— MuroTRON

Irene Cantero – 4 y 5 de marzo en el Teatro Central de Sevilla

UN VIAJE INTROSPECTIVO A LA VEZ QUE CÓSMICO A TRAVÉS DE NUESTRAS REALIDADES MÁS CERCANAS (EL INTERIOR DE NUESTRO CUERPO) Y LAS MÁS LEJANAS (EL EXTERIOR DE LA ATMÓSFERA, NUESTRA GALAXIA).

Descubrimos a Irene Cantero, al menos en el Central, con una pequeña intervención durante la noche del 8 de junio de 2019. Una noche que anunciaba algo que se ha convertido en realidad: la llegada a nuestros escenarios de una nueva generación de creadores y creadoras andaluzas que están haciendo que nuestra mirada cambie a la hora de leer aquella narrativa que se instala en nuestras dos salas. Una generación que se hibrida tanto personal como artísticamente, que se retroalimenta y crece con mutuos apoyos.

A esta generación pertenece Cantero, una creadora por decirlo con palabras manidas “joven y sobradamente preparada”. Nómada por su curiosidad a la hora de conformar su discurso escénico singular. Bailarina, diseñadora de iluminación, instaladora… pero sobre todo aniquiladora de géneros estancos.

La pieza que Irene nos propone es, en sus palabras, es un viaje introspectivo a la vez que cósmico a través de nuestras realidades más cercanas (el interior de nuestro cuerpo) y las más lejanas (el exterior de la atmósfera, nuestra galaxia). Hay un deseo de transitar el viaje a través de lo intuitivo y no racional, y de mirar desde el pensamiento mágico a estas realidades micro y macro que quieren disolver sus bordes.

Esta introspección cósmica ocurre en un lugar que es producto de una colisión entre un planetario, un oráculo y una sala de teatro. Las tres realidades se entienden por separado y conforman una tercera. En ese lugar emerge un sistema, no es una maqueta del sistema solar, es otro, pero también tiene leyes y responde a órdenes comunes a nuestro sistema solar.

Los cuerpos son un continuo, atravesados por las leyes de dicho sistema y operando de acuerdo a estas. Mientras Battiato canta: “La linea orizzontale ci spinge verso la materia, quella verticale verso lo spirito”. 

Más información y entradas: https://www.juntadeandalucia.es/cultura/teatros/teatro-central/saturar-lo-oracular. 

Idea y dirección: IRENE CANTERO SANZ –creación en colaboración de todo el equipo–

Cuerpo en escena: NATALIA JIMÉNEZ GALLARDO, MAR RODRÍGUEZ VALVERDE, VÍCTOR COLMENERO MIR e IRENE CANTERO SANZ

Composición y música en directo: BEATRIZ VACA CAMPAYO –NARCOLÉPTICA– y HARA ALONSO

Diseño de Iluminación: CRISTINA L. PRIETO BOLIVAR E IRENE CANTERO SANZ

Vídeo en escena: DAVID BENITO PICÓN

Vestuario:  MARINA SANZ CARLOS

Coordinación técnica: CRISTINA L. PRIETO BOLIVAR Y ROBERTO BALDINELLI

Regiduría: ROBERTO BALDINELLI

Producción: SARA ÁLVAREZ-NÓVOA

Aina Alegre – 26 y 27 de febrero en el Mercat de les Flors

Artículo de Quim Bigas sobre R-A-U-X-A publicado en Teatron: http://www.tea-tron.com/mercatflors/blog/2022/02/17/r-a-u-x-a/. 

Con R-A-U-X-A, Aina Alegre empieza un nuevo ciclo creativo centrado en un aspecto más arqueológico y sonoro del movimiento. En esta pieza el cuerpo vibra, resuena y se convierte en pulsación. Una memoria antigua y futura de gestos que contienen «el picar», un gesto que percevera en el tiempo es el punto de partida para entrar en nuevas dimensiones físicas y temporales.

El espectáculo presenta una danza híbrida en la que el cuerpo, la luz y la música electroacústica y modular de Josep Tutusaus interpretada en directo, dialogan y ponen en fricción una materia orgánica/arcaica y tecnológica para construir un paisaje sensorial y una arquitectura sonora.

Aina Alegre creó Studio Fictif como herramienta de producción y difusión de sus obras coreográficas, colaboraciones artísticas y acciones educativas. Bailarina, performer y coreógrafa, Alegre plantea la creación coreográfica como un ámbito para «reinventar» el cuerpo y explora diferentes culturas y prácticas corporales entendidas como representaciones sociales, históricas y antropológicas. Después de haberse formado en danza, teatro y música en Barcelona, en 2007 se incorporó al Centro Nacional de Danza Contemporánea (CNDC) de Angers. Su obra se ha presentado en diferentes países, entre otros España, Francia, Bélgica, Suiza, Perú y Rumanía.

Concepción, coreografía e interpretación Aina Alegre / Creación y música en directo Josep Tutusaus / Diseño iluminación Jan Fedinger / Diseño espacio James Brandily / Diseño vestuario Andrea Otin / Dramaturgia y consejo artístico Quim Bigas / Escenario y responsable sonido Guillaume Olmeta / Consejo movimiento Elsa Dumontel y Mathieu Burner / Dirección escénica interna Capucine Intrup / Producción Claire Nollez / Distribución internacional Vicenç Mayans, PALOSANTO projects / Asistente producción Aniol Busquets / Producción ejecutiva STUDIO FICTIF
Coproducción beneficiado de «La Fabrique Chaillot» programa de residencia – Chaillot – Théâtre national de la Danse (Paris); Atelier de Paris CDCN; Chorège I CDCN Falaise Normandie en el marco «accueil-studio; Centre Chorégraphique National d’Orléans dirigit per Maud le Pladec; NEXT Festival; La rose des vents Scène nationale Lille Métropole Villeneuve d’Ascq / Con el apoyo DRAC Île-de-France en el marco de ayuda a la estructura 2019-2020 / Con el apoyo y residencia Graner fábrica de creación; La Place de la Danse – CDCN Toulouse-Occitanie, Tanzhaus Zurich; Mercat de les Flors.

Más información y entradas: https://mercatflors.cat/es/espectacle/r-a-u-x-a/. 

Carlota Mantecón – Del 24 al 26 de febrero en Teatro Pradillo

Si lo escuchas empieza a sonar. Si te mueves, cambia de sitio. Si lo intentas, desaparece. Si lo escuchas otra vez, suena. Si te mueves, se desliza. Si vuelves a intentarlo, aparece.
Luego entra el beat.
Lo que suena no se ve, lo que se mueve está entre. Martillo, yunque, estribillo.
Si te vas resuena, resuena, resuena. Si lo conectas cambia de emisora. Si te alejas queda suspendido y los altavoces vibran.

Más información y entradas: https://www.teatropradillo.com/esto-no-es-una-prueba-de-sonido/.  

Amaia Bono y Damián Montesdeoca – 24 de febrero en la Sala BBK

Conocemos el universo a través de lo que se repite. El latido del corazón es una repetición que nos mantiene con vida. En la vida todo se repite. Todo se repite. Repetimos nuestros errores. El ser humano es el único animal que se repite al tropezar dos veces con la misma piedra. Todo se repite. Se repite curso. El ajo repite. Los loros repiten. El eco repite. Las olas se repiten. Todo se repite. Hasta Jesucristo, al renacer, se repite. Todo se repite. Todo se repite. Todo se repite.

Más info y entradas: https://salabbk.bbk.eus/la-repeticion/. 

La Sala Alcalá 31 alberga del 19 de febrero al 3 de abril una exposición que indaga en la importancia del cuerpo en la danza de la bailarina madrileña La Ribot. Una colección de danzas, vídeos, composiciones fotográficas, objetos y textos para cuestionar el valor físico, identitario, social y político del cuerpo humano.

Comisariada por Olivier Kaeser, se ha reunido una selección de las obras más importantes de La Ribot a lo largo de más de 20 años de carrera. La muestra se abre con Laughing Hole (2006), a la que siguen otras como la videoinstalación Despliegue (2001) o Piezas distinguidas (nombre genérico del proyecto iniciado en 1993).

Además, por primera vez se reúnen Walk the Chair (2010), Walk the Bastards (2017) y Walk the Authors (2018), tres performances compuestas por decenas de sillas plegables de madera, después de haber servido en teatros ambulantes, que están enriquecidas con citas grabadas a fuego en su estructura. Los espectadores deben manipularlas en todas las direcciones para descifrar los pasajes. También se ofrecen cuadernos en vitrinas donde se pueden observar los pensamientos e ideas de La Ribot y dos piezas en vivo, presentadas a intervalos: Pièce distinguée Nº45 (2016) y LaBOLA (2022).

La Ribot es el nombre artístico que utiliza María José Ribot, una bailarina, coreógrafa y artista visual nacida en Madrid en 1962. Actualmente vive en Ginebra (Suiza) y sus montajes desafían los marcos y los formatos de la escena y del museo tomando prestados vocabularios del teatro, de las artes visuales, de la performance, del cine y del vídeo para llevar a cabo sus concepciones coreográficas.

Cuenta con más de 45 obras en su haber y ha sido galardonada con el Premio Nacional de Danza en 2001​ y la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes en 2016, otorgados por el Ministerio de Cultura, y el Premio Cultura de la Comunidad de Madrid 2019 en Artes Plásticas.

Programa de obras en vivo:

19 febrero – Laughing Hole (2006) – 16:00 – 22:00 h

23 a 26 febrero – Pièce distinguée Nº 45 (2016) – 20:30 – 21:05 h

1 marzo al 3 abril – LaBOLA (2022) – martes a sábado: 19:00 – 20:00 h / domingo: 12:00 – 13:00 h

Más información y reservas: https://www.comunidad.madrid/actividades/2022/exposicion-ribot-escala-humana. 

Julián Pacomio – 5 de febrero en Azkuna Zentroa

La pieza de artes escénicas de casi cuatro horas aborda los diferentes estados de los cuerpos dentro de un evento-celebración-fiesta.

«Llevamos mucho tiempo acostándonos temprano. Somos gentes del día, la noche, es cosa de otros. Esperamos al apocalipsis juntos, todos, aquí. En algún momento lo familiar, lo íntimo, se tornará inquietante y el fin, llegará apacible, amable. Algo oscuro emergerá a la superficie acusando la vida, y ya nada será igual; los recuerdos, los de entonces, ya no importarán; y solo servirán los más fuertes, es decir, los de ahora. Nunca más seremos contemporáneos y solo quedará la luz del día, simplemente

o […] es que esto no tiene sentido, pero lo demás no tiene sentido, pero lo demás es la muerte», describe el creador.

Más información y entradas: https://www.azkunazentroa.eus/es/actividad/julian-pacomio-apocalipsis-entre-amigos-o-el-dia-simplemente/. 

Iniciativa Sexual Femenina – 11 y 12 de febrero en La Casa Encendida

Perpetua Felicidá es un tríptico de agonías, decesos y resurrecciones. Tres pasiones encarnadas por cada una de las intérpretes con la ayuda de sus compañeras y de las santas Perpetua y Felicidad, extrañas mártires del siglo III d.C. en la romana Cartago. Ama y esclava; blanca y negra; lactante y embarazada, respectivamente. Moreau, Keisanen y Morales usan la danza (sí, la usan: le dan utilidad: creen en su potencia aniquilador de privilegios) como la ganzúa que revienta las puertas de sus saberes; la danza como saqueadora de los estados físicos y mentales que los regímenes tiene tan bien custodiados.

Una investigación acerca del martirio y su estetización, con el objetivo de aplicar sus resultados a una pieza de danza que reflexiona y crea paralelismos entre el hecho dancístico y el fenómeno martirológico.

El colectivo Iniciativa Sexual Femenina nace en 2017 en el centro social autogestionado Can Vies, en Barcelona, ​​con el deseo de aproximarse a la danza contemporánea desde una perspectiva feminista, libertaria y antiacademicista. Está integrado por Élise Moreau (Francia, 1992), Elisa Keisanen (Finlandia, 1988) y Cristina Morales (España, 1985).

Más información y entradas: https://www.lacasaencendida.es/escenicas/perpetua-felicida-iniciativa-sexual-femenina-13066. 

Natasha Padilha

26 de enero en Arts Santa Mònica

“Exagerado” es un “solo” sobre el final y las reflexiones que siguen, pero también sobre las cosas que todos sentimos pero no podemos explicar, especialmente el amor y el dolor. El mensaje de whatsapp que recibió la actriz de su expareja es una barbaridad por grandes discusiones sobre el ser humano, su necesidad de afecto y la precariedad de algunas estructuras amorosas. La obra parte de la experiencia real del desamor, se barre con datos biográficos y se despliega en una construcción escénica y discursiva, rica en reflexiones filosóficas y psicoanalíticas. El deseo de relacionarse ya la vez la atracción por la individualidad egocéntrica revelan una paradoja actual del amor.

Más información y entradas: https://artssantamonica.gencat.cat/ca/detall/Dimecres-de-so-i-cos-00002. 

Janet Novás y Mercedes Peón

15 y 16 de enero en el Mercat de les Flors

La colaboración de dos potentes creadoras y artistas gallegas, la bailarina y coreógrafa Janet Novás y la compositora e intérprete musical Mercedes Peón, ha dado lugar a un viaje emocional cargado de belleza y creatividad. Juntas exploran las relaciones que se establecen entre “la danza de una y la música de la otra”. Recorren a instrumentos, recuerdos, canciones y bailes, algunos de ellos con una fuerte carga a veces de tipo sociopolítica, otras veces biográficos e incluso otros cuánticos. La pieza, en femenino, es un híbrido dancístico musical lleno de imágenes evocadoras y seccionada por cuadros, lo cual permite los más diversos espacios de representación, desde contextos escénicos hasta instalativos o museísticos.

Janet Novás es una bailarina, performer y coreógrafa que construye su obra desde la experiencia y el diálogo con su propio cuerpo. Sus creaciones se han presentado en prestigiosos festivales nacionales e internacionales.

Mercedes Peón está considerada una de las mujeres más carismáticas del circuito de la world music actual, con un gran reconocimiento internacional. Su amplio repertorio y la energía de cada una de sus actuaciones hacen de Peón una apuesta segura por la continuidad de la escena etno-contemporánea en Europa.

Más información y entradas: https://mercatflors.cat/es/espectacle/mercedes-mais-eu/. 

De Isaak Erdoiza y Nazario Díaz

15 y 16 de enero en La Fundición

Con el deseo de lubricar la potencia de un imaginario colectivo, “Fuego verde” propone, a través de un dispositivo conformado por una serie de “bodegones sonoros”, un viaje sensible por la fisicidad del sonido y su relación con la visualidad. Así, con claras reminiscencias al ruidismo y la experimentación sonora, “Fuego verde” plantea un concierto que reúne una serie de elementos que desplazan la relación entre aquello que escuchamos y la imagen que se nos muestra para aproximarnos al carácter fantástico o fantasmagórico del sonido, en ese umbral donde las presencias no siempre se corresponden con lo que tenemos delante de nuestros ojos.
“Fuego verde” es el primer trabajo del proyecto “Conversation pieces”, una investigación iniciada en 2020 por Isaak Erdoiza y Nazario Díaz en torno a la noción de sonido y escucha propuesta por David Toop en su ensayo “Resonancia siniestra”, y explora la idea de extrañamiento en la relación sonora y visual del espectador, mediante la construcción de pequeñas arquitecturas que permiten alterar el espacio y la percepción sobre las cosas que ocurren en él, operando en los límites entre lo visible y lo invisible, el adentro y el afuera, la concreción y la abstracción.“La escucha tiene el estigma de ser nuestro sentido menos fiable. Mientras que aquello que vemos y tocamos se nos revela como una realidad “objetiva”, el sonido se parece más a un fantasma; su lugar en el espacio es ambiguo y su existencia en el tiempo transitoria. Por ello el sonido actúa desde siempre como metáfora de la revelación mística, los deseos prohibidos, lo siniestro, lo informe, lo sobrenatural y lo desconocido.”

Más información y entradas: https://www.lafundicion.org/eventos/isaak-erdoiza-nazario-diaz/.