— MuroTRON

Amaranta Velarde – 2 y 3 de noviembre en Réplika Teatro 

El proyecto indaga en la necesidad humana de evasión y la producción de identidades alternas como vía de escape a los límites cotidianos y la condición de vacío humano. A través del exceso, la artificialidad y la indulgencia sus personajes chocan con una realidad que no son capaces de contener, en una constante búsqueda de fantasía e irrealidad. El proyecto indaga así en los
conceptos de desbordamiento y contención en relación a la estética escénica, la corporalidad y el lenguaje coreográfico. Se cuestiona los límites de lo que es armonioso, comedido y apropiado apostando por un derrame físico y estético en tiempos de contención y austeridad.
Como punto referencial de inspiración el proyecto Desbordes mira hacia la estética kitsch y el camp así como el movimiento efímero de los años 80 llamado New Romantics.
La mezcla de elementos que lo comportan, su estética kitsch, su optimismo y exuberancia, las características andróginas y la teatralización que implica la desnaturalización y artificialidad a través del exceso y la evasión son el punto de partida del trabajo.

Citando a Susan Sontag en sus notas sobre Camp “la esencia de lo camp es el amor a lo no natural: al artificio y la exageración. El gusto camp vuelve la espalda al eje bueno-malo del juicio estético corriente. El camp no invierte las cosas; No sostiene que lo bueno es malo, o que lo malo es bueno. Se limita a ofrecer un conjunto de normas para el arte (y la vida), diferente, complementario (…) no se trata de amor a lo viejo como tal, se trata, simplemente, de que el proceso de envejecimiento o deterioro proporciona la distancia necesaria, o despierta la necesaria simpatía… El tiempo libera a la obra de arte del contexto moral, entregándola a la sensibilidad camp y reduce el ámbito de la banalidad. Percibir lo camp en los objetos y las personas es comprender el Ser-como-Representación-de-un-Papel. Es la más alta expresión, en la sensibilidad, de la metáfora de la vida como teatro. En lo camp ingenuo, o puro, el elemento esencial es la seriedad, una seriedad que fracasa. No toda seriedad que fracasa puede ser reivindicada como camp. Sólo aquélla que contiene la mezcla adecuada de lo exagerado, lo fantástico, lo apasionado y lo ingenuo”.

Más información y entradas: https://replikateatro.com/evento/desbordes-amaranta-velarde/.

→ Concepto y dirección: Amaranta Velarde
→ Coreografía, en colaboración con los performers:  Amaranta Velarde, Guillem Jiménez y Juan Cristóbal Saavedra
→ Asesoría artística: Cris Blanco
→ Asesoría de movimiento: Oihana Altube
→ Música original: Juan Cristóbal Saavedra
→ Diseño de iluminación: Horne Horneman
→ Dramaturgia: Roberto Fratini
→ Vestuario y asesoría: Sau-Ching Wong & Aleix Mart
→ Estudiantes en prácticas: Vera Palomino & Julia Romero

Amaranta Velarde trabaja en el campo de las artes escénicas como bailarina, coreógrafa y pedagoga. Se gradúa en CODARTS (Universidad de Danza de Rótterdam) en 2004 y desde entonces trabaja intensamente con el coreógrafo Bruno Listopad entre otros creadores. Después de su actividad profesional en Holanda se muda en el 2011 a Barcelona donde inicia sus propias piezas coreográficas: Lo Natural, Hacia una estética de la buena voluntad, Mix-en-scene y Apariciones Sonoras. A parte de realizar sus proyectos trabaja con creadores como Cris Blanco, el Conde de Torrefiel y Ola Maciejewska y ha formado parte del colectivo ARTAS de La Poderosa (2013-2016). Sus trabajos coreográficos se han presentado en contextos como Alt Vigo, MUSAC de Leon, Secció Irregular del Mercat de las Flores, MACBA es Viu, Sala Hiroshima (BCN), Brigittines (Bruselas), CA2M, Teatro Pradillo, Museo Reina Sofía, Festival Eufònic y Festival Grec.

Guillem Jiménez Con el estudio del movimiento como eje que atraviesa toda su producción artística, Guillem Jiménez trabaja a partir de la coreografía de cuerpos, vídeos y otros medios. Estudia en el Conservatorio Superior de Danza de Barcelona a la vez que desarrolla una línea de trabajo independiente. Su proyecto en activo laSADCUM incorpora las producciones ‘THE UNCANNY VALLEY’ (2019), premiada con una residencia artística en La Caldera en el Certamen Coreográfico de Madrid, ‘THE LESSON’ (2020) premiada con el premio del jurado del Festival 10 sentidos y su próxima pieza ‘ACLUCALLS’ (2022) que se estrenará en el Teatro del CCCB. Su trabajo en solitario indaga sobre los diferentes lenguajes de la coreografía y de su propio cuerpo: ‘DANCE LESSON’ (2018 – 2020), ‘duquela’ (2018) y el solo en proceso ’TWINK’ (2022). Su trabajo ha sido mostrado en espacios como La Casa Encendida, Museo Guggenheim Bilbao, Espacio Inestable, MAC Festival, Sala Ars, TKM Room / Maricas Maricas, la Fundación Mies van der Rohe o el Centro Cultural Conde Duque. Ha participado de procesos colaborativos con artistas e instituciones como Reece Cox, JazzBetween, BlueProject Foundation, Pedro Torres el Amor Projects, Amalia S. de Nieves y Albert Riera entre otros, y en calidad de intérprete ha trabajado con creadores como Mar Aguiló, Candela Capitán, Javier Guerrero, Aimar Pérez Galí, Claudia Mirambell, Hanna Tervonen o Ester Guntín.

Juan Cristóbal Saavedra a.k.a Equipo es músico y productor musical de origen chileno afincado en Europa desde 2001. Estudia Sonido y Gestión Cultural para luego partir a Berlín a perfeccionarse como productor musical. En el año 2004, Saavedra viaja a Barcelona donde funda el colectivo Dpendiente y trabaja en diversos proyectos musicales. En el área de la producción musical trabaja principalmente en el campo de la música electrónica, especializado en Mastering, Sound consulting y producción para numerosos proyectos musicales. En el área de las artes escénicas trabaja como músico, diseñador sonoro y técnico de espectáculos con artistas como Roger Bernat, Sonia Gómez, y Azkona/Toloza. Actualmente trabaja con La Veronal en las creaciones Pasionaria, Sonoma, Opening Night y la producción Folka de Marcos Morau para NDT2 en Holanda.

Roberto Fratini Dramaturgo y profesor de Teoría de la Danza en el CSD de Barcelona (Institut del Teatre). Ha sido profesor de la Università Statale de Pisa y de la Aquila. Imparte workshops, clases magistrales y conferencias en diversas entidades académicas y teatrales de España y del extranjero (CCCB, Université de Lyon, ADC de Ginebra, Mercat de les Flors de Barcelona, Pôle Sud Strasbourg UFR Arts Strasbourg, Hochschule der Kunst de Zurich y Berna). Es colaborador y asesor con más coreógrafos de España, Francia, Italia y Suiza de Caterina Sagna Dance Company, Germana Civera cie. Inesperada, Cie. Philippe Saire, Juan Carlos García cia. Lanónima Imperial, Lipi Hernández cia. Malqueridas, Agrupación Sr. Serrano, Silvano Voltolina, Rocío Molina, Roger Bernat, Taiat Dansa, La Veronal y Alexandra Waierstall. También es profesor de talleres de dramaturgia en ESAD de Galicia, La Caldera, Société des Auteurs Suisses, TanzHaus Zurich, L’Usine Genève, Hochschule der Kunst Bern y Modul Dance Europe. Sus piezas han sido representadas en los principales festivales de danza europeos y ha obtenido diversos premios, entre ellos el Prix de la Société des Auteurs Français, el Grand Prix de l’Association des critiques de danse français, con Caterina Sagna, y el premi Ciutat de Barcelona per la Dansa con Germana Civera. Ha publicado los libros A Contracuento. La danza y las derivas del narrar (Ediciones Poligrafa, 2012) y Filosofía de la danza (Edicions UB, 2015) con Magda Polo Pujadas i Bàrbara Raubert.

Malcolm McCarthy – BMS studio | 7 y 8 de noviembre en el Antic Teatre 

¿Qué hace a un hombre un «hombre»? ¿Qué hace a un hombre pelear, follar, sostener las lágrimas, ser fuerte? ¿Qué hace a un hombre engañar, amar, alejarse del miedo?

Black Man Solo, de Malcolm McCarthy, nos lleva en un viaje personal e íntimo que habla de algunos de los detonantes de la masculinidad tóxica, sí, pero también explora el posible viaje de redención, de cambio… ese que marca la vulnerabilidad que aparece cuando el espejo se gira y te vuelves padre, o cuando se distorsiona al perder a tu propio padre.

Malcolm McCarthy es un artista de origen afrocubano residente en Barcelona. En 2011 comienzas sus estudios de interpretación en el Col·legi de Teatre de Barcelona. Su debut como actor profesional lo hizo con la obra de teatro LÓ nada en el Teatre Lliure. Desde entonces ha trabajado como actor en diferentes proyectos tanto de teatro como de cine y televisión. Entre ellos destacamos su participación en obras como Temps Salvatge en el Teatre Nacional de Catalunya; Adam i Eva en la Seca, Espai Brossa; Gazoline, en la gira nacional del proyecto; y en los últimos dos proyectos de la directora Isabel Coixet Nieva en Benidorm y Foodie Love.También cuenta con estudios de dramaturgia con la dramaturga y directora Denise Duncan. Es miembro fundador del colectivo “Tinta Negra”.

Novena edición del KONVENT A L’ANTIC, la oportunidad anual para conocer en Barcelona creaciones de artistas residentes en el Konvent de Cal Rosal, un antiguo convento de finales del XIX reconvertido en un centro artístico pluridisciplinario, autogestionado.

Como el Antic Teatre, el Konvent es un revulsivo cultural: un espacio para el arte y, a su vez, una manera de hacer y entender la cultura enraizada en el territorio. Rastrear y observar constantemente el entorno artístico, potenciar y dar visibilidad, son algunas de las tareas obligadas de ambos espacios. Del binomio Antic Teatre-Konvent han salido muchos proyectos con un amplio recorrido, como Rebota rebota y en tu cara explota, de Agnés Mateus y Quim Tarrida, Premio de la Crítica Nuevas Tendencias 2017, Premio FAD Sebastià Gasch Aplauso 2018 i Premio Butaca 2018 Nuevas Aportaciones Escénicas.

PIEZA SIN MÍ es una pieza caleidoscópica, plástica, misteriosa y circular. Funciona como un microcosmos de citas, fragmentos, referencias y auto-referencias que conforman el mapa –siempre en proceso– de una identidad perpleja, dispersa, en tránsito, en descomposición. En una yuxtaposición vertiginosa de signos –imágenes, cuerpos, acciones, palabras– esta tragedia, atravesada por un humor desconcertante, plantea una pregunta irresuelta como si se tratara de la investigación de la escena de un crimen: sin mi cuerpo, sin mis objetos, sin mis imágenes, sin el lugar conocido, sin tiempo, sin voz… ¿Qué queda?

Constanza Brnčić. Bailarina y coreógrafa. Doctora en filosofía. Combina su tarea artística con la investigación en el ámbito de la danza y las artes vivas, con especial interés en la relación del arte con los contextos. Ha llevado a cabo numerosos proyectos –entre los cuales destaca el proyecto comunitario pi(è)ce (2011_2022), el reciente trabajo escénico Registres Evanescents (Auditori 2023), y el proyecto de investigación Prácticas laterales. En el ámbito de la docencia es profesora de composición, improvisación y técnicas de movimiento en el conservatorio superior de danza (CSD/Institut del Teatre de Barcelona), y es directora del posgrado en artes vivas y contextos del Institut del Teatre, así como profesora en el posgrado de artes escénicas y acción social del Institut del Teatre de Barcelona.

PALABRA Y VISIBILIDAD – Ciclo de actividades paralelas alrededor de las presentaciones de PIEZA SIN MÍ de Constanza Brnčić

ANTIC TEATRE del 10 al 20 de octubre 2024

En el marco de las presentaciones de PIEZA SIN MÍ en Antic Teatre, hemos organizado un pequeño ciclo de actividades paralelas alrededor de la relación entre palabra y visibilidad, relación que vertebra y moviliza este trabajo. ¿Puede la palabra devenir testigo poético de aquello que no vemos? ¿Puede aquello visible ocultarse a través de la palabra? ¿Qué relaciones de esclavitud y libertad se juegan entre el lenguaje y aquello visible en la escena? ¿Se pueden tener imágenes sin verlas? ¿Se pueden ver imágenes sin palabras?

• Lunes 7 octubre >

De 17:00 a 20:00 h (actividad fuera del Antic Teatre) > taller-performance en La Capella con Constanza Brnčić, Magdalena Garzón y el grupo de investigación con personas con diversidad visual en el marco de las actividades del ciclo «Cinema Cec» coordinado por Marta Azparren.  Taller abierto previa inscripción en: lacapella@bcn.cat especificando el día del taller (7/10)

• Viernes 11 de octubre >

Charla posfunción con Bàrbara Raubert, Albert Tola y Jordi Alomar.

Albert Tola es dramaturgo, escritor, poeta y traductor.

Jordi Alomar es musicólogo, músico y gestor cultural, actualmente es director del Museo de la Música de Barcelona.

Bàrbara Raubert es historiadora del arte, crítica de danza, comisaria y docente en el Instituto del Teatro de Barcelona.

• Viernes 18 de octubre >

Charla posfunción con Roberto Fratini y Constanza Brnčić.

Roberto Fratini es dramaturgo y profesor de teoría de la danza.

• Sábado 19 de octubre >

De 16:00 a 18:00 h: taller abierto a todas aquellas personas interesadas en conocer de cerca el trabajo de Constanza Brnčić y la práctica de audiodescripción del espectáculo. Con la participación del grupo de investigación sobre audiodescripción con personas con diversidad visual, coordinado por Magdalena Garzón, y acompañará la actividad Beatriz González Magadán, ayudante de dirección. Entrada libre previa inscripción en el email: produccion.constanzabrncic@gmail.com

20:00 h: Función especial con audiodescripción.

21:00 h: Conversatorio con Mauricio Sierra, Magdalena Garzón, Fortià Prat Planas, Marta Azparren y Constanza Brnčić

Mauricio Sierra es bailarín y performer, colaborador en el proyecto sobre audiodescripción con Magdalena Garzón.

Magdalena Garzón es bailarina y coreógrafa, coordinadora del proyecto de investigación “Aproximación al lenguaje de la danza experiencia y creación para personas con diversidad visual”.

Fortià Prat Planas es acupuntor, practicante de reflexología y shiatsu. Invidente de nacimiento es colaborador del proyecto de investigación coordinado por Magdalena Garzón.

Marta Azparren es artista visual. Se mueve entre el cine experimental, la performance y el dibujo.

Más información y entradas: https://www.anticteatre.com/events/event/peca-sense-mi-la-sospechosa-constanza-brncic/?lang=es.

Esta serie de encuentros en torno a la exposición Esperpento. Arte popular y revolución estética ofrece presentaciones de la muestra a cargo del equipo curatorial y dos piezas de teatro que reflexionan sobre la noción de esperpento, realizadas por las compañías Lagartijas tiradas al sol y ButacaZero.

La exposición está dedicada a la fortuna artística de esta categoría de crítica social fundado en lo grotesco, en la parodia y en la deformación. Aborda el concepto de esperpento como un núcleo de pensamiento estético que propone una nueva manera de mirar la realidad. Formulado por el escritor Ramón María del Valle-Inclán (1866-1936) como reacción al atraso y la desesperanza moral que asolaba a España en la primera mitad del siglo XX, el esperpento confronta el encorsetamiento social, político y cultural del país, e insiste en el distanciamiento de la mirada y en una serie de estrategias estéticas que despliegan su máxima eficiencia en la deformación. La exposición está estructurada en ocho grandes secciones; las intervenciones de las compañías teatrales se centran en las salas de la tercera sección (Tablado de Marionetas), en la que se explora el esperpento en relación con el teatro popular que abarca elementos como los títeres, guiñoles y marionetas, el carnaval y los romances de ciego.

La compañía Lagartijas tiradas al sol presenta desde el 9 de octubre al 10 de marzo una revisión contemporánea de la novela Tirano Banderas (Valle-Inclán, 1926), a partir de la versión en bululú —género teatral en el que un solo comediante representa la totalidad de la obra— ideada por el director de escena Cipriano Rivas Cherif. Por su parte, ButacaZero estrena el 16 y 17 d octubre Melón pelado, una farsa no infantil para caja de muñecas basada en “las rapadas del franquismo”, refiriéndose a las mujeres republicanas vejadas al término de la Guerra Civil, quienes eran exhibidas en procesiones públicas con la cabeza rasurada, tras ser obligadas a ingerir aceite de ricino, un potente laxante.

Más información e inscripciones: https://www.museoreinasofia.es/actividades/esperpento-arte-popular-revolucion-estetica.

Félix Fernández – Del 27 al 29 de septiembre en Teatro Ensalle 

“Xavier a través de min” es un proyecto de artes vivas de corte autobiográfico y no documental con el que quiero traer al presente el legado inmaterial que mi hermano Xavier Fernández me dejó en vida, y dejar al descubierto todo el sedimento de la vida de mi hermano en mí.
Las principales herramientas para vehicular este contenido tan emocional son la danza, el espacio sonoro-musical, la voz, el texto y la instalación, que mezcladas componen una experiencia vivencial muy próxima a un lugar de intimidad casi confesional, donde encontrar un espacio de liberación energético poco habitual.
Xavier Fernández trabajó hasta la muerte en relación a la Consciencia, era psicólogo, criminólogo, investigador y psiconauta, profesor de yoga, de meditación, y también guía en procesos de búsqueda interior.

Más información y entradas: https://teatroensalle.com/espectaculos/xavier-a-traves-de-min/?event_date=2024-09-27.

Creación, dirección y performer: Félix Fernández
Asesora de coreografía y movimiento: Rut Balbís
Coach y arteterapeuta: Raquel Calvo
Textos: Xavier Fernández, Félix Fernández
Proyecciones: Xavier Fernández

Escenografía y selección sonoro-musical: Xavier Fernández e Félix Fernández
Documentación en vídeo: Henrique Lamas
Este trabajo se pudo llevar a cabo gracias al apoyo de A Casa Vella a través de una ayuda PICE, de la convocatoria de residencias artísticas Atopémonos Bailando, del MUSEO MIHL de Lugo, del Festival Escora, de la plataforma galega para artes performativas contemporáneas De Corpos Presentes y del Espacio de intervención artística de la Universidad de A Coruña, NORMAL.

Los Torreznos – 4 de octubre en el Teatro del Barrio 

Nos planteamos explorar de manera directa o indirecta la relación entre el arte y la vida cotidiana.
No hay más remedio. Abarcar un concepto tan amplio nos permite abordar toda una serie de tópicos sociales y personales que traman una visión crítica de lo que hay.
Partimos de la situación concreta que vivimos aquí y ahora: dos individuos observados por espectadores en una sala.
Desde esa posición recorremos diferentes formas de experimentar lo que nos está ocurriendo.
Hace nueve años realizamos una pieza sobre “La Cultura” y consideramos que ya va siendo hora de desarrollar una pieza sobre “La Realidad”.

Más información y entradas: https://teatrodelbarrio.com/la-realidad/.

Societat Doctor Alonso – 4 y 5 de octubre en La Mutant

Cinco cuerpos pacientes, celadores, médicos, especialistas, enfermeros, recipientes, muertos, actores y títeres. En una no sala de espera, en un no despacho de médico, en un no quirófano de un no hospital de campaña.

Este hospital no es un hospital cualquiera, en el que se practica la medicina moderna. Aquí la enfermedad es de una suerte de “don”. Aquello que te permite iniciar el camino de la curación. Todos estamos enfermos, y no vamos a dejar de estarlo después de visitar Hospital de campo La dolencia que arrastramos es aquello que nos invita a prestar atención al modo en que el desdoblamiento del mundo se ha hecho carne en nosotras.

Más información y entradas: https://www.lamutant.com/portfolio-item/hospital-campo-societat-doctor-alonso/.

Julián Pacomio – 14 de septiembre en el Teatro María Luisa de Mérida 

Toda la luz del mediodía es la segunda parte de Trilogía del sol, a la que le antecede Apocalipsis entre amigos o el día simplemente (2021) y le sigue Os Teus mortos (2025).

La trilogía es una investigación sobre el imaginario en torno a la luz del sol, la hora del mediodía y sus oscuridades. Si Apocalipsis entre amigos o el día simplemente es una pieza para un horario de amanecer, de 6:00 a 9:30 a.m, en un espacio con la entrada de luz natural. Toda la luz del mediodía es una pieza sobre las 12:00 a.m, sobre como traer el mediodía en un espacio indoor, sobre la luz cenital del astro y toda su mitología asociada. Así como la primera parte se centró en la idea de la rave y en el estado de los cuerpos en una fiesta, esta segunda parte se enfoca en la siesta del burro de los trabajadores del campo, el insoportable calor del mediodía en el verano, los demonios y mitos del sol y todas sus oscuridades.

Dirección, concepto y texto: Julián Pacomio
Co-creación y performers: Bibi Dória, Bruno Brandolino y Julián Pacomio –
Acompañamiento y dramaturgia: Carolina Campos
Diseño de iluminación y espacio: Santiago Rodríguez Tricot y Víctor Colmenero Mir
Vestuario: Nina Botkay
Música original: Papillons d’éternité (Tânia Carvalho y Matthieu Ehrlacher)
Ingeniero de sonido: Juan Mesquita
Ojo externo: Marcia Lança y Ángela Millano
Gestión financiera: VAGAR / Daniela Ribeiro
Imagen gráfica: Blanca G. Terán
Fotografía y vídeo: Aline Belfort
Producción: Bolsas de Criação O Espaço do Tempo (BPI e Fundação “la Caixa”), Apoios a Projetos de Criação (DGartes) y Ayudas a Artes Visuales (Comunidad de Madrid)
Residencias de creación: PISCINA (Lisboa), Forum Dança (Lisboa), Residencias Paraíso (Galicia), La Nave del Duende (Cáceres), La Poderosa (Barcelona) y Desfoga (Galicia)
País: España y Portugal
Idiomas: español y portugués (con sobretítulos en español)
Duración: 60 minutos
Edad recomendada: mayores de 16 años

Del 13 al 21 de septiembre en La Casa Encendida

Ídem 2024 propone el trabajo de artistas que tratan cuestiones sensibles y cruciales para nuestra sociedad, reflexionado sobre el aislamiento social radical, el pensamiento marginal, la salud mental, el desplazamiento, la resistencia, el cimarronaje, la fugitividad y la experiencia de oscuridad asociada a la luz.

Desde la práctica artística y el activismo, en diferentes formatos como la performance, el site specific, la instalación interactiva, el teatro y la danza. Estos trabajos dialogan entre sí, nos convocan, nos provocan y nos interrogan.

¿Qué cuerpos importan?, ¿quién se merece una vida visible?, ¿qué vidas cuentan?

Estas piezas, desde miradas poéticas, proyectan el reflejo de nuestras elecciones íntimas, de nuestra vulnerabilidad, de nuestra capacidad de conectarnos y desconectarnos de la realidad, y nos hablan sobre cómo restaurar las redes de autonomía, afecto y amor propio.

Esta edición presenta trabajos de creadores procedentes de Francia,  Cuba y Palestina, y de comunidades autónomas como Cataluña, Comunidad Valenciana y Aragón. Los artistas participantes en las piezas proceden de Japón, Venezuela, Guinea Ecuatorial, Ecuador y República Dominicana.

Inauguramos el festival con HIKU, pieza que transita entre la performance y el cine, la ficción y el documental, y que convoca a través de robots en tiempo real a los propios HIKIKOMORI, colectivo que voluntariamente se ha aislado de todo contacto con la sociedad y que se presentan aquí como un grupo resistente a los mandatos contemporáneos. La compañía francesa Shonen presenta por primera vez su trabajo en España, dirigida por Anne-Sophie Turión y Eric Ming Cuong.

Paula Miralles y Vicente Arlandis (Taller Placer) estrenan su pieza Corrimiento al rojo, un site specific donde proponen una experiencia de oscuridad y transubstanciación colectiva. La propuesta apela a otras maneras de componer nuestra imaginación sensorial, de lo que se puede revelar detrás de aquello que se esconde.

La pieza Calidoscópica de Sonia Gómez con Encarni Espallargas, es un espectáculo performativo, musical y dancístico que escenifica el encuentro de dos mujeres y sus vivencias sobre salud mental, creatividad y bienestar. Proponen darnos a conocer de primera mano la potencialidad que puede llegar a tener la estigmatizada locura o trastorno mental.

La segunda semana del festival comienza con Basel Zaraa, artista palestino, que estrena en nuestro país su pieza Dear Laila (ganadora del premio del público ZKB 2023), una instalación íntima e interactiva que comparte la experiencia palestina de desplazamiento y resistencia a través de la historia de una familia, explorando cómo la guerra y el exilio se experimentan a través del espacio cotidiano, doméstico y público. Para ello da vida a este lugar, ahora destruido, a través de la narración de historias familiares y de una aproximación sensorial.

Victor Longás y Lucas Ares (Desgarradura), estrenan The Miracle Worker, pieza pensada para el Patio de La Casa Encendida y donde proponen al público diferentes espacios escénicos por los que transitar para presentarnos sus reflexiones sobre la soledad, el aislamiento y la desaparición social del individuo, moviéndose entre los límites de la ficción y de lo real.

El festival ÍDEM 2024 clausura con el estreno de Eyilá de José Ramón Hernández y Osikán-Vivero de creación, que tiene como punto de partida la pregunta “¿dónde radica la fuerza política de nuestra espiritualidad?”. El proyecto está desarrollado junto a comunidades que se excluyen del espacio social voluntaria e involuntariamente, personas afro, migrantes, trans y racializadas, y construye un archivo vivo de espiritualidad, memoria, resistencias, fugitividad, cimarronaje, reparación y sanación.

Festival comisariado por Marisa Lull.

Más información y entradas: https://www.lacasaencendida.es/festival/idem-2024-festival-internacional-de-artes-escenicas.

Del 27 al 29 de septiembre en Artium 

Artium Museoa organiza la segunda edición del ciclo de performances Lazos mecánicos, un programa que surge del deseo de pensar el espacio del museo y las relaciones que se construyen en él a partir de los cuerpos que lo habitan, intentando crear momentos de porosidad entre el interior y el exterior del edificio a través de las prácticas diversas de una serie de artistas y colectivos.

En 2024, Lazos mecánicos tendrá lugar el fin de semana del 27 al 29 de septiembre, y contará con la participación de Valeria Maculan (Buenos Aires, 1968), Federico Vladimir (Buenos Aires, 1983) & Pablo Llilienfeld (Madrid, 1981), Ainara LeGardon (Bilbao, 1976), Itsaso Iribarren (Pamplona, 1981) & Germán de la Riva (Cumaná, Venezuela, 1977), Pedro Barateiro (Almada, 1979), Elena Aitzkoa (Apodaka, 1984), Marta Fernández Calvo (Logroño, 1978), Alejandra Pombo Su (Santiago de Compostela, 1979) y Marc Vives (Barcelona, 1978).

Lazos mecánicos. Prácticas performativas en el museo II está comisariado por Iñaki Martínez Antelo.

Más información: https://www.artium.eus/es/actividades/item/61816-lazos-mecanicos-ii-ciclo-de-performances.