Ça Va by Ça Marche

Ça va es el esfuerzo de hacer presente y fáctico, lo perdido y lo latente. De aprovechar la estela del pasado para forzar un presente y “hacer una escena” con lo que nos ha abandonado. Es un ciclo de pérdidas reencontradas en escena. Recuperar el tiempo perdido es una tarea imposible. Ça va juega con el fetiche del momento perdido: con los restos humeantes del que se ha abalanzado sobre otro y se ha encontrado con la ausencia y la pérdida. En un sitio hay un montón de ruinas aun humeantes: algo que parece un ser humano y nos aparece sin carcasa. Y otra cosa más: Kokoschka, enamorado de Alma Mahler, pero no correspondido por esta, construyó una muñeca idéntica y de las mismas medidas que su amada.

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En 2015, después de tener la necesidad de encontrar un espacio de creación e investigación de la escena y los límites del teatro, fundamos Ça marche. La compañía, formada por creadores de diferentes disciplinas, pretende aproximarse a la escena de una manera irreverente y explorar todos aquellos espacios negativos y de fuga en el teatro. Ça marche está convencido de que si queremos hablar de nuestra contemporaneidad, debemos contemporanizar la escena y reflexionar sobre los elementos críticos de nuestro momento: los cuerpos y el movimiento, los discursos sobre el individuo y la comunidad y todas aquellas cuestiones sobre la virtualización de la experiencia y el alejamiento de lo real.

 

Lugar: Hiroshima

Fecha: 2 y 3 de noviembre.

Hora: 20:30h

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¡Circula! Solos Bach & Gould by Albert Quesada

Esta semana Hiroshima ¡Circula! junto a la APdC. El proyecto ¡Circula! surge como una necesidad de establecer redes de colaboración entre los distintos actores del sector de la danza a nivel nacional. Pretende generar una red de cooperación e intercambio artístico que rompa las barreras geográficas i que ofrezca una programación a nuestros creadores.

Solo on Bach & Glenn es un estudio minucioso de la famosa interpretación de las Variaciones Goldberg de Bach que hizo Glenn Gould, basado en instrucciones escritas, íntimamente relacionadas con el sonido de piano y las palabras del pianista. El músico graba las variaciones, se equivoca y lo intenta de nuevo, nos habla de su manera de tocar y grabar. El movimiento acompaña y al mismo tiempo dirige la música.

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La partitura utilizada para el espectáculo Solo on Bach & Glenn (2008), fue reescrita y pasada a dos bailarinas. Ellas han creado su propia interpretación y la bailan con el sonido organizado por Albert Quesada.

El dúo Solos Bach & Gould ofrece dos nuevas interpretaciones de la partitura, el sonido de Mr. Glenn Gould hablando y tocando. Y también texto proyectado en forma de sub /supertítulos de lo que oímos y de las partituras que dan origen a los movimientos.

Albert Quesada es un bailarín y coreógrafo español basado entre Barcelona y Bruselas. Se formó en MDT (Amsterdam) y PARTS (Bruselas) después de sus estudios de filosofía y de ingeniería multimedia en Barcelona. La exploración y la traducción de estructuras musicales y composiciones en la coreografía y la invitación al espectador a percibir y escuchar las obras propuestas, se ubica en el corazón de su trabajo coreográfico. Junto a ello, Albert está intrigado por el movimiento y la dinámica de grupo, inspirado por su colaboración con ZOO / Thomas Hauert.

Bajo el nombre de la compañía ACME, lleva a cabo muchos proyectos artísticos, tanto educativos como para escena. Esto sucede junto con sus colaboradores Marcus Baldemar, Federica Portello, Mireia de Querol, y Zoltán Vakulya. El nuevo proyecto de ACME será una colaboración con el compositor Octavi Rumbau para L’Auditori de Barcelona.

Lugar: Hiroshima

Fecha: 30 de Octubre.

Hora: 19:00h

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¡Circula! ATLAS by La Coja Dansa

Esta semana Hiroshima ¡Circula! junto a la APdC. El proyecto ¡Circula! surge como una necesidad de establecer redes de colaboración entre los distintos actores del sector de la danza a nivel nacional. Pretende generar una red de cooperación e intercambio artístico que rompa las barreras geográficas i que ofrezca una programación a  nuestros creadores.

La Coja Danza presenta, por primera vez en Barcelona, Atlas. Este espectáculo es una revisión crítica del cuerpo y la imagen como sujetos de memoria. Atlas es una máquina para agenciarse de una biografía compartida. Un dialogo circular que vincula cuerpos vivos y cuerpos imagen, donde están presentes todas las edades de los cuerpos, y todas las edades de la imagen. Es una inmersión (documental de cuerpo) para traer del pasado momentos que en su revocación son siempre diferentes, pasados móviles que se desplazan en cada representación. ¿Cómo puede funcionar ahora nuestro cuerpo al servicio de nuestra historia, de nuestra biografía, al servicio de nosotros mismos?

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La Coja Dansa nace en la Facultad de las Artes de Altea en 2000 y se profesionaliza en 2004 con las piezas Fracaso nº6 y J’aime beaucoup le fromage. Instalados en Valencia, presentan Nada que Ver en 2005, Mucho que Perder en 2006, Todo por Hacer en 2007, Compañía, Prólogo del Temblor y Retrats Habitats en 2008, Fracaso n.7, Fracaso n.8 y Fracaso n.9 (Mejor Espectáculo de Danza en los Premis Abril 2010) en 2009, No Falta Ninguno (nominado como Mejor Espectáculo de Danza en los Premis de Arts Escèniques de la Generalitat Valenciana) en 2010 y Accidia y Amagatall en 2011, La Muerte del Perro en 2012, Lladruc en 2013 y Quemarse y Chillar y Qualsevol en 2014.

Lugar: Hiroshima

Fecha: 28 y 29 de Octubre.

Hora: 20:30h

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Tus canciones favoritas

Este proyecto de Jorge pone en escena su investigación acerca de nuevas técnicas para crear música, al mismo que tiempo que nos descubre su propia voz como un nuevo instrumento. Tras la sorpresa que provoca este descubrimiento, añadido a su estilo transparente, surge una mezcla curiosa de canciones originales y también versiones de sus canciones preferidas, que pasan por artistas como Bjork, Radiohead o Amy Winehouse, entre otros.

Jorge presenta su primer álbum en solitario: These are a few of my favorite songs, donde todos los sonidos provienen solamente de dos instrumentos: la voz y el contrabajo, que le dan a cada una de las versiones un carácter nuevo, destacando la originalidad y la sensibilidad del músico portugués. Es sorprendente la versatilidad de esta propuesta en cuanto a estilos, recursos tímbricos, ambientes y efectos sonoros que captan la atención del oyente desde el primer momento.

Actualmente, el músico está trabajando en su segundo disco, que será grabado a finales de este año. El concepto es el mismo del anterior pero todas las canciones serán originales: los temas son fruto de esta investigación y plasman algunas de sus vivencias personales.

 

Lugar: Hiroshima

Fecha: 23 de Octubre.

Hora: 19h

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Come Back Tania Arias Winogradow

Estamos de enhorabuena!!!

Vuelve a Hiroshima Tania Arias Winogradow. Después de Bailarina de Fondo en Concierto presenta su nuevo trabajo

Danza más Cabra, junto a Sindo y Celeste González.

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Tras su paso en residencia por L’Animal a l’Esquena, continua con el proceso de creación en Hiroshima, del 17 al 22 de Octubre, Danza más cabra surge a partir de unos cuernos y en estrecha relación con el mundo de la moda, especialmente con la figura de Alexander McQueen. The Horn of Plenty Dress, un título prestado de una colección de McQueen, la remite al vestido del cuerno de la abundancia. Así, el punto de partida de DMC es el anti – discurso como un motor para seguir en movimiento. La coreógrafa parte de aquello más superficial, de una cosa tan accesoria como es el complemento de moda, combinando los diferentes lenguajes de movimiento como un accesorio más. De poner y quitar. La pieza se estrenará el día 21 y 22 de octubre a las 20:30h.

 

Arias Winogradow cuando baila mira el mundo, Lo escruta con ojos fijos, con mirada dura. Mirada conformada por mismas cantidades de determinación que de fragilidad, de exposición que de técnica, de libertad que de duda. La suya es una técnica vertical, que rechaza la floritura pero que acaba dejando entrar en tensión lo poético.

 

Lugar: HIROSHIMA

Fecha: 21, 22 de Octubre.

Hora: 20:30h

Comprar entradas: HIROSHIMA

 

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PRÈMIERE – MÚSICA ELECTRÓNICA – TOPOGRAFÍA ESCÉNICA

Ensemble Topogràfic en HIROSHIMA

14 , 15 /10/2016 a las 20:30h

16/10/2016 a las 19:00h

 LLAC es un espejo trucado, que rehuye la mirada, un mundo virtual donde el avatar está expuesto, controlado, bajo observación constante; es la figura artificial que se alimenta de las expectativas humanas, del fracaso, de la melancolía de lo no vivido en la realidad terrenal.

LLAC es un falso paisaje, la escenografía abstracta alrededor de un personaje y su proyección de sí mismo. El protagonista navega en los límites de la ficción sonora. Confrontación y confusión continuas entre el discurso acústico por un lado y el electrónico por otra, mientras que en el movimiento reina un lenguaje lineal, minimalista, contenido y preciso en apariencia. La coreografía y la música parecen no obedecer a ningún estado ni pauta emocional, la narración y el clímax no existen. Sólo alguna ansia romántica y, en definitiva, humana, perturbará el personaje que habita en el escenario.

El grupo Ensemble Topogràfic es un combo de movimiento y sonido en directo, que ha sido presentado ya en diversos escenarios de la escena musical. Esta vez se adentran en un universo más escénico y coreográfico. Si en las dos primeras piezas, Sedimento y Niebla, Ensemble Topográfico hablaba de las fronteras entre lo que sentimos como casa y el mundo desconocido, la dualidad de los orígenes en la naturaleza y nuestra vida actual suelto en la densidad urbana, en LLAC investigan umbrales más internos. Son los lugares recónditos, íntimos, oscuros, que nos llevan a producir nuevos paisajes donde desarrollar nuestros “alter ego” virtuales.

Ensemble Topogràfic en HIROSHIMA

14 , 15 /10/2016 a las 20:30h

16/10/2016 a las 19:00h

 

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Estrena europea: Mercurial George by Dana Michel

Ésta sábado 11 de junio llega, en única función, una de las apuestas de esta temporada: la performer Dana Michel, justo una semana después del estreno de su espectáculo en el festival FTA de Montreal; Hiroshima acogerá el estreno europeo de su última performance, Mercurial George, en una única función.

Después de la aclamada Yellow Towel, Mercurial George traza y transforma lo banal, provocando un cierto malestar. Atravesando montones de escombros que permanecen después de profundizar en la marginalidad y la herencia cultural, Dana Michel ofrece un solo desestabilizador.

Dana Michel es verdaderamente original, peculiar a la enésima potencia y muy convincente en el escenario. Ella apenas baila, apenas habla, su forma es oblicua. (…) Ella fue el más importante descubrimiento del American Realness Festival en el Centro de Artes Abrons en enero.

Alastair Macaulay, The New York Times, junio de 2014

Venta de entradas e info AQUÍ

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Borja Flames: Nacer Blanco

Concierto de presentación de NACER BLANCO de BORJA FLAMES en cuarteto. Una experiencia hipnótica, adictiva y emocionante, entre el spoken-word, la música experimental, el art-pop y el folclore sin fronteras. En la línea de pioneros como Moondog, Robert Wyatt o Terry Riley.

NACER BLANCO es el primer trabajo en solitario de Borja Flames, español afincado en París que, tras formar parte de grupos como el dúo Belmonde, cercano a la música improvisada y experimental o, ya en París, del dúo de canción francesa June et Jim (junto a la chamánica Marion Cousin) decide, desde la capital vecina, poner sobre la mesa sus propias inquietudes. El resultado de este primer acto son doce canciones donde se mezclan melodías radiantes, compases impares, estructuras y voces en canon, fervor e irreverencia a partes iguales, complejidad e inmediatez, experimentación, música pop y fascinación por las músicas primitivas (de los field-recordings a las músicas tradicionales del mundo entero) por su componente de trance, misterio, brutalidad y sensualidad.

Única actuación: domingo 24 de abril – 19H

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ASSOLUTAMENTE SOLO [UNO SPETTACOLO DI TRASFORMISMO]

Ésta semana, miércoles 20 y 21 de abril a las 21h, tenemos programado el espectáculo de David Batignani: Assolutamente Solo (Uno spettacolo di trasformismo).

Un padre y su hijo, juntos, construyen un “lugar de encuentro” en un cuerpo común, ficticio como son los personajes en los que se multiplican los transformistas en sus actuaciones pero tan reales como los signos que marcan sus rostros. Un “lugar de encuentro” profundamente íntimo y externo para ambos.

Más info y entradas aquí

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Sapucay by Chroma Teatre

Sapucay es el grito valiente de tres hermanas que sobreviven en un escenario rural, una estampa casi mítica, dentro de una obra onírica, surreal, entre el musical norteamericano y el drama realista. Llena de contrastes (del microgesto a una teatralidad muy física e intensa en las interpretaciones), la pieza crea algo parecido a un Dallas aborigen cerca del río Paraná.

Daos prisa, que aún quedan entradas a la venta en nuestra web.

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