— MuroTRON

Esther Gatón | Del 18.04 – 20.05  en el Museo Patio Herreriano, Valladolid

 

“Importa qué materias usamos para pensar otras materias;

importa qué cuentos contamos para contar otros cuentos;

importa qué nudos anudan nudos,

qué pensamientos piensan pensamientos,

 qué ataduras atan ataduras.

      Importa qué historias hacen mundos,

qué mundos hacen historias.”

Donna Haraway, Staying with the trouble

 

      Por fin has llegado; te esperábamos. Entra sin miedo. Te están esperando.


      La última guerra nuclear del periodo de la Gran Debacle que asoló el planeta fue la más decisiva de todas, aquella cuyas consecuencias fueron determinantes para la vida en la Tierra. La corteza terrestre absorbió cantidades ingentes de radiación, hasta rebasar sus límites, haciendo la vida en la superficie insostenible. Toda la materia se transformó radicalmente y de manera irreversible al ser recubierta por una membrana de toxicidad nunca antes vista, que provocó el desarrollo de una nueva serie de virtudes, insospechadas. Pronto, una ola de cambio en las formas de sentir, actuar, pensar y moverse azotó el planeta. Empezó a difundirse de manera sincronizada, desde diferentes puntos geográficos, como un manto. Grupos de humanos y no-humanos comenzaron a reunirse, a formar comunidades, a practicar una misma intensidad en torno a una necesidad compartida: diseñar nuevas pieles, para reinventar con y a través de ellas, las formas de habitar el planeta. La piel —tanto de los cuerpos como de la Tierra— devino a partir de entonces el campo de experimentación sobre el que ensayar nuevas formas de (super)vivencia, pero también de relacionalidad entre los cuerpos humanos, no- humanos, más que humanos. Este nuevo escenario impuso dos nuevos horizontes. El primero, fue el desarrollo de nuevas formas de atención y percepción hacia las nuevas virtudes que la materia presentaba, para poder entender y hablar con ellas su lenguaje. El segundo, suponía una agudización extrema de la inteligencia y sensibilidad háptica, que buscaba potencializar en este caso las virtudes de las pieles: formas inéditas de tocar y ser tocado, formas inéditas de sensibilidad y comunicación. En un breve lapso de tiempo, emergió con fuerza un nuevo pensar y actuar a través de la piel, entendida como barrera permeable e índice de procesos tanto internos como externos. La nueva filosofía empezó a articular formas de existencia basadas un intercambio continuo y contaminado, mediado por la empatía y las economías afectivas. De alguna manera, muchos entendían que un siglo después, era a nivel epitelial y material que se había conseguido llevar a cabo la proclama de la pensadora especulativa Donna Haraway de inventar nuevas artes y formas de vivir y morir bien en un planeta dañado.

      Las comunidades se agruparon bajo tierra, en cabañas construidas en connivencia con las inteligencias telúricas del topo, del mineral, del suelo. Ahí montaron los primeros laboratorios, arropados entre capas de silicio que les protegían de la radioactividad. Combinando átomos de este mineral con oxígeno, empezaron a sintetizar pieles a partir de la experimentación con siliconas. La silicona es una materia de consistencia variable, pero de una viscosidad poderosa, en la que se acumulan multitud de partículas afectivas y narrativas. Resistente a temperaturas extremas, a la intemperie, al ozono, a la radiación, a la humedad, e incluso, en gran medida al fuego, su composición a partir de elementos minerales terrestres y partículas aéreas confiere a las pieles siliconadas capacidades inigualables de resistencia, resiliencia y adaptación al medio. Posee, además, una mecánica elástica, flexible y aislante, elegante y lustrosa. Su comportamiento no es corrosivo, sino permeable y lubricante: permeable a otras fuerzas de afectación, a otros relatos que la habiten, a otros sucesos que la deformen. Es una piel porosa, con una disposición amable a la adherencia; a que otros se adhieran a ella, y adherirse ella a otros. Probablemente esto se deba a su estructura molecular de polímero, compartida con otras materias de textura amable, lubricante y pegajosa, como son el almidón, la seda, o la celulosa. También el ADN es un polímero: diferentes materias, mismas estructuras. De ahí la inclinación protésica de la silicona, su adhesividad a los cuerpos, su adaptación a otros medios, pero también su cercanía con el lenguaje quirúrgico, su gramática de implante, de vendaje, de aplique médico y su biocompatibilidad con otras materias. Para profundizar en la reparación de relaciones en el entorno, las comunidades post-Debacle decidieron profundizar en esta resonancia estructural, ensayando formas de simbiosis molecular a través de injertos de otras pieles. Así, se crearon pieles y exo-esqueletos tornasolados a partir de implantes de células madre extraídas de las carcasas de insectos y las mudas de reptiles. Se provocaron cruces coevolutivos entre pieles singulares, como por ejemplo, las células del plasmodio de los mohos deslizantes, que disuelven su membrana individual para fundirse en un ente colectivo cuando el contexto lo exige. A cierta horneada de pieles se le injertaron cromatóforos, células con pigmentos que reflejan la luz, presentes en el cuerpo de pulpos y calamares. Se convertían de este modo en superficies dérmicas mutantes según las variaciones lumínicas, haciendo de sus cuerpos lienzos de luz iridiscente. En todos los casos, las historias de los cuerpos de origen quedaban registradas en las nuevas pieles, que eran implantadas tanto sobre cuerpos como sobre la corteza terrestre —no se hacía distinción entre los cuerpos. Aquellos que heredaban cromatóforos de los calamares, heredaban también las vivencias y mitologías téutidas, la destreza bioluminiscente y las historias de lucha contra la pesca intensiva. Esta memoria elástica se almacenaba en archivos vivos, elocuentes y espesos, que las comunidades enseñaban a transmitir y respetar.

      Ahora que has llegado hasta aquí, tómate tu tiempo. Puedes palpar cada pellejo con los ojos, o puedes pasear tu cuerpo entre los suyos, dejándote rozar por los extremos colgantes. Puedes seguir la coreografía que dibujan las barras de cobre y latón desde donde penden las pieles, seguir el movimiento estático que trazan, mientras esperan tranquilas. Presta atención a la relacionalidad que se establece entre tu cuerpo, los cuerpos colgados, los cuerpos en el suelo, y las fuerzas que los atraviesan: la tensión del que sostiene, la seriedad del que estructura, la gravedad del que cuelga, la parsimonia del que espera. Presta atención, también, al ritmo general del espacio, al que se establece entre las piezas, al que se aloja en los espacios entre y junto a; escucha las repeticiones, las corcheas, y los silencios que escriben. Escucha la densidad del tiempo contenido en esta sala: es un presente grueso, en el que se acumulan herencias materiales y cargas afectivas. Pareciera que la sustancia de las pieles está congelada en un proceso de cristalización constante, casi infinito, durante el que su consistencia se va definiendo, lentamente; es difícil determinar si están en estado líquido y mojadas, o si están ya secas y firmes. El ambiente está cargado de una calma tensa, que oscila entre luces largas y sombras suaves a diferentes horas del día —aunque hace tiempo que no sabemos ya con seguridad qué significa el día, o la noche. Y a pesar de todo, no es una atmósfera quieta la que se percibe aquí. Si se presta bien atención, se puede notar una suerte de circulación subterránea, prácticamente imperceptible; una suerte de hormigueo subcutáneo y sutil, producido por la respiración de las piezas y la sala.

      Por último, fíjate, sobre todo, en las texturas de estas pieles y estos cuerpos. Puedes acariciar su rugosidad estriada, lamer su suntuosidad brillante, abrazar sus pliegos de voluptuosidad. Estas texturas permiten leer por momentos un raspado excesivo, un derrame baboso repetido, un injerto brusco puntual, la marca de pelusas pasajeras, o de otros que han tocado con anterioridad. No borran las intenciones, fuerzas, gestos, y accidentes de los que son el resultado, sino al contrario: el remache y la memoria se llevan tatuadas, inaugurando una nueva estética de la reparación y la lectura táctil.

      Las antenas de las pieles van filtrando las corrientes, leyendo tentacularmente el entorno, leyendo tu presencia aquí. Tu cuerpo también se va modificando, en este intercambio relacional con ellas. Las virtudes de estas nuevas pieles, cuerpos, apósitos y estructuras estriban precisamente en esto: en despertar la capacidad de fabular, de provocar un tormenta especulativa que transforme tu capacidad sensorial.

      Bienvenidos.

  • Texto de Julia Morandeira
  • Imagen de Jorge Mirón
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28, 2, 3, 4 y 5 de mayo en el MACBA

PROGRAMA

SÁBADO 28 DE ABRIL
18.30 h Luke Fowler y Richard Youngs, concierto
Lugar: Atrio edificio Meier.
Precio: Entrada gratuita

MIÉRCOLES 2 DE MAYO
20 h Proyección de Segunda Vez (2018), de Dora García
Coloquio posterior con Dora García, Marla Jacarilla y Victoria Pérez Royo 
Lugar: Lloc: Cinema Maldà
Precio: Entrada única 3 €. Venta exclusiva en las taquillas del Cine Maldà

JUEVES 3 DE MAYO
20 h Mette Edvardsen
Private Collection (2002), performance.
Lugar: Salas del museo*
21 h Mette EdvardsenBlack (2011), performance.
Lugar: Capella MACBA
Precio: Entrada conjunta 5 €

Entradas

VIERNES 4 DE MAYO
20 h Mercedes Azpilicueta y DecorumA bestiare of tonguelets (2018), performance
Naufus Ramírez-FigueroaFino Fantasma (2015-2017), performance
Mercedes AzpilicuetaYe-gua, Ye-ta, Yu-ta (2017), performance
Lugar: Sala de exposiciones Convent dels Àngels.
Precio: Entrada conjunta 5 €

Entradas

22 h Mette EdvardsenNo Title (2014), performance.
Lugar: Capella MACBA.
Precio: Entrada 5 €

Entradas

SÁBADO 5 DE MAYO
12.30 h Conversación y vermut con Mette EdvardsenSoledad Gutiérrez y Pablo Martínez.
Lugar: Espai Taller.
Precio: Entrada gratuita

19.30 h Nina Power, conferencia.
Lugar: Espai Taller.
Precio: Entrada gratuita

21 h Mette EdvardsenOslo (2017), performance.
Lugar: Capella MACBA.
Precio: Entrada 5 €

Entradas

22.30 h María Salgado y Fran MM Cabeza de Vaca, Jinete Último Reino (2018).
Lugar: Sala de exposiciones Convent dels Àngels.
Precio: Entrada 5 €

Entradas

Del 28 de abril al 5 de mayo, una selección de trabajos editoriales y videográficos de Mette Edvarsen estará disponibles para consulta en el atrio del edificio Meier.

*El aforo de Private Collection es limitado, por lo que se accederá a la performance por estricto orden de llegada.

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Sábado 21 de abril | 19 h | Teatre CCCB

Entrada libre con inscripción previa Idioma: inglés

19 h | Performance inmersiva e interactiva a cargo de Zoe Philpott

20 h | Conversación entre Zoe Philpott, artista en el ámbito tecnológico,  y Mariona A Ciller, cofundadora de SokoTech

La dramaturga londinense Zoe Philpott presenta en el CCCB Ada.Ada.Ada, una performance inmersiva sobre tecnología y género alrededor de la matemática y física británica Ada Lovelace (1815-1852), creadora de lo que hoy se considera el primer algoritmo para uso de una máquina.

Ada.Ada.Ada es una oportunidad para adentrarse en un espectáculo de 60 minutos que condensa la extraordinaria vida y legado de Ada Augusta Byron King (Londres, 1815 a 1852), más conocida como Ada Lovelace. Matemática y física de gran talento, a mediados del siglo XIX escribió instrucciones para el primer programa informático conocido, lo que la llevó a ser considerada la primera programadora de la historia.

En la performance, Philpott sube al escenario con un vestido interactivo del siglo XIX equipado con 4.400 luces LED que se activan mediante guantes de satén. Es el resultado de su colaboración con Charles Yarnold, destacado tecnólogo y fundador de Hackspace London. Ada.Ada.Ada es a la vez una conferencia, una pieza de teatro y un espectáculo en el que el público interactúa para convertirse en el primer ordenador del mundo y utilizar un programa sencillo entre todos. La experiencia pone de manifiesto la importancia de los logros conseguidos por Ada Lovelace y su impacto en la tecnología actual, además de demostrar que cada uno de los asistentes puede formar parte de la tecnología.

Ada.Ada.Ada cierra la cuarta edición de la conferencia internacional de educación STEAMConf, que este año homenajea Lovelace con tres encuentros en torno a su figura. El STEAMConf 2018 ha querido destacar la vital importancia de implementar programas y recursos que permitan contribuir a minimizar la brecha digital y los desequilibrios de género y promover la igualdad de oportunidades.

Más información: http://www.cccb.org/es/actividades/ficha/adaadaada/228794

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Jaime Conde-Salazar | Centro de Danza Canal | 19 de abril a las 18 h. 

El Ciclo de Conferencias en torno a la programación de Danza presenta la ponencia ‘La Ribot, arquitecturas y piezas’ impartida por Jaime Conde Salazar.
Esta conferencia propone un recorrido a través de la obra de La Ribot analizando las distintas arquitecturas que sus piezas han generado. El cuestionamiento radical del espacio de representación teatral es uno de los principales aspectos que definen el trabajo de La Ribot. La eliminación de la separación tradicional entre la escena y la sala ha dado lugar a una fascinante serie de construcciones espaciales que redefinen tanto el lugar de los espectadores como el de la propia bailarina. Así, a lo largo de la conferencia reflexionaremos sobre cómo, en la obra de La Ribot, la danza se presenta como una práctica coreográfica que produce relaciones espaciales peculiares que alteran esencialmente las condiciones de la representación teatral.

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Del 20/04/2018 al 22/04/2018 en la Sala Beckett de Barcelona
Precio: 12€ (Personajes de la Beckett 10€)

Horario: Viernes y sábado, 20h. Domingo, 18h

Martí Sales pone en escena su último libro, La cremallera (Malas Herbes, 2016), un largo poema sobre nuestro mundo, nuestra ciudad y su generación, una especie de Howl contemporáneo. La cremallera es un poema narrativo que canta la ciudad y sus exploradores, el amor que todo lo puede y la aventura de perderse. Es un viaje fulgurante al tuétano de la otra cara de Barcelona y un hechizo alarido desde lo alto de la Muntanya Pelada. Es un portal interdimensional y una operación a corazón abierto. Es una llamada a la revuelta y la historia abreviada del textil. Son dos amantes zambulléndose en los ríos del infierno. Es la crónica local del diluvio universal y un travelling por la noche artificial: una elegía lisérgica en octosílabos.

Texto e interpretación: Martí Sales
Dirección, espacio y luces: Jordi Oriol

Ayudante de dirección y maquinista: Alba Pujol

Agradecimientos: Al liante Andreu Gomila, a Ana Rovira por el regalo de la lámpara, a la buena gente de la Beckett, a Vil·la Urània y La Caldera por su gentil cessión de espacios, a Arnaldo Alfonso para hacer de red y a IndiTex… por vender calzoncillos a 4×3.

Más información: https://www.salabeckett.cat/es/espectacle/la-cremallera/

 

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PSiRC | Del 19 al 22 de abril, 20h (do 18h) | Sala MAC del Mercat de les Flors, 16€

Segundo espectáculo de la compañía, El meu nom és Hor es una pieza basada en poesía visual, expresión personal y técnica de circo (manos a manos, manipulación de objetos, marionetas), el estudio del movimiento y un papel central de la iluminación. La pieza investiga en el movimiento a través de una mezcla de técnicas y disciplinas enmarcado en el movimiento mágico de las marionetas, motor expresivo y emotivo.

Sin que tengan una presencia directa en el espectáculo, los artistas han bebido de varias fuentes artísticas a la hora de entrar en mundos abstractos, como las pinturas del pintor surrealista Edgar Ende con su mundo desolado pero en color y siempre con una esperanza al final.

Mi nombre es Hor es una historia basada en hechos reales protagonizada por dos artistas de circo, Wanja (el alto y forzudo) y Adrià (el pequeño y ágil).

Los hechos fueron que durante el proceso de creación del espectáculo, hartos de leer reflexiones filosóficas y posmodernas sobre la sociedad actual, decidieron hacer una excursión al campo, a una región donde Wanja se había criado y conocía palmo a palmo. Pero lo inesperado y sorprendente de esta excursión fue que se encontraron ante una cueva inmensa que Wanja no conocía. Allí dentro sucedió algo que difícilmente puede ser explicado con palabras. ¿Se hallaron quizá ante las entrañas de sus propias sombras?

La oscuridad, la pérdida del sentido del espacio y el tiempo, el silencio más absoluto y la sensación de delirio, hicieron de su experiencia en la cueva un templo, un teatro, un garaje, una pantalla, un espejo dentro del espejo, crearon un espacio donde poder desdibujar las fronteras de lo que son para entregarse generosamente a su público como un simulacro más de la propia existencia.

“La sombra le debe su nacimiento a la luz”

John Gay

PSiRC nace en 2011 y está formada por Adrià Montaña (ágil de manos a manos), Wanja Kahlert (portor de manos a manos) y Anna Pasqual (percha china). Su primer espectáculo, Acrometria, gira durante 3 años por Europa y América Latina, a 12 países y con más de 120 representaciones y recibe relevantes galardones, como el premio al espectáculo de noche de la última edición de FETEN, el galardón “Freiburger Leiter” de la Kulturbörse de Freiburg 2016 como espectáculo de artes de calle, el premio Zirkolika 2012 a la mejor compañía novel y el FAD 2013- Aplauso a la creación emergente.

Artistas en escena Wanja Kahlert, Adrià Montaña / Idea original Wanja Kahlert, Adrià Montaña / Creación y dramaturgia Wanja Kahlert, Adrià Montaña,  Rolando San Martín/ Dirección Rolando San Martin / Marionetas Wanja Kahlert / Diseño sonoro Wanja Kahlert, Adrià Montaña, Rolando San Martín / Iluminación Carlos Ferrer, Wanja Kahlert, Adrià Montaña / Escenografía Adrià Montaña i Wanja Kahlert /  Técnico sonido y luces Carlos Ferrer / Distribución Amèlia Bautista. 

Más información: http://mercatflors.cat/es/espectacle/el-meu-nom-es-hor/

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Tijuana, de Lagartijas tiradas al sol

11 y 12 de abril a las 19:00 en los Teatros del Canal

¿De qué modos la economía condiciona la manera en que nos relacionamos con la política?

Sala Negra. Duración: 1h 15min

Gabino Rodríguez decidió dar un giro radical a su vida y convertirse, durante seis meses, en un obrero más de una fábrica de Tijuana. Cambió su nombre y sobrevivió con el salario mínimo para vivir en carne propia esa experiencia. Después la volcó en esta puesta en escena. Ser otros, ponerse en el cuerpo de otros… ¿qué, si no eso, es actuar?

Esta obra forma parte de La democracia en México, un ambicioso proyecto con el que Lagartijas Tiradas al Sol busca retratar la realidad política, social e histórica del país, a través de una serie de 32 aproximaciones a mundos sumergidos, como los 32 estados mexicanos.

Un proyecto de Gabino Rodríguez
Basado en textos e ideas de: Gunter Walraff, Andrés Solano, Martin Caparrós
Dirección adjunta: Luisa Pardo
Colaboración artística: Francisco Barreiro
Producción: Lagartijas Tiradas al Sol

Más información: http://www.teatroscanal.com/espectaculo/lagartijas-tiradas-al-sol-2

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Setmana per la llibertad d’Expressió.
Presó La Model, Barcelona.

11 a 14 de abril de 2018

Hemos presenciado un incremento de la represión ejercida sobre la libertad de expresión y manifestación en los últimos años. A las distintas actuaciones de la Audiencia Nacional actuando con criterios políticos conservadores se han sumado la Ley Mordaza y la Reforma del Código Penal como herramientas de censura y control. Las últimas condenas a cantantes como Valtònyc, Pablo Hasél, los juicios contra La Insurgencia, tuiteros/as, humoristas, periodistas y una larga lista de activistas, además de la retirada de obras de arte de museos o el secuestro del libro Fariña, nos obligan a organizarnos para plantar cara y dar una respuesta colectiva contundente.

#NoCallarem mientras existan leyes para enmordazarnos. #NoCallaremosmientras haya una sola persona represaliada en el Estado español por expresarse, actuar o pensar de manera contraria al Gobierno. #NonCalaremos mientras haya activistas perseguidas/os por denunciar la vulneración de los derechos humanos. #NunVamosCallar mientras se persigan personas por el solo hecho de expresar su opinión en redes sociales. #EzGaraIsilduko mientras se limite la libertad de creación artística, mientras se retiren obras de arte, se censure la literatura, se coarte el humor y la sátira o se censuren letras de canciones. #NonCararam mientras se quiera encarcelar a cantantes, humoristas, artistas, activistas… #NoCallarem mientras haya personas en prisión por sus ideas. # NoCallaremos porque mañana puedes ser tú.

Artistas y colectivos luchamos contra la censura y por la libertad de expresión:

Sindicat de Músics Activistes de Catalunya – SMAC! / Ateneu Popular 9 Barris / The Good Good – Promotora de Projectes Artístics / Defender a Quien Defiende / Babel Sound System / Buckshott Sound / SGS – Societat Gastronòmica Subversiva / Defensem DDHH / RAI – Centre de Recursos d’Animació Intercultural de Barcelona / Reskate Studio / Alicia Música / Gats / Novact / Alterevents – Esdeveniments des d’una Economia Transformadora / BccN – Festival de Cine Creative Commons de Barcelona / Casal Antoni Sala i Pont / Tigre de Paper Edicions / El Raig Verd Editorial / Konvent Puntzero / Irídia – Centre per la Defensa dels Drets Humans / Quesoni / La Tremenda / Antic Teatre / Òmnium Cultural / Grup de Periodistes Ramon Barnils / Teatre amb R de República / L’Afluent / La Mosca TV / La Zurda / Contrabanda FM / Scanner FM / Carne Cruda

Dimecres 11 d’abril
Jornada d’Inauguració. Arts moviment i activisme.

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Dijous 12 d’abril
Veus enmordassades. La llibertat d’expressió a presó.

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Divendres 13 d’abril
Músiques engabiades. Censura i música.

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Dissabte 14 d’abril
Veus contra la repressió. Gutenberg enmordassat.

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Diumenge 15 d’abril
#EnvoltemLaModel — Fira Popular per la Llibertat d’Expressió.

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+ info: http://www.nocallarem.org/

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BARCELONA PRODUCCIÓ

LA CAPELLA

ACCIONES EN VIVO

Del 12 al 14 de abril

BARCELONA PRODUCCIÓ es un programa impulsado por el Instituto de Cultura de Barcelona, ​​y coordinado por La Capella, que tiene como objetivo incentivar la producción en el ámbito de las prácticas artísticas contemporáneas. Promueve la participación de artistas, comisarios, críticos, investigadores y otros profesionales centrados en el arte y la cultura contemporánea a través de una convocatoria abierta y una selección de proyectos efectuada por un jurado independiente.

Los proyectos, presentados a partir de una convocatoria pública, son seleccionados por un jurado independiente que en esta edición ha estado formado por David Armengol, Mónica Bello, Joan Casellas, Latitudes (Max Andrews y Mariana Cánepa), Alexandra Laudo y Mireia Sallarès.

En esta última edición, se han ampliado las líneas de actuación incorporando cuatro nuevas categorías, entre ellas, Acciones en Vivo.

Las Acciones en Vivo tendrán lugar en La Capella (Calle Hospital, 56), los próximos jueves 12, viernes 13 y sábado 14 de abril, a las 20h:

-12 abril. Les Brontë. Fine Cherry.

-13 abril. Quim Pujol. Verde Croma.

-14 abril. Eliana Beltrán. The Reading Room #3 – Aparatos del habla y materialismo histœrico.

Entrada libre

 

Les Brontë

Fine Cherry

Jueves 12 de abril a las 20h, La Capella

FINE CHERRY en 7 líneas:

FINE CHERRY no es más que un juego de lenguaje.

FINE CHERRY es un reclamo a la libertad personal en un paisaje postapocalíptico.

Una gran fiesta bacanal Greco-Romana pop-punk glam-trash-glitch como forma de resistencia a la ocupación y colonización de la poética corporal por parte del capitalismo consumista, en un homenaje a la libertad del cuerpo y un reclamo de su poder transportador como portal a los grandes misterios del arte. Un bodegón en directo para contemplar archivos perdidos del futuro. El postapocalipsis es una condición psico-estética. Jonkis estéticos en sobredosis. El Kitsch es el nuevo Rococó.

Hello, daddy. Hello, mom.

I’m your ch-ch-ch-ch-ch-ch-ch-ch-cherry bomb!

The Runaways 1976

Fine Cherry,  Les Brontë

La primera bailarina en traer las enseñanzas de Isadora Duncan y su estilo de danzas libres a Cataluña se llamaba Josefina Cirera, también conocida como Fina Cirera, un nombre que, si se traduce literalmente al inglés, sería… Fine Cherry.

No se sabe gran cosa de dicha bailarina, con la excepción de que a principios de los años treinta hizo una gira por los teatros romanos con la Banda Republicana como protagonista de las tragedias griegas Electra y Medea.

El caso es que el nombre trae a la memoria a otro del que sí se saben muchas cosas: Cherry Vanilla, una gran dama infame del punk de los años setenta, que pasó de groupie a actriz fetiche de Warhol en su obra de teatro Pork, trabajó como publicista polémica para Bowie (con tácticas de márquetin tan punks como ofrecer mamadas a cualquier DJ de Nueva York que lo pinchara) y acabó sacando su propio disco, Bad Girl.

¿Qué ocurre si mezclamos un movimiento de danza libre con una estética punk? O viceversa: ¿un movimiento punk descontrolado dentro de una estética modernista o de mitología griega? ¿Qué pasaría si levantáramos el cuerpo grecorromano renegado de las catacumbas y lo vistiésemos de modernidad?

Al explorar estas dos estéticas creamos una nueva, que se manifiesta en un cuerpo-(des)concierto. Ofrecemos nuestra danza como un sacrificio humano que estira las ruedas de la historia y después se ve arrastrado debajo suyo. Utilizamos el cuerpo como un archivo en vivo de la representación de la forma femenina, desde Boadicea hasta Beyoncé, subvirtiendo los ideales de la belleza corporal establecidos en el arte, la moda y la cultura popular desde los romanos hasta los románticos para cuestionar nuestra visión colectiva actual. En vez de seguir la última tendencia de llevar la danza a los museos, pretendemos llevar el museo a la danza con el propósito de perturbar y renovar su gramática. Como las diosas del Partenón en el Museo Británico, hemos sido desplazadas y despojadas de nuestro contexto natural y nos encontramos en el punto de mira del público para ser objeto de escrutinio y maravilla. Hasta el punto que la polémica sobre cómo se debe presentar la forma femenina en la sociedad contemporánea, entre burkinis y bolsas Birkin, es tan exagerada que una cosa tan estúpida, sin sentido y surrealista como ponerse un trozo de jamón de York sobre la cara (tranche de jambon) puede convertirse en un reclamo político de alta sensibilidad y potencialmente muy ofensivo.

Pero, por supuesto, no es nuestra intención ofender a nadie con nuestras desfiguraciones. En el fondo, Fine Cherry no es nada más que un juego de palabras. En el fondo, Fine Cherry es una excusa para pintarse de color dorado, teñirse el cabello de color fucsia y friquear. En el fondo, Fine Cherry es un reclamo a la libertad personal en un paisaje postapocalíptico.

Pretendemos montar una gran fiesta bacanal grecorromana pop-punk-glam-trash-glitch como forma de resistencia a la ocupación y a la colonización de la poética corporal por parte del capitalismo, en un homenaje a la libertad del cuerpo y un reclamo de su poder transportador como puerta a los grandes misterios del arte. Una colección de archivos perdidos del futuro. El postapocalipsis es una condición psicoestética. Yonquis estéticos en situación de sobredosis. El kitsch es el nuevo rococó.

“Hello, daddy. Hello, mom.

I’m your ch-ch-ch-ch-ch-ch-ch-ch-cherry bomb!”

The Runaways, 1976

LES BRONTË

Les Brontë es un dúo artístico afincado en Cadaqués, casa del divino Dalí, y formado por la bailarina Victoria Macarte y la artista textil y visual Rosa Tharrats. Les Brontë se conocieron en 2011 cuando trabajaban en la película Història de la meva mort, de Albert Serra, en que la luz de Casanova se encuentra con la oscuridad de Drácula. Llenaban las horas fuera de plano por los castillos de Francia y Transilvania jugando con el vestuario de época y haciendo pequeñas performances para entretener a los actores en espera. De aquel entonces viene la inspiración para llevar a cabo un proyecto artístico colaborativo, y el sobrenombre de “Les Brontë”.

Han llevado su proyecto estético Neotaxidermia desde sus orígenes, en Berlín, hasta Barcelona y hasta rincones de la España profunda bajo proyectos de comisariado del grupo AADK.

Su obra se expande por la danza, la performance, la moda, la música, el vídeo, la instalación y las artes visuales, de una estética primordial transpuesta a la era digital. La obra evoluciona, pero se basa en este concepto de “neotaxidermia” como transferencia de imagen o esencia, restos tangibles de ideas o recuerdos. Esto lo hace capturando la “retromanía”, apropiación cultural y propagación salvaje de tendencias actuales con elementos visuales y vivos de performance como el folclore de nuestro tiempo. Ciencia ficción de época. Una colección de archivos perdidos del futuro. El postapocalipsis es una condición psicoestética.

Quim Pujol

Verde Croma

Viernes 13 de abril, a las 20h, La Capella

Los colores son una construcción cultural que consiste en identificar y nombrar una franja determinada del espectro luminoso. Este proyecto propone una acción en vivo basada en expresiones relacionadas con el color para desarrollar una composición de palabras, sonidos y gestos que nos haga cuestionar lo que los colores producen. Como las pantallas “Verde croma”, este trabajo es una superficie donde se puede proyectar cualquier cosa.

Quim Pujol (1978)

es escritor, comisario y artista. Trabaja en los límites entre la escritura, las artes en vivo y el arte contemporáneo. Desde 2014 investiga y modifica técnicas corporales ya existentes con fines políticos. Sus últimos trabajos en este sentido son Trance colectivo (2014), ASMR del futuro (2015), BDSMmm (2016) y Fregoli (2017). Ha participado en exposiciones como Intervalo. Acciones sonoras, en la Fundació Antoni Tàpies, o Visceral Blue, en La Capella. Ha coeditado, junto con Ixiar Rozas, el volumen sobre teoría afectiva Ejercicios de ocupación (Ediciones Polígrafa, 2015), y fue comisario de la Secció Irregular del Mercat de les Flors entre 2011 y 2015. También ha impartido clases en el Programa de Estudios Independientes del MACBA.

Eliana Beltrán

The Reading Room #3 – Aparatos del habla y materialismo histœrico

Sábado 14 de abril,a las 20h, La Capella

The Reading Room es un proyecto que se interesa en la exploración abierta de otras formas de lectura colectiva. Su tercera sesión presenta una acción que se sitúa entre los límites del ensayo abierto, el microteatro, la performance y la instalación escultórica, a la vez que estudia la idea de la escritura de obras de teatro como medio. Trabajando desde la reapropiación del texto “El cuerpo omnisciente”, de Miran Božovič, rico en material narrativo, pinceladas surrealistas, filosofía del materialismo, misoginia disimulada y adoctrinamiento, y en el cual se examina el tema de la voz acusmática en la primera novela de Diderot, Les bijoux indiscrets, y en leyendas pitagóricas como posible origen del término, se propone una deconstrucción del sentido que pasa por la acción de dos mujeres batería que corporizan dos o tres personajes, una escultura que se presenta como actor y toda una alteración de la idea de lugar que pasa por lo que es audible como representación y como ficción.

Con la colaboración de: Hangar

Eliana Beltrán (Medellín, Colombia, 1984)

vive actualmente en Barcelona y es residente de larga duración en el Centro de Producción e Investigación de Artes Visuales Hangar (2016-2018). Hizo el máster de arte sonoro en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona (2015-2017). Estudió arquitectura en la Universidad Pontificia Bolivariana de Medellín (2001-2006), e hizo el proyecto de final de carrera en la línea de profundización: teoría, crítica y proyecto. Es batería; se dedicó a descubrir el instrumento de forma autodidacta como integrante de proyectos musicales de carácter experimental de la escena alternativa nacional colombiana (2005-2014). Inició estudios en la escuela de música de la Universidad EAFIT, con énfasis en la percusión sinfónica (2012). En Hangar ha sido seleccionada en las dos últimas convocatorias de la beca Encura por los comisarios ganadores. Su obra se ha podido ver en exposiciones colectivas en Medellín (en la edición 43 del Salón Nacional de Artistas, 2013) y en Barcelona (en el festival Zeppelin, organizado por la Orquesta del Caos en el CCCB, 2015). Como arquitecta, ha recibido varios reconocimientos durante sus años de práctica profesional (mención de honor en la categoría de proyecto arquitectónico en la xxiii Bienal Nacional de Arquitectura Colombiana, 2012). Sus recientes prácticas espaciales integran distintas formas de producción, y reflexionan desde ámbitos como la arquitectura, la ficción y lo efímero de las cosas audibles, en tensión y/o yuxtaposición con otras formas de la idea de los elementos espaciales y el cuerpo.

www.elianabeltran.info

Más info: http://lacapella.bcn.cat/es/activitats/actuals

 

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