— MuroTRON

20 de marzo a las 19.30h en Hangar

El 20 de marzo el compositor japonés FUJI||||||||||TA celebra una apertura performativa de su investigación Minimal techno by physical phenomena que está desarrollando en Hangar durante una residencia de un mes. Esta residencia es posible gracias a la beca To Be Made Instrument, que se enmarca dentro de la línea de investigación-acción de Hangar Políticas de la escucha.

El trabajo de FUJI||||||||||TA es el resultado del interés por la escucha como método principal de composición. Su música refleja el comportamiento del sonido y las estrategias de escucha con las que nos involucramos activa y pasivamente en la vida cotidiana. En 2009 Fujita fabricó un instrumento DIY, un órgano tubular basado en un antiguo sistema de herrería japonés llamado “gagaku”, con 11 tubos y ningún teclado. Partiendo de su propia imaginación, sin conocimiento especializado alguno, fue diseñado para crear ambientes más que funcionar como instrumento musical. Más recientemente, Fujita ha añadido el elemento agua a su repertorio, mediante la incorporación de tanques de agua sintetizados con sonido, junto al órgano de tubos y la voz.

En los últimos meses estamos sosteniendo una reflexión profunda sobre la necesidad de repensar el papel que deben adquirir otras formas de sensibilidad y, en particular, en relación con la escucha y las prácticas sonoras que tradicionalmente han encontrado anclaje en Hangar: contextos, comunidades y apoyos. Este ejercicio ha dado lugar a una implementación de la ya consolidada beca sonora de Hangar, antes llamada Audioformal, que a partir de este año pasa a denominarse To Be Made Instrument. La intención es generar un contexto de investigación y trabajo específico en prácticas sonoras y de escucha desde la constatación de que son tan necesarios como carentes en el contexto local y también internacional. To Be Made Instrument examina la experiencia de la escucha como práctica poética y política de resistencia, solidaridad y comunalidad frente a la individualización neoliberal y sus efectos bio-geopolíticos.

Entrada en puerta: 5 €. 

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Melena Androide – Del 21 al 24 de marzo en Carme Teatre

Un pez y un dispositivo inteligente conectado a un cuadro de un pez que canta y baila viven en la estantería de una persona que no sale de su habitación y está siempre online.
Un teen adult saturado se conecta a un entorno de realidad virtual para pedirle una cosa a una chica. Un tío sale un domingo de un brunch y roba una moto para demostrarse a sí mismo que no es un npc. Una estudiante entrevista a una criminal involucrada en un incidente relacionado el Circuito de Formula 1 de Valencia para su tesis. Una señora tiene una epifanía en un centro comercial. El primer huracán de la historia del Mediterráneo tocará la costa en tres minutos.
En GLUP, GLUP, GLUP, como en una aventura de una cajita de regalo de experiencias de 20€, visitamos un acuario escénico (metafórico xD) para ver a gente hundida en las profundidades de Internet y buceamos en él a través de una serie de historias sobrevoladas por la sensación de existir ya solo como presencias encapsuladas en pantallas de otra gente.
GLUP, GLUP, GLUP es la tercera parte de una serie de proyectos escénicos pertenecientes a una misma línea de investigación artística, formada por WOF, WOF, WOF (estreno en Teatro Pradillo 2019, y Premio ACT Residency 2020) y MIAU, MIAU, MIAU (ganadora de la VI Convocatoria de Autoría Ultramar 2021, Residència creació Carme Teatre y candidata a Max Espectáculo Revelación). Inspiradas inicialmente por un libro de veterinaria de mi padre llamado “Etología: la conducta animal, un modelo para el hombre” e influenciadas enormemente por Internet, el cine, la literatura o los videojuegos, cuyos diferentes códigos narrativos y estéticas se filtran en lo escénico, las piezas abordan temáticas como el tiempo, la violencia, la sensación de declive de las cosas, los devenires sociales y su influencia en la vida cotidiana, etc., y comparten entre sí a los animales domésticos, como el perro, el gato, o, en este caso el pez, como testigos oculares de nuestra civilización, pero también cohabitantes en nuestra intimidad.

Más información y entradas: https://entradas.carmeteatre.com/espectaculo/4/glup-glup-glup.html.

Andrea Martínez (Almoradí, 1993). Graduada en la ESAD de Murcia y Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual en el Museo Reina Sofía y UCLM, se ha formado con artistas y compañías como Claudia Castellucci, Peeping Tom, El Conde de Torrefiel, Noemí Rodríguez, Stefan Kaegi o Forced Entertainment. Forma parte de las compañías Las Toskas (1er Premio Creamurcia 2015) y Las Monstruas (Premio Edusí Proyecto Innovador); ha trabajado como intérprete con El Conde de Torrefiel, Vita Brevis, Traspasarte y XXX Mostra de Autores Contermporáneos de Alicante; y como técnico y creadora audiovisual con La Kritare y Aye Cía, entre otros, en los proyectos Wak, La Yapa, Teatrápame y La Gritaera. En 2019 estrena, bajo el nick escénico de Melena Androide, WOF, WOF, WOF en Teatro Pradillo (seleccionada en festivales como Russafa Escénica, Noche Scratxe, Labo XL3, SoyMeme y ACT, donde recibe el Premio ACT Residency). En 2021 escribe y dirige, junto a Inés Muñoz, el podcast de literatura Falsos Positivos (Radio Mandarache, Ayto. Cartagena), presenta como artista invitada el Festival Fiver-Live de Logroño, y gana la VI Convocatoria de Autoría en Ultramar con MIAU, MIAU, MIAU (publicada por Ediciones Sala Ultramar) que obtiene residencias en Las Cigarreras (Alicante), Carme Teatre (Valencia) y Harrobia (Bilbao), se estrena en el Festival Surge Madrid y es la pieza inaugural del Festival ACT de Bilbao, participando en otros festivales como Labo XL (Donosti), Vecindario (León) y LEB (Aoiz, Navarra), y resultando candidata a los Premios Max a Mejor Espectáculo Revelación. En 2022/23, resulta beneficiaria de la Ayuda a la Creación de Escritura Escénica del IVC con GLUP, GLUP, GLUP y es seleccionada en el programa Cultura Resident de la GVA y las Residencias de Creación del Carme Teatre (Valencia). También ejerce como jurado profesional de Artes Escénicas en el Certamen Creamurcia. Desde 2022, junto con Inés Muñoz, es directora artística de la Gala de los Premios Mandarache y Hache, de las Galas del Festival Internacional de Cine de Cartagena, y coordina la técnica de audiovisuales de la Gala Creamurcia, entre otros.

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La II Jornada de Investigación en Artes Performativas se propone desde el proyecto  Archivo Virtual de Artes Escénicas. Artes Efímeras en Castilla-La Mancha ( JCCM. Fondos FEDER) y tiene como objetivo fundamental generar encuentros y acercar al público la obra de investigador+s y creador+s que están trabajando en lugares interdisciplinares, dando visibilidad a este tipo de prácticas en la región Castellano-Manchega y potenciando la apertura de nuevos espacios de investigación artística.

Libre acceso hasta completar el aforo. Sala 111 de la Facultad de Bellas Artes de Cuenca.

Organiza: Grupo de investigación ARTEA

Dirección académica y coordinación: Isis Saz, Germán de la Riva

Comité científico y organizador: Isis Saz, Germán de la Riva, Ana Serrano Tellería, Itsaso Iribarren, Carolina Martínez, Esperanza Collado, Raúl Hidalgo.

Diseño, redes, comunicación y apoyo técnico: Beatriz Sánchez, Irene Mahugo, Romina Casile, Tzu Hang Hung.

Actividad realizada en el marco del proyecto: Archivo Virtual de Artes Escénicas: Artes efímeras en Castilla-La Mancha. SBPLY/21/180501/000164

PROGRAMA

11:00 Inauguración

11:15 Lenguas de humedal

Malén Iturri. Artista e investigadora, despliega su curiosidad en torno a prácticas de sensibilización desde un enfoque somático. Su práctica artística y pedagógica pulsa desde la búsqueda de imaginarios colectivos senso-perceptivos, en torno a la vida como estado relacional continuo entre seres más que humanes. Investiga y acciona en los ámbitos del estudio del movimiento, la voz y la percepción, la improvisación, la creación escénica y la experimentación sónica.

Es Educadora Somática el Movimiento y Educadora del Movimiento Evolutivo Infantil por la escuela de Body-Mind Centering®, graduada en Bellas Artes por la UPV, egresada del Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual (UCLM-ARTEA-MNCARS) y del Máster Universitario en Estudios Culturales y Artísticos con perspectivas Feministas y Cuir [MUECA :S] de la UMH. Actualmente desarrolla su tésis doctoral dentro del Programa de Doctorado en Arte: Producción e Investigación de la UPV, en torno a la educación somática y eco-ambiental en relación con prácticas artísticas encarnadas.

https://cargocollective.com/maleniturri

12:00 Algunos paisajes. Escuchar, mirar y hacer.

Oscar Bueno. 1985, Avilés, Asturias. Graduado en grado profesional de piano en Avilés y graduado en Arte Dramático en Gijón. Máster en práctica escénica y cultura visual de la universidad de Alcalá de Henares y el museo Reina Sofía. Toda mi práctica se mueve sin parar entre lo musical, lo coreográfico y lo visual, de modo más o menos premeditado. Soy autor pero también trabajo acompañando procesos de otras artistas, que desembocan en teatros y contextos híbridos de la escena experimental europea. Soy performer en ambos ámbitos, y soy músico. La visualidad o el trabajo en dibujo da forma a una exploración central en mi trabajo, que se comunica con esas otras disciplinas de forma natural. Considero que mi trabajo artístico es un híbrido entre la música (y la composición musical), la escena y la imagen. He presentado mi trabajo y las colaboraciones que realizo en diferentes espacios como: Mercat de les Flors, Teatros del Canal, Centro Conde Duque, BUDA, Kaai theater, farº festival, La Casa Encendida, MACBA, CA2M, Museo Reina Sofía, Matadero Madrid, PNEU Salzburg, Tanzquartier, etc.

12:45 FUMAROLA: Procesos para un disco desde los márgenes
Roldán, el proyecto musical de Juan Carlos Roldan, es lo bastante ecléctico y modular como para resistirse a cualquier definición estática, sobre todo si consideramos sus muchas colaboraciones y camaleónicas formaciones en directo. Y es que el impulso de su trabajo se desarrolla precisamente en el entorno artístico del que proceden la mayoría de sus cómplices en la experimentación sonora: Rafa Martínez del Pozo (La Jr, AA Tigre), Javi Álvarez (Dúo Cobra, Fluzo), Kiev Cuando Nieva, Lorena Álvarez y su Banda Municipal y, en definitiva, todo ese universo endogámico y a la vez expansivo que se engendró en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca y se materializó parcialmente en AA Records. Tras una primera etapa configurando las bases más experimentales del proyector con Roldán (2007)  “El cantar” (2009) “Te tenemos muy cerca” ( 2012), “Tetrata” (2013) y “Espero que dure” (Repetidor) inician una nueva etapa en 2020 de la mano de El Genio Equivocado con la publicación de Tus Poderes (2020). Un disco que supuso el giro definitivo del proyecto pasando del formato solitario a banda con de Jaime Sevilla (bajo, percusión) y a Nacho Olivares (guitarras, sintetizadores, percusión). Percusiones complejas sumergidas en un pop más accesible, Tus Poderes es también una confesión en un cambio de etapa vital, las canciones abordan desde la madurez al valor de lo cotidiano. En 2023 publican ‘Fumarola’, un nuevo trabajo «gaseoso, vaporoso, volcánico y fluido», tan experimental como mágico.

13:30 Mesa redonda. Intersecciones y lugares de encuentro entre sonido e imagen. Modera: Esperanza Collado

14:30 Descanso

16:30 Cuerpo, espacio, lugar. Una aproximación desde la mística

Esther Rodríguez. Coreógrafa, bailarina y arquitecta. Investiga a través de la práctica artística. Su trabajo se mueve entre la coreografía, la práctica escénica, el relato, lo performativo y arquitectónico, empleando principios asociados a dichas disciplinas para diseñar prácticas espaciales y sociales. Se forma en danza contemporánea paralelamente a los estudios de arquitectura y posteriormente realiza un Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual, UCLM y un postmaster en a.pass (estudios avanzados de performance y escenografía) en Bruselas. Su investigación aborda las relaciones entre cuerpo, espacio, lugar desde el baile y el movimiento, partiendo de la curiosidad hacia lo desconocido como motor.

Mi práctica de investigación artística se basa en el desarrollo de diferentes sistemas para abordar lo desconocido. A través del movimiento, la performatividad del espacio, la escritura-oralidad y la instalación como principales medios, desarrollo prácticas sociales y espaciales relacionadas con lo invisible, las formas en que se hace visible y las potencialidades de los espacios intermedios. Mi enfoque comprende el cuerpo como una tecnología a través de la cual podemos ampliar nuestra percepción de la realidad entendiéndolo como un sensor y un canal por el que pasan diferentes tipos de información, ampliando así nuestra relación con el entorno. En los últimos años he desarrollado varios trabajos que reflexionan sobre la otredad, la liminalidad, la interrelación entre diferentes medios, cuerpos y disciplinas, la bioética, lo ciborg, las relaciones espaciales y las relaciones entre sistemas vivos (humanos y no humanos). Algunos de estos trabajos abordan las nociones de vida y muerte, ausencia-presencia y otras formas de relacionarnos con la (in)finitud.

17:15 El poder de la música de tradición oral para generar comunidad: La voz nunca calla

Javi Collado. Desde pequeño vinculado a la música popular de Cuenca y Castilla La Mancha, investiga sobre el poder de la voz y la instrumentación tradicional como fuerza curativa, comunicativa y cooperativa. La formación como Educador Social, Maestro de música y Musicoterapeuta, le ayudan a tener una visión comunitaria de los sonidos. Creador de varios proyectos de difusión de la música tradicional como Las jornadas de Música y Cultura Popular Félix Collado o el Bicifolk, e impulsor de proyectos culturales en torno a la música como el Yeye Weekend o el Caño-on festival. Componente de las bandas de música tradicional Zas!!candil Folk y Collado Project, donde buscan acompañar a la música de raíz hacia un lugar más cercano para todos y todas, disfrutando del saber popular y la riqueza de los pueblos. También pertenece a grupos de otros estilos como: Pavana Dingo, Ni chicha, ni limoná y The Coats Cats.

18:00 Bewis de la Rosa
Artista interdisciplinar. Bailarina, actriz, coreógrafa, investigadora y profesora en el campo de la danza y el teatro físico. Escritora de teatro, poesía performativa y pensadora. Dirige desde 2014 su Compañía de Investigación en Danza y Teatro-físico Malditas Lagartijas. En 2021 inicia el proyecto musical Bewis de la Rosa, en el que investiga y desarrolla el concepto <Rap Rural>. En su discurso observamos la importancia del pensamiento crítico, el transfeminismo, el decrecimiento, la herida histórica y la salud mental, partiendo desde el amor y el arte como medios de transformación social. Graduada en Coreografía de la Danza Contemporánea por el Conservatorio María de Ávila y formada en el Lab. Internacional de Investigación Teatral TNT-ATALAYA.

18:45 Mesa Redonda. Público y performatividad en las artes efímeras. Modera: Itsaso Iribarren & Germán de la Riva

19:30 Cierre de jornada

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serahboo.m – 13 de marzo en Arts Santa Mònica

“Can’t Define Me” es una experiencia sonora donde el sonido se convierte en el vehículo de una exploración decolonial. En esta actividad el espacio se transformará en un escenario envolvente donde las capas de sonidos actuarán como el hilo conductor de esta travesía, tejiendo conexiones entre el pasado, el presente y el futuro. Yendo más allá del espacio de sonido, se entrelazarán narrativas decoloniales, historias que desafían las estructuras de poder y cuestionan las narrativas hegemónicas. A través de breves intervenciones narrativas, se buscará abrir un espacio para la reflexión crítica, ofreciendo perspectivas que desafíen las nociones imperiales y promuevan una comprensión más profunda de la historia y la identidad, creando un espacio de conexión, resistencia y redefinición.

Criada a principios de los 90 entre África y Europa, actualmente afincada en Barcelona, Sarah Bougsiaa, conocida artísticamente como serahboo.m, es una artista polifacética, cuya práctica incluye música, fotografía, cine y textiles, a través de la cual explora una conciencia arraigada en formas de pensamiento decoloniales, con el objetivo de recuperar narrativas perdidas en las ideologías dominantes y represivas.

Más información: https://artssantamonica.gencat.cat/es/detall/Dimecres-de-so-i-cos-00074.

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La Espina – 14 de marzo en Arts Santa Mònica

La Espina quiere reivindicar el derecho al fracaso. Una rave a favor de la mediocridad diseñada allá donde nos convertiremos en cenizas: un crematorio. Una fiesta para celebrar el placer de ser, colectivamente, un no-nadie. Una obra de teatro que sea, tal y como son todas nuestras existencias, un fracaso.

La Espina se compone de:

La actriz y dramaturga Carmen Collado, directora de la compañía, formada en creación teatral y dirección con profesionales como María Velasco, Bárbara Mestanza o Marta Pazos. Trabaja como actriz con El Conde de Torrefiel.

La actriz, productora y directora Aïda Soler, también directora de la compañía, formada en producción en la ESCAC, y creación escénica con profesionales como Atresbandes y Andrés Galián. Entre sus trabajos destaca la película La sociedad de la nieve, de J.A. Bayona.

La actriz y productora Yeidy Quiroz, productora de la compañía, formada en interpretación en la escuela La Bobina y también con Laura Jou.

La DOP y diseñadora de luces Bibiana Gispert, diseñadora de luces de la compañía, formada en la ESCAC. Trabaja como técnica en la Agrupación Señor Serrano.

Más información: https://artssantamonica.gencat.cat/es/detall/Dijous-de-veu-i-paraula-00004.

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La Zaranda – Del 28 de febrero al 17 de marzo en el Teatro Español 

El original universo teatral que envuelve los 45 años de trayectoria de la compañía jerezana La Zaranda vuelve a estar presente en Manual para armar un sueño. Un texto de Eusebio Calonge donde Gaspar Campuzano, Francisco Sánchez y Enrique Bustos, bajo la dirección de Paco de La Zaranda, exhiben su particular visión del teatro, un mundo que conocen a la perfección y que se muestra desde una propuesta lúcida, valleinclanesca, poética y no exenta de humor inteligente.

Olvidados en el fondo del espejo, los personajes de Manual para armar un sueño se preguntan: ¿Y si volviéramos a la vida? Frente a ellos un actor ha ido envejeciendo camerino a camerino. Maquilla su íntima derrota, sus gastadas ilusiones, ese desengaño que ensombrece sus días. Tantas cosas han muerto en él que la vida no será lo suficientemente larga para olvidarlas. Pero hoy escucha esas voces dentro del azogue y es como si el alma se le devolviera al cuerpo. En este presente estéril en que el hombre no parece estar a la altura de sus sueños, con sus últimas fuerzas, saldrá a irradiar esperanza al escenario.

Aliado con sus personajes cruzará dédalos donde los burócratas almacenan su tedio, sorteará los socavones que cubren las alfombras rojas de la fama, alumbrará las oscuras galerías donde la vulgaridad empantana todo, volará sobre los afilados precipicios de la mediocridad. De nuevo desafiando a la muerte y al olvido, buscará la alegría del reencuentro con el teatro.

Y así se suceden entre ecos de Don Juan, el QuijoteSegismundoMax Estrella o Bernarda Alba, uno tras otro, diálogos chispeantes, llenos de luz y de sabiduría que los tres actores van desgranando en los 75 minutos de duración de un montaje netamente Zaranda y a la altura de cualquiera de sus grandes propuestas escénicas anteriores (Vinagre de JerezPerdonen la tristezaEl régimen del piensoCuando la vida eterna se acabeLa puerta estrechaEl desguace de las musasLa batalla de los ausentes…). José-Miguel Vila. Diariocrítico.

Texto EUSEBIO CALONGE Dirección y espacio escénico PACO DE LA ZARANDA Con GASPAR CAMPUZANO, FRANCISCO SÁNCHEZ, ENRIQUE BUSTOS.

Más información y entradas: https://www.teatroespanol.es/manual-para-armar-un-sueno.

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Marta Górnicka – 27 y 28 de marzo en el Teatre Lliure

La directora y cantante polaca Marta Górnicka presenta una pieza coral con veintiuna mujeres de entre 10 y 71 años, refugiadas de Mariúpol, Kiev y Bucha. Un ritual sanador que parte de una shchedrivka, una canción tradicional ucraniana y precristiana que realizaban sólo mujeres y niños.

El espectáculo empieza con un deseo de felicidad y de renacimiento del mundo en forma de shchedrivka. En la era precristiana se creía en el poder de la canción y se confiaba en que sus palabras y buenos deseos hacia alguien en concreto se harían realidad. Hoy, estos deseos cantados se dirigen a todos y para toda la vida. Las que los cantan son supervivientes. Huyen de la guerra y la persecución, testigos de la violencia y de los bombardeos. Mujeres de Ucrania y Bielorrusia que ahora viven en Polonia y quieren detenarse y hablar juntas en el escenario. Usan el poder de sus voces para nombrar aquello para lo que no puede haber palabras. No quieren ser escuchadas como víctimas, sino como protagonistas de sus propias historias.

“Nuestro espectáculo trata de las mujeres y la guerra. De los mecanismos de defensa y de responsabilitat. De nuestra reacción a una guerra en Europa. De los rituales de la violencia de guerra contra las mujeres y los civiles, que son inmutables.”

En este proyecto, la esperanza y el amor trascienden la crueldad humana. En escena: 25 madres ucranianas, polacas, bielorrusas y sus hijos. Las voces traen juegos infantiles ucranianos llenos de vida, canciones tradicionales, hechizos y declaraciones políticas contundentes. Son refugiadas de Mariúpol, Kiev y Bucha. Algunas huyeron de la guerra; otras, de la persecución. Todas tienen un lugar en el Coro de Madres, que sigue una forma de ópera que se remonta a los coros rituales de mujeres del siglo VII a. C. Un corazón es la encarnación de la sabiduría colectiva y transgeneracional, y nos ofrece la oportunidad de imaginar lo inimaginable: un mundo sin guerra, por ejemplo. Como con los corazones precristianos que tenían por primer objetivo cuidar a los ciudadanos, en estos encuentros, talleres y laboratorios, conviven las experiencias individuales y el imaginario colectivo. El objetivo es sanar a través de la comunidad, con una polifonía de voces y discursos críticos.

Más información y entradas: https://teatrelliure.com/es/mothers-a-song-for-war-times.

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Taller Placer – 8 de abril en La Mutant de 17h a 20h

CONSTELACIONES Y ASTERISMOS es un espacio de arte y pensamiento comunitario sostenido entre diferentes agentes a lo largo de 5 meses: de febrero a junio de 2024.

Performance eclipse: de 19h a 19:30h aproximadamente coincidiendo con el eclipse solar total que tendrá lugar en varios lugares de Canadá, EEUU y México.

Nos encontramos en un presente tecnológico, dominado por una ciencia supuestamente objetiva hecha tan solo por unos pocos expertos. Con este ciclo nos planteamos abrir vías hacia otras formas de comprender el universo, dejar de

observarlo como una máquina fría hecha de materia que evoluciona de manera ciega y mecánica y pensar el cosmos y los misterios del firmamento desde otros campos.

Queremos recuperar esa figura del “pensador”, de manera amplia y sin restricciones y desde un espacio colectivo en el que podamos compartir con otros nuestras inquietudes, preocupaciones y deseos. Tratar, desde nuestras modestas posibilidades, de hacer una ciencia más libre y creativa que nos permita abordar preguntas fundamentales de nuestro tiempo con más consistencia y haciéndolas propias.

Lo que os proponemos es una serie de lecturas, una conferencia, una performance y una excursión que llevaremos a cabo en grupo, poniendo en el centro el valor y la legitimidad de nuestros propios conocimientos. Nos planteamos revisar algunos dogmas de la física y la astrofísica cuestionando su hegemonía a partir de la elaboración de nuevos imaginarios populares, ficciones tecnocientíficas y métodos conceptuales que sean más amantes de la vida.

Más información y entradas: https://www.lamutant.com/portfolio-item/constelaciones-asterismos-taller-placer/#tab-id-2.

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El 6 de abril La Mutant se traslada a los barrios más alternativos de la capital alemana con su 5° sesión del ciclo de música experimental Berlin Series, encuentros internacionales donde la música improvisada, la acústica y la electroacústica serán las protagonistas.

La propuesta aspira a reflejar la heterogeneidad de las prácticas sonoras que conviven en la escena de la metrópoli europea (reduccionismo, echtzeitmusik y noise), mediante la presentación de series autogestionas y cuya curaduría se concibe de una manera creativa.

Próxima sesión: TAZ [Temporary Autonomous Zone]. Serie de música experimental que se desarrolla en diferentes espacios alternativos de la ciudad de Berlín. TAZ se articula a partir de la idea de Hakim Bey, para crear espacios autónomos que escapan de las estructuras convencionales.

Más información y entradas: https://www.lamutant.com/portfolio-item/berlin-series-taz/#tab-id-1.

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Festival Punto de Vista 2024 – Del 11 al 16 de marzo en Pamplona

A lo largo de toda la semana se proyectarán alrededor de 80 películas en las 65 sesiones programadas que incluyen coloquios con cineastas, talleres, actividades musicales o sesiones de cine para familias.

Más información y programa completo: https://www.puntodevistafestival.com/es.

— En total se organizan 65 sesiones entre proyecciones y el resto de actividades a lo largo del festival.

— Se proyectarán alrededor de 80 películas en las diferentes secciones.

— La programación se organiza en 6 grandes apartados: Sección oficial, Focos, Lan, Contactos, X Films y Programa de mediación.

— La Sección oficial está integrada por 23 películas de 15 nacionalidades diferentes: Argentina, Bélgica, Bosnia y Herzegovina, Canadá, Colombia, Corea del Sur, Cuba, Dinamarca, España, Estados Unidos, Francia, India, Japón, Macedonia del Norte y Perú.

— Alrededor de 70 personas invitadas participarán en las proyecciones y actividades de Punto de Vista 2024 con un alto porcentaje de perfiles internacionales: cineastas, responsables de programación, curadores y curadoras, etc.

— Ya se han acreditado más de 380 personas entre profesionales, estudiantes y periodistas. El plazo de acreditación online ya se ha cerrado, pero se podrá solicitar en el lugar habilitado en el hall de Baluarte durante el festival.

— 6 sedes acogerán las diferentes actividades: Baluarte, Cines Golem, Museo Oteiza, Civivox Condestable, Civivox Mendillorri y Filmoteca de Navarra.

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