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Una Mesa Propia de Olga Mesa | 17 y 18 de enero en el Mercat de les Flors de Barcelona

Una Mesa Propia (danza de manos) es un proyecto transversal: una película, una instalación, una creación escénica. Esta historia está anclada en un imaginario femenino, donde se cruzan, como personajes de un diálogo soñado, varias figuras de mujeres inspiradoras (Marián Suárez, Virginia Woolf, Isadora Duncan y Olga Ivanovna Preobrajenskaïa entre otras), junto a presencias más cotidianas: madre, hermana, amiga… Olga Mesa propone construir un paisaje en contínuo movimiento y transformación, invitándonos a descubrir lugares de una sensibilidad a la vez personal y colectiva. Los lugares de nuestra fragilidad, de nuestra presencia efímera en el mundo. Una Mesa Propia es un relato coreográfico y fílmico, una cartografía de presencias que nos transporta hacia horizontes de resistencias íntimas. Y más allá, es una constelación de sueños y visiones futuras compartidas.

Olga Mesa, figura clave de la danza contemporánea española de los noventa, vive y trabaja en Estrasburgo. Ha hecho de la cámara su cómplice, cuestionando a través de ella la experiencia del espacio y la construcción de la mirada, en la que su cuerpo se convierte en herramienta de visión, sujeto y objeto de sus narrativas. Desde 2010, codirige su compañía Hors Champ // Fuera de Campo con el artista vasco fuera de formato Francisco Ruiz de Infante. Juntos desarrollan nuevas constelaciones espacio-temporales en las que confluyen e interactúan sus lenguajes artísticos, preocupaciones y visiones de resistencias futuras.»

Más información: Mercat de les Flors

La Distance de Tiago Rodrigues | 15 al 18 de enero en el Teatro María Guerrero (Centro Dramático Nacional) de Madrid

Sobre el espectáculo

En el año 2077, una humanidad dividida se enfrenta al colapso económico y climático mientras una parte de la especie busca refugio en Marte. En este contexto, un padre lucha por sostener el vínculo con su hija, separada por millones de kilómetros. La Distance se presenta como una pequeña pieza vital perdida en la inmensidad cósmica. Con esta premisa distópica pero cercana, la obra reflexiona sobre el impacto de nuestros actos y sobre la posibilidad de entendimiento entre padres e hijos. El autor enfrenta ambos mundos mediante una serie de conversaciones espaciales que desafían la soledad del cosmos y convierten la distancia interplanetaria en una metáfora de la desconexión humana.

Nota del autor y director

Comienzo cada proyecto intentando responder a dos preguntas a la vez. La primera es: ¿con quién quiero trabajar? Pero no se trata solo de trabajo. Sabiendo que la vida es corta, que el tiempo es precioso y que hacer teatro es una actividad intensamente social, donde se solapan las esferas profesional y personal, la pregunta adquiere una forma diferente: ¿con quién quiero pasar una parte significativa de mi vida, trabajando y compartiendo una experiencia que podría resultar transformadora? La segunda pregunta es: ¿qué problemas siento la necesidad urgente de abordar en el escenario? Aquí también, la pregunta puede tener otros significados, porque en el pasado he tendido a traducir una especie de síntesis de mis preocupaciones como ciudadano con mis propias ansiedades privadas en un sentido de urgencia artística. La pregunta, entonces, es: ¿qué asuntos de urgencia íntima y política siento la necesidad de traducir al teatro? Por lo tanto, el primer reto que me planteo en la génesis de cada proyecto es intentar conciliar las respuestas a estas dos preguntas.

La primera respuesta es Adama Diop. Trabajé con Adama por primera vez en 2021, en la única producción de una obra del repertorio que he realizado hasta la fecha, El jardín de los cerezos de Chéjov. Su Lopakhin, tan complejo, auténtico y lleno de humanidad, mereció plenamente el premio al Mejor Actor de la Asociación de Críticos de Francia y conmovió al público de numerosos países. Mi deseo de volver a trabajar con Adama responde al deseo de prolongar la colaboración que iniciamos hace tres años y de profundizar en una complicidad artística basada en una comprensión compartida de la responsabilidad y la libertad de un actor en escena. Reunir un equipo de colaboradores artísticos habituales en iluminación, sonido, escenografía y vestuario en torno a la presencia artística de Adama es un punto de partida fundamental para este proyecto. La segunda respuesta se compone de varias respuestas fragmentarias, que se unen en un laberinto de coincidencias temáticas y poéticas. Me interesa explorar la distancia que puede desarrollarse entre un padre y una hija como sujeto concreto, pero también como metáfora de un conflicto generacional que, en el contexto de la crisis climática actual, a veces puede traducirse en un conflicto existencial.

Quiero hablar sobre la idea de que la humanidad ha llegado a un punto en su historia en el que ya no podemos esperar que las generaciones futuras tengan una vida mejor que las recientes, una aspiración que ha sido la base de las organizaciones sociales y políticas durante siglos. Necesito preguntar cuán grande será la brecha generacional en un futuro distópico, pero cada vez más realista, una época de lucha por los recursos y catástrofe ambiental. Quiero comprender si los jóvenes de hoy y del futuro verán el mundo (o los mundos) de forma tan diferente a nosotros y a nuestros antepasados ​​que les resultará difícil comprendernos. También me interesa proyectar una narrativa hacia un futuro relativamente lejano, dentro de cincuenta años, en un intento de interrogar qué camino debería tomar la humanidad si colonizáramos Marte. ¿Cómo se seleccionará a los colonos? ¿Cómo será la vida en Marte y en la Tierra? ¿Qué significa pertenecer a una especie que vive en dos planetas? ¿Cómo cambiarán los comportamientos familiares, sociales y privados este proyecto de diáspora espacial? Uno de los temas de conversación recurrentes que he compartido con Adama desde que nos conocimos es la formación teatral, basada en nuestra preocupación común por los caminos que siguen los jóvenes artistas. Además, ambos somos padres y nos interesa cómo ven el mundo nuestros hijos e hijas.

El hecho de que ambos vivamos y trabajemos en un país distinto al nuestro es otra circunstancia compartida que orienta nuestras conversaciones hacia el tema de la distancia. Cuando empezamos a reunirnos para hablar de este proyecto, tuve claro de inmediato que el terreno de nuestra colaboración sería propicio para inventar una obra que abordara la distancia entre un padre y una hija, una alegoría íntima y microscópica de asuntos de una urgencia global monumental.

Tiago Rodrigues

Más información: CDN

Morphine (Nana para Emmy Hennings) de Luz Arcas / La Phármaco | 15 al 17 de enero en el Teatro de la Abadía de Madrid

Tras el éxito del Ciclo de los milagros, Luz Arcas y La Phármaco regresan al Teatro de La Abadía con Morphine, una colisión a tres cuerpos. El cante atávico de Inés Bacán, cantaora de leyenda y gitana de Lebrija; el espacio sonoro diseñado por Xabier Erkizia, que juega parcialmente en directo con la voz de Inés Bacán y los elementos en escena (la mesa, las cadenas, incensarios, etc.); el cuerpo contundente, abierto y cerrado de Luz Arcas, que se deja poseer por voces y sonidos.

Esta nueva pieza está llena de interrogaciones, de palabras mudas que hablan. No se asevera nada, no se representa, simplemente se bucea en un mundo en el que los muertos no están muertos. La inteligencia corporal de Luz Arcas se manifiesta ahí. No habla. No dice nada. Sencillamente hace. Todo es presencia.

Sobre la obra

Morphine es una sesión de espiritismo, una invocación. La lectura de Emmy Hennings (poeta, novelista, bailarina, mendiga, morfinómana, prostituta, presa y mística cristiana) ha sido fundamental para encarnar una poética que se mueve entre la oración y el sacrilegio, la devoción y la iconoclastia, la revelación mística y la adicción.

En la obra conviven elementos rituales de Andalucía (incensarios de Loja, campanilleros de Archidona), con el flamenco de Lebrija (el cante de Inés Bacán) referencias de la cultura religiosa popular mediterránea (Santa Águeda, patrona de Catania y Sicilia), con elementos de mi biografía y memoria familiar (la mesa en la que mi bisabuelo hacía espiritismo para comunicarse con su mujer muerta) y mi necesidad de habitar el espacio-tiempo de una manera más libre, un acto de resistencia a lo que llamamos realidad.

En el baile, desarrollo el concepto coreográfico que llevo trabajando los dos últimos años, y que llamo Cuerpo último: energías fuera de sí, que extraigo de los textos de la espirita histórica Agustina González y me conduce por las dinámicas del trance y animismo en la cultura cristiana marginal, doméstica y anarquista.

(Luz Arcas)

Más información: Teatro de la Abadía

Exercicis de crueltat per a infants d’Arnau Sanromà i Enric Marzà | Del 8 al 18 de gener a la Fundació Brossa de Barcelona

Exercicis de crueltat per a infants és una exploració escènica i plàstica al voltant del tòpic doppelgänger, un terme alemany que serveix per definir el doble fantasmagòric o malvat d’algú. A través d’una construcció grotesca i musical, s’hi explora la violència d’un passat no viscut; els fantasmes que heretem i que se’ns repeteixen al llarg de la nostra vida.

En un món caòtic i corrupte, dos germans bessons viuen amagats en un jardí. Lluny de rendir-se davant l’amenaça de l’exterior, els infants decideixen practicar una sèrie d’exercicis de crueltat per endurir-se i preparar-se pel món que els espera.

ARNAU SANROMÀ I ENRIC MARZÀ
Dos joves creadors que conformen una companyia escènica amb una clara voluntat de recerca formal i poètica, marcada per una atenció especial a la musicalitat i ritme dins de l’espai escènic. La seva pràctica es vertebra al voltant de la creació de dispositius escènics que defugen de les textures realistes, proposant imaginaris i mons propis a través d’una dramaturgia singular i d’una estètica grotesca. Han estat residents en espais com Fabra i Coats, Sa Talaia i La Unió Santcugatenca, i la seva primera peça, Exercicis de crueltat per a infants, s’ha presentat en escenaris com la Sala Planeta, Espai Inestable, Sala Clavé o el Festival S’Illo —on van obtenir tots els premis del certamen: millor direcció, dramatúrgia, interpretació i obra—.

Més informació: Fundació Joan Brossa

InBalanceIn de Sònia Gómez | 3, 4, 7, 10 y 11 de enero en el Mercat de les Flors de Barcelona

Recomendado de 2 a 5 años

Partiendo de la pulsión innata de las criaturas para moverse, descubrir y experimentar sin miedo, esta creación propone una situación escénica que se centra en el equilibrio. El espectáculo se divide en dos partes: MirAMirA, en la que tres especialistas en equilibrios, danza y performatividad montan estructuras que bailan con el cuerpo, telas y objetos diversos. En la otra parte, MOuMOu, se invita a las niñas y los niños a participar jugando. El hilo conductor es una metáfora sobre los equilibrios para buscar, nuestro lugar en movimiento o en calma, mirando e imaginando. Este espectáculo coproducido por el Mercat lo pudimos ver hace dos temporadas dentro del festival elPetit, y ahora lo volvemos a programar.

La bailarina, performer y coreógrafa Sònia Gómez, formada en el Institut del Teatre de Barcelona y en la escuela P.A.R.T.S de Bélgica, trabaja desde 2004 en proyectos que tienen como ejes temáticos la construcción identitaria, pero también el descubrimiento de ciertas imposturas sociales con el arte y de las imposturas del arte a través del cuerpo y la performance.

Más información: Mercat de les Flors

Extinction Rave de Fundación Mis Bragas | Del 9 al 25 de enero en el Tantarantana de Barcelona

<<Entrenar para alcanzar una suprema y desbordante apatía>>

¿Sabías que la palabra “pastel” se mencionó 10 veces más que “cambio climático” en los programas de televisión del Reino Unido en 2020? Como los músicos del Titanic en medio del naufragio seguimos pinchando techno eludiendo la tragedia final. Extinction Rave no es más que otra pieza antropocéntrica que finge una tensión con el entorno, pero en verdad, le da igual. Ha perdido el norte. Cuerpos edulcorados, productivos, medicados, sometidos al mandato de la felicidad obligatoria y, a la vez,  precipitados al colapso ambiental.

Cada especie suele durar en la Tierra una media de cinco millones de años y luego desaparece. La nuestra lleva unos 200.000 y, según algunas expertas, nos lo vamos a tener que currar mucho para alcanzar la esperanza de vida media de las otras especies. ¿Qué voy a hacer con esta información? Entrenar para olvidarla en el menor tiempo posible. Entrenar para alcanzar una suprema y desbordante apatía. Entrenar la indiferencia, para ser pura, íntegra e incontinente desidia.

Más información: Tantarantana