— MuroTRON

Idio Chichava – 21 y 22 de mayo en Conde Duque 

Cantar y bailar. En esos dos polos reside el cuerpo global. Son las dos capacidades en las que el coreógrafo mozambiqueño Idio Chichava cree que reside una condición humana natural olvidada. Por eso en Vagabundus, el espectáculo para 13 insólitos bailarines-cantantes que ha montado con su compañía Converge+Dance, no hay diseño de trajes, efectos especiales, golpes de efecto lumínicos ni otra cosa que no sean 13 cuerpos que cantan y bailan. En su propuesta, la dimensión emocional lo ocupa todo y la consigue con esos cuerpos que no dejan de moverse al ritmo de las canciones populares -ancestrales y nuevas-, que ellos mismos entonan. Una obra que, en realidad, es una invitación a que en cada espectador aflore su propio cuerpo global.

Inspirado en los movimientos migratorios y los rituales de danza del pueblo Makondé, que vive principalmente en Mozambique y países vecinos, el creador ha levantado este espectáculo portador de belleza en estado puro, que ve y entiende la vida como un flujo de separación, encuentro y reagrupamiento entre gente conectada por el canto y el baile. Desde luego, aboga también por el espíritu libre y errante, que es la base la migración, el tema más candente de Europa en este momento.

“En su sentido etimológico, el vagabundo es aquel que viaja, el hombre errante que no tiene un destino inscrito, buscando siempre un lugar donde establecerse o continuar su viaje”, reflexiona el creador. “También existe su significado peyorativo, de bandido, pícaro y holgazán. Yo juego con este doble significado. La pieza también está ligada a mi regreso a Mozambique, después de catorce años en Francia donde me hice pasar por turista”.

Por eso Vagabundus, que fue definido por la crítica francesa como un canto de resistencia y un manual de supervivencia, trae impresas, de alguna manera, las vivencias de su autor aunque solo veamos en el escenario cuerpos que cantan y bailan. Y es que, las motivaciones artísticas de Chichava se sustentan firmemente en su devoción a ese cuerpo global, del que tanto le gusta hablar. “Solo el cuerpo que canta y baila puede expresarse a sí mismo y en sus sinergias con otros cuerpos”, ha sido lema de danza y vida para él.

Aparte de bailarín, coreógrafo y líder de su compañía Converge+Dance, es habitual colaborador de Kubilai Khan Investigations en Francia, y desde su vuelta a Mozambique se ha convertido también en un importante agente cultural. Ha colaborado con la plataforma multidisciplinar KINANI y ha sido uno de los productores de Raíz Traditional Music Festival, en Maputo. En Francia estuvo en contacto con la danza contemporánea más diversa y ha colaborado con creadores europeos y africanos, que hoy se cuentan entre los más destacados del momento. Panaibra Gabriel, Horacio Macuacua, Cristina Moura, Thomas Hauert, David Zambrano, Frank Micheletti, Boyzie Cekwana, Qudus Onikeku, Marcel Gbefa, Djodjo Kasadi o Faustin Lienkula, entre ellos.

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Carlos Marquerie – 23 de mayo en el Teatro Central de Sevilla

Dramaturgia, poesía, danza, música, marionetas, instalación plástica… se dan la mano en una pieza que indaga en la magia, el duende y la performatividad de una de la obras mayores de Federico García Lorca.

Carlos Marquerie y su gran equipo realizan un despliegue escénico de rara e inefable belleza para ayudarnos a habitar no solo las palabras, la música y las imágenes que acompañaron el hacer del poeta granadino, sino también para mostrar su poliédrica personalidad artística y humana.

Cuarenta años ha durado el viaje que Carlos Marquerie ha realizado acompañado del libro de Lorca hasta que finalmente ha conseguido darle forma sobre el escenario. No es de extrañar. A poco que se conozca la pieza de Lorca nos damos cuenta de que hay que ser muy osado para tomar la decisión que tomó un año antes de su estreno Carlos Marquerie.

Este Poeta en Nueva York (García Lorca/Marquerie) es un espectáculo valiente, un trabajo que difícilmente se ve en nuestros escenarios por lo que tiene de contaminación de disciplinas, por lo que supone de ruptura del canon tradicional a la hora de utilizar una “narrativa escénica” en la que las sintaxis se entrelazan dando como resultado una “manera otra” de poner en escena e interpelar al espectador.

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Dirección CARLOS MARQUERIE Dramaturgia PEDRO G. ROMERO, CARLOS MARQUERIE Dirección musical, arreglos y composición música original NIÑO DE ELCHE Coreografía ELENA CÓRDOBA Intérpretes NIÑO DE ELCHE, ELENA CÓRDOBA, MANUEL EGOZKUE, CLARA PAMPYN, JESÚS RUBIO GAMO, ENRIQUE DEL CASTILLO Escenografía MAX GLAENZEL Iluminación CARLOS MARQUERIE

CARLOS MARQUERIE OFRECERÁ UN ENCUENTRO EN COLABORACIÓN CON EL CENTRO DE FORMACIÓN ESCÉNICA DE ANDALUCÍA. Más info aquí.

ENCUENTRO CON EL PÚBLICO TRAS LA REPRESENTACIÓN (23/MAYO)

A partir de l’exposició col·lectiva Sumari Astral, a cura de Caterina Almirall en col·laboració amb Claudia Elies, presentem el programa públic de l’exposició, un seguit de performances, projeccions i accions que tindran lloc als espais B, Ç i a la terrassa de La Brossa.

Impasse, Itxaso Corral Arrieta

29 d’abril a les 18:30
Una performance lleu sobre un possible glossari de temps de suspensió o espera o sorpresa. També una performance lleugera sobre el llenguatge i la veu com a conjur. Durant més de mig any he participat al grup de recerca vinculat a l’exposició Sumari Astral. A les notes que he anat prenent durant aquestes sessions col·lectives, la paraula impasse apareix fins a 3 vegades. 3 vegades ja és un encanteri, així que aquesta aparició insistent em va donar curiositat. Buscant el seu significat al diccionari em trobo amb Impasse: 1. Carreró sense sortida, 2. Compàs d’espera. Una temporalitat que interfereix, que provoca un estat alterat de latenció i de la capacitat dimaginar. Convoca una referència temporal, un lloc, un ritme. Temps, espai, vibració. El que deia, serà una performance lleu, lleugera, un tros de temps per adonar-se d’alguna cosa, per exemple, un parpelleig.

Fregoli, Quim Pujol
8 de maig a les 18:30 h

Leopoldo Fregoli va ser un dels transformistes més importants de la història. En els seus espectacles canviava d’aspecte de manera frenètica i donava vida a dotzenes de personatges en una mateixa representació. El crític Sebastià Gasch va escriure sobre ell: “Fregoli va encarnar a més d’un miler de personatges de tots els gèneres, tipus i espècies (…) Amb Fregoli brollaven, portades a escena, les primeres intuïcions dels temes del nostre temps”. L’actor italià també es va convertir en una referència essencial per a Joan Brossa i l’art escènic d’avantguarda. Què ens queda encara per aprendre de Fregoli? En aquesta sèrie de números de transformisme, l’intèrpret mai no canvia d’aparença.

SSSSS, Marc Vives

29 de maig a les 18:30 h

SSSSS consisteix en una sèrie dexercicis basats en la veu per produir un impacte sobre els cossos. El punt de partida és la meva experiència a “cantar” al paisatge des del mar, i atreure aquesta qualitat líquida a les estructures que ens envolten amb l’objectiu de repolititzar-les en sentit relacional. Provocar un canvi dramàtic de base, de la pèrdua humana del terreny, de fonaments ferms, d’equilibri, del punt de vista de la terra signatura”. Aquest treball en procés planteja un paral·lel entre la boca i l’espai escènic on s’ubica, transformant-se cada vegada, sent els sons que emet sorolls que estan alhora dins i fora del cos.

Els meus fantasmes viuen a Pere IV 174, Mariona Naudin
5 de juny a les 18:30 h

Els meus fantasmes viuen al carrer Pere IV 174, en un àtic que cau a troços tancat i barrat des de fa vint anys. Un espai congelat en el temps enmig d’un barri que es transforma de manera salvatge. Els espectres que hi habiten em visiten en somnis perquè aquell espai aparentment buit és ple d’esperits errants que no han entès encara què està passant. Atemorits, les ànimes en pena romanen dins del portal, per si de cas. Ensumen l’olor a infern que entra per sota la porta: el món d’avui fa pudor a sofre i els fantasmes ja en van tenir prou de barbàrie quan estaven vius. En els somnis, els espectres s’esvaloten, esdevenen poltergeists, udolen desesperats i em pregunten a l’oida: Com ha pogut passar?! Com és possible?! -. No ho sé!, els hi responc traient-me’ls de sobre com puc- Deixeu-me en pau! Deixeu de perseguir-me!

Volver al Fondo, Sofía Montenegro
12 de juny a les 18:30 h

Volver al Fondo és un viatge que fila diversos esdeveniments entrellaçats entre si entorn de Fondo con Delfín, recorregut que va tenir lloc al Festival Bosque Real en el 2019. Mentre es grava, es camina i es pensa en la manera de fer-ho per a visibilitzar la metodologia duta a terme, deixant-nos portar per les coses que van apareixent. L’àudio desdibuixa aquella trobada per a endinsar-se de nou en el paisatge.

Escarlet, Ángela Millano
18 de juny a les 18:30 h

Un cos, un so, una forma, alguna cosa anterior a la paraula; que no ve del verb ni del concepte i pertany a un lloc del darrera, o damunt o sota. No hi arriba la llum del nomenar. Cos que ve del cos, veu que ve de carns. Matèria i sonoritat estranya, coneguda i no, però no del tot, i alhora profundament vulnerable i humana. En un ésser èxtasi, mort, vida desplaçada, vida a la vora del temps. Sirena, balena i androide, beata arrabassada i monstre. És un sentir, conèixer i respirar entre els llits, a la gola.

Jornada astral
20 de setembre

Federico Vladimir y Pablo Lilienfeld – 10 y 11 de mayo en el Mercat de les Flors 

Estos dos artistas tienen en común no solamente el nombre de su madre: las dos nacieron en Argentina en los años 50, hijas de refugiados de guerra europeos, y las dos emigraron a España de mayores. Las dos, además, crearon imágenes: las pinturas ecofeministas de Mónica Lilienfeld y las fotografías eróticas de Mónica Pezdirc son el punto de partida de esta creación. Desarrollarán una pieza que hará referencia a la genealogía en la que coexisten la épica de las guerras o las migraciones, así como otras referencias como canciones, amantes, monstruos o fantasmas.

Juntos, desde el 2014, Pablo y Federico han desarrollado un trabajo entrelazado con su relación sentimental: tomando siempre de punto de partida la intimidad, sus piezas exploran representaciones de colectividad que cuestionan las formas hegemónicas de «contarnos». Sus performances, vídeos, instalaciones o juegos son herramientas para la creación de mundos y genealogías. La ficción especulativa es el terreno común en todas sus obras, terreno sobre el que se cruzarán prácticas tan diversas como la natación artística, el raving o los juegos de rol.

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Núria Corominas Pérez | Del 30 de abril al 18 de mayo en la Sala Beckett

Un xai ha creuat el desert es una fábula musical sobre la depresión. O sobre la melancolía. O sobre el mal de nuestros tiempos. También es un intento por hacer frente a la parálisis de la romantización del estado depresivo a través de la figura de un bufón que, junto con el cortejo de músicos, se mofarán del psicologismo, del relato clínico y de la propia condición. Éste es un espectáculo sobre un bufón deprimido que juega con la sonoridad, con la poética y con la teatralidad para diseccionar la realidad que nos lleva al estado depresivo.

Núria Corominas Pérez, miembro fundadora de la compañía Las Huecas, regresa a la Beckett tras agotar entradas con el espectáculo De l’amistat. Pero en esta ocasión con su primer espectáculo en solitario.

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5 y 6 de abril en Teatros del Canal 

El coreógrafo iraní Sorour Darabi, afincado en Francia desde 2013, despliega una performance inmersiva que da espacio a voces marginadas por los mitos antiguos. Una pieza creada por y para cuerpos comprometidos.

El amanecer extrae su anhelo del hueco de la garganta, golpeando con fuerza las paredes del día, hasta la cuna del sonido.

El día surge de la punta de tus dedos, trazando la piel de mi noche.

Y la brecha entre otra oscuridad y mi piel, solo un suspiro.

From the Throat to the Dawn es una performance inmersiva en solitario que explora narrativas olvidadas y voces marginadas a través de mitos antiguos. Inspirada en la ópera contemporánea Mille et Une Nuits, creada por Sorour para el Festival de Danza de Montpellier 2024, esta obra ofrece una reflexión íntima sobre el poder de la narración como acto de resistencia y transformación.

Sorour Darabi, artista transdisciplinar iraní residente en Francia desde 2013, reinventa la noción de «noche» a través de la figura de Sherezade, donde la noche no es solo una metáfora, sino un espacio activo de resistencia, invención y posibilidad. Con una estética cruda e intensidad poética, De la garganta al amanecer da vida a cuerpos comprometidos, portadores de memoria, magia e historias. Esta pieza examina con delicadeza la conexión entre la narración y la brujería, cuestionando los límites entre lo antiguo y lo contemporáneo, y la profunda resonancia de estas narrativas en el presente.

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Rosa Romero – Del 4 al 6 de abril en Teatro Ensalle 

DEBUT es un solo donde la intérprete o performer atraviesa un acto de iniciación frente al público con el objetivo de ser aceptada, de ser amada a fin de cuentas. Atravesar la puerta, pasar el umbral, cambiar de cuerpo, espacio y estado para pasar a ser otra cosa, de sólido a líquido, de líquido a gaseoso. Esta obra, que no es más que un acto de iniciación que adopta la forma de una pieza escénica, es un deseo de pertenencia a la comunidad. Como en todo acto iniciático, la iniciada, en este caso Rosa, tiene que demostrar su valía enfrentándose a la comunidad con todo su cuerpo. Se para frente al público (la comunidad de la que depende su aceptación) y les dice: miradme. Miradme como acto chamánico, como hechizo, porque en esta obligación de mirar se ocultan todas las artes oscuras de lo que llamamos teatro (o danza, o performance, ritual o juego). Rosa dice miradme, y en esa orden se materializa la idea de que tal vez no ha sido mirada nunca, que tal vez está siendo mirada por primera vez, como si hubiese estado siempre oculta y de luto preparando este momento.
DEBUT a ratos parece un asalto al público. En este DEBUT a los espectadores se nos fuerza a acoger al débil que empieza algo por primera vez. Y en el proceso de acoger abrimos relajados la puerta a un nuevo camino que es una trampa, algo así como felicitar un intento de suicidio o festejar una enfermedad terminal: la de la entrada en esa cosa de los cuerpos performativos, las artes vivas y toda la parafernalia que no tiene cabida en este país (huye). Sin saberlo estamos acogiendo la carne, el silencio, las redondeces, el sudor de la frente, el impulso. Este cuerpo que debuta lo hace sin Academia (con mayúscula) y en sus furores; como diría Lauren Postigo aquí Rosa es Roma y Candombe, Papa y Papisa, la incontinuidad, lo disconforme. Por eso Rosa no puede querer ni amar para siempre, simplemente se pirra por las cosas. Una vez que activamos el ritual de iniciación no sabemos si somos nosotras la que estamos evaluando su entrada a esta comunidad que no sabemos bien qué es, o si es ella la que nos está aceptando a nosotras. Y al final del viaje la desilusión, que es la palabra que define la mayoría de los finales cuando el trayecto empieza tan arriba: tal vez esa comunidad que tiene que aceptar continuamente a las artistas, a las locas y a las outsiders no mole tanto. Sé que este texto funciona como un trámite (injusto para la pieza) pero si sirviese para algo desearía que pusiera esta idea en tu cabeza: Rosa se muestra por primera vez.

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Félix Fernández – Del 3 al 5 de abril en Teatro Pradillo 

Xavier a través de mí es un proyecto de artes vivas de corte autobiográfico y no documental con el que quiero traer al presente el legado inmaterial que mi hermano Xavier Fernández me dejó en vida, y dejar al descubierto todo el sedimento de la vida de mi hermano en mí.
Las principales herramientas para vehicular este contenido tan emocional son la danza, el espacio sonoro-musical, la voz, el texto y la instalación, que mezcladas componen una experiencia vivencial muy próxima a un lugar de intimidad casi confesional, donde encontrar un espacio de liberación energético poco habitual.
Xavier Fernández trabajó hasta la muerte en relación con la Consciencia, era psicólogo, criminólogo, investigador y psiconauta, profesor de yoga, de meditación, y también guía en procesos de búsqueda interior.

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Del 28 de febrero al 18 de mayo en Conde Duque 

Fuentesal Arenillas e Itziar Okariz presentan Carrusel, un encuentro entre sus prácticas artísticas escultóricas y performativas realizado expresamente para la Sala de Bóvedas. Entendiendo la conversación como artefacto, a través de un proceso de correspondencia entre las artistas, los materiales-palabras se traducen en nuevas figuras que se repiten, cambian las formas de la tela y se prolongan a través de diversos elementos tales como un bastón. Desde un lugar de coincidencia en los modos de ocupación y percepción del espacio, las artistas establecen e invitan a un encuentro en marcha, donde se cruzan, por ejemplo, cuellos con cinturas y puños con pies.

Carrusel, entendido como un continuo circular de imágenes, es además un estiramiento entre lo real y lo posible de la comunicación. También supone una resistencia a la distancia, a los vacíos del lenguaje y a lo que se escapa de la escucha. Una carta-pantalón, una carta-chamarra o una carta-falda generan relaciones que propician un encadenamiento de actos, donde la improvisación produce hallazgos insólitos como nuevas maneras de manifestarse, sin abandonar la referencia a formas previas.

La exposición cuenta con una voz más, la de Francisco Ramallo, comisario invitado a acompañar y proponer un diálogo abierto en el texto principal de la publicación editada junto a este proyecto.

Carrusel continúa con la propuesta de la temporada de Arte de Condeduque, destinada a experimentar mundos no sólo a través de la mirada, sino a través del uso de toda suerte de recursos e invenciones que podemos activar a través de los cuerpos.

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