inscripción previa en: lacapella@bcn.cat / Aforo limitado

Este proyecto plantea desarrollar una herramienta para realizar una performance a partir del altavoz inteligente Echo y de la asistente virtual basada en reconocimiento y síntesis de voz Alexa, producidxs y vendidxs por Amazon.

En un momento en el que las grandes empresas de tecnología están haciendo enormes esfuerzos para convertir la voz en la principal vía de interacción con sus productos y servicios, introduciendo en nuestros espacios íntimos una serie de dispositivos siempre encendidos y siempre a la escucha, parece urgente explorar las relaciones corpoafectivas que imaginamos poder tener con las voces técnicamente reproducidas.

Jaume Ferrete Vázquez trabaja en torno a la noción de políticas o ideologías de voz y escucha mediante performances, sesiones de escucha, archivos, talleres, conversaciones, trabajos sonoros y sitios web.

MACBA, Grand Union, Tabakalera, CA2M, Festival SOS 4.8, Fundació Antoni Tàpies, MNCARS, TEOR/éTica, MUAC UNAM, Universidad de Barcelona, Universidad del País Vasco, Programa de Estudios de Género de la UNAM, etc. Premio Generación 2016 de La Casa Encendida, Becas Leonardo a Investigadores y Creadores Culturales, Premio Miquel Casablancas, estancia artística de la Agencia Mexicana para la Cooperación Internacional y el Desarrollo, etc.

Desde 2008, contribuye a coordinar el proyecto Sonidos de Barcelona, iniciado por el Grupo de Tecnología Musical de la Universidad Pompeu Fabra.

5 y 6 de marzo en Conde Duque

Nacido en Beirut en 1967, Rabih Mroué es uno de los artistas más interesantes que ha dado Líbano en lo que llevamos de siglo. De formación teatral, comenzó a producir sus propias obras en 1990 como director y actor y poco a poco fue diversificando sus trabajos a través de medios como el vídeo y la performance, trabajos que le han llevado a presentarse en el circuito internacional del arte y en los grandes festivales de teatro contemporáneo. Sin ir más lejos, esta pieza que veremos aquí en Condeduque, Riding on a cloud, se estrenó en 2013 en los Países Bajos y en 2015 vio su estreno estadounidense nada menos que en el MoMA de Nueva York.

El secreto para que esta pieza lleve siete años girando por el mundo está en el hecho que la origina y en la propia conmoción que provoca la puesta en escena. El hermano pequeño de Rabih Mrouè, Yasser, recibió un disparo en Beirut en 1987, cuando la guerra civil libanesa daba sus últimos coletazos. Yasser tenía 17 años. La bala le atravesó el cráneo. No lo mató. El propio Yasser es la persona que está en el escenario en Riding on a cloud. Los límites, realmente difusos, entre realidad y ficción, realidad e imaginación, verdad y subjetividad, generan una bruma conceptual en medio de la cual emerge Yasser como víctima política del absurdo bélico, como personaje inventado por la imaginación de su hermano, como vencedor en su lucha contra el lenguaje y el significado.

«Esta es mi historia real, pero estos no son mis pensamientos. Estos pensamientos son míos, pero esta no es mi verdadera historia». Palabras de Yasser que se desgajan de su cerebro entre imágenes y vídeos grabados que se mezclan con presentaciones en vivo. Fragmentos, recortes, hilos sueltos de una vida sacudida en un momento por la fatalidad. La mayoría de las veces, Yasser no entiende la conexión entre una imagen y la que está al lado. Un ejercicio warburguiano involuntario que lleva al interior de un cerebro alterado el sentido de unir dos imágenes para generar un recuerdo. Montados en la nube caprichosa de la memoria, Rabih y Yasser combinan lo personal y lo político para trazar la frágil construcción de una biografía.

Imagen de Jorge Anguita Mirón

2 de febrero a las 19.30h en Conde Duque

Jinete Último Reino Frag. 2 es una obra que combina sonido, vídeo y la interpretación en vivo de Fran MM Cabeza de Vaca y María Salgado. Jinete Último Reino Frag. 2 también quiere ser un «poema en 3 dimensiones», en la medida en que gesto, grafía y sonido van apareciendo en combinaciones y desplazamientos a diversos grados de dictado, habla y concreción en partitura. Éste es el segundo de los tres fragmentos que componen la zona de investigación audiotextual alrededor de la desobediencia subjetiva, del deseo, la represión y la norma, titulada Jinete Último Reino, e iniciada por María Salgado y Fran MM Cabeza de Vaca en enero de 2017.

Jinete Último Reino Frag. 2 aborda el tramo de alfabetización en el que el cuerpo de la infancia es normalizado hasta la retención de su color (o género) en una imagen más o menos fija. ¿De dónde viene esta violencia? ¿A dónde va?

¿Qué de la diferencia del cuerpo resiste? La pieza se estrenó en Barcelona en mayo 2019, en el marco del festival Idiorítmies, y en Madrid en el mismo mes, en el ciclo Unalmés de La Casa Encendida.

Jinete Último Reino, la zona de investigación en la que actualmente trabajan, tiene su origen en una pieza instrumental para oboe y dispositivo electrónico interpretada en el año 2013 por el Smash Ensemble y publicada como partitura en la colección Present Tense Pamphlets. Cuando los tres fragmentos que la conforman sean completados se unirán en una obra escénica de larga duración; mientras, las piezas van girando de forma autónoma por espacios como como el C3A de Córdoba, el Centro Párraga, el MNCARS, el festival Idiorítmies del MACBA, el Festival Sâlmon <, Escenas do cambio de Santiago de Compostela y el Matadero de Madrid; además de derivar en audios (como Negro RSRJ RJRS, Radio Reina Sofía, 2017), cartelería (Manifiesto, 2018) y publicaciones.

MARÍA SALGADO

Poeta, docente e investigadora. Trabaja con el lenguaje como material de textos, audiotextos y acciones. Doctorada en Teoría de la Literatura y Literatura Comparada en la Universidad Autónoma de Madrid en 2014,  ha publicado cuatro libros de poesía: ferias (2007), 31 poemas (2010), ready (2012) y Hacía un ruido. Frases para un film político (2016).

FRAN MM CABEZA DE VACA

Nacido en Córdoba en 1976, es compositor y profesor de música. Trabajan en conjunto en Madrid desde el año 2012, a partir de una idea de audiotexto como intersección entre la poesía, el lenguaje, el arte sonoro, la música y la performance.