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Danza

Mètode Rosa de Pere Faura | Del 21 al 25 de enero en el Mercat de les Flors de Barcelona

Música y danza invertida sobre invertidos: así presenta Pere Faura su nueva propuesta, a medio camino entre un concierto y un espectáculo de danza. A través de canciones que forman parte de la memoria colectiva de generaciones de personas LGTBI, el artista las reinterpreta, las baila y las expone desde su personal y siempre ocurrente filtro. Rememorar el pasado para cuestionar el presente. Un espectáculo invertit sobre mitos, himnos y canciones creadas para gente invertida, como un acto interdisciplinario, poliamoroso y fluido sobre la identidad, los armarios, la música y la danza.

Pere Faura inició su carrera e los Países Bajos, y en 2011 volvió a Barcelona, desde donde creó diversas producciones, algunas de las cuales hemos visto en el Mercat, como Rèquiem Nocturn, segunda producción del proyecto CÈL·LULA. Después de 20 espectáculos de creación propia, proyectos de encargo, coreografías para teatro, para cine y para galas, de haber creado y presentado un programa de televisión y de haber escrito un libro sobre sus herramientas y obsesiones, la pandemia y cumplir 40 años le hizo volver a los orígenes y cursar un máster de composición musical con nuevas tecnologías en el ESMUC; puso de nuevo la música  en el centro de su práctica, creándola a partir de herramientas coreográficas y enmarcada dentro de su nuevo Método Rosa.

Todos los textos y canciones de este espectáculo son en lengua catalana

Más información: Mercat de les Flors

 

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Córdoba Drone de Dani Hernández | Jueves, 15 de enero en Azkuna Zentroa de Bilbao

Dani Hernández presenta la versión itinerante de “Córdoba Drone”, su trabajo más reciente.

“Córdoba Drone” es una pieza escénica site-sensitive que revisita la Córdoba de Isaac Albéniz a través de una mirada personal y contemporánea. Enraizada en la danza española tradicional, entrelaza memoria y presencia, desplegándose lentamente en el entorno. En lugar de reclamar la atención, la obra invita a una contemplación silenciosa e hipnótica, donde cuerpo, vestuario y arquitectura resuenan por igual. Influenciada por las prácticas de larga duración y la estética de la “no danza”, habita el espacio entre pasado y futuro, tradición y experimentación.

Más información: Azkuna Zentroa

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Alén do Colectivo Glovo | Do 16 ao 18 de xaneiro no Teatro Ensalle de Vigo

ALÉN é unha creación escénica de danza contemporánea interpretada por 4 bailarinas que parte do desexo de habitar o límite. Explora o “máis alá” non como destino, senón como proceso: o momento no que algo remata, pero o novo aínda non tomou forma. Propón unha vivencia poética e sensorial dese espazo intermedio, dese territorio suspendido onde a identidade se disolve para volver xurdir, transformada.
Nunha proposta dancística dinámica e enerxética as catro intérpretes se moven na fronteira entre o que fomos e o que estamos a piques de ser.

Hai momentos nos que sentimos que algo se rompe por dentro. Non sabemos ben o que vén despois, só que xa non somos quen eramos. Estamos entre dúas augas, entre dous nomes, entre dous mundos. O derradeiro respiro antes do salto.

Nese intre, entre o derrube e o renacemento, nace ALÉN.

Máis información: Teatro Ensalle

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Radial, sesiones de danza escénica | 29 de noviembre y 13 de diciembre en el CCCB de Barcelona

Estrenamos Radial, un nuevo programa de exhibición y descubrimiento de creaciones de danza de corto y medio formato que tendrá lugar en el Teatre del CCCB. Comisariado por el coreógrafo Guillem Jiménez, el ciclo pone en valor piezas de danza y coreografía que exploran otras duraciones y temporalidades escénicas.

Inspirado en los shared evenings, Radial propone una experiencia escénica que permite disfrutar de tres espectáculos de creadores nacionales e internacionales en una sola sesión. Como una radial, este ciclo quiere agrietar las rigideces del contexto contemporáneo, usando el prisma de la danza como potenciador de fugas poéticas.

En esta primera edición presentamos trabajos de artistas que, con distintas metodologías coreográficas y compositivas, juegan con la idea de «radial» que da nombre al proyecto. Contaremos con obras de Marina Fueyo, Dovydas Strimaitis, Rosa Romero, Edward Tamayo / LaCerda, Julia Romero, Bibi Dória y Bruno Brandolino.

Radial 1: Marina Fueyo, Dovydas Strimaitis y Rosa Romero | 29 noviembre 2025

Radial 1 presenta tres piezas de danza que, con lenguajes y miradas distintas, exploran los límites del cuerpo y su relación con el entorno, y la tensión entre lo físico y lo simbólico. Marina Fueyo cuestiona la estabilidad de un espacio aparentemente armónico, Dovydas Strimaitis coreografía el pelo como expresión de libertad e identidad, y Rosa Romero propone un rito de iniciación ante la comunidad.

Programa

La invitación matutina de la perturbación, de Marina Fueyo

Un espacio visible y aparentemente estable genera armonía entre los cuerpos que lo habitan. Pero este equilibrio se ve perturbado cuando uno de ellos sale erróneamente al exterior. En el momento en que los seres descubren que existe un «fuera», el espacio se convierte en un sistema defectuoso que transforma la relación con el entorno y la existencia apacible de los que allí conviven.

Ficha artística
Coreografía, dirección y dramaturgia: Marina Fueyo / Intérpretes: Laia Camps, Vera Palomino y Raquel Romero / Iluminación: Valentina Azatti / Escenografía: Marina Fueyo / Vestuario: Sara Pablo y Laia Camps / Música: Marina Fueyo / Fotografía: Soma.fotografía

Hairy, de Dovydas Strimaitis

Hairy es una pieza coreográfica para cuatro bailarines y su pelo. Coreografiar el pelo conlleva de por sí la tensión dramática de controlar lo incontrolable: este es el punto de partida de Hairy. En este sentido, una coreografía pensada para el pelo abre un debate ontológico sobre la identidad, el cuerpo y su autonomía. En la sociedad occidental, el pelo largo y suelto entraña una fuerte carga simbólica que remite a la libertad, el romanticismo, la naturalidad y la liberación ante la tradición o la opresión. Strimaitis usa todos estos símbolos como una herramienta formalista para plantear contrapuntos no solo en cuanto al tiempo y el espacio, sino también en relación con el significado.

Ficha artística
Idea: Dovydas Strimaitis / Coreografía: Dovydas Strimaitis y los bailarines / Intérpretes: Line Losfelt Branchereau, Benoit Couchot, Hanna-May Porlon, Dovydas Strimaitis / Iluminación: Lisa M. Barry / Música: composición original de Julijona Biveinytė; «Preludio» de la Suite para violonchelo n.o 4 de Bach, interpretado por Yo-Yo Ma; «Sarabanda» de la Suite para violonchelo n. o 2 de Bach, interpretada por Jean-Guihen Queyras / Producción: Alix Ruyant para Still Waiting
Coproducido por: Théâtre de la Ville; New Baltic Dance Festival; Montpellier Danse dentro de la residencia en Agora, Cité Internationale de la Danse, con el apoyo de Fondation BNP Paribas; NEUFNEUF (con la residencia RING – Scène Périphérique)
En colaboración con: AMAT for RAM
Con el apoyo de: Tanzhaus Zürich, SPEDIDAM, Adami, Caisse des Dépôts y Dirección de Cultura del Ayuntamiento de Marsella

Debut, de Rosa Romero

Debut es un solo donde la performer lleva a cabo un acto de iniciación frente al público con el objetivo de ser aceptada. Atravesar la puerta, franquear el umbral, cambiar de cuerpo, espacio y estado para pasar a ser otra cosa, de sólido a líquido, de líquido a gaseoso. Esta obra, que no es más que un rito de iniciación que adopta la forma de una pieza escénica, es un deseo de pertenencia a la comunidad. Como en todo acto iniciático, la iniciada, en este caso Rosa Romero, tiene que demostrar su valía enfrentándose a la comunidad con todo su cuerpo. Se para frente al público —la comunidad de la que depende su aceptación— y les dice: «Miradme».

Ficha artística
Creación, dirección e interpretación: Rosa Romero / Acompañamiento-trabajo corporal: Patricia Caballero / Acompañamiento-dramaturgia: Alberto Cortés / Vestuario: Gloria Trenado (Nantú) / Paisaje sonoro: Pitu García / Iluminación: Carmen Mori

Radial 2: Julia Romero, Edward Tamayo/LaCerda, Bibi Dória y Bruno Brandolino | 13 diciembre 2025

Radial 2 presenta tres piezas de danza que juegan con la relación entre el cuerpo-objeto, la musicalidad y los imaginarios distópicos. Julia Romero investiga la tensión entre el cuerpo-objeto, el silencio y el ruido. Edward Tamayo / LaCerda explora la musicalidad intrínseca a la danza y el diálogo entre el ritmo del cuerpo, la música y la mirada del público. Y Bibi Dória y Bruno Brandolino presentan una ficción coreográfica que invoca iconografías y rituales profanos y sagrados.

Programa

The Mis$education, de Julia Romero

The Mis$education es una pieza para dos intérpretes que se articula en torno a la investigación de la relación cuerpo-objeto, carne-material, bajo conceptos como la violencia, la incomodidad, la institución y la obligatoriedad. Durante la obra se generan imágenes sugerentes que invitan a la reflexión y la observación desde una visión altamente estética.

Ficha artística
Dirección/coreografía: Julia Romero / Interpretación: Mar Pérez, Julia Romero / Sonido: Robert Lippok / Mirada externa: Amaranta Velarde, David Castejón / Vestuario: Julia Romero

Tempo y tono, de Edward Tamayo / LaCerda

El tempo es la velocidad de la música y el baile, mientras que el tono es la altura de la música, que influye en el estado emocional y en la interpretación. Ambos elementos son esenciales para la expresión y la dinámica de la música y el baile.

A partir de estas premisas, Edward Tamayo asume la musicalidad como un elemento intrínseco a la danza en su esencia, que es el baile, y se pregunta por la relación intangible entre música y danza. ¿Puede percibirse el ritmo interno del intérprete, incluso sin música? ¿Qué relaciones se establecen entre el ritmo del intérprete y el ritmo de la música? ¿Qué papel juega la mirada del espectador en este diálogo?

Ficha artística
Dirección, idea original e interpretación: Edward Tamayo / Acompañamiento artístico y de producción: Júlia Vernet / Música: Easy Easy TNGHG, Hudson Mohawke /Diseño y técnica de iluminación: Valentina Azzati /Producción: LaCerda

La burla, de Bibi Dória y Bruno Brandolino

La burla es una ficción coreográfica que acompaña a dos figuras situadas en un presente oscuro y distópico. Una jornada de invocaciones y rituales donde lo profano y lo sagrado se entrelazan. Santos, brujas, videntes, diablos, monstruos y heroínas componen el imaginario de esta pieza que da cuerpo y voz a un variado repertorio iconográfico.

Ficha artística
Dirección y performance: Bruno Brandolino / Cocreación y performance: Bibi Dória / Diseño de iluminación y espacio: Leticia Skrycky / Vestuario: Nina Botkay / Producción ejecutiva: Carolina Goulart / Acompañamiento: Bruno Moreno / Diseño gráfico: Maura Grimaldi / Vídeo y foto: Aline Belfort / Edición de vídeo: Ian Capillé
Con el apoyo de: Fundação GDA y Materiais Diversos (PT) a través del programa de consultoría en producción Novos Materiais
Apoyo en residencias: O Espaço do Tempo, Projeto 23 Milhas, La Caldera, O Rumo do Fumo, Estúdios Victor Córdon, Fórum Dança, Escola Superior de Dança, Casa da Dança em Almada y CAMPUS – Paulo Cunha e Silva
Socio institucional: Programa Garantir Cultura (Ministerio de Cultura de la República Portuguesa)

Más información: CCCB

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Ots de Haatik Dantza | 4 de diciembre en Azkuna Zentroa de Bilbao

Haatik presenta “OTS”, obra con la que la compañía de danza reinterpreta el movimiento cultural vanguardista de HERRI GOGOA, el primer sello discográfico de Euskal Herria.

Creado a finales de los años 60, aunque nunca llegó a existir oficialmente debido a la censura, logró publicar más de doscientos discos reuniendo diversas expresiones artísticas:  músicas tradicionales, clásicas, cantos políticos, composiciones contemporáneas, rock… Desde Lourdes Iriondo a Mikel Laboa, y de Karmelo Bernaola a Shegundo Galarza, HERRI GOGOA trabajó activamente por poner en valor la contemporaneidad de la música vasca.

Para la creación de “OTS”, Haatik ha contado con Jone San Martin Astigarraga como coreógrafa invitada. Junto con la internacionalmente reconocida bailarina y creadora donostiarra han analizado y reinterpretado las danzas vascas descubriendo nuevas formas de organizarlas y “escribirlas” en el espacio.

Más información: Azkuna Zentroa

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La intérprete de Laimperfecta | Del 5 al 7 de diciembre en Réplika Teatro 

Lo que pensaba que era amor no era más que una manera desesperada de salvarme. Lo que pensaba que era éxito no era más que algo destinado al fracaso. Lo que pensaba que era bailar no era más que un revolcón. Lo que pensaba que era el centro en realidad era un agujero. Lo que pensaba que era Dios en realidad era peor. Y lo que pensaba que era cansancio… Sí, era cansancio.

“La intérprete” es una historia personal y una historia colectiva que gira alrededor de la idea del éxito y de la relación entre identidad, trabajo y amor.

Laimperfecta es un colectivo afincado en Madrid y fundado en 2016 e integrado por Clara Pampyn y Alberto Alonso. Se autodenominan colectivo porque “tratamos de permanecer cerca la una de la otra, sin cercar la manera en la que participamos de los procesos”. Así, sus roles van cambiando, pero el leitmotiv es siempre el mismo: “apoyarnos e impulsar nuestras inquietudes”. Tienen un fuerte interés en lo coreográfico como soporte para depositar la energía y su transformación y en los estados físicos y emocionales que genera el movimiento del cuerpo. Todo ello, con la esperanza de que les ayude a repensar su práctica y su contexto. Además de “La intérprete”, entre sus obras destacan “Twist” o “Fuga”.

Pampyn es también docente en diferentes centros e intérprete para otras compañías, como la de Elena Córdoba o la de Jesús Rubio Gamo (con esta última fue candidata a los Premios Max como Mejor intérprete femenina de danza tanto en 2019 por “Gran Bolero” como en 2022 por “Acciones Sencillas”). En 2022, comienza su proyecto de investigación ‘Las bailarinas no tocan el cielo’, en el que todavía continúa trabajando y a raíz del que han surgido varias formalizaciones escénicas, como “Las que bailan” (2023).

Más información y entradas

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El vuelo de Daniel Navarro | 28 al 30 de noviembre en el Teatro Ensalle de Vigo

Cambiar las mecánicas: mirarnos al espejo y reconocernos en lugar de ver una distorsión, dejar de luchar en contra para empezar a luchar a favor, comenzar a volar teniendo los pies en la tierra…
Las fronteras son líneas invisibles que podemos cruzar con la mente y estas líneas dibujan en este espectáculo un cielo que conecta con la imaginación, haciendo del sueño vida y de la vida sueño. Es un descenso hacia los infiernos personales – que se hacen universales – a través de los límites del cuerpo que, junto al ambiente sonoro y lumínico, conducen el viaje oscilando entre el peso y la levedad, entre lo social y lo individual. ¿Acaso no es lo mismo?

Más información: Teatro Ensalle

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Morphopop: arranque, de Núria Crespo | 28 y 29 de noviembre en La Mutant de València

morphopop: Arranque’ es una danza de cuerpos que se despliegan sobre si, proponiendo múltiples perspectivas desde las q mirarlos, en un ejercicio de permanencia y exceso.

3. sacar de raíz, sacar con violencia algo del lugar al que esta adherido o sujeto, o del que forma parte.

2. principio, inicio, origen, iniciación, preámbulo, embrión.

1. Ímpetu, colera, piedad, amor u otro afecto.

Mas información: La Mutant

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Proto (sn1806) de Janet Novás | 22 de noviembre en el TEM de València

Un viaje introspectivo que necesita expandirse y tomar otras formas más allá del cuerpo. Cuando todo llega quizás es el momento de cuestionarse  si es posible crear otro lugar donde el humano pueda existir sin esfuerzo. Proto (SN1806) responde a las intuiciones y anhelos que se han abierto  en este largo viaje.

Cuando mi naturaleza está mas cerca a la de un animal que al de una máquina Cuando mi cuerpo se empieza a romper por dentro Cuando lo que te definió deja de estar Cuando el cuerpo te pide que pares gritando Cuando amas lo que haces pero por algún motivo no puedes hacerlo o cuesta demasiado. Cuando te culpas por no llegar Cuando te culpas por no saber Cuando tienes que ser más cosas de lo que eres y no dejas espacio para lo que eres. Cuando te conviertes en un producto para ser devorada. Cuando lo sensible deja de ser un derecho Cuando hablar alto se impone Cuando todo esto llega quizás es el momento de cuestionarse si es posible crear otro lugar donde el humano pueda existir sin esfuerzo.

Más información: TEM

 

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Palíndromos y viceversos de Andrés Corchero | Del 21 al 23 de noviembre en el Teatro Ensalle de Vigo

Palíndromos y viceversos, es un proyecto de encuentro entre el cuerpo, la palabra y el sonido. Hace años que vengo al Teatro Ensalle y a Galicia a bailar y a diferentes proyectos relacionados con la danza y el cuerpo. En esta ocasión, tenia ganas de colaborar con artistas gallegos y compartir la escena. Así que me inventé este proyecto y se lo propuse a Nieves Neira, una poeta gallega a la que conocí hace unos años en Lugo, me gusta como escribe y con la cual mantengo contacto desde entonces. También quería música en directo, así que pregunté a Pedro y Raquel de Teatro Ensalle y me dieron el contacto de Macarena, viloncelista conocida por estas tierras y que me pareció podriamos entendernos en escena. Así pues esto será una experiencia única cada día. Una pequeña partitura escénica de caul partir y improvisar juntos con el público compartiendo cada instante. Poemas música y danza entrelazandose de un lado a otro y viceversa.

Andrés Corchero

Esta postura que se retorce
na violencia coa que as paredes do río
a detectan
coa que entre a auga e a pel
se tende o frío.
E unha voz:
Elixe a quen amar.
Elixe a quen amar porque non podes amalo todo.
Elixe a quen amar porque non podes retirarte.
Teu corpo, o río.
E elixes o máis morto.
Recolles o don co que a folla furada do amieiro
devala en teatro de sombras.
Lonxe,
o lugar onde te inicias.

Nieves Neira Roca

Intérpretes: Nieves Neira, Macarena Montesinos y Andrés Corchero. Luz: Pedro Fresneda

Más información: Teatro Ensalle

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