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7 de julio a las 19h en Bulegoa z/b, Bilbo

Quinta sesión de Material Voices. Genealogías feministas del trabajo de hacer exposiciones. Con Silvia Calderoni, Ilenia Caleo, Jana Jan y Myriam Rzm.

Para esta sesión de Material Voices, hemos invitado a Silvia Calderoni e Ilenia Caleo a conversar y presentar SO IT IS.

SO IT IS es una propuesta nómada, que en su parada en Bilbao cuenta con GorputZarata Incorporarumori, la contribución de Jana Jan y Myriam Rzm.

Material Voices. Genealogías feministas del trabajo de hacer exposiciones tiene como objetivo desarrollar una investigación sobre la práctica curatorial realizada por mujeres desde la década de los años sesenta hasta la actualidad. Emplea el diálogo como herramienta de investigación y explora el potencial de la materialidad de las voces, las exposiciones y las obras de arte, así como de los cruces que se producen entre ellas.

CAVAR AGUJEROS POR LA NOCHE: SILVIA CALDERONI + ILENIA CALEO

Nos gustaría contar una maraña de cosas enredadas, entre las prácticas performativas y las investigaciones vagabundas: de unas somos el motor; de otras, parte activa; de otras, espectadoras; en cualquier caso, siempre cómplices y siempre experimentando junto a otrxs. Nos gustaría comenzar por nuestra práctica artística durante la pandemia que se convertirá en el proyecto nómada SO IT IS, por el movimiento transfeminista en Italia y el tipo de cuestionamientos y activismos que se ha activado en el contexto artístico que frecuentamos. Seguiremos con las ocupaciones culturales en la Italia de la década de 2010 (Teatro Valle, Macao y otras) dentro de un mapa descompuesto de las luchas de artistx y trabajadorxs de las artes escénicas que va desde los años noventa hasta la ocupación del Globe Theatre de Roma en plena pandemia. Compartiremos así una mirada sobre cómo la performance crea y reescribe el espacio público; la investigación –afectiva, amorosa– sobre lo efímero de las vidas y los archivos queer; una investigación que es también una invocación a los espectros, para quizás hacer una fiesta juntxs.

Nos gustaría hacerlo recogiendo imágenes, frecuencias y fragmentos sonoros: para tomar la palabra –dar voz–, tomar forma. Nos gustaría que fuera una reunión nocturna; es entonces cuando las flores se abren lentamente.

SO IT IS

SO IT IS_# es un gesto de infestación del espacio público. Durante el largo periodo de tiempo en que los cuerpos han desaparecido materialmente del espacio, este gesto se da a través del cuerpo, si bien a distancia.

La acción matriz que inspiró SO IT IS surgió en Bolonia en 2020, dentro del proyecto de arte público La lotta è fica, diseñada y comisariada por CHEAP Street Poster Art Festival. Ahora prolifera y cambia, a través de otros cuerpos y en otros lugares.

En estos meses, estamos proponiendo a otrxs artistas y performers que respondan a una pregunta, se adhieran a una práctica y construyan un imaginario impredecible sobre lo que los cuerpos pueden ser y hacer.

Una acción-matriz que prolifera, cambiando el cuerpo, la ciudad, el signo, la imaginación: una fantasía que se imprime en el cuerpo de cada cual, de manera diferente y en diferentes contextos, imaginando un cartel a tamaño real de su cuerpo desnudo. Ocupando espacio.

GORPUTZARATA INCORPORARUMORI: JANA JAN, MYRIAM RZM

Cuerpos en ruido. Cuerpos en movimiento. La acción sonora como vía de expresión y exoforma de las entrañas, del cuerpo interno. Diluir estados corpóreos mediante el ruido. ImprovisAcción. GorputZarata. Desdibujar alterar derivar transformar como práctica y hacer. Como deseo manifestante y manifestado. Surcar estados de ser alterados, más allá de convenciones hegemónicas a través de prácticas sonoras libres. Ruido y abstracción como elementos alquímicos en una búsqueda abierta. Deseos atávicos hibridantes. Ser y expresar el propio cuerpo imaginario en conexión con nuestras esencias primigenias como criaturas vivas con infinitas diversidades y posibilidades.

BIOGRAFÍAS:

Silvia Calderoni es una actriz y performer formada con la coreógrafa Monica Francia y la compañía Teatro della Valdoca. Desde 2006, es miembro de la compañía Motus y ha interpretado papeles como actriz en Rumore RosaA placeICS – racconti crudeli della giovinezzaCracLet the sunshine inToo-lateIovadoviaTre atti pubbliciAlexisUna tragedia greca, nella tempestaCaliban CannibalKing ArthurTutto brucia, piezas presentadas en numerosos festivales en Italia y a nivel internacional. Protagoniza The Plot is the Revolution junto a Judith Malina, legendaria fundadora de Living Theatre. Desde 2015, interpreta el solo MDLSX, de cuya dramaturgia es autora junto a Daniela Nicolò. En 2022, sube de nuevo a los escenarios con la compañía Valdoca con Enigma. Requiem per Pinocchio. En 2009, recibe el premio de las artes escénicas Ubu a la mejor actriz de menos de 30 años. Ha participado en el filme de culto dirigido por Davide Manuli La leggenda di Kaspar Hauser (2012), donde interpreta el papel de Kaspar, Last Words (2020) de Jonathan Nossiter, la serie de Sky TV Romolus de Matteo Rovere y Non mi uccidere (2021) de Andrea De Sica.

Ilenia Caleo es performer, activista e investigadora. Desde 2000, trabaja como actriz, performer y dramaturga de artes escénicas, donde ha trabajado con una variedad de compañías y directores. Formada como filósofa, sus intereses son la corporalidad, las epistemologías feministas, la experimentación en las artes performativas, las nuevas instituciones y formas de trabajo cultural. Es investigadora de la IUAV de Venecia y coordinadora del módulo de Arte del Máster en estudios y políticas de género de la Roma Tre University y colabora con el grupo de investigación “INCOMMON. In praise of community. Shared creativity in arts and politics in Italy (1959-1979)”, ERC Starting Grant. Ha publicado Performance, materia, affetti. Una cartografia femminista (Bulzoni ed., 2021) y co-editado In fiamme. La performance nello spazio delle lotte 1967/1979 (b-r-u-n-o, 2021). Activista en el Teatro Valle Occupato y los movimientos de los comunes y queer-feminista, se formó política y artísticamente en la escena de los centros sociales contraculturales.

Calderoni-Caleo se conocieron en 2012 en el Teatro Valle Occupato en el proyecto de la compañía Motus Animale político project. Han participado en nella tempesta de Motus y en los últimos años han realizado residencias artísticas y han desarrollado talleres de investigación abiertos e itinerantes. A partir de un taller en la Biennale College Teatro en 2018, desarrollaron KISS. Desde 2018, imparten clases en el taller de artes visuales de la IUAV de Venecia. Para la Queering Platform de Hong Kong idearon el proyecto nómada SO IT IS. En 2021, formaron parte de Flu水o, un proyecto colectivo y transdisciplinar, que recibió el premio de la novena edición del Italian Council. En 2022, han presentado su última pieza de performance, The present is not enough.

Además de los proyectos artísticos, en realidad, comparten un poco de todo.

Paola Granato es especialista en artes escénicas, investigadora independiente y dramaturga. Actualmente colabora con el Mattatoio di Roma–Azienda Speciale Palaexpo en el programa de residencias de investigación y producción artísticas Prender-si cura en calidad de dramaturga, así como con distintos proyectos artísticos, en los que combina la escritura, la organización y el comisariado. Ha colaborado con festivales e instituciones artísticas como el Festival de Santarcangelo.

Itziar Markiegi a.k.a. Jana Jan. Artista transdisciplinar, dibujante, ruidista y performer, experimenta y realiza colaboraciones gráficas y sonoras e improvisaciones con diferentes artistas. Co-creadora de Baba-Llaga, AM, Magmadam, Zørra, FFFist y Grutal, también es parte de Leun Dura y Emankore. Ha participado en festivales y espacios como Ertz (Bera), Zarata Fest (Madrid-Bilbao), MEM, Proklama, Muestra Internacional In-Sonora (Madrid), BET (Bergara), Women in experimental, FemTek, Larraskitu (Bilbo), STWST 48×2 (Linz), Matadeixe (Azkoitia), Bruital Furore (MS Stubnitz- Hamburg), Multiversal (Berlín) y MEFSST, generando instalaciones interactivas y performance sonoras. Explora la creación y manipulación del sonido, la acumulación y el feedback a través de la improvisación y el uso creativo del error, Sintes DIY y el cuerpo como instrumento generador activo.

https://janajan.bandcamp.com/
https://janajan.tumblr.com/
https://soundcloud.com/itziar-markiegi

Myriam Rzm (Dima/Bilbao). Creadora, performer, experimentadora sonora. Mi práctica con la experimentación y la performance sonora se ha desarrollado como componente del dúo Gora Japon (2005-2013), con el dúo abierto experimental Magmadam (2014-2017) y mediante colaboraciones transdisciplinares en el amplio contexto de la experimentación musical y la performance. Desde 2018 desarrollo un directo con herramientas sonoras autofabricadas DIY-DIT, adaptadas a mis inquietudes escénicas, acopladas al cuerpo, fx y feedback, en acción/interacción con el propio cuerpo en movimiento. Ruido Proto_ritual.

https://myriamrzm.bandcamp.com/
https://eclecticreactionsrecords.bandcamp.com/album/er033-myriam-rzm-myriam-rzm
https://sonaraccionesylugares.bandcamp.com/
https://vimeo.com/284753336

Abyme Nabar
https://abymenabar.bandcamp.com/
https://soundcloud.com/user-922682843-370415887

Ertzbako
https://crystalmine.bandcamp.com/album/aizu

Más información: web de Bulegoa z/b

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Mércores 6 de xullo, 21h, Sala Roberto Vidal Bolaño, Santiago de Compostela

Roland Mon Amour é un proxecto de Artes Vivas que fusiona palabra, música, acción escénica é movemento.  É un monólogo multidisciplinar desde a fraxilidade, o amor á musica e á festa.   Quero someter a tratamento á miseria con autotune, falar das gangas, do cotián, compartir os meus tips de supervivencia nas artes, buscar cómplices,  cantar, acariciar o meu sinte e bailar.

Creación, dirección  e interpretación Cristina Balboa

Espazo escénico  Mauro Trastoy

Más información: web de Uscénica

 

 

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La fiesta y la escucha sensible ocupan un espacio central en las propuestas de Enrique del Castillo, El Palomar, Stine Janvin & Ula Sickle, Aérea Negrot y TAAHLIAH

El ciclo de música y artes en vivo del MACBA, Lorem Ipsum, se consolida con su quinta edición bajo el título de Escuchas empáticas.  Las comisarias de este espacio de experimentación sonora, Alicia Escobio y Anna Ramos, han organizado un ejercicio de conciencia colectiva de lo que significa ahora mismo volver a estar juntas, desde el extrañamiento que nos supone todo lo colectivo tras el distanciamiento físico. Un programa para todos los públicos, gratuito con inscripción previa, que tendrá lugar los viernes y sábados del 15 al 23 de julio en el Auditorio Meier, la sala de exposiciones del Convento y la Capella MACBA y que contará con las propuestas sonoras de la coreógrafa canadiense Ula Sickle y la artista sonora noruega Stine Janvin, el artista sonoro andaluz Enrique del Castillo y  Aérea Negrot y TAAHLIAH que se hacen cómplices en el homenaje a la figura de Daniel Paul Schreber que el colectivo queer El Palomar ha hecho en Schreber is a woman, recientemente expuesta en el museo.

 «Con los efectos colaterales de la pandemia aún presentes en la psique común, la quinta edición de Lorem Ipsum pone especial énfasis en volver a estar juntas y mezcladas, en un ejercicio de pura conciencia colectiva. La fiesta y la escucha sensible ocupan un espacio central en las propuestas invitadas. La nuestra no puede ser una celebración sin más ni más: venimos de donde venimos, y la incertidumbre coyuntural nos obliga a repensar este «juntarnos» de nuevo.»

Con estas palabras se expresan las comisarias de este ciclo de experimentación de arte sonoro del MACBA que ya llega a su quinta edición, Anna Ramos y Alicia Escobio que han visto crecer una propuesta que es arriesgada, experimental y bien diferenciada de otras propuestas sonoras y musicales y que ha ido tejiendo comunidad y ganando adeptos año tras año. Esta nueva edición, gratuita, promete una experiencia singular vivida desde la colectividad.

Precisamente es en este extrañamiento de todo lo colectivo donde pone el foco la propuesta que abre el nuevo ciclo de Lorem Ipsum. Echoic Choir es un trabajo conjunto de la coreógrafa canadiense Ula Sickle y la artista sonora noruega Stine Janvin, concebido en plena pandemia desde la intersección de las artes escénicas y la música, dos de los sectores culturales más afectados por las restricciones. Esta pieza para cinco bailarines se descabeza en torno a la cultura de club, revisada desde la experiencia de la distancia social forzada. Placer, alegría y sensualidad, atributos centrales a la fiesta noctámbula, persisten y resisten obstinadamente en su propuesta, a la vez que se individualizan hasta volverse moleculares. Cuando la distancia social se convierte en un parámetro artístico, sudor, sinestesia y espasmos se descontextualizan y se transforman en un espectáculo en el que incluso el rol del público se encuentra desplazado, a manera de voyeur. A pesar de reconocer (y sentir) los manierismos de la música rave y la experiencia de club, en esta propuesta palpamos de muy cerca la pulsión y el placer, sin que nos podamos entregar del todo.

De encarnar la obsolescencia en los comportamientos sociales pasamos a la vertiente tecnológica de la mano de Enrique del Castillo. Este artista sonoro andaluz propone una escucha atenta, en la que la lectura sonora de cinta de celuloide de 35 mm sin emulsionar nos embarca en una especie de viaje onírico. A través de diversos lectores ópticos de fabricación propia, los patrones geométricos impresos en el film –diseñados también por Enrique del Castillo– se traducen en sugestivas composiciones mediante la acumulación de capas de ritmos que se repiten, texturas y melodías cálidas, que a su vez tienen un carácter mecánico y extraño. Traducción, desplazamiento y disfunción forman parte de esta lectura del elemento visual que da paso a una experiencia sonora sutil y delicada, dispuesta para ser vivida en colectividad.

El ciclo se cierra con una Carta blanca del colectivo queer El Palomar. Con la voluntad de profundizar y de complejizar su investigación sobre la figura de Daniel Paul Schreber, Mariokissme y R. Marcos Mota alargan la sombra de la obra Schreber is a woman hacia otros terrenos. La experiencia sensorial, sonora y colectiva representa una parte crucial en esta nueva mutación de su trabajo. Más que una celebración –que también lo es–, esta sesión comisariada por El Palomar pasa por poner los afectos y la sororidad trans en el centro. En este contexto, Aérea Negrot y TAAHLIAH se hacen cómplices en el homenaje y la reescritura desde el presente del caso clínico de Schreber y su experiencia, documentadas en primera persona en Memorias de un neurópata (1903). Un nuevo capítulo en el ejercicio crítico y tenaz de generar nuevas genealogías desobedientes, abyectos y situadas de El Palomar, que se extiende a la práctica y el diálogo con otros.

 PROGRAMA completo: aquí

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Del 7 al 9 de julio en el Teatre Lliure de Montjuïc dentro del festival Grec

Tras un año durante el cual han presentado declinaciones del proyecto Ultraficciones, llega a escena el espectáculo resultante, una propuesta sobre la realidad y la ficción que ha atraído el interés de los principales festivales europeos.

Los griegos ni siquiera tenían una palabra para designar la realidad tal como la entendemos hoy, un concepto liberado del mito que, de hecho, imaginaron los romanos. Pero el concepto de realidad es dúctil, susceptible de cambio y maleable por la voluntad de unos hombres y mujeres que aspiran a controlar el mundo material. ¿Cómo llevar al escenario el relato paralelo y subterráneo que está entre la vida material y la impresión de realidad que acompaña la existencia? Quizás mediante «Una imagen interior», que ponga en relación ficción y materialidad mediante un ejercicio poético, utilizando la imaginación como una alternativa radical a las ficciones y a las imágenes. Con materia y con palabras, los performers construyen ante el espectador posibles paisajes situados entre lo concreto y lo fantástico, para exponer de una manera lírica los efectos sobre el cuerpo del tiempo, del espacio y de los relatos…

El montaje que veremos en el Grec 2022 es el final de un proceso que empezó en el Santarcangelo Festival (Emilia Romagna) con Fracciones de tiempo, donde se proyectaba al atardecer y al aire libre un texto sobre las disimilitudes entre realidad y ficción; continuó en el Grec 2021 Festival de Barcelona con Ultraficción nr. 2/Los buenos modales; en el festival de València Russafa Escénica con Complicidad de materiales anónimos, donde trabajaban con alumnas de arte dramático; y, finalmente, en la última edición del festival Sâlmon de Barcelona, donde vimos a una serie de estudiantes de arquitectura construyendo un gran tótem contemporáneo en Ultraficción nr.4/Working Class.

La pieza final del ciclo Ultraficciones se estrena en mayo de 2022 en el Wiener Festwochen y ha sido producida por los principales festivales y centros de creación europeos, entre ellos el Grec Festival de Barcelona, el Festival de Aviñón, el Kunstenfestivaldesarts o el Festival d’Automne de París. No es extraño, porque desde que en 2010 presentaran su primer espectáculo (La historia del rey vencido por el aburrimiento) la compañía ha apasionado a público, crítica y a unos programadores europeos, que han seguido con atención la decena de espectáculos que han creado hasta el momento. En estos espectáculos nos hablan del tiempo y de la sociedad del siglo XXI, combinando y a la vez distanciando texto, movimiento e imágenes plásticas, e investigando las tensiones entre el individuo y el colectivo.

Una coproducción del Grec 2022 Festival de Barcelona, Wiener Festwochen (Viena), Festival de Avignon, Kunstenfestivaldesarts (Bruselas), Centro Cultural Conde Duque (Madrid), Festival delle colline torinesi (Turín), Grütli – centre de diffusion et production des arts vivants (Ginebra), Points communs – Nouvelle scène national de Cergy-Pointoise-Val d’Oise, Théâtre de la Villette (París) y Festival d’Automne (París).

Con la ayuda a la producción del ICEC – Generalitat de Catalunya.
Con el apoyo de Teatre el Musical de Valencia y Centro Párraga de Murcia.

FICHA ARTÍSTICA

Idea y creación: El Conde de Torrefiel en colaboración con los intérpretes, Dirección y dramaturgia: Tanya Beyeler, Pablo Gisbert, Texto: Pablo Gisbert, Intérpretes: Gloria March Chulvi, Julian Hackenberg, Mauro Molina, David Mallols, Anaïs Doménech, performers locales, Diseño de luces: Manoly Rubio García, Escenografía: Maria Alejandre, Estel Cristià, Piezas escultóricas: Mireia Donat Melús, Robótica: José Brotons Pla, Maquinaria: Miguel Pellejero, Diseño de sonido: Rebecca Praga, Uriel Ireland, Dirección y coordinación técnica: Isaac Torres, Técnico de sonido y vídeo: Uriel Ireland, Técnico de luces en gira: Roberto Baldinelli,  Producción y administración: Haizea Arrizabalaga, Producción ejecutiva: Cielo Drive SL, Distribución: Caravan Production, Bruselas, Imagen: Javier Tortosa – Estudio Democracia, Fotografía: Werner Strouven

Más información: web del festival Grec

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Jueves 7, viernes 8 y sábado 9 de julio a las 19:30 en el Teatro del CCCB, 18€

Convenciones teatrales, viajes en el tiempo, un amor en tiempos del Apocalipsis… Una creadora con un gran proyecto entre manos empieza a construirlo desde abajo. Esto es un homenaje al teatro en forma de un vodevil de ciencia ficción.

“Hola, soy Cris Blanco. Hoy es 12 de marzo de 2022 y escribo este texto desde la casa de mi madre, donde crecí, viendo por la ventana mi cole, el Bravo Murillo, en el que pasé 8 años. En la tele dicen que ayer hizo 2 años que se declaró la pandemia. Así que hace 2 años que empecé a pensar en esta obra de teatro (bueno, no sé si es esta obra que vas a ver…). Empecé a pensar en una obra muy grande, Grandissima Illusione se llamaba. Con muy buenos actoresqws (perdón el error, mientras escribía esta frase mi perro ha pisado el teclado), con un cuerpo de baile, un coro en directo…, era una obra de gran formato, con grandes escenografías recicladas de grandes producciones del Teatro Nacional de Cataluña (bueno, aún no sé si me dejarán las escenografías, porque todo esto es la idea que tengo en el pasado, vuestro pasado, que es mi presente, y escribo esto para el futuro, que es cuando estás leyendo este texto).

En mi cabeza está la obra con la marquesa del s. XVI, la juglara, el astrólogo cubano, el técnico maquinista, las extras, el coro griego, el experto teatral, el texto…

Pasaba lo del eclipse, lo de los viajes en el tiempo y la zona escurridiza…

¡Y todo para contar la historia de amor intertemporal y la lucha de clases!

Empezaba con un preludio emocionante de la orquesta en completa oscuridad (¡ay, ojalá haya conseguido al final dinero para que veáis la orquesta en directo!) y con la escena de la marquesa y la actriz-que-hace-de-criada, que a veces pega a todo el mundo hablar en verso,
usando un truco perverso,
mientras fuera el tiempo es adverso,
ya no queda ni universo.

¿Qué os estaba diciendo? Espera, ¿cuánto tiempo llevo escribiendo este texto? ¿Cuántos días llevo en casa de mi madre? ¿Queda algo fuera? ¿Sigues ahí? Ese ruido… ¿ha sido la olla exprés? ¿O has sido tú mientras leías este texto?

Ojalá que sí y vengas a ver Grandissima Illusione”.

Nacida en Madrid, Cris Blanco vive en Barcelona. Desde el 2003 realiza sus propias piezas escénicas y trabaja como intérprete en danza, teatro y cine. Ha trabajado en escena con Cuqui y María Jerez, Amaia Urra, Juan Domínguez y Xavier Leroy, y en cine con Roser Aguilar e Icíar Bollaín, entre otras. Acompaña proyectos artísticos, imparte clases en el Instituto del Teatro y participa en proyectos educativos. Algunos de sus trabajos escénicos incluyen cUADRADO_fLECHA_pERSONA qUE cORRE (2004), ciencia_ficción (2010), El Agitador Vórtex (2014), Bad Translation (2016) y Pelucas en la Niebla (2018). En el 2019 creó Lo mínimo y lo pequeño, con Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol. Sus creaciones se han visto en escenarios y festivales europeos, americanos y asiáticos.

Una coproducción del Grec 2022 Festival de Barcelona, Cris Blanco y Conde Duque Madrid.
Con el apoyo de la beca Premios Barcelona 2020 del ICUB del Ayuntamiento de Barcelona, Festival TNT y Graner, centro de creación.

FICHA ARTÍSTICA

Dirección e interpretación: Cris Blanco, Acompañamiento artístico: Anto Rodríguez, Óscar Bueno, Dramaturgia: Cris Blanco, Rocío Bello, Anto Rodríguez, Óscar Bueno, Texto: Rocío Bello, Cris Blanco, Diseño de sonido: Carlos Parra

Más información: web del festival Grec

 

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ALBERTO CORTÉS (Andalucía)

EL ARDOR │ 60 min.

SALA CENTRAL LECHERA

Domingo 26 de Junio │20:00 h.

El Ardor parece un discurso donde una sombra habla sobre la necesidad de convertir en inmortales a las comunidades outsiders, adolescentes, viejas, queers y cuerpos al margen, hacer de ellos bandas callejeras que vivan el deseo como un estado romántico inmortal, contra el consumo rápido, como herramienta de destrucción de la sociedad afectivocapitalista. Sueño con un ardor que es el deseo puesto en crisis, no limitado a la pornografía sino a la posibilidad de engendrar un estado casi santo, de entusiasmo eterno. Sueño con ocupar las calles con pasión. Hay algo de incendiario en el discurso de la pieza y mucho de poética influenciado por las teorías postanarquistas de Hakim Bey, la narrativa salvaje y queer de William Burroughs o Arthur Rimbaud y la idea de la inmortalidad de los cosmistas rusos (exigimos al biopoder que haga inmortales a los desheredados, ya son vampiros). Desde el escenario se mira de lejos el concepto de revolución, de un modo que refleja la óptica contemporánea desde la que miramos el cambio en la sociedad actual: como un romanticismo cinematográfico imposible (estamos encarnando Lo Romántico). Al final del todo lo que parecía un discurso era un poema dedicado a la calle y a mis padres. Y lo que parecía un monstruo era un marica.

Coreografía e interpretación: Alberto Cortés | Texto de Alberto Cortés (con referencias a Hakim Bey, William Burroughs, Arthur Rimbaud, Boris Groys, Friedrich Nietzshe y El Libro de Job) | Iluminación de Benito Jiménez | Música de Pablo Peña | Asistencia corporal de Patricia Caballero | Vestuario de Gloria Trenado | Fotografía y vídeo de Manu Rosaleny |

Agradecimientos a: Rebeca Carrera, Rosa Romero, Bárbara Sánchez, Cris Balboa, Cris Celada, Miguel Marín, Isaac Torres, Marco Michelângelo y Dianelis Diéguez | Con el apoyo de Graner, Junta de Andalucía, Graners de Creació y Universidad de Málaga.

ALBERTO CORTÉS

Creador malagueño, formado en Dirección de escena y Dramaturgia e Historia del arte. Su inquietud por encontrar las conexiones entre las artes escénicas y las artes plásticas empieza a encontrar sentido a través de su trabajo como director. En 2008 funda la compañía Bajotierra junto a la actriz Alessandra García. Desde ese momento el teatro se convierte en un impulso y en una excusa para trabajar la contaminación y la remezcla. Generador de iniciativas como el festival de escena alternativa de Málaga El Quirófano, el ciclo Escena Bruta o iniciativas de mediación y comunicación entre artistas y comunidades como Territorio Expansivo, proyectos  que lleva a delante junto con otros compañeros de profesión. En su camino se ha encontrado con creadores que han marcado su recorrido como El Pont Flotant, Rodrígo García, Roger Bernat, Daniel Abreu, Patricia Caballero, Juan Luís Matilla o Bárbara Sánchez entre muchos otros. En 2012 comienza un camino de investigación individual bajo su propio nombre, en el que se centra en los conceptos de remezcla, impureza y periferia y en el uso del cuerpo para la escena contemporánea. Ese mismo verano es seleccionado en el Laboratorio internacional de teatro de la Bienal de Venecia donde trabaja con la compañía de danza teatro belga Peeping Tom (Gabriela Carrizo), formación que supone otra inflexión en su trabajo. Es también Máster de profesorado por la Universidad de Málaga y desde el 2013 comienza a impartir talleres sobre Nuevas Dramaturgias y Creación contemporánea a nivel andaluz y más tarde a nivel nacional e internacional, espacios donde comparte inquietudes y pensamiento en torno a la creación. Desde su comienzo en este proceso de investigación sobre la palabra, el movimiento y las nuevas narraciones ha realizado trabajos de teatro y danza para espacios domésticos, salas, museos y espacios públicos, además de site-specifics, performances, flamenco y nuevo folclore. En la actualidad compagina la creación de sus proyectos escénicos, el acompañamiento a otras creadoras y los talleres formativos junto con otros espacios de gestión y pensamiento contemporáneo.

Nominado Mejor autoría (Premios Escenario de Sevilla 2021)

Más información: web del festival Cádiz en danza

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MATERIA BLANDA, TIEMPO PROFUNDO.

Institute for Postnatural Studies visita el Taller Municipal de Cantería de la Casa de Campo y Jardines del Buen Retiro de Madrid.

30 de junio, 1 y 2 de julio

Pases entre las 18:00 y las 22:30 h.

Una tentativa de paseo para percibir lo que hay, lo que podría haber, lo que es imposible que haya ahí, o eso nos parece, pero quién sabe en este lugar tan familiar y extraño. Abrimos de nuevo el Taller de Cantería a.k.a. la ciudad amontonada, para visitarla con el Institute for Postnatural Studies. Una invitación a explorar, desmontar, reciclar, a devastar, hacer crecer, sugestionar, a debatir, complejizar, desinstalar la relación entre términos como naturaleza y cultura, ciudad y campo, vivo y muerto o real y no real, artificial, natural, postnatural.

La próxima semana, el colectivo Real No Real ha convocado a un conjunto de diversas personas y dispositivos para recoger los sonidos del lugar que, procesados desde la estética musical del colectivo, tomarán cuerpo en una edición en vinilo que podremos escuchar allí mismo en diciembre de 2022.

****Se abren inscripciones mañana miércoles 22 a las 12 h.****

→ INSCRIPCIONES PARA MATERIA BLANDA, TIEMPO PROFUNDO ←

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WIP WIP 🔥! Muestra de proceso en @el_consulado_fonteta . Ganas de compartir y de sanar con vosotras.
Habrá comidita de mano de @mariconadisgusting @la_mandragora_
Intérpretes: @metascenica @maria__tamarit
Espacio sonoro: @recipiente.rcpnt
Prótesis 3D: @manel.bafaluy
Outfits: @disruptive_pattern
Art: @samuel.godion
Texto: @__pauladedios
Amb els cantics animalescs d’ @hector.arnau_manu.louis 🦌
Entrenada con @fluage_training.for.dancers 🤸‍♀️🌱
Gracias a la colaboración de @centrocoreograficolarioja @cirve_arte_y_naturaleza @universitatvalencia Arts in Progress 🌱👅
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Miércoles 29 de junio a las 20h en la Sala Central Lechera de Cádiz

La máquina de mirar era el nombre que recibía aquellos objetos del S. XIX que a través de espejos y obturadores creaban ilusiones ópticas. En la pieza The Watching Machine imaginamos que la máquina generadora de ilusión es la propia caja escénica. En ella jugamos con la luz, las sombras y los reflejos para experimentar y reflexionar sobre qué es ilusión, qué es representación y qué es convención teatral. Una pieza para todos los públicos.

 

Coreografía e interpretación: Macarena Recuerda. | Colaboradores y productores: Una producción de Macarena Recuerda, Antic teatre, Residencia El Graner, Azkuna Zentroa, La Fundición y Harrobia. Gobierno Vasco.

 

MACARENA RECUERDA

Estas son sus piezas: 2010 “Thatʼs the story of my life” película realizada en directo. Una producción de Mi Cartera Patrocina, con la Ayuda del ConCa y la colaboración del Bilbao Arte, Teatre Lliure y Antic Teatre, pieza que ha girado por todo el Estado Español y Portugal. 2012 “Greenwich Art Show” Un documental realizado en directo. Una producción de Mi Cartera Patrocina, Festival Neo, CAET y Antic Teatre. Y 2012 “Greenwich Art Show- The Installation” Beca Atrio Alhóndiga de Bilbao. 2013 “Whose are those eyes?” Site specific e intervención urbana que se estrenará en la Fira de Tárrega 2013, Escena Poble Nou 2013 y Bad 2013. Ha recibido la Beca Laboratorio Fira de Tárrega, la Residencia que ofrece conjuntamente Escena Poble Nou y Antic Teatre; y la Residencia de Bilbao Eszena. 2015 «El Experimento Ganzfeld». HPC consonni (Bilbao) 2016 «Collage y Acción» Laboratorio investigación Es un laboratorio intergeneracional que pretende crear un espacio común tanto para divertirnos, como para la investigación artística. Jornadas de “Encuentros Collage” espacio para el arte y pensamiento del collage en el cine, literatura, músicas y arte y acción. Un encuentro para conocer, intercambiar y proliferar en un espacio tiempo común. 2018 “¡AY! ¡YA!” Un pieza de danza performance para todos los públicos una producción del Antic teatre, festival Grec, Gobierno Vasco, Festival BAD, Graner, Sala Baratza, y La Fundición Bilbao. 2020 The Watching Machine es una pieza plástica y escénica, una producción de Festival BAD, Antic teatre, Gobierno Vasco, El Graner, Harrobia y Azkuna Zentroa. Actualmente se encuentra trabajando en un proyecto de arte y educación sobre el arte de la luz  a partir de los materiales de esta pieza.

Más información: web de Cádiz en danza

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17 de junio a las 19h, Espai La Granja (València), gratuito con inscripción previa

Hoy, estoy aquí con vosotros para compartir la historia de mi cuerpo con la danza. Os voy a mostrar movimientos que forman parte de mi memoria, sacados del repertorio que, a lo largo de mi vida de bailarina, se han incrustado en mi cabeza y en mis tejidos.

Os ofrezco mi danza más sencilla y más despojada. Me expongo ante vosotros. Lo hago siendo muy consciente de que sin vosotros, espectadores, mi arte no se puede convertir en representación y yo no existo como intérprete.

Vuestra presencia acompaña mi cuerpo elástico, moldeable, y receptivo para abrir puertas que me ayudarán a seguir construyendo este solo. Al acabar la muestra, tomaré unos minutos de descanso para volver a la calma y compartir con vosotros impresiones e ideas.
Gracias por vuestra mirada.

Más información e inscripciones: web de Espai La Granja

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