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Baile

Félix Fernández – Del 27 al 29 de septiembre en Teatro Ensalle 

“Xavier a través de min” es un proyecto de artes vivas de corte autobiográfico y no documental con el que quiero traer al presente el legado inmaterial que mi hermano Xavier Fernández me dejó en vida, y dejar al descubierto todo el sedimento de la vida de mi hermano en mí.
Las principales herramientas para vehicular este contenido tan emocional son la danza, el espacio sonoro-musical, la voz, el texto y la instalación, que mezcladas componen una experiencia vivencial muy próxima a un lugar de intimidad casi confesional, donde encontrar un espacio de liberación energético poco habitual.
Xavier Fernández trabajó hasta la muerte en relación a la Consciencia, era psicólogo, criminólogo, investigador y psiconauta, profesor de yoga, de meditación, y también guía en procesos de búsqueda interior.

Más información y entradas: https://teatroensalle.com/espectaculos/xavier-a-traves-de-min/?event_date=2024-09-27.

Creación, dirección y performer: Félix Fernández
Asesora de coreografía y movimiento: Rut Balbís
Coach y arteterapeuta: Raquel Calvo
Textos: Xavier Fernández, Félix Fernández
Proyecciones: Xavier Fernández

Escenografía y selección sonoro-musical: Xavier Fernández e Félix Fernández
Documentación en vídeo: Henrique Lamas
Este trabajo se pudo llevar a cabo gracias al apoyo de A Casa Vella a través de una ayuda PICE, de la convocatoria de residencias artísticas Atopémonos Bailando, del MUSEO MIHL de Lugo, del Festival Escora, de la plataforma galega para artes performativas contemporáneas De Corpos Presentes y del Espacio de intervención artística de la Universidad de A Coruña, NORMAL.

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Los Torreznos – 4 de octubre en el Teatro del Barrio 

Nos planteamos explorar de manera directa o indirecta la relación entre el arte y la vida cotidiana.
No hay más remedio. Abarcar un concepto tan amplio nos permite abordar toda una serie de tópicos sociales y personales que traman una visión crítica de lo que hay.
Partimos de la situación concreta que vivimos aquí y ahora: dos individuos observados por espectadores en una sala.
Desde esa posición recorremos diferentes formas de experimentar lo que nos está ocurriendo.
Hace nueve años realizamos una pieza sobre “La Cultura” y consideramos que ya va siendo hora de desarrollar una pieza sobre “La Realidad”.

Más información y entradas: https://teatrodelbarrio.com/la-realidad/.

Los Torreznos son una herramienta de comunicación sobre lo social, lo político y las costumbres más arraigadas. Trabajan desde la realidad más directa, incluida la familiar, traduciendo al lenguaje contemporáneo temas que forman parte de la cotidianeidad más absoluta.

La intención de su trabajo se orienta hacia la búsqueda y la experimentación expresiva a través de formas sencillas como son, el gesto, el lenguaje y la presencia. Formas, que en primera instancia son accesibles a cualquier persona y no sólo a aquellos especialistas en los lenguajes del arte contemporáneo. Utilizan el humor y tratan contenidos que reflejan el devenir cotidiano, lo que cualquier persona puede vivir. Su obra se desarrolla a través de diversos formatos tanto de carácter presencial (performance o arte de acción) como multimedia (vídeo, piezas sonoras) también realizan talleres de carácter formativo y conferencias.

Aunque Los Torreznos se constituyen como tal en el año 2000, Rafael Lamata y Jaime Vallaure han realizado numerosos trabajos de intervención conjunta con anterioridad a esta fecha. Así mismo han sido miembros fundadores y componentes activos del grupo de creación experimental Circo Interior Bruto 2000/05 y Zona de Acción Temporal (ZAT) 1997/98. Previamente, cada uno de ellos, desarrolló su propio trabajo de creación.

Los Torreznos han participado en la 52ª edición de la Bienal de Venecia dentro del proyecto “Paradiso spezzato” en el Pabellón Español.

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Societat Doctor Alonso – 4 y 5 de octubre en La Mutant

Cinco cuerpos pacientes, celadores, médicos, especialistas, enfermeros, recipientes, muertos, actores y títeres. En una no sala de espera, en un no despacho de médico, en un no quirófano de un no hospital de campaña.

Este hospital no es un hospital cualquiera, en el que se practica la medicina moderna. Aquí la enfermedad es de una suerte de “don”. Aquello que te permite iniciar el camino de la curación. Todos estamos enfermos, y no vamos a dejar de estarlo después de visitar Hospital de campo La dolencia que arrastramos es aquello que nos invita a prestar atención al modo en que el desdoblamiento del mundo se ha hecho carne en nosotras.

Más información y entradas: https://www.lamutant.com/portfolio-item/hospital-campo-societat-doctor-alonso/.

 

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Julián Pacomio – 14 de septiembre en el Teatro María Luisa de Mérida 

Toda la luz del mediodía es la segunda parte de Trilogía del sol, a la que le antecede Apocalipsis entre amigos o el día simplemente (2021) y le sigue Os Teus mortos (2025).

La trilogía es una investigación sobre el imaginario en torno a la luz del sol, la hora del mediodía y sus oscuridades. Si Apocalipsis entre amigos o el día simplemente es una pieza para un horario de amanecer, de 6:00 a 9:30 a.m, en un espacio con la entrada de luz natural. Toda la luz del mediodía es una pieza sobre las 12:00 a.m, sobre como traer el mediodía en un espacio indoor, sobre la luz cenital del astro y toda su mitología asociada. Así como la primera parte se centró en la idea de la rave y en el estado de los cuerpos en una fiesta, esta segunda parte se enfoca en la siesta del burro de los trabajadores del campo, el insoportable calor del mediodía en el verano, los demonios y mitos del sol y todas sus oscuridades.

Dirección, concepto y texto: Julián Pacomio
Co-creación y performers: Bibi Dória, Bruno Brandolino y Julián Pacomio –
Acompañamiento y dramaturgia: Carolina Campos
Diseño de iluminación y espacio: Santiago Rodríguez Tricot y Víctor Colmenero Mir
Vestuario: Nina Botkay
Música original: Papillons d’éternité (Tânia Carvalho y Matthieu Ehrlacher)
Ingeniero de sonido: Juan Mesquita
Ojo externo: Marcia Lança y Ángela Millano
Gestión financiera: VAGAR / Daniela Ribeiro
Imagen gráfica: Blanca G. Terán
Fotografía y vídeo: Aline Belfort
Producción: Bolsas de Criação O Espaço do Tempo (BPI e Fundação “la Caixa”), Apoios a Projetos de Criação (DGartes) y Ayudas a Artes Visuales (Comunidad de Madrid)
Residencias de creación: PISCINA (Lisboa), Forum Dança (Lisboa), Residencias Paraíso (Galicia), La Nave del Duende (Cáceres), La Poderosa (Barcelona) y Desfoga (Galicia)
País: España y Portugal
Idiomas: español y portugués (con sobretítulos en español)
Duración: 60 minutos
Edad recomendada: mayores de 16 años

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Del 13 al 21 de septiembre en La Casa Encendida

Ídem 2024 propone el trabajo de artistas que tratan cuestiones sensibles y cruciales para nuestra sociedad, reflexionado sobre el aislamiento social radical, el pensamiento marginal, la salud mental, el desplazamiento, la resistencia, el cimarronaje, la fugitividad y la experiencia de oscuridad asociada a la luz.

Desde la práctica artística y el activismo, en diferentes formatos como la performance, el site specific, la instalación interactiva, el teatro y la danza. Estos trabajos dialogan entre sí, nos convocan, nos provocan y nos interrogan.

¿Qué cuerpos importan?, ¿quién se merece una vida visible?, ¿qué vidas cuentan?

Estas piezas, desde miradas poéticas, proyectan el reflejo de nuestras elecciones íntimas, de nuestra vulnerabilidad, de nuestra capacidad de conectarnos y desconectarnos de la realidad, y nos hablan sobre cómo restaurar las redes de autonomía, afecto y amor propio.

Esta edición presenta trabajos de creadores procedentes de Francia,  Cuba y Palestina, y de comunidades autónomas como Cataluña, Comunidad Valenciana y Aragón. Los artistas participantes en las piezas proceden de Japón, Venezuela, Guinea Ecuatorial, Ecuador y República Dominicana.

Inauguramos el festival con HIKU, pieza que transita entre la performance y el cine, la ficción y el documental, y que convoca a través de robots en tiempo real a los propios HIKIKOMORI, colectivo que voluntariamente se ha aislado de todo contacto con la sociedad y que se presentan aquí como un grupo resistente a los mandatos contemporáneos. La compañía francesa Shonen presenta por primera vez su trabajo en España, dirigida por Anne-Sophie Turión y Eric Ming Cuong.

Paula Miralles y Vicente Arlandis (Taller Placer) estrenan su pieza Corrimiento al rojo, un site specific donde proponen una experiencia de oscuridad y transubstanciación colectiva. La propuesta apela a otras maneras de componer nuestra imaginación sensorial, de lo que se puede revelar detrás de aquello que se esconde.

La pieza Calidoscópica de Sonia Gómez con Encarni Espallargas, es un espectáculo performativo, musical y dancístico que escenifica el encuentro de dos mujeres y sus vivencias sobre salud mental, creatividad y bienestar. Proponen darnos a conocer de primera mano la potencialidad que puede llegar a tener la estigmatizada locura o trastorno mental.

La segunda semana del festival comienza con Basel Zaraa, artista palestino, que estrena en nuestro país su pieza Dear Laila (ganadora del premio del público ZKB 2023), una instalación íntima e interactiva que comparte la experiencia palestina de desplazamiento y resistencia a través de la historia de una familia, explorando cómo la guerra y el exilio se experimentan a través del espacio cotidiano, doméstico y público. Para ello da vida a este lugar, ahora destruido, a través de la narración de historias familiares y de una aproximación sensorial.

Victor Longás y Lucas Ares (Desgarradura), estrenan The Miracle Worker, pieza pensada para el Patio de La Casa Encendida y donde proponen al público diferentes espacios escénicos por los que transitar para presentarnos sus reflexiones sobre la soledad, el aislamiento y la desaparición social del individuo, moviéndose entre los límites de la ficción y de lo real.

El festival ÍDEM 2024 clausura con el estreno de Eyilá de José Ramón Hernández y Osikán-Vivero de creación, que tiene como punto de partida la pregunta “¿dónde radica la fuerza política de nuestra espiritualidad?”. El proyecto está desarrollado junto a comunidades que se excluyen del espacio social voluntaria e involuntariamente, personas afro, migrantes, trans y racializadas, y construye un archivo vivo de espiritualidad, memoria, resistencias, fugitividad, cimarronaje, reparación y sanación.

Festival comisariado por Marisa Lull.

Más información y entradas: https://www.lacasaencendida.es/festival/idem-2024-festival-internacional-de-artes-escenicas.

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Del 27 al 29 de septiembre en Artium 

Artium Museoa organiza la segunda edición del ciclo de performances Lazos mecánicos, un programa que surge del deseo de pensar el espacio del museo y las relaciones que se construyen en él a partir de los cuerpos que lo habitan, intentando crear momentos de porosidad entre el interior y el exterior del edificio a través de las prácticas diversas de una serie de artistas y colectivos.

En 2024, Lazos mecánicos tendrá lugar el fin de semana del 27 al 29 de septiembre, y contará con la participación de Valeria Maculan (Buenos Aires, 1968), Federico Vladimir (Buenos Aires, 1983) & Pablo Llilienfeld (Madrid, 1981), Ainara LeGardon (Bilbao, 1976), Itsaso Iribarren (Pamplona, 1981) & Germán de la Riva (Cumaná, Venezuela, 1977), Pedro Barateiro (Almada, 1979), Elena Aitzkoa (Apodaka, 1984), Marta Fernández Calvo (Logroño, 1978), Alejandra Pombo Su (Santiago de Compostela, 1979) y Marc Vives (Barcelona, 1978).

Lazos mecánicos. Prácticas performativas en el museo II está comisariado por Iñaki Martínez Antelo.

Más información: https://www.artium.eus/es/actividades/item/61816-lazos-mecanicos-ii-ciclo-de-performances.

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Ànima de Òscar Dasí | 26 de abril en el Mercat Vell de Mollet del Vallès

He abdicado de seguir siendo lo que era. He renunciado a mi identidad a conciencia, para poder extrañarme de mí mismo y así, despojado, volver a sentirme inexperto, inmaduro, de nuevo carne fresca y libre para deleitarme de cómo desear. He abolido la realidad que me sustentaba y me he dedicado a observar cómo se resquebraja la estructura fija bajo el peso de la vida misma, a observar los escombros de lo que fui esparcidos a mi alrededor. Tranquilamente, sin pretender atenuar el impacto de la caída, resistiendo el impulso de hacer parches, la urgencia por recomponerme. Lanzarse a la acción, alegre, despojado, contemplando el fracaso como el más probable de los horizontes. He abdicado por intentar un imposible, nacer de nuevo.

Revisitar alma ahora, 10 años después, es un gesto y celebración. También un misterio.

Más información: Ajuntament de Mollet del Vallès

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Dancismo y Lo que baila de Paz Rojo | 30 de abril en Cineteca Madrid

El martes 30 abril, Cineteca ofrece un programa doble a cargo de Paz Rojo: a las 17h, en Sala Azcona, proyección de Dancismo (Paz Rojo y Emilio Tomé, 2014), un video-ensayo que cuestiona la coreografía en cuanto dispositivo de movimiento de los cuerpos en un contexto neoliberal y de poder global; y a las 18:30 h, en Sala Plató, el solo performance Lo que baila, creado e interpretado por Paz Rojo, pieza en la que la bailarina y coreógrafa encarna la vertiente más abstracta de la danza, el lado inaprehensible del movimiento, en constante fuga y desaparición.

Más información: Matadero Madrid

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Mariona Naudin – Del 3 al 21 de abril en la Fundación Brossa

Peça escènica a cavall entre la performance, la música i el teatre que parteix de la necessitat de trobar una “altra paraula”. Una paraula física que ressoni en els nostres cossos. Una paraula que recobri el seu sentit primigeni i es desprengui d’eufemismes,  un llenguatge que no obeeixi les lògiques del pensament racional. L’espectacle és un concert d’una dona-monstre que es transforma constantment, que és una i que alhora és tots. Un oracle que ens llegeix l’endins, un intent de diluir la línia invisible que separa el jo del tu.
La peça té com a punt de partida el cas d’Ana Orantes (1997), assassinada pel seu marit després de fer públics els maltractaments constants que havia patit durant quaranta anys al programa De tarde en tarde de Canal Sur, que va impulsar la primera llei de violència de gènere de l’Estat espanyol.

Contextualització de la peça 
Per què el fet de ser dones implica que el que diem es posi en dubte? Des d’una Cassandra que ningú es creu a una Joana d’Arc cremada a la foguera, d’una Cristina de Tir amb la llengua arrencada a una Ana Orantes cremada viva després de denunciar els maltractaments del seu marit en un plató televisiu. Malauradament, no costa gaire trobar exemples de figures femenines ridiculitzades, mutilades o assassinades per haver alçat la veu en un espai tradicionalment dominat pels homes.
Diverses cròniques expliquen que, en certs episodis de crema de bruixes, la veu de les dones torturades s’elevava sobre el brogit del foc i podia sentir-se molt després que les flames s’haguessin extingit. Aquesta inquietant veu extracorpòria que es nega a morir és la base d’un concert escènic que s’endinsa en el món del fet irreverent i monstruós. Perquè les dones sempre hem estat molt a prop dels monstres.

Apunts de direcció: Mariona Naudin
El disparador original d’aquest projecte és el record persistent d’un fet que em va marcar: la intervenció d’Ana Orantes al programa De tarde en tarde de Canal Sur l’any 97 i el seu posterior assassinat. Ana era una dona granadina que el 4 de desembre del 1997 va aparèixer a la televisió pública andalusa per a relatar durant 43 minuts el maltractament sistemàtic que el seu exmarit havia exercit durant quaranta anys cap a ella i cap als seus fills. Deu dies després el seu maltractador la va cremar viva al pati de la casa que compartien forçosament per ordre del jutge.
El que m’interessa del gest d’Orantes és entendre què la va empènyer a parlar de manera tan explícita durant gairebé una hora d’una intimitat que havia callat durant quaranta anys en un programa prime time. El que m’atrapa és, en definitiva, la seva necessitat de parlar, de fer públic l’abús tot sabent que probablement després de fer-ho rebria la pallissa final. El seu gest em fa comprendre que poder intercedir en la cosa pública ens atorga dignitat i ens fa humanes…
Si el que m’interessa és la necessitat de parlar, dedueixo que aquesta obra parla sobre què significa parlar, sobre la paraula mateixa, sobre com construïm realitat, sobre la necessitat del ritual i de la veu pública. Decideixo inventar-me una premissa: (poder) parlar és (poder) intercedir en l’esfera pública i això ens fa dignes. No poder fer-ho, en canvi, ens deshumanitza, ens mata espiritualment.

Más info y entradas: https://fundaciojoanbrossa.cat/arxiu-arts-en-viu/songs-for-the-bitch-witch-women/.

Idea i direcció: Mariona Naudin. Creació: María García Vera, Núria Andorrà i Mariona Naudin. Interpretació: María García Vera / Mariona Naudin i Núria Andorrà. Producció: Imma Bové. Dramatúrgia: Marc Villanueva. Espai i vestuari: Pau Masaló. Espai lumínic: Ana Rovira.  Espai Sonor: Edi Pou i Sara Fontán. Mentoria: Sofía Asencio. Ull extern: Alberto Cortés.

Aquest projecte està coproduït pel Centre de les Arts Lliures de la Fundació Joan Brossa, Festival TNT, Espai Nyam Nyam i OSIC (Generalitat de Catalunya).

Amb la col·laboració de: Teatre de Palamós, El Graner-Mercat de les Flors, L’Animal a l’Esquena i “Si no vols pols no vinguis a l’era” Espai Nyam Nyam.

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20 de marzo en La Mutant

Normalment es consideren pràctiques al marge, el Krump, el drag o la mirada queer de l’escena es donen cita en Imaginary Cyphers.

Artistes convidades són Anna Karenina i Ainhoa Hernández Escudero compartiran part del procés dels seus pròxims treballs.

Curadoría: Inka Romaní.

Más información y entradas: https://www.lamutant.com/portfolio-item/zona-grisa-imaginary-cyphers/.

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