— MuroTRON

Plataforma es un proyecto que quiere tender puentes entre las artes visuales y las artes vivas, las artes escénicas, la literatura, la arquitectura y el diseño, invitando a reflexionar sobre el espacio público e integrando servicios e instituciones de la ciudad para actuar como motor para el desarrollo y la cohesión social.

Plataforma es un festival de ciudad, transversal, comprometido con el urbanismo y la riqueza patrimonial material e inmaterial de Compostela, con su diversidad, con la igualdad, con la ecología, con la tradición y con la innovación cultural, convencidos de que es desde la creatividad desde donde podemos construir un futuro más amable y responsable.

Plataforma es un festival ideal para este momento de restructuración cultural, por su transversalidad y la descentralización de sus localizaciones, por su escala, por su programación pensada para espacios singulares, por la posibilidad de seguir con facilidad los debidos protocolos de sostenibilidad y de seguridad para la salud en las acciones propuestas.

Norberto Llopis / 30 de abril, 1 y 2 de mayo en Espacio Inestable (Valencia)

NO—HUECO

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En occidente, el devenir de la significación, de la acción o el mismo suceso de un cambio ha sido leído siempre desde la perspectiva del trazo, desde la perspectiva de la figura que cambia frente a un fondo. Todo cambio depende de un acto, de un personaje que actúa, de una figura o héroe que opera una transformación. En nuestra pieza investigamos sin embargo el devenir, el cambio no tanto desde el lado de la acción o el personaje que la acomete sino desde el lado hueco, desde la perspectiva de la superficie en que se inscribe, como una especie de negatividad hueca. Irónicamente nuestro medio es el de la “performance”, es decir, en cierto modo sucede a través de la acción, luego, habrá que preguntarse ¿De qué modo suceden las cosas cuando no suceden? ¿De qué modo suceden las cosas bajo la lógica del lado hueco, de la superficie de inscripción?. En NO—HUECO cosas sucederán en cierto modo sin suceder, no se trataría tanto de transformar las figuras efectivas que ponemos en escena, sino de provocar un desplazamiento o un deslizamiento en la superficie, en el plano sobre el que la figura se hace visible, un desplazamiento o suceso en cierto modo invisible. Como si se operara un crimen blanco, un asesinato invisible, un homicidio de fondo que apenas se percibe, un asesinato sin asesino ni cadáver.

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Concepto y dirección; Norberto Llopis Segarra Interpretación y colaboración creativa; Santiago Ribelles, Inka Romaní Escriva, Norberto Llopis Segarra. imágenes de poster; Juan Peiró Foto y video; Nelson Lizana.

Esta pieza ha sido producida gracias a; Programa de residencias de producción “Cultura resident” del “Consorci de museus de la comunitat valenciana” en colaboración con el centro cultural “Las Cigarreras” (Alicante); Así como las ayudas para la producción escénica del “Ayuntamiento de Valencia”; y residencias de creación de La Caldera (Barcelona).

8 y 9 de mayo en La Casa Encendida

Silvia Zayas trabaja entre las fronteras de las artes escénicas, el vídeo y la coreografía expandida. Para esta pieza ha contado con la colaboración de Ana Cortés, Miguel Aparicio, Luz Prado y Nilo Gallego.

Silvia imagina una coreografía conjunta entre humanos y objetos activados por una máquina-teclado que se expande como un bicho. La banda sonora que aparece es un animal multiforme, ancestral, por veces futurista, por veces doméstico y familiar.

Pone sonido a su imaginario fragmentado e infantil: el animismo de los muebles que se desplazaron por la noche, macumba, videoclips ochenteros, las novelas pulp del abuelo, el loro que dijo “restaurante” y nunca más habló, Fátima santera, crujido de coles, Cousteau, la noche con búhos, búzios y máscaras angolanas. Todos los gallos a la vez: el gallo negro del vudú, el de Barcelos y el de la caja de cereales; sonidos metálicos de la guerra colonial, los accidentes de los eucaliptos, reírse, sin parar, hasta morirse.

U es un título polisémico: la imagen literal del imán que conecta de forma invisible cosas y seres, un sonido grave, también un vientre o cavidad de resonancia que contiene otras prácticas. Una de las experiencias fue el programa de radio en directo Sonic Collider junto con el físico Óscar Hernández sobre la capacidad del sonido de afectar a la materia, y la próxima será un taller con la coreógrafa Mar Medina.

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Ficha artística

Idea: Silvia Zayas.

Creada en colaboración con Luz Prado, Ana Cortés, Miguel Aparicio y Nilo Gallego.

Performance: Silvia Zayas, Luz Prado y Nilo Gallego.

Programación, robótica y electrónica: Miguel Aparicio.

Mecanismos y construcción: Ana Cortés.

Colaboración musical beat: Miguel Serra Iosupastar.

Iluminación: Víctor Colmenero.

Colaboraciones y actividades durante el proceso: Óscar Hernández, Mar Medina, Marta Badiola, Espacio LaHipoteca y residencia So Far en Conde Duque, Madrid.

Agradecimientos: Jacobo García Fouz, María Salgado, Lorenzo García-Andrade y Raúl Alaejos.

Silvia Zayas (León, 1978) trabaja en los límites de las artes en vivo, el cine y la coreografía expandida. Busca formas híbridas de investigación y producción artística, como Jumping Scales, Matadero-Madrid. Sus piezas más recientes son: Parallax (2016), CA2M-La Casa Encendida; The Boogie-Woogie Ghost (2018) con María Jerez; Talking pictures-una película hablada (2018), con Esperanza Collado; Brilliant Corners (2021) y Brillante (2020) con el colectivo Orquestina de Pigmeos. Acaba de terminar la película Puebla (2021,) junto con María Jerez, y está trabajando en una nueva película acerca de percepción subacuática, junto con dos biólogos marinos titulada ê. Ha colaborado con diferentes artistas como Alejandra Pombo, Víctor Colmenero o Societat Doctor Alonso.

Para esta pieza trabaja con Ana Cortés, que forma parte de los colectivos Serrín.tv y Serrucho.org; con Miguel Aparicio; Luz Prado y Nilo Gallego.

Esther Rodríguez-Barbero

Del 22 al 24 de abril en Teatro Pradillo

We Can Dance es un acto de celebración, es un solo acompañado o, más bien, una invitación al baile o tal vez, perhaps, también una discoteca. Esta pieza hace un recorrido entre lo posible y lo prohibido a través de leyes que regulan o prohíben el acto de bailar en diferentes lugares, cuestionando dónde están los límites propios y ajenos. Parte de ese primer paso que se da antes de vernos bailando. Una vez que empieza, es difícil pararlo, te metes en el meneo, en ese tic discotequero. ¿En qué momento un movimiento se convierte en baile? ¿Qué pasa cuando se da en lugares donde está prohibido? Un juego escénico construido mediante un engranaje entre tres cuerpos en escena: el cuerpo que pincha, el cuerpo que ilumina y el cuerpo que baila.
En 2016 empecé esta pieza, me preguntaba si podía construir con mi cuerpo un disco space a la vez que investigaba sobre leyes un poco absurdas. De repente un día desaparecieron todos los espacios para el baile y la pieza cobró otro sentido y se resignificó. Últimamente pienso que igual sólo hago esta pieza en mi vida, la pieza de bailar, y que lo que pasa es que se va transformando, que cada vez que la hago es diferente porque todo ha cambiado, mi cuerpo, la música, el espacio, la disposición, quienes me acompañan, el exterior. Que a pesar de todos esos cambios hay algo que permanece, una especie de esencia que la mantiene con vida porque nunca sé qué es lo que va a suceder. Que siempre es una aventura hacia lo desconocido, en la que voy poco a poco e insistentemente abriendo un agujero hacia el desborde. Que mi misión es mantenerla viva, aunque todo lo de alrededor se desmorone. Y que al final es una representación de la vida. Que si la puedo seguir haciendo es porque sigo viva. Y porque soy de coño alto y hago grand battements versión cabaret discotequero. Que no es un solo porque en ella invoco a todas esas personas con las que alguna vez hemos bailado, a todas esas personas con las que compartimos ese momento de intimidad que es el baile, para bailar de nuevo, juntas. Los presentes con los ausentes. Y convocar ese momento en que por unos segundos fuimos profundamente libres.

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24 y 25 de abril en el Mercat de les Flors

La colaboración entre una compañía de danza integrada de largo recorrido internacional, Dançando com a Diferença, y el imaginario creativo de La Ribot han dado lugar a una pieza comprometida y humanista que desafía las ideas preconcebidas de las personas con discapacidad física y mental. Un grito a la vida desde la  diferencia, reforzando la autonomía y la capacidad de desear de las personas con discapacidad.

Dançando com a Diferença es una compañía de danza inclusiva de Madeira fundada en 2001; gran referente internacional, está dirigida por Henrique Amoedo, que propuso a La Ribot la creación de una pieza; la artista no sólo aceptó el reto, sino que después de trabajar un tiempo es implicó directamente en la coproducción de la misma. Happy Island plantea un contexto completamente nuevo para ambas compañías, la culminación de un largo trabajo que resultó ser un viaje interior, en el que se cuestionaron límites y prejuicios gracias a la creación artística y a una visión profundamente humanista sobre la condición de las personas con discapacidad.

Maria Ribot, La Ribot, vive y trabaja en Ginebra; es una de las artistas españolas más internacionales. Su trabajo, que conjuga el vocabulario de la danza, el teatro, la imagen, la performance y las artes visuales, se ha podido ver en escenarios como la Tate Modern de Londres, el Centro Pompidou de París, el Museo Reina Sofía de Madrid o la Trienal de Aichi en Japón, entre muchos otros espacios. Hace dos temporadas el Mercat presentó Panoramix, espectáculo que reorganiza algunas de sus Piezas distinguidas. La Ribot ha sido galardonada con el León de Oro de Danza de la Bienal de Venecia 2020.

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Israel Galván y Niño de Elche 

29, 30 de abril y 1 de mayo en Conde Duque

«Abstenerse puristas». Un cartel con una advertencia así deberíamos colgar a las puertas del Centro Condeduque estos días en los que su escenario será habitado por Israel Galván y El Niño de Elche. Principalmente para salvaguardar la integridad física de los dos artistas, que vienen a confirmarnos el titular de una noticia que ya corría por los mentideros. Son hermanos mellizos. Y allí los dos prometen conducirnos hacia el flamenco por caminos que ni siquiera habíamos imaginado. Eso sí, hay que viajar por el borde de un precipicio por el que puristas tienen mayor propensión a despeñarse. De allí la advertencia.

En Mellizo Doble los dos huracanados artistas se embarcan en un viaje con billete de regreso hacia los orígenes del baile y el cante flamencos, pero nunca como un fin en sí mismo sino como un impulso, usándolos como el único resorte posible que les traerá de nuevo, pero por otra ruta, hacia su hábitat natural ubicado en la ruptura y la reinvención. Una manera nueva de entender el flamenco, de bailarlo y cantarlo, que ellos mismos llaman «traicional» porque sienten que se gesta en la traición a la tradición.

Hacer añicos el imaginario flamenco, recoger los trozos y recomponerlo desde una sensibilidad única pero emanada de dos artistas, es el principio del que parte esta propuesta, que los arroja al escenario como mellizos salidos de un mismo vientre. El Niño desde la voz. Galván desde su cuerpo. Cante trasgresor y baile sin ataduras. De esa fusión explosiva sale Mellizo Doble, donde la locura ahora es compartida.

Sus éxitos han corrido en paralelo. Galván es considerado El Niño de Elche de la danza. El Niño es el Galván del cante. Los dos siempre han estado conectados, vinculados e identificados con las vanguardias, donde pisan firme y nadan a sus anchas. El bailaor invitó al cantaor a su espectáculo La fiesta. El cantaor se llevó al bailaor en la promoción de su disco Antología del cante flamenco heterodoxo. Juntos ya habían ideado Las coplas mecánicas, una performance de infarto alojada en un festival tan, en apariencia, ajeno a su mundo como el Sónar. Así que ya venía siendo hora de verlos en una colaboración conjunta de envergadura como Mellizo Doble, espectáculo que encandiló a los japoneses en su estreno en Tokio en 2019. Ahora nos toca a nosotros.

Laila Tafur

Del 16 al 18 de abril en Teatro Pradillo

Soy Laila, eso lo sé, pero no sé qué significa. Sé lo que me gustaría ser: libre, completa, total. Sé de dónde vengo en términos físicos y geográficos, Granada y sus montañas, mi madre y mi padre. Salir de ahí es muy difícil. No sé cómo se me ve y me lo pregunto a veces. No sé qué piensan de mí otras mujeres, quizá una mezcla de particularidad bonita y ser erróneo. Soy tímida y me cuesta llevarlo, a veces me pongo roja y me da mucha rabia, me pregunto por qué será. Soy Laila, medio niña, medio mujer, medio hombre y quiero contar la historia de cómo la carne escapa a ser nombrada. Reivindico el monstruo como forma natural de la danza.

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Del 9 al 11 de abril en el Mercat de les Flors

“Tres piezas de una de las coreógrafas del momento que exploran las diferencias de la condición humana”.

Ayelen Parolin, coreógrafa y bailarina, nació en Buenos Aires y actualmente vive y trabaja en Bruselas. Ha sido intérprete para coreógrafos como Mathilde Monnier, Mossoux-Bonte, Jean-François Peyret, Mauro Paccagnella, Louise Vanneste, Alexandra Bachzetsis, Anne Lopez y Riina Saastamoinen. Desde 2004, Ayelen Parolin ha llevado a cabo un trabajo personal en el que cada una de sus creaciones gira alrededor de un motivo a partir del cual construye la escritura coreográfica.

WEG

Mover el sentido – Paz Rojo, Oihana Altube y Lucas Condró

Taller práctico impartido por Paz Rojo, Oihana Altube y Lucas Condró

Pensar la danza – Mesa de debate

Cierre del taller Mover el sentido, moderada por Sandra Cendal (editora de Continta me tienes), el jueves 7 de abril a las 21h00.

Ahora_ya – Amaia Bono

Pieza de danza que tendrá lugar el jueves 8 de abril a las 21:00h.

Inventario – Miguel Ballarín

Pieza de danza que tendrá lugar el viernes 9 de abril a las 21:00h.

Ser devenir – Lara Brown

Pieza de danza que tendrá lugar el sábado 10 de abril a las 21:00h.

El dancehall es un género hijo del reggae con origen en la Jamaica de los años 80 y que ha derivado en una subcultura espiritual. Tras cinco años de colaboración, la artista Cecilia Bengolea, junto a los bailarines jamaicanos Damion Bg Dancer, Craig Blak Eagle y el dj Master Will, nos invitan a practicarlo en su performance Oneness – Party Animal.

Party Animal es el título de una canción donde el artista jamaicano Charly Black le dice a una chica que es un animal de fiestas. Algo en lo que se convierten todos los y las bailarinas cuando asisten a las raves callejeras con soundsystems que duran de lunes a lunes en Kingston, Jamaica. La vibración de la música, sumado a la letra de las canciones y los ritmos, crean unidad, Oneness.

Cecilia Bengolea se centra en su trabajo en formas antropológicas y urbanas de baile y su relación con la naturaleza, sus elementos y figuración. Percibe la danza y la performance como si se tratasen de esculturas animadas y abraza el hecho de que estas formas le permitan ser objeto y sujeto al mismo tiempo. Estudió Filosofía e Historia del Arte en la Universidad de Buenos Aires e hizo el máster en coreografía Ex.e.r.c.e. de Mathilde Monnier, en Montpellier. Las instalaciones y performances de Cecilia Bengolea han formado parte de eventos e instituciones como la Biennale de Lyon (2015), The Tanks y Tate Modern (2015), la Biennale de Sao Paulo (2016), el Palais de Tokyo (2015 y 2018), Art Basel Miami Beach (2018) o el Centro Pompidou (2010 y 2016). Sus trabajos Pâquerette (2005-2008) y Sylphides (2009) ganaron el Premio de la Crítica de París y el Young Artist Prize de Gwangju Biennial en 2014. Además, ha co-creado piezas de danza para el Ballet de Lyon (2013), el Ballet de Lorraine (2014) o Pina Bausch Tanztheater Wuppertal (2015). En este trabajo Bengolea ha creado junto a Sam Twidale un software para mezclar varios de sus vídeos que se proyectan en vivo. A través de un sistema de algoritmos, esta pieza ofrece cuatro horas de proyección de los bailes que ella misma ha grabado durante cinco años en Jamaica. Los vídeos, que responden a los parámetros de la música y el movimiento, se mezclan en vivo.

Damion BG Dancer es un bailarín de dancehall jamaicano, profesor de danza y líder del grupo BG dancerz. Su grupo se llama BG en referencia a la comunidad llamada Burger Gully y está formado por siete miembros. Es conocido por tener gran cantidad de bailes diferentes y es posible encontrar los pasos que han creado en videoclips de artistas como Neyon o Omarian & kranium, o en una de las películas más populares de dancehall, King of the dancehall.

Craig Black Eagle descubrió sus habilidades para bailar a los 19 años. Con mucho poder de decisión y ambición, se ha convertido en uno de los bailarines de dancehall más destacados del mundo.

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