— MuroTRON

Marlene Monteiro – 18 y 19 de marzo en Conde Duque 

Hay dos tipos de espectadores única y exclusivamente: los que conocen el trabajo de la extravagante caboverdiana Marlene Monteiro Freitas, y los que no. Difieren en que los primeros pueden hacerse una idea de cómo va a transcurrir una de sus delirantes veladas y los segundos, en cambio, son ignorantes a punto de descubrir hasta dónde se puede llegar y, al mismo tiempo, cómo se puede sublimar lo grotesco. Las obras de Monteiro (y Jaguar no es excepción) son intencionadamente vulgares y ordinarias, pero por esa misma razón, una manera revolucionaria de presentar el cuerpo en escena, que se abre paso paso por un camino de kamikaze que va en dirección contraria a la convención que exige belleza y ensueño a la danza.

Referencias hay muchas, sugerencias no faltan, pero explicaciones más bien pocas. Al ratito de empezar Jaguar, el espectador caerá en la cuenta de que no hay mucho que entender en este collage absurdo y surrealista, que se presenta como el revés retorcido del clown tradicional. A cambio, hay mucho para sentir. Risa, lo primero, pero también asco e inquietud, ternura o pena.

Monteiro en esta ocasión ha hecho alianza con Andreas Merk, que se presenta cómplice de los excesos de esta creación estrenada en 2017, en la que también destaca la escultura enorme de un caballo azul, un guiño probable a Der Blaue Reiter (El jinete azul), el movimiento que transformó el Expresionismo alemán, y también una escalera plateada de tres peldaños que conduce exactamente a ninguna parte. La cascada de muecas faciales y deformaciones corporales del dueto se mueve al ritmo de músicas en contraste que van de Stravinsky a David Bowie, aderezadas con batucada, Schönberg, Monteverdi y Puccini.

Marlene Monteiro comenzó su ascenso con el insólito y exitoso solo Guintche y continuó con piezas de gran formato como Bacantes. Preludio para uma purga o su reciente estreno El Mal. Embriaguez Divina. Toda su obra es combinación de su aprendizaje sobre la vanguardia en la prestigiosa escuela P.A.R.T.S. de Bruselas y su paso por el ya desaparecido Ballet Gulbenkian, de Portugal, país en el que reside, pero sin renunciar nunca a sus vivencias dentro de la cultura popular de Cabo Verde. Se pueden elucubrar y buscar muchos referentes en su trabajo, pero en el fondo sigue siendo la misma joven inquieta de Cabo Verde que a los 14 años creó con unos amigos la compañía Compass, con la que dio rienda suelta a sus gustos variados y eclécticos en espectáculos de danza que mezclaban referencias a Jesucristo Superstar con clips de hip hop, aderezados con pasos de samba, salsa y folclor caboverdiano.

Marlene Monteiro fue premiada en 2018 con el León de Plata de la Bienal de Venecia.

Más información y entradas: https://www.condeduquemadrid.es/actividades/marlene-monteiro-jaguar. 

De Beatriz Setién & Hannah Berry – 18 de marzo en el C.C. Ernest Lluch (Donosti)

Aurora-Ocaso es la nueva pieza escénica creada por Beatriz Setién. En ella, un dúo explora la luz y la oscuridad en la escena y en la vida.

Entrada libre hasta completar aforo. 

Laila Tafur y Alba Rihe – 16 de marzo en el Contenedor Cultural de la Univerisdad de Málaga

Cobalto es un estado íntimo de improvisación y reciclaje cuya gramática es el loop, a modo de práctica que induce un estado hipnótico.  A través del beat y el cansancio emergen expresiones que transforman al cuerpo, activando la  comunicación desde otro punto de la consciencia. De los sonidos al humor, de la palabra al cante, del hastío al vestio, del silencio al musicón.

Rihe y Tafur vienen de diferentes disciplinas, una canta el humor, la otra baila la carne, pero ambas, ávidas de grieta se dirigen al lugar de la otra. Sin prejuicios, con fuentes compartidas, múltiples metodologías, herramientas, y estructuras colaborativas a tutiplén.

Más información y entradas: https://www.uma.es/contenedorcultural/noticias/cobalto-miercoles-16-marzo/. 

Alberto Cortés – 5 de marzo en el Meet you de Valladolid 

“One night at the golden bar” es una declaración de amor cursi desde una mirada queer. La búsqueda de un estado de vulneraziación que ponga en evidencia el poder de los afectos y la belleza que se esconde en la fragilidad. Desde el imaginario de la figura celestial del ángel se atraviesa una lluvia de cuestiones: qué masculinidad nos gobierna, qué fragilidades y grietas no se están mencionando, qué identidades están en un lugar vulnerable y monstruoso al mismo tiempo, cómo cantar al destino que nos aplasta, al amor desfasado, al amor infinito, políticamente incorrecto, insurrecto, sacrificado. Cómo vamos a proteger a estos cuerpos e identidades cuando griten públicamente cómo se sienten cuando aman; puede que ahora sea el momento de contratacar. Hay una fuerza en todo lo extremadamente frágil, como dijo Rilke «todo ángel es terrible». Y como dijo Ana Torroja en «La fuerza del destino»: una noche en el bar del oro me decidí atacar.

Texto de Bárbara Mingo Costales sobre la obra: http://www.tea-tron.com/mambo/blog/2021/11/26/el-dia-que-me-quieras-sera-el-siglo-de-lolo/. 

Más información y entradas: https://meetyouvalladolid.com/index.php/meetyouvll/one-night-at-the-golden-bar/. 

Soy Alberto Cortés. Inicié mi formación como director y dramaturgo en Málaga, donde también estudio Historia del Arte. Estoy en la escena porque en cierto modo la detesto y en esa guerra encuentro mi lugar. En 2009 comencé mi camino en lo escénico desde la dirección y la dramaturgia bastarda y se ha ido transformando con los años en un proceso largo de asalvajamiento desde la periferia andaluza. Me encuentro con diversos creadores que han formado parte de mi formación y que en algún momento han influido en mi modo de mirar la escena (Gabriela Carrizo, Rodrigo García, David Fernández, Patricia Caballero, etc.) hasta desarrollar un camino que me hace colocarme sobre el escenario. Sigo sosteniendo mis ganas de continuar porque tengo esperanza en lo innombrable, lo intangible y lo humano. Desarrollo mis propias creaciones, comparto mis inquietudes en forma de talleres y acompaño el trabajo de otras creadoras. A día de hoy desarrollo mi identidad siendo creador, director, dramaturgo, acompañante, performer, docente, hijo, tío, amante, amigo.

Con el apoyo de: Residencias Ágora (Junta de Andalucía), Conde Duque, Teatro Calderón (Valladolid) y Graners de Creaciò.

Irene Cantero – 4 y 5 de marzo en el Teatro Central de Sevilla

UN VIAJE INTROSPECTIVO A LA VEZ QUE CÓSMICO A TRAVÉS DE NUESTRAS REALIDADES MÁS CERCANAS (EL INTERIOR DE NUESTRO CUERPO) Y LAS MÁS LEJANAS (EL EXTERIOR DE LA ATMÓSFERA, NUESTRA GALAXIA).

Descubrimos a Irene Cantero, al menos en el Central, con una pequeña intervención durante la noche del 8 de junio de 2019. Una noche que anunciaba algo que se ha convertido en realidad: la llegada a nuestros escenarios de una nueva generación de creadores y creadoras andaluzas que están haciendo que nuestra mirada cambie a la hora de leer aquella narrativa que se instala en nuestras dos salas. Una generación que se hibrida tanto personal como artísticamente, que se retroalimenta y crece con mutuos apoyos.

A esta generación pertenece Cantero, una creadora por decirlo con palabras manidas “joven y sobradamente preparada”. Nómada por su curiosidad a la hora de conformar su discurso escénico singular. Bailarina, diseñadora de iluminación, instaladora… pero sobre todo aniquiladora de géneros estancos.

La pieza que Irene nos propone es, en sus palabras, es un viaje introspectivo a la vez que cósmico a través de nuestras realidades más cercanas (el interior de nuestro cuerpo) y las más lejanas (el exterior de la atmósfera, nuestra galaxia). Hay un deseo de transitar el viaje a través de lo intuitivo y no racional, y de mirar desde el pensamiento mágico a estas realidades micro y macro que quieren disolver sus bordes.

Esta introspección cósmica ocurre en un lugar que es producto de una colisión entre un planetario, un oráculo y una sala de teatro. Las tres realidades se entienden por separado y conforman una tercera. En ese lugar emerge un sistema, no es una maqueta del sistema solar, es otro, pero también tiene leyes y responde a órdenes comunes a nuestro sistema solar.

Los cuerpos son un continuo, atravesados por las leyes de dicho sistema y operando de acuerdo a estas. Mientras Battiato canta: “La linea orizzontale ci spinge verso la materia, quella verticale verso lo spirito”. 

Más información y entradas: https://www.juntadeandalucia.es/cultura/teatros/teatro-central/saturar-lo-oracular. 

Idea y dirección: IRENE CANTERO SANZ –creación en colaboración de todo el equipo–

Cuerpo en escena: NATALIA JIMÉNEZ GALLARDO, MAR RODRÍGUEZ VALVERDE, VÍCTOR COLMENERO MIR e IRENE CANTERO SANZ

Composición y música en directo: BEATRIZ VACA CAMPAYO –NARCOLÉPTICA– y HARA ALONSO

Diseño de Iluminación: CRISTINA L. PRIETO BOLIVAR E IRENE CANTERO SANZ

Vídeo en escena: DAVID BENITO PICÓN

Vestuario:  MARINA SANZ CARLOS

Coordinación técnica: CRISTINA L. PRIETO BOLIVAR Y ROBERTO BALDINELLI

Regiduría: ROBERTO BALDINELLI

Producción: SARA ÁLVAREZ-NÓVOA

Aina Alegre – 26 y 27 de febrero en el Mercat de les Flors

Artículo de Quim Bigas sobre R-A-U-X-A publicado en Teatron: http://www.tea-tron.com/mercatflors/blog/2022/02/17/r-a-u-x-a/. 

Con R-A-U-X-A, Aina Alegre empieza un nuevo ciclo creativo centrado en un aspecto más arqueológico y sonoro del movimiento. En esta pieza el cuerpo vibra, resuena y se convierte en pulsación. Una memoria antigua y futura de gestos que contienen «el picar», un gesto que percevera en el tiempo es el punto de partida para entrar en nuevas dimensiones físicas y temporales.

El espectáculo presenta una danza híbrida en la que el cuerpo, la luz y la música electroacústica y modular de Josep Tutusaus interpretada en directo, dialogan y ponen en fricción una materia orgánica/arcaica y tecnológica para construir un paisaje sensorial y una arquitectura sonora.

Aina Alegre creó Studio Fictif como herramienta de producción y difusión de sus obras coreográficas, colaboraciones artísticas y acciones educativas. Bailarina, performer y coreógrafa, Alegre plantea la creación coreográfica como un ámbito para «reinventar» el cuerpo y explora diferentes culturas y prácticas corporales entendidas como representaciones sociales, históricas y antropológicas. Después de haberse formado en danza, teatro y música en Barcelona, en 2007 se incorporó al Centro Nacional de Danza Contemporánea (CNDC) de Angers. Su obra se ha presentado en diferentes países, entre otros España, Francia, Bélgica, Suiza, Perú y Rumanía.

Concepción, coreografía e interpretación Aina Alegre / Creación y música en directo Josep Tutusaus / Diseño iluminación Jan Fedinger / Diseño espacio James Brandily / Diseño vestuario Andrea Otin / Dramaturgia y consejo artístico Quim Bigas / Escenario y responsable sonido Guillaume Olmeta / Consejo movimiento Elsa Dumontel y Mathieu Burner / Dirección escénica interna Capucine Intrup / Producción Claire Nollez / Distribución internacional Vicenç Mayans, PALOSANTO projects / Asistente producción Aniol Busquets / Producción ejecutiva STUDIO FICTIF
Coproducción beneficiado de «La Fabrique Chaillot» programa de residencia – Chaillot – Théâtre national de la Danse (Paris); Atelier de Paris CDCN; Chorège I CDCN Falaise Normandie en el marco «accueil-studio; Centre Chorégraphique National d’Orléans dirigit per Maud le Pladec; NEXT Festival; La rose des vents Scène nationale Lille Métropole Villeneuve d’Ascq / Con el apoyo DRAC Île-de-France en el marco de ayuda a la estructura 2019-2020 / Con el apoyo y residencia Graner fábrica de creación; La Place de la Danse – CDCN Toulouse-Occitanie, Tanzhaus Zurich; Mercat de les Flors.

Más información y entradas: https://mercatflors.cat/es/espectacle/r-a-u-x-a/. 

Carlota Mantecón – Del 24 al 26 de febrero en Teatro Pradillo

Si lo escuchas empieza a sonar. Si te mueves, cambia de sitio. Si lo intentas, desaparece. Si lo escuchas otra vez, suena. Si te mueves, se desliza. Si vuelves a intentarlo, aparece.
Luego entra el beat.
Lo que suena no se ve, lo que se mueve está entre. Martillo, yunque, estribillo.
Si te vas resuena, resuena, resuena. Si lo conectas cambia de emisora. Si te alejas queda suspendido y los altavoces vibran.

Más información y entradas: https://www.teatropradillo.com/esto-no-es-una-prueba-de-sonido/.  

Amaia Bono y Damián Montesdeoca – 24 de febrero en la Sala BBK

Conocemos el universo a través de lo que se repite. El latido del corazón es una repetición que nos mantiene con vida. En la vida todo se repite. Todo se repite. Repetimos nuestros errores. El ser humano es el único animal que se repite al tropezar dos veces con la misma piedra. Todo se repite. Se repite curso. El ajo repite. Los loros repiten. El eco repite. Las olas se repiten. Todo se repite. Hasta Jesucristo, al renacer, se repite. Todo se repite. Todo se repite. Todo se repite.

Más info y entradas: https://salabbk.bbk.eus/la-repeticion/. 

La Sala Alcalá 31 alberga del 19 de febrero al 3 de abril una exposición que indaga en la importancia del cuerpo en la danza de la bailarina madrileña La Ribot. Una colección de danzas, vídeos, composiciones fotográficas, objetos y textos para cuestionar el valor físico, identitario, social y político del cuerpo humano.

Comisariada por Olivier Kaeser, se ha reunido una selección de las obras más importantes de La Ribot a lo largo de más de 20 años de carrera. La muestra se abre con Laughing Hole (2006), a la que siguen otras como la videoinstalación Despliegue (2001) o Piezas distinguidas (nombre genérico del proyecto iniciado en 1993).

Además, por primera vez se reúnen Walk the Chair (2010), Walk the Bastards (2017) y Walk the Authors (2018), tres performances compuestas por decenas de sillas plegables de madera, después de haber servido en teatros ambulantes, que están enriquecidas con citas grabadas a fuego en su estructura. Los espectadores deben manipularlas en todas las direcciones para descifrar los pasajes. También se ofrecen cuadernos en vitrinas donde se pueden observar los pensamientos e ideas de La Ribot y dos piezas en vivo, presentadas a intervalos: Pièce distinguée Nº45 (2016) y LaBOLA (2022).

La Ribot es el nombre artístico que utiliza María José Ribot, una bailarina, coreógrafa y artista visual nacida en Madrid en 1962. Actualmente vive en Ginebra (Suiza) y sus montajes desafían los marcos y los formatos de la escena y del museo tomando prestados vocabularios del teatro, de las artes visuales, de la performance, del cine y del vídeo para llevar a cabo sus concepciones coreográficas.

Cuenta con más de 45 obras en su haber y ha sido galardonada con el Premio Nacional de Danza en 2001​ y la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes en 2016, otorgados por el Ministerio de Cultura, y el Premio Cultura de la Comunidad de Madrid 2019 en Artes Plásticas.

Programa de obras en vivo:

19 febrero – Laughing Hole (2006) – 16:00 – 22:00 h

23 a 26 febrero – Pièce distinguée Nº 45 (2016) – 20:30 – 21:05 h

1 marzo al 3 abril – LaBOLA (2022) – martes a sábado: 19:00 – 20:00 h / domingo: 12:00 – 13:00 h

Más información y reservas: https://www.comunidad.madrid/actividades/2022/exposicion-ribot-escala-humana.