— MuroTRON

La II Jornada de Investigación en Artes Performativas se propone desde el proyecto  Archivo Virtual de Artes Escénicas. Artes Efímeras en Castilla-La Mancha ( JCCM. Fondos FEDER) y tiene como objetivo fundamental generar encuentros y acercar al público la obra de investigador+s y creador+s que están trabajando en lugares interdisciplinares, dando visibilidad a este tipo de prácticas en la región Castellano-Manchega y potenciando la apertura de nuevos espacios de investigación artística.

Libre acceso hasta completar el aforo. Sala 111 de la Facultad de Bellas Artes de Cuenca.

Organiza: Grupo de investigación ARTEA

Dirección académica y coordinación: Isis Saz, Germán de la Riva

Comité científico y organizador: Isis Saz, Germán de la Riva, Ana Serrano Tellería, Itsaso Iribarren, Carolina Martínez, Esperanza Collado, Raúl Hidalgo.

Diseño, redes, comunicación y apoyo técnico: Beatriz Sánchez, Irene Mahugo, Romina Casile, Tzu Hang Hung.

Actividad realizada en el marco del proyecto: Archivo Virtual de Artes Escénicas: Artes efímeras en Castilla-La Mancha. SBPLY/21/180501/000164

PROGRAMA

11:00 Inauguración

11:15 Lenguas de humedal

Malén Iturri. Artista e investigadora, despliega su curiosidad en torno a prácticas de sensibilización desde un enfoque somático. Su práctica artística y pedagógica pulsa desde la búsqueda de imaginarios colectivos senso-perceptivos, en torno a la vida como estado relacional continuo entre seres más que humanes. Investiga y acciona en los ámbitos del estudio del movimiento, la voz y la percepción, la improvisación, la creación escénica y la experimentación sónica.

Es Educadora Somática el Movimiento y Educadora del Movimiento Evolutivo Infantil por la escuela de Body-Mind Centering®, graduada en Bellas Artes por la UPV, egresada del Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual (UCLM-ARTEA-MNCARS) y del Máster Universitario en Estudios Culturales y Artísticos con perspectivas Feministas y Cuir [MUECA :S] de la UMH. Actualmente desarrolla su tésis doctoral dentro del Programa de Doctorado en Arte: Producción e Investigación de la UPV, en torno a la educación somática y eco-ambiental en relación con prácticas artísticas encarnadas.

https://cargocollective.com/maleniturri

12:00 Algunos paisajes. Escuchar, mirar y hacer.

Oscar Bueno. 1985, Avilés, Asturias. Graduado en grado profesional de piano en Avilés y graduado en Arte Dramático en Gijón. Máster en práctica escénica y cultura visual de la universidad de Alcalá de Henares y el museo Reina Sofía. Toda mi práctica se mueve sin parar entre lo musical, lo coreográfico y lo visual, de modo más o menos premeditado. Soy autor pero también trabajo acompañando procesos de otras artistas, que desembocan en teatros y contextos híbridos de la escena experimental europea. Soy performer en ambos ámbitos, y soy músico. La visualidad o el trabajo en dibujo da forma a una exploración central en mi trabajo, que se comunica con esas otras disciplinas de forma natural. Considero que mi trabajo artístico es un híbrido entre la música (y la composición musical), la escena y la imagen. He presentado mi trabajo y las colaboraciones que realizo en diferentes espacios como: Mercat de les Flors, Teatros del Canal, Centro Conde Duque, BUDA, Kaai theater, farº festival, La Casa Encendida, MACBA, CA2M, Museo Reina Sofía, Matadero Madrid, PNEU Salzburg, Tanzquartier, etc.

12:45 FUMAROLA: Procesos para un disco desde los márgenes
Roldán, el proyecto musical de Juan Carlos Roldan, es lo bastante ecléctico y modular como para resistirse a cualquier definición estática, sobre todo si consideramos sus muchas colaboraciones y camaleónicas formaciones en directo. Y es que el impulso de su trabajo se desarrolla precisamente en el entorno artístico del que proceden la mayoría de sus cómplices en la experimentación sonora: Rafa Martínez del Pozo (La Jr, AA Tigre), Javi Álvarez (Dúo Cobra, Fluzo), Kiev Cuando Nieva, Lorena Álvarez y su Banda Municipal y, en definitiva, todo ese universo endogámico y a la vez expansivo que se engendró en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca y se materializó parcialmente en AA Records. Tras una primera etapa configurando las bases más experimentales del proyector con Roldán (2007)  “El cantar” (2009) “Te tenemos muy cerca” ( 2012), “Tetrata” (2013) y “Espero que dure” (Repetidor) inician una nueva etapa en 2020 de la mano de El Genio Equivocado con la publicación de Tus Poderes (2020). Un disco que supuso el giro definitivo del proyecto pasando del formato solitario a banda con de Jaime Sevilla (bajo, percusión) y a Nacho Olivares (guitarras, sintetizadores, percusión). Percusiones complejas sumergidas en un pop más accesible, Tus Poderes es también una confesión en un cambio de etapa vital, las canciones abordan desde la madurez al valor de lo cotidiano. En 2023 publican ‘Fumarola’, un nuevo trabajo «gaseoso, vaporoso, volcánico y fluido», tan experimental como mágico.

13:30 Mesa redonda. Intersecciones y lugares de encuentro entre sonido e imagen. Modera: Esperanza Collado

14:30 Descanso

16:30 Cuerpo, espacio, lugar. Una aproximación desde la mística

Esther Rodríguez. Coreógrafa, bailarina y arquitecta. Investiga a través de la práctica artística. Su trabajo se mueve entre la coreografía, la práctica escénica, el relato, lo performativo y arquitectónico, empleando principios asociados a dichas disciplinas para diseñar prácticas espaciales y sociales. Se forma en danza contemporánea paralelamente a los estudios de arquitectura y posteriormente realiza un Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual, UCLM y un postmaster en a.pass (estudios avanzados de performance y escenografía) en Bruselas. Su investigación aborda las relaciones entre cuerpo, espacio, lugar desde el baile y el movimiento, partiendo de la curiosidad hacia lo desconocido como motor.

Mi práctica de investigación artística se basa en el desarrollo de diferentes sistemas para abordar lo desconocido. A través del movimiento, la performatividad del espacio, la escritura-oralidad y la instalación como principales medios, desarrollo prácticas sociales y espaciales relacionadas con lo invisible, las formas en que se hace visible y las potencialidades de los espacios intermedios. Mi enfoque comprende el cuerpo como una tecnología a través de la cual podemos ampliar nuestra percepción de la realidad entendiéndolo como un sensor y un canal por el que pasan diferentes tipos de información, ampliando así nuestra relación con el entorno. En los últimos años he desarrollado varios trabajos que reflexionan sobre la otredad, la liminalidad, la interrelación entre diferentes medios, cuerpos y disciplinas, la bioética, lo ciborg, las relaciones espaciales y las relaciones entre sistemas vivos (humanos y no humanos). Algunos de estos trabajos abordan las nociones de vida y muerte, ausencia-presencia y otras formas de relacionarnos con la (in)finitud.

17:15 El poder de la música de tradición oral para generar comunidad: La voz nunca calla

Javi Collado. Desde pequeño vinculado a la música popular de Cuenca y Castilla La Mancha, investiga sobre el poder de la voz y la instrumentación tradicional como fuerza curativa, comunicativa y cooperativa. La formación como Educador Social, Maestro de música y Musicoterapeuta, le ayudan a tener una visión comunitaria de los sonidos. Creador de varios proyectos de difusión de la música tradicional como Las jornadas de Música y Cultura Popular Félix Collado o el Bicifolk, e impulsor de proyectos culturales en torno a la música como el Yeye Weekend o el Caño-on festival. Componente de las bandas de música tradicional Zas!!candil Folk y Collado Project, donde buscan acompañar a la música de raíz hacia un lugar más cercano para todos y todas, disfrutando del saber popular y la riqueza de los pueblos. También pertenece a grupos de otros estilos como: Pavana Dingo, Ni chicha, ni limoná y The Coats Cats.

18:00 Bewis de la Rosa
Artista interdisciplinar. Bailarina, actriz, coreógrafa, investigadora y profesora en el campo de la danza y el teatro físico. Escritora de teatro, poesía performativa y pensadora. Dirige desde 2014 su Compañía de Investigación en Danza y Teatro-físico Malditas Lagartijas. En 2021 inicia el proyecto musical Bewis de la Rosa, en el que investiga y desarrolla el concepto <Rap Rural>. En su discurso observamos la importancia del pensamiento crítico, el transfeminismo, el decrecimiento, la herida histórica y la salud mental, partiendo desde el amor y el arte como medios de transformación social. Graduada en Coreografía de la Danza Contemporánea por el Conservatorio María de Ávila y formada en el Lab. Internacional de Investigación Teatral TNT-ATALAYA.

18:45 Mesa Redonda. Público y performatividad en las artes efímeras. Modera: Itsaso Iribarren & Germán de la Riva

19:30 Cierre de jornada

La Zaranda – Del 28 de febrero al 17 de marzo en el Teatro Español 

El original universo teatral que envuelve los 45 años de trayectoria de la compañía jerezana La Zaranda vuelve a estar presente en Manual para armar un sueño. Un texto de Eusebio Calonge donde Gaspar Campuzano, Francisco Sánchez y Enrique Bustos, bajo la dirección de Paco de La Zaranda, exhiben su particular visión del teatro, un mundo que conocen a la perfección y que se muestra desde una propuesta lúcida, valleinclanesca, poética y no exenta de humor inteligente.

Olvidados en el fondo del espejo, los personajes de Manual para armar un sueño se preguntan: ¿Y si volviéramos a la vida? Frente a ellos un actor ha ido envejeciendo camerino a camerino. Maquilla su íntima derrota, sus gastadas ilusiones, ese desengaño que ensombrece sus días. Tantas cosas han muerto en él que la vida no será lo suficientemente larga para olvidarlas. Pero hoy escucha esas voces dentro del azogue y es como si el alma se le devolviera al cuerpo. En este presente estéril en que el hombre no parece estar a la altura de sus sueños, con sus últimas fuerzas, saldrá a irradiar esperanza al escenario.

Aliado con sus personajes cruzará dédalos donde los burócratas almacenan su tedio, sorteará los socavones que cubren las alfombras rojas de la fama, alumbrará las oscuras galerías donde la vulgaridad empantana todo, volará sobre los afilados precipicios de la mediocridad. De nuevo desafiando a la muerte y al olvido, buscará la alegría del reencuentro con el teatro.

Y así se suceden —entre ecos de Don Juan, el Quijote, Segismundo, Max Estrella o Bernarda Alba—, uno tras otro, diálogos chispeantes, llenos de luz y de sabiduría que los tres actores van desgranando en los 75 minutos de duración de un montaje netamente Zaranda y a la altura de cualquiera de sus grandes propuestas escénicas anteriores (Vinagre de Jerez, Perdonen la tristeza, El régimen del pienso, Cuando la vida eterna se acabe, La puerta estrecha, El desguace de las musas, La batalla de los ausentes…). José-Miguel Vila. Diariocrítico.

Texto EUSEBIO CALONGE Dirección y espacio escénico PACO DE LA ZARANDA Con GASPAR CAMPUZANO, FRANCISCO SÁNCHEZ, ENRIQUE BUSTOS.

Más información y entradas: https://www.teatroespanol.es/manual-para-armar-un-sueno.

Nazario Díaz – 11 de abril en Azkuna Zentroa

¿Cómo sería un texto que se borra a sí mismo? ¿Y una mirada que desdibuja? ¿A dónde me lleva palpar la palabra o encuerparla con los ojos cerrados?

Si antes me ocupaba de objetos y de mi propio cuerpo para desgastarlos mediante una acción insistente, mi trabajo actual retoma la idea de desgaste y desaparición de un cuerpo –ese tótem entendido como una entidad física, moral y espiritual–, pero esta vez de un cuerpo escurridizo que es la textualidad.

“amanecer alto cielo” convoca, por un lado, una infinidad de texturas escenográficas en un espacio vacío, a través de diferentes prácticas textuales que entrelazan sus materialidades, y por otro, aborda diferentes cualidades de la visión, y cómo éstas modifican los cuerpos y la percepción sobre ellos.

Más información y entradas: https://www.azkunazentroa.eus/es/actividad/nazario-diaz-amanecer-alto-cielo/.

Concepto y coreografía: Nazario Díaz
Co-creación y performance: Julian Pacomio, Ibon Salvador, Nazario Díaz Acompañamiento dramatúrgico: Carolina CamposIluminación: Leticia Scrycky
Producción: Kurzuth Silverstone

Apoyos: Azkuna Zentroa | Alhóndiga (Bilbao), Citemor (Portugal), El Consulado Fonteta (Valencia), Tenerife Lav, Dantzagunea | Sortutakoak (Errentería), Harrobia | Eszenabide (Bilbao), Azkuna Zentroa | Alhóndiga (Bilbao), Lekuona Fabrika (Errentería)

En su estancia en Lisboa, “amanecer alto cielo” es una investigación acompañada por Nina Botkay, Bruno Brandolino, Lucas Damiani, Carolina Campos, João Fiadeiro, Julian Pacomio, Daniel Pizamiglio, Santiago Rodríguez Tricot, Alina Ruiz Folini, Ibon Salvador, Leticia Skrycky y Forum Dança/PACAP5.

Olga de Soto – Del 28 de febrero al 1 de julio en el Museo Reina Sofía

La coreógrafa, bailarina e investigadora en danza Olga de Soto (Valencia, 1972) presenta Reconstrucción de una danza macabra, un proyecto de nueva producción que se enmarca en el programa Fisuras del Museo Reina Sofía. En él se revisita y amplía una investigación iniciada por la creadora hace más de una década sobre Der grüne Tisch [La mesa verde, 1932], obra antibelicista del coreógrafo alemán Kurt Jooss y pieza fundacional de la historia de la danza contemporánea.

Creada en el periodo de entreguerras y estrenada en París durante el ascenso del nazismo, La mesa verde hunde sus raíces en las danzas macabras medievales y se inspira en los textos políticos de Kurt Tucholsky y Carl von Ossietzky, quienes ya habían alertado de los peligros del nacionalsocialismo en Alemania y sus tendencias antidemocráticas. A pesar del éxito internacional alcanzado con esta coreografía, Jooss y su compañía —en la que había varias personas judías— tuvieron que exiliarse debido a las leyes antisemitas y la campaña de presión articulada por el nuevo gobierno de Adolf Hitler y la prensa asociada. Desde entonces la pieza ha sido interpretada por numerosas compañías alrededor del mundo.

De Soto se afana en indagar la huella que permanece en los espectadores que han visto La mesa verde y en los bailarines y bailarinas que la han interpretado, generando un archivo de testimonios de más de 67 horas de duración que atraviesa cuatro idiomas, seis países y dos continentes.

Un archivo no es considerado como tal hasta que se le da un orden, una sistematización, una interpretación. Todo archivo está dotado de una gramática, de un ritmo, de un lenguaje propio. La performatividad de este archivo desplegado por la creadora tuvo su primera presentación escénica en Une Introduction [Una introducción, 2010], donde se sucedían los cuerpos de las personas entrevistadas, los de los bailarines mostrados en las fotografías y el de la creadora como una cadena de presencias y ausencias. Entre líneas aparecían numerosas preguntas, reformuladas ahora en Reconstrucción de una danza macabra, tales como: ¿dónde quedan los restos de lo escénico?, ¿el archivo de la danza está en los documentos, en los cuerpos?, ¿quién decide qué trasciende?, ¿qué eventos, performances y acciones deben perdurar y cuáles no?

El trabajo de investigación de Olga de Soto sobre el propio medio de la danza, su historia, recepción y transmisión, la convierten en una figura clave que reflexiona tanto la disciplina como otras cuestiones: el archivo de lo coreográfico, la memoria oral y corporal o las posibilidades de traducción de lo escénico al espacio expositivo. Afincada en Bruselas, De Soto abandonó en el 2000 la producción coreográfica tradicional para embarcarse en proyectos en los que la danza demuda palabra, el cuerpo se vuelve sonido y el espacio físico se torna espacio mental. La voz como huella y el gesto como vehículo de la percepción son el corazón de Reconstrucción de una danza macabra. Al proyecto le acompaña un encuentro entre la artista y Lola Hinojosa, comisaria de la exposición, así como un programa de intervenciones coreográficas en las salas de la Colección, una invitación a penetrar corporalmente en esta nueva fisura practicada al Museo.

Más información: https://www.museoreinasofia.es/exposiciones/olga-soto.

24 de febrero en La Casa Encendida

Nicholas Grafia, artista y performer de Filipinas, la Unidad de Investigación Poética Itinerante Shanzhai Lyric (Nueva York) y la música de utaissa (Assiatou Diallo Barry) (Madrid) proponen un recital (20 h) donde dialogan con algunas de las características principales del teatro de Fornes.

Su trabajo navega por los lenguajes impuestos, el potencial afectivo de los objetos cotidianos en la performance y la poesía, de gestos absurdos, o la capacidad de la percusión y la música, para aproximarse de forma crítica a una realidad muchas veces violenta.

De forma previa, la programación incluye a las 18 h el visionado del documental The Rest I Make Up (2018), dirigido por Michelle Memran, y centrado en la obra y los últimos años de vida de Fornes.

*En la jerga teatral, ‘prompt corner’ o ‘esquina de avisos’ es el lugar desde el que se dirige y se mantiene el desarrollo de la escena, desde donde se controla la actuación y se recuerdan frases en caso de olvido.

Comisariado por: Juf (Bea Ortega Botas y Leto Ybarra).

Más información y entradas: https://www.lacasaencendida.es/escenicas/prompt-corner-2024.

Joaquín Collado – Del 1 al 3 de marzo

Este solo parte de la exploración de la performatividad del baile de salón de competición, conocido como baile deportivo. Joaquín Collado se plantea cómo alterar las lógicas de este tipo de baile para hacer emerger un cuerpo múltiple e indeterminado y, por tanto, abierto y disponible para ser imaginado. Este cuerpo se baila entre formas reconocibles del baile de salón y formas inclasificables, monstruosas y poéticas, para invocar a la potencia subversiva de los estereotipos que nos habitan. Acompañaremos a Collado como artista asociado al Mercat de les Flors, con diversas declinaciones de su proyecto que iremos presentando durante la temporada.

Joaquín Collado es coreógrafo, bailarín y pedagogo formado de manera autodidacta en baile de salón deportivo, danzas urbanas y danza contemporánea. Sus trabajos se han presentado en espacios como el festival Grec de Barcelona, el festival Dansa València, la Bienal de Venecia, el festival Temporada Alta de Girona o el festival Dansa Metropolitana. Además de sus propios proyectos, también colabora con Ça marche, compañía de teatro de Barcelona, y dirige Paisaje, un festival de danza en su municipio natal Villamalea, en Albacete.

Más información y entradas: https://mercatflors.cat/es/espectacle/hacia-un-sol-negro/ (con el código promocional TEATRON puedes comprar entradas a 10€)

Dana Michel – 27 de febrero en La Mutant

De niña, Dana Michel solía ponerse una toalla amarilla enroscada en la cabeza para volverse rubia, como si, de este modo, pudiese convertirse en otra persona. En YELLOW TOWEL, revisita este universo escapista de alteregos en un ritual performativo que busca sortear toda censura. Combinando austeridad y absurdidad, se adentra en los tropos de la cultura negra y los seres marginales, y les da la vuelta para comprobar si es capaz de encajar en ellos. Presenciamos, así, como hace emerger de esta intensa excavación una extraña criatura cuya lenta y desconcertante metamorfosis seguimos con fascinación; asistimos a una suerte de exorcismo en tecnicolor.

Más información y entradas: https://www.lamutant.com/portfolio-item/yellow-towel-dana-michel/.

«Mezcla de improvisación intuitiva, coreografía y performance, mi práctica ofrece una exploración pública de la multiplicidad del ser. Trabajo con nociones como la alquimia performativa o el sueño lúcido, y recurro a mi historia personal, preocupaciones actuales y deseos futuros, para crear un movimiento centrífugo y empático con las personas presentes. Quizá hoy mi trabajo pueda describirse a través de algunas de sus influencias y encarnaciones: escultura, comedia, hip-hop, cine, tecno, poesía, psicología, dub y comentario social. Durante las fases de investigación, combino el trabajo dentro y fuera del estudio, entretejiendo instantes dedicados a sumergirme en un tema —a través de la escritura, la lectura, el vídeo y la conversación— con otros de distensión que permiten al cuerpo tomar protagonismo desde un lugar más intuitivo. En este proceso, me nutro de sonido, silencio y disonancias, en ocasiones, sobrecargo mi cuerpo y mente con estímulos para los que busca respuesta. Mi visión cinética permanece atenta a los pequeños detalles que se manifiestan en forma de movimientos delicados, resonancias, colores, texturas y algunas experiencias lumínicas, y que contribuyen a afinar la trayectoria de las piezas.

Uso la dificultad como metodología de navegación para convertir mis trabajos en espacios de vulnerabilidad y sorpresa, donde es posible generar una escucha íntima y cercana, y compartir con menos vacilación. Para ello, entiendo a los seres vivos como pruebas matemáticas o portales, formados por billones de posibilidades, da todavía más profundidad que permanece abierto a la interpretación, un vasto territorio de encuentro y ensayo que amplía las formas de ver y experimentar.

Siempre trato de huir de cualquier intento de reducir lo que hago o digo a un solo significado, y podríamos decir que he aprendido a comunicarlo de forma cacofónica”.

Dana Michel

Bárbara Sánchez – 17 de febrero en La Mutant

Morta Splendor ha venido a mostrarte su rostro. Ella es el reflejo más siniestro y necesita tu corazón caliente para poder existir. Número tras número, como sucede en los espectáculos de variedades, ella hará aparecer ante ti distintos personajes, distintas voces y distintos cuerpos. Pero ella siempre será la misma: da igual que aparezca como una gótica auténtica, una moderna siniestra, una bailarina exótica, un espectro o un payaso espeluznante. Ella es la extinción misma y está aquí para mostrarnos que, si para algo sirve el teatro, es para dejarnos ver como todo llega a su fin.

Más información y entradas: https://www.lamutant.com/portfolio-item/morta-esplendor-barbara-sanchez/.

Bárbara Sánchez “Puchereta” es bailarina, actriz, coreógrafa y directora de escena. Nace y vive actualmente en Sevilla. Estudia arte dramático, danza clásica y contemporánea en Sevilla. Su trabajo se mueve entre los límites del teatro, la danza y lo performativo. Sus principales líneas de acción son: crear obras en libertad, el humor, la hondura poética y el trabajo de incorporación energética de arquetipos, y, desde 2010, al entender que las mujeres no creen en una sociedad igualitaria, el feminismo la atravesará para siempre, tanto a ella como a su obra. Ha creado las obras escénicas A la vuelta de la esquina(2003), El jardín de atrás(2005), Plutón no es un planeta(2008), Gala Fantoche(2010), Ahuyéntanos este furor(2011), La satisfacción del capricho(2013), Electrohumor(2016), Somewhat paler(2016), Várvara(2019) y Morta Splendor(2022). Ha trabajado también con otros artistas como Abraham Hurtado (Ignición), Sociedat Doctor Alonso (El desenterrador) o Meg Stuart (Atelier III). Combina la creación escénica con la realización de talleres de creación en los que comparte sus intereses y prácticas artísticas.

Sandra Gómez – 16 y 17 de febrero en Sala Carme

Heartbeat es un solo de movimiento para una intérprete. La primera finalidad de este solo es ocupar un espacio y un tiempo bailando. Una sesión de tres horas de música dance, hip hop, techno y electrónica sirven de base al movimiento. La pulsación de la música es la que marca el ritmo y la que ofrece el estímulo al cuerpo para moverse. Un cuerpo que está “a la escucha” de sus necesidades así como de su espontaneidad en un ejercicio de improvisación.
 
La temporalidad que propone el trabajo provoca y permite calentar el cuerpo mediante la acción. Es así cómo, a través de dicha acción, baile o danza y mediante un efecto físico-químico, este cuerpo sube su temperatura, sus poros se dilatan y suda, se hace permeable abriéndose a cualquier estímulo, dejándose afectar. Un cuerpo que se entrega a la pérdida, al abandono para acabar mostrándose en su carnalidad. Podría decirse que, el recorrido que realiza, viene marcado por una búsqueda, la de perderse y encontrarse en un nuevo cuerpo o incluso en diferentes cuerpos, en diferentes realidades donde deseo y placer están presentes.
 
En Heartbeat el movimiento quiere alejarse de lo formal y de lo académico, siendo éste un elemento plástico y expresivo resultado del uso de una determinada energía y no una coreografía de formas cerradas. Una propuesta donde se juega a buscar los límites espaciales, temporales y energéticos de un cuerpo.

Este solo fue preestrenado el 2 de junio en la sala Carme Teatre de Valencia y el 30 de octubre de 2016 en la sala Pradillo de Madrid, estrenado el 20 de enero de 2017 en la sala Carme Teatre de Valencia y mostrado en La Caldera de Barcelona, en el Teatro Ensalle de Vigo y dentro del festival Domingo en la Casa Encendida de Madrid.

Más información y entradas: https://sangoproyectos.wixsite.com/dela/heartbeat.

Idea e interprete: Sandra Gómez

Proyección: Sergi Faustino.
Luces: Antoine Forgeron.
Gracias a: Espai Flotant.
Con el apoyo del Ayuntamiento de Valencia.
Este trabajo se ha gestado dentro del espacio de encuentro e intercambio misióndivina.