— MuroTRON

10/06 – 12/06, Espai Lliure. Gratis. Con reserva previa

Más información: web de Le Grütli

Viernes, 3 de junio de 2022 // 20.30h, Espacio Tangente (Burgos)

EL ESFUERZO CONSTANTE DE GANARSE LA VIDA
Vicente Arlandis

El esfuerzo constante de ganarse la vida es una performance donde trato de trabajar lo mínimo, lo justo y lo que yo entiendo por razonable. Os voy a contar lo que pienso de la disciplina, del trabajo del bailarín y del secuestro de nuestro tiempo. Os voy a contar cómo se siente al repetir durante ocho horas al día la misma acción en una fábrica o cómo se queda el cuerpo al bailar el mismo espectáculo durante cinco años. Y para acabar os voy a contar unos chistes, os dejo uno como ejemplo. Todos seríamos más felices si trabajásemos de lo que nos gusta. En mi caso es muy difícil encontrar trabajo de macarrones con queso.

FICHA ARTISTICA
Una idea de Vicente Arlandis
Con la colaboración de Nacho Meseguer, Paula Miralles, Rosana Pastor, Aris Spentsas y Eva Arlandis

Esta propuesta forma parte del proyecto de investigación El malestar del trabajo llevada a cabo desde Taller Placer. A través de diferentes actividades y prácticas tratamos de indagar cuál es el papel del trabajo en nuestras vidas y la búsqueda de nuevos modos de relacionarnos con el tiempo.

Vicente Arlandis es un artista y eso significa que casi nada de lo que hace lo hace por dinero. De hecho, si calculamos el tiempo invertido además de la colaboración de otras personas en esta actividad las ganancias serían de risa. La gente sabe que los artistas cobran poco, por eso Vicente tiene muchas propuestas de trabajo muy mal o incluso no remuneradas. Vicente también es editor porque hace libros y luego trata de venderlos. Además, es bailarín y trabaja con otras compañías. En realidad, esto es lo que mejor le funciona porque generalmente suele cobrar por lo que hace y además le pagan a los pocos días de haber realizado la tarea. También es distribuidor porque él es el encargado de vender su propio trabajo.

Se le da bastante bien las redes sociales y cada día piensa de qué manera comunicar bien lo que está haciendo así que también podríamos decir que es comunity manager. Hasta hace poco era su propio gestor porque aprendió con unos tutoriales de internet a hacerse los trimestrales, aunque en el último año ha recurrido a un profesional. A veces le piden que escriba textos para revistas por cantidades simbólicas o tiene que escribir los textos para los dosieres de sus trabajos, pero nunca se considerará escritor. Ahora mismo está escribiendo, junto a un guionista de verdad, el guion de un documental que preparan para el año que viene. Últimamente también le interesa mucho la música y en sus últimos espectáculos ha hecho él mismo la banda sonora de los mismos. Le gusta la fotografía y el vídeo y puede usar perfectamente cualquier software de video y audio como Premiere y Photoshop. El diseño gráfico no es su fuerte, aunque puede imitar muy bien a reconocidos diseñadores cuando tiene que hacer los carteles de sus espectáculos. La página web de Taller Placer, colectivo al que pertenece y del que se encarga de hacer la difusión trimestral de sus trabajos, la ha diseñado y realizado él mismo.

Más información: web de Espacio Tangente

Jueves, 2 de junio de 2022 // 20.30h

PUEDE QUE HAYA MANERAS DE ACERCARNOS
Cómo sostenerse en una vibración que lo desplaza todo
Lara Brown

(La obra se desarrollará por distintos lugares de la ciudad de Burgos con inicio en Espacio Tangente)

PUEDE QUE HAYA MANERAS DE ACERCARNOS Es una máquina que trata de mover cuerpos, tiempos, y espacios. A través de estos bailes deslocalizados, este dispositivo fuerza la idea de presente, intentando resolver a su vez la posibilidad de generar encuentros que no dependan únicamente de habitar un espacio/tiempo presente y común.

Puede que haya maneras de acercarnos es un dispositivo que va modificándose y encontrando formas nuevas dependiendo de donde suceda. De esta manera puede ser una correspondencia por mail, una pieza escénica en una sala en la que se habla de encuentros entre personas y entornos, puede ser un documento con instrucciones para la supervivencia, un intercambio de favores, un fanzine, una manera distinta de estar en la ciudad formando parte de su historia y su arquitectura. Esta vez el lugar es la ciudad de Burgos y el Espacio Tangente. Habrá que escuchar las preguntas que nos propone la ciudad al bailarla y transitarla con el movimiento extracotidiano.

FICHA ARTISTICA
Concepto y texto: Lara Brown

Lara Brown, 1986. Me dedico a la investigación y creación artística desde la escena y la performance. El desarrollo de mi trabajo gira en torno al análisis de la idea de identidad, el cuerpo y la transformación de este como soporte artístico y generador de pensamiento.

En mi trayectoria está presente la necesidad de atravesar y pensar diferentes contextos artísticos en los cuales la obra solicita la presencia del cuerpo y el movimiento, desplazando la idea de escena como espectáculo y proponiendo otra dimensión temporal para la ejecución de la misma así como otra disposición para los ojos que la miran.

En el año 2021 he sido residente en Graner, Centre de Artes Vivas con el proyecto El Movimiento Involuntario, un estudio del impacto del folklore en un cuerpo contemporáneo, en la modalidad Residencia de Creación. El cual recibió en 2019 la ayuda a coreógrafos de la Comunidad de Madrid, para su primera parte. Ha estado en residencia en l´ Estruch de Sabadell, ha formado parte del programa La Cresta en Tenerife Espacio de las Artes, y ha sido estrenado en Fira Mediterránea de Manresa, con el apoyo el Mercat de Les Flors y OSIC.

He formado parte del encuentro BRUT 2019, del Centro de Danza La Caldera, así como en el ciclo ARAR en 2020.

Mi trabajo anterior SER DEVENIR, ha participado en el ciclo Me, Myself and I, del Certamen de Coreografía de Madrid, en el ciclo In- prescindible de La Poderosa, Barcelona, y en el programa de residencias de Leal Lav, La Laguna. En 2019, esta investigación también ha sido acogida en residencia, con la asistencia coreográfica de Idoia Zabaleta, en Espacio Azala, gracias al programa DANZÁLAVA. Y durante 2019 año fue proyecto en residencia en La Caldera, Barcelona. Programado en el Congreso de filosofía y danza en Centro Coreográfico Canal en 2010 y en el Ciclo MOVER MADRID, 2020, (reprogramado en 2021).

He sido performer en Una Exposición Coreografiada, comisariada por Mathieu Coppeland, en CA2M, y perfomer de la exposición Todas las Variaciones son válidas. Incluida esta. Esther Ferrer, en MNCARS. Participante Tanzkongress, Salón Madrid con Meg Stuart en colaboración con Abraham Hurtado.

Más información: web de Espacio Tangente

Programa 

Sábado 28 de mayo a las 19:00 en La Fundición de Bilbao dentro de Zer(K)nias 

ME DETENGO. QUIETO. NO ESPERO NADA. SOLO ESTOY. RESPIRO. MIRO ALREDEDOR. VUELVO A RECONOCER EL ESPACIO.
REDUCIDO. LLENO. DECIDO VACIARLO. ESTE MOMENTO ES INFINITO. ME VOY GIRANDO A MI ALREDEDOR.
SOBRE MI EJE. MIRANDO A ALGÚN PUNTO LEJANO. CON CARA DE TONTO. DESCUBRIENDO EL MUNDO POR PRIMERA VEZ.

Imaginamos esta danza como un espacio común que emerge a partir de unas pocas reglas sencillas. Un encuentro, un ejercicio compartido, una conversación sobre lo que acontece.
Insistir en un comienzo, bailar los intervalos, una forma de empezar convertida en un medio que es también un final, sin haber siquiera comenzado. Recoger las huellas que deja un movimiento. Volver a empezar. Escuchar.
Un lugar de calma y atención para compartir tiempos. Una invitación a entrar y salir, a estar y no estar, según como cada uno lo desee.

Coreografía y danza: Annika Pannitto
Texto: Óscar Cornago
Supervisión musical: Rodrigo Faina

Annika Pannitto
Nacida en Italia en 1981, Annika Pannitto es coreógrafa, bailarina e investigadora en el campo de la coreografía contemporánea. Después de una breve carrera como bailarina para otros coreógrafos (como Adriana Borriello, Simona Bertozzi y Alessandra Sini), empieza su propio trabajo en 2007 con la pieza “Solitudo” y desde entonces ha creado piezas escénicas, obras site specific y film de danza. Su formación en el ballet clásico ha sido fundamental para su comprensión de la técnica y el principal motivo para descubrir y estudiar las prácticas de la danza contemporánea, que han inspirado e influido en su investigación de un movimiento e interés coreográfico personal. Sus últimas piezas Dances beneath the Oak y los proyectos Piazza y The Third Table son fuertemente informados por la relación entre la investigación práctica y teórica, que ha comenzado a desarrollar durante la MA de coreografía en ArtEZ en Arnhem, donde se graduó en 2014. Su trabajo se ha presentado en varios teatros y festivales, como el Rotterdamse Schowburg de Rotterdam, el Museo Reina Sofía en Madrid, el Festival Diskurs ’15 de Giessen, el Dock 11 en Berlín, el Festival de Santarcangelo, el Museo MAK /de Viena, el Atelier RE.AL en Lisboa y el Centro Danza Canal en Madrid. Desde el 2014 colabora con la diseñadora Erica Preli para el proyecto Table Conversation, una publicación que involucra artistas de varias disciplinas sobre un diálogo acerca de las metodologías y practicas artísticas.

Óscar Cornago
Óscar Cornago es Científico Titular en el Consejo Superior de Investigaciones Científicas de Madrid. Ha desarrollado casi toda su actividad en el campo de la investigación académica sobre artes escénicas, filosofía estética, prácticas artísticas y espacio público. Entre sus últimos trabajos se encuentran Ensayos de teoría escénica. Teatralidad, público y democracia, o los volúmenes colectivos como O teatro como experiencia pública, o Hacernos un mundo. Ficciones colectivas y Conversar, habitar. Perspectivas críticas sobre la idea de participación. Actualmente desarrolla junto con Juan Navarro el proyecto de creación Se alquila. Archivo vivo.

Más información y entradas: web de La Fundición de Bilbao

Del 25 de mayo al 5 de junio en el Teatre Lliure de Gràcia

Un grupo de jóvenes performers con presencia escénica y una función cuyo tema es la propia función. Teatro de presencia en presencia. Sin argumento, sin un tema mas que la propia función aquí y ahora formada por el corpus escénico y alimentada por cada performer. Ficción y no ficción pueden mezclarse sin que podamos saber cómo. Sólo podemos observar lo que ocurre, y lo que nos ocurre como público. Emoción, acción y palabra. Una experiencia teatral que escapa a los determinantes del estatus de actor. Y un experimento escénico que se completa solo en presencia del público.
Carta blanca a Anna Karasińska.

La directora polaca Anna Karasińska, vinculada al Nowy Teatr de Varsovia, debutó en 2015 con Ewelina’s Crying, un espectáculo meta-teatral cargado de humor. Desde entonces, su trayectoria ha sido fulgurante, tanto en el cine como en teatro. Por este motivo, está en la Temporada 21/22 del Lliure con una propuesta muy poco convencional.

Anna Karasińska (Łódź, 1978), directora de escena, dramaturga y cineasta, estudió en la Academia de Bellas Artes Władysław Strzemiński de Łódź y en la Facultad de Filosofía de la Universidad de su ciudad natal; y se graduó en la Facultad de Dirección de la Escuela Nacional de Cine, Televisión y Teatro Leon Schiller de Łódź. Sus cortometrajes, largometrajes y documentales estudiantiles se han proyectado en varias decenas de festivales en todo el mundo y han ganado premios internacionales. Debutó en teatro con su producción original Ewelina’s Crying, representada en 2015 en el TR Warszawa en el marco del proyecto TR Territory (TEREN TR). En 2016 ganó el premio promocional Kazimierz Krzanowski por Ewelina’s Crying en el 51º Festival KONTRAPUNKT Small-Theatre-Forms. En 2016 también dirigió su segunda producción en el Teatro Polacos de Poznań (Teatr Polski w Poznaniu), seguida ese mismo año por Birthday, que se representó como pieza de microteatro en el Komuna / Warszawa. En 2017 también dirigió otra pieza original en TR Warszawa: Fantasia, quese presentó, por ejemplo, en el Festival de Teatro de Dublín en 2018, en el Festival Trans-Américas, Kunstenfestivaldesarts y Zürcher Theatre Spektakel en 2019. En 2018 dirigió 2118. Karasińska en el Nowy Teatr de Varsovia.

Más información y entradas: web del Teatre Lliure

Jueves 26 de mayo a las 19:00 en Azkuna Zentroa, 12€

Societat Doctor Alonso, compañía escénica dirigida por Tomás Aragay (director de teatro y dramaturgo) y Sofía Asencio (bailarina y coreógrafa) presenta “Hammamturgia”, su último proyecto escénico que reflexiona sobre la “hammamturgia”, entendido como lo otro de la dramaturgia.

Sábado 28 y domingo 29 a las 20:00 en Réplika Teatro

La bailarina y performer Sandra Gómez llega por primera vez a Réplika Teatro con esta pieza enmarcada dentro del festival In-sonora 12. Como previa a cada pase, el artista brasileño André Damião presentará una breve performance sonora, “Narva 2” **.

→ Concepto y dirección: Sandra Gómez
→ Creación: Javi Vela, Carlos Molina, Sandra Gómez
→ Intérprete: Sandra Gómez
→ Asistente de movimiento: Rocío Pérez
→ Espacio sonoro: Javi Vela
→ Asistente de sonido: Paco Fuentes
→ Luces: Carlos Molina
→ Gracias a: Vicente, Arlandis, Laura Basterra, Idoia Zabaleta y Espai Pont Flotant

​Proyecto seleccionado en la convocatoria Artistas en Residencia de la Casa Encendida y el CA2M (Madrid y Móstoles, 2019), Residencia escénica en el Centro de Cultura Contemporánea Condeduque (Madrid, 2019) y Residencia en Azala Espacio de Creación (Lasierra, Álava, 2021).

Con el apoyo del Instituto Valenciano de Cultura y el Ayuntamiento de Valencia.

Bailar al sonido es una propuesta que trata al sonido como una fuente energética, la propagación de la cual implica un trasvase energético dirigido a alterar y afectar al cuerpo de forma que pueda modificar su estado y lugar.

La pieza se construye a partir de tres ejercicios en los cuales se quiere experimentar la modificación de los cuerpos a través del sonido en un juego de resonancias.

El primero es un ejercicio de retroalimentación que pone en relación los elementos espacio, cuerpo, sonido y luz. Las acciones del cuerpo producen resonancias en el sonido y en la luz que van ocupando gradualmente el espacio y produciendo una carga y una intensidad afectando al cuerpo y modificando su manera de moverse. En los siguientes ejercicios se traslada el foco hacia otros cuerpos, se generan diferentes formas y paisajes tanto visuales como sonoros para acabar con una representación plástica del sonido.

Pieza enmarcada dentro del festival IN-SONORA 12

Sandra Gómez. Máster en Producción Artística por la Facultad de Bellas Artes de Valencia (especialidad en Pensamiento Contemporáneo y Cultura Visual). Licenciada en Arte Dramático por la ESAD de Valencia y amplia formación en danza contemporánea en Valencia y Bruselas. Desde 2001 hasta 2012 trabaja como creadora en el colectivo LOSQUEQUEDAN en numerosos proyectos que son mostrados en diferentes festivales de ámbito nacional.
Desde el año 2012 trabaja de forma independiente en proyectos centrados en el cuerpo y el movimiento: Bailar al sonido (Valencia, 2021), Volumen 2 (Valencia, 2020-2021), Preludio y fuga (Valencia, 2019), Tot per l á ire (BAD, Bilbao, 2018), Heartbeat (Valencia, 2017), No soy yo (Valencia, 2016), Tentativa and Guests (Valencia, 2016-2014), The love thing piece (Madrid, 2013) y Tentativa (Valencia, 2012). Ha ideado y coordinado el proyecto Maneras de hacer y ha editado el Mejor libro de danza del mundo. Imaginarios sobre danza y otros asuntos surgido de este último proyecto. Últimamente ha obtenido una residencia de investigación en Espai LaGranja para desarrollar el proyecto Materias sonoras.

Más información y entradas: web de Réplika Teatro