— MuroTRON

Cristián Fernández Mirón y Hablar en arte – 16 de diciembre en Azkuna Zentroa

“Músicas memorables” es un proyecto intergeneracional cocreado por la asociación hablarenarte y el artista y educador Christian Fernández Mirón, en torno a la oralidad y el canto popular que conecta lo tradicional con lo contemporáneo.

Tras tres ediciones realizadas en diversas ciudades del estado español y una cuarta en Santiago de Chile, el proyecto ha llegado a Bizkaia impulsado por Azkuna Zentroa en colaboración con la Asociación de Neskatillas y Rederas de Bermeo y la Asociación de Neskatillas de Ondarroa. Comenzó en mayo con los laboratorios de tradición oral en los que han aportado recuerdos, relatos y cantares de infancia, juventud y tardes de fiesta. Algunos se han llevado a cabo en los espacios de trabajo de estas mujeres, lugares en los que comparten experiencias, inquietudes y también muchas luchas del propio oficio.

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Ana F. Melero y Luna Sánchez – 24 de septiembre en el CA2M dentro del ciclo Ostro 

En esta adaptación site-specific para el Museo CA2M, Ana F. Melero y Luna Sánchez profundizan en el vínculo que les une, llevando su pieza PIES DE GALLINA a un nuevo territorio de resonancia sensible y conceptual. La performance explora la tensión entre sostener y derrumbarse, entre el cuerpo que se ofrece como apoyo y el que cede al temblor.

Inspirada en las expresiones “tener la piel de gallina” y “andar con pies de plomo”, la obra habita la frontera entre lo visceral y lo contenido, lo emocional y lo consciente. A través de una relación coreográfica íntima, las artistas trenzan una alianza donde el cuidado, la vulnerabilidad y la reciprocidad son formas de resistencia.

PIES DE GALLINA celebra la paradoja de ser una para poder ser dos: una unión donde el soporte mutuo no anula la individualidad, sino que la potencia, en un equilibrio siempre al borde del colapso.

Ana F. Melero y Luna Sánchezse unen para trabajar juntas por primera vez en PIES DE GALLINA. El proyecto es beneficiario de la Ayuda Injuve 2023, a su vez tiene el apoyo de L’ Estruch y Centro Huarte, entre otros. Gana a Mejor Espectáculo de Calle en los Premios Lorca 25 y en los Premios PAD 24. Actualmente en gira con Danza A Escena 2025 y Red Andaluza de Teatros de Andalucía. Ana y Luna se conocen hace años en el Centro Andaluz de Danza y actualmente desarrollan sus proyectos personales en Colectivo Banquet y La Basal, girando piezas como Rojo Rojo Verde, Latente, Quiral o MudarseInstalarse. Ambas, compaginan sus creaciones con el trabajo de intérprete; Ana F. Melero con Hanni Dance, Sol Picó e Isabel Vázquez y Luna Sánchez con Guillermo Weickert, Jesús Rubio Gamo y María Cabeza de Vaca, entre otros.

Dirección, coreografía e interpretación – Ana F. Melero y Luna Sánchez. Diseño del espacio sonoro – Xerach Peñate. Voz – Lucía Bocanegra. Mirada externa – María Cabeza de Vaca e Isabel Vázquez. Vestuario – Mariona Signes. Fotografía – Lourdes de Vicente, Charly Calderón y María Claudia Quiroz. Vídeo teaser – Nico Murillo. Apoyos – INJUVE, Danza a Escena, Teatro Albert Camus Ajuntament de Sant Lluís, L’Estruch Fàbrica de Creació de les Arts en Viu, Paso a 2, Centro Huarte, Aaron Vivancos Talent Center y La Cavatina Social Club Mahón.

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Jan Martens – 22 de mayo en Teatros del Canal 

VOICE NOISE se inspira en el ensayo The gender of sound (1992) de Anne Carson, que describe cómo la cultura ha tratado de silenciar a mujeres al asociar ideológicamente sus voces con la monstruosidad, el desorden y la muerte.

En esta obra, seis bailarines interpretan la música de trece compositores y cantantes innovadores. En palabras de su creador, el coreógrafo y bailarín Jan Martens: “Quiero explorar la historia musical y ver si puedo dar visibilidad a algunas voces desconocidas. Esta vez quiero tomar la palabra ‘voz’ de manera bastante literal. La partitura de esta pieza estará compuesta íntegramente por obras en las que la voz femenina desempeña un papel protagonista”.

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Óscar Bueno – 15 y 16 de febrero 

Esta pieza se incluye dentro del proyecto de investigación Los paisajes ajenos, en el que el artista pone en relación la música, la imagen y la acción para buscar o descubrir otros paisajes. Apoyatura se adentra en esta investigación y propone una relación coreográfica, musical y visual entre un cuerpo, un piano y un cielo ficcionado. La relación entre los tres crea un ecosistema de decisiones sonoras, corporales y visuales.

Con una práctica que se mueve constantemente entre parámetros musicales, coreográficos y visuales, Óscar Bueno se define como autor, pero también acompaña procesos de otros artistas. Además, ha desarrollado diversas investigaciones sobre el sonido y la escena en proyectos como Sonidación (Soundtrack, Estudios para sonidación, Amarillo Chillón) y Los paisajes ajenos (Apoyatura, Vientos). Ha colaborado y colabora con otros artistas como Cuqui Jerez, María Jerez, Cris Blanco, Anto Rodríguez, Amalia Fernández e Itxaso Corral.

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Palimsesta – Del 6 al 16 de febrero en el Antic Teatre 

Masha es una experiencia de circo y performance que presenta un dispositivo escénico innovador: un linóleo de un metro de ancho por ocho metros de largo cubierto con aceite corporal. Sobre este terreno resbaladizo, dos cuerpos desarrollan un repertorio de movimientos y desplazamientos, transformando la disciplina del mano a mano a un nuevo lenguaje corporal. Se trata de una obra concebida como un laboratorio creativo, donde se invita a explorar, observar, reflexionar y coexistir colectivamente, centrándose en aspectos específicos de las relaciones humanas en el mundo contemporáneo.

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Palimsesta. La compañía nació a finales de 2021 formada por Andrea Rodríguez de Liébana (graduada en Circo por la Rogelio Rivel y ex gimnasta) y Sergi González (graduado en el Centro Nacional de Circo contemporáneo de Londres, ha trabajado en compañías como El Circo Gran Fele , Atempo Circo, La Clandestina, Emiliano Alessi, Joan Català y Los Galindos). La compañía fue seleccionada con su primer trabajo en Tráficos de la Creación y en Residencias Cruzadas, ambas impulsadas por La Central del Circ. También ha sido galardonada en los premios de la plataforma europea Circusnext (2022-2023).

Frances Ribes Renshaw – 12 de febrero en Arts Santa Mónica

Ensayo performativo a través de la voz y el cuerpo que tiene el deseo de acercar y tratar conceptos desarrollados en la teoría psicoanalítica lacaniana e indagar y experimentar con la propia vida, práctica y diván.

Con la voz y el cuerpo como mediadores entre el consciente e inconsciente, se plantea escenificar una investigación alrededor de la naturaleza arqueológica del proceso de creación y composición, la relación de este con el tiempo, la mirada retrospectiva y todo lo que esto revela y libera.

Más información. Entrada libre hasta completar aforo.

Frances Ribes Renshaw (Madrid, 1993) es una artista multidisciplinar angloespañola que se dedica principalmente al trabajo escénico en los ámbitos de la música, la voz y el movimiento. Ha trabajado como intérprete en obras de Martin Creed, Rui Horta o Núria Corominas entre otros, a la vez que desarrolla sus propias obras performáticas como “there is a room for everything” (Galería Pradiauto, 2022) o su proyecto de música grunge-pop St. Frances.

Elena Córdoba – 6 y 7 de febrero en Conde Duque 

Entre 1635 y 1645, según la datación del Museo del Prado, Velázquez retrató a Francisco Lezcano en un cuadro conocido hoy como El Niño de Vallecas. La presencia de bufones y personas con discapacidad era habitual en la corte española a partir del siglo XVI para el entretenimiento de un estamento social que acumulaba todos los privilegios y tenía claro que aquellas personas estaban en el mundo para eso, para entretenerlos. Velázquez retrató a varias de ellas y el tiempo las ha convertido en imágenes que han ido enfrentando a los espectadores con la concepción propia de cada tiempo de la dignidad humana. En el retrato de Lezcano, el pintor nos confronta con la realidad física y psíquica del personaje, colocándolo en primer plano y poniendo el foco lumínico en su rostro y en sus manos. Los poetas León Felipe o Vicente Aleixandre reflexionaron sobre esta figura. Y a partir de su estudio, María Zambrano escribió El Idiota.

Se trata de un pequeño gran ensayo en el que la pensadora malagueña parte del cuadro de Velázquez para entregar un análisis de la figura del idiota, para lo que recurre a su clásica distinción entre razón poética y razón filosófica. Allí escribió que “si alguien se encuentra al idiota a la salida del laberinto, no puede menos que quedarse sorprendido de su sonrisa: una extraña sonrisa que se escapa de todo su rostro blando y luminoso; una sonrisa a punto de desprenderse para irse por su cuenta y de convertirse en algo así como una paloma”. Zambrano describe a partir de El Niño de Vallecas la figura del idiota, un modelo de desposesión y alegría que vive en un acuerdo estrecho con la realidad.

Cautivada por este trasunto mundano e intelectual que va de la existencia de estas personas retratadas por Velázquez en la corte hasta el homenaje de Zambrano, Elena Córdoba presenta una aproximación propia a estos materiales en una pieza en la que actúa junto a Clara Pampyn y donde Luz Prado se encarga de la creación e interpretación en directo de la música. Al diseño del espacio escénico y las luces, su inseparable compañero de fatigas, el maestro Carlos Marquerie. Con estos mimbres, Elena Córdoba le dedica la obra a ese idiota, que “deshace con su mirada cada una de las categorías sobre las que construimos nuestra identidad y nuestra idea de felicidad. Queremos habitar ese cuerpo que no conoce la línea recta, que va como bailando de acá para allá, ese cuerpo que no posee, ni siquiera, el espacio que ocupa, ese cuerpo que parece que cayó de la luna”.

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El Conde de Torrefiel – 22 de noviembre en Temporada Alta 

El Conde de Torrefiel utiliza toda clase de herramientas sonoras para explorar las posibilidades y la poética de la imagen teatral en colisión con los cuerpos de los intérpretes.

Más información y entradas: https://temporada-alta.com/es/shows/la-luz-de-un-lago/.

Marta Górnicka – 27 y 28 de marzo en el Teatre Lliure

La directora y cantante polaca Marta Górnicka presenta una pieza coral con veintiuna mujeres de entre 10 y 71 años, refugiadas de Mariúpol, Kiev y Bucha. Un ritual sanador que parte de una shchedrivka, una canción tradicional ucraniana y precristiana que realizaban sólo mujeres y niños.

El espectáculo empieza con un deseo de felicidad y de renacimiento del mundo en forma de shchedrivka. En la era precristiana se creía en el poder de la canción y se confiaba en que sus palabras y buenos deseos hacia alguien en concreto se harían realidad. Hoy, estos deseos cantados se dirigen a todos y para toda la vida. Las que los cantan son supervivientes. Huyen de la guerra y la persecución, testigos de la violencia y de los bombardeos. Mujeres de Ucrania y Bielorrusia que ahora viven en Polonia y quieren detenarse y hablar juntas en el escenario. Usan el poder de sus voces para nombrar aquello para lo que no puede haber palabras. No quieren ser escuchadas como víctimas, sino como protagonistas de sus propias historias.

“Nuestro espectáculo trata de las mujeres y la guerra. De los mecanismos de defensa y de responsabilitat. De nuestra reacción a una guerra en Europa. De los rituales de la violencia de guerra contra las mujeres y los civiles, que son inmutables.”

En este proyecto, la esperanza y el amor trascienden la crueldad humana. En escena: 25 madres ucranianas, polacas, bielorrusas y sus hijos. Las voces traen juegos infantiles ucranianos llenos de vida, canciones tradicionales, hechizos y declaraciones políticas contundentes. Son refugiadas de Mariúpol, Kiev y Bucha. Algunas huyeron de la guerra; otras, de la persecución. Todas tienen un lugar en el Coro de Madres, que sigue una forma de ópera que se remonta a los coros rituales de mujeres del siglo VII a. C. Un corazón es la encarnación de la sabiduría colectiva y transgeneracional, y nos ofrece la oportunidad de imaginar lo inimaginable: un mundo sin guerra, por ejemplo. Como con los corazones precristianos que tenían por primer objetivo cuidar a los ciudadanos, en estos encuentros, talleres y laboratorios, conviven las experiencias individuales y el imaginario colectivo. El objetivo es sanar a través de la comunidad, con una polifonía de voces y discursos críticos.

Más información y entradas: https://teatrelliure.com/es/mothers-a-song-for-war-times.

Juan Navarro – Del 11 al 13 de enero en Teatros del Canal

Un coro popular formado por personas invidentes decide reescribir los cuatro movimientos que componen la 9ª Sinfonía de Beethoven. Una suerte de Corifeo que conoce las reglas del escenario les ayuda con la partitura y los movimientos escénicos.

No quieren usar instrumentación, solo sus voces se harán cargo de la nueva partitura experimental. Durante los ensayos, el grupo habla sobre las tragedias, los temores y las problemáticas de la sociedad actual. No llegan a ninguna conclusión. ¿Para qué sirve la tragedia? En realidad, lo que buscan es entender la cabeza y el cuerpo de Beethoven, la sordera implacable que le aislaba por completo del mundo, y su deseo de liberar a la humanidad de algo, tal vez de la tragedia.

Pocos años después del gran éxito de la 9ª llegó la muerte del compositor, y en sus últimos estertores dijo: “Aplaudid amigos, la comedia se ha terminado”.

El Coro ¿Para qué sirve la tragedia? Es un proyecto site specific que se desarrollará con corales de diferentes ciudades de Europa durante el 2023 y el 2024.

Encuentro con el público: 12 de enero al finalizar la función.

Más información y entradas: Teatros del Canal | artículo de Rubén Ramos Nogueira