— MuroTRON

Societat Doctor Alonso – 21 de junio en La Casa Encendida

Cinco cuerpos pacientes, celadores, médicos, especialistas, enfermeros, recipientes, muertes, de actores y títeres.

En una no sala de espera, en un no despacho de médico, en un no quirófano de un no hospital de campaña.

Este hospital no es un hospital cualquiera, donde se practica la medicina moderna. Aquí la enfermedad es de una especie de “don”.

Lo que te permite iniciar el camino de la curación. Todos estamos enfermos, y no vamos a dejar de estarlo después de visitar Hospital de campo.

La enfermedad que arrastramos es lo que nos invita a prestar atención a cómo el desdoblamiento del mundo se ha hecho carne en nosotros.

Durante los últimos años, la Societat Doctor Alonso dirigida por Tomás Aragay (director de teatro y dramaturgo) y Sofia Asencio (bailarina y coreógrafa)  ha realizado un trabajo de resignificación del teatro, de sus mecanismos y márgenes. Su mirada se ha puesto en determinados contextos cotidianos construidos a partir de una estructura de “representación” dentro de lo que llamamos realidad. Construyendo un lenguaje que encuentra una de sus claves fundamentales en el concepto del desplazamiento, de situar algo fuera de su lugar, ámbito o espacio propio para indagar cómo este desplazamiento modifica el lenguaje, tanto por lo que respecta a su gramática constitutiva como por la lectura que un observador pueda hacer. Desplazar para desvelar algo. La compañía colabora con un amplio espectro de artistas multidisciplinares.

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Ficha Artística:

Dramaturgia y dirección, Sofia Asencio y Tomàs Aragay / Investigador y comisario, Miguel Ángel Martínez / Acompañamiento artístico, Chico Simões (Cia. Mamulengo Presepada) / Creación e interpretación, Héctor Arnau, Júlia Barbany, Beatriz Lobo, Victor Colmenero y Sofia Asencio / Acompañamiento en la creación de las marionetas, Linda Vitolo / Espacio escénico e iluminación, Víctor Colmenero / Coordinación técnica, Celina Chavat / Espacio sonoro y música, Pol Clusella y Sala Combo con Laura Frade y Nicolás Barreto / Diseño vestuario, Jorge Dutor / Desarrollo internacional, Alessandra Simeoni / Producción ejecutiva, Imma Bové

Coproducción de Sala La Mutant, El Canal centre de creació d’Arts Escèniques de Salt-Girona, Festival IF y La Casa Encendida.

Con la colaboración de El Consulada.

Con el apoyo de ICEC, Institut Català de les Empreses Culturals, IBERESCENA e INAEM, Instituto Nacional de las Artes Escénicas.

19 y 20 de junio en el MACBA

En el contexto de la exposición Carlos Motta. Plegarias de resistencia, el MACBA presenta La internacional queer/cuir. El vacío: vih. performance. cuerpo social, un encuentro de artistas y activistas en torno a la crisis del vih/sida en el tiempo presente, entendiendo el vih/sida como un vínculo que permite conectar diferentes violencias e inequidades que hoy atraviesan al cuerpo social. El programa busca llenar temporalmente el vacío a través de las experiencias y contribuciones estéticas y discursivas de les participantes invitades.

Como agentes culturales reconocemos que el vih/sida es una crisis política que continúa afectando a millones de personas alrededor del mundo y respondemos a la renovada y perenne urgencia que los recientes recortes presupuestales por parte del gobierno estadounidense y otros gobiernos reaccionarios, como el argentino, han generado en países del Sur Global. Percibimos que la supremacía blanca y la dominación hegemónica continúan abriendo grietas coloniales y produciendo inequidades a través de la necropolítica y la extracción. Concebimos este programa como un intento de intervenir colectivamente en un presente en cambio constante, a partir de las potencias poéticas y performativas de agentes culturales, artistas y activistas llamados a participar.

Pensamos en el amplio Atrio del MACBA como un vacío de representación en torno al vih/sida y en la arquitectura posmoderna del edificio como una metáfora de la institucionalización y de los malestares de los que adolece hoy el cuerpo social.

Comisariado por Equipo re (Aimar Arriola, Nancy Garín y Linda Valdés) y Carlos Motta, el evento tomará la forma de un encuentro de mentes y cuerpos cuir y de colectivos disidentes para ampliar imaginarios sobre la pandemia de vih/sida en el presente, más allá de las historias hegemónicas centradas en los años ochenta y noventa en Estados Unidos y poniendo énfasis, en cambio, en las perspectivas locales y las experiencias del Sur Global y en un sentido intergeneracional.

* El vacío es también el título de una obra de Koray Duman, Ted Kerr y Carlos Motta instalada en el pasillo de la planta dos de la exposición Carlos Motta. Plegarias de resistencia en el MACBA.

** Nota: En este proyecto se toma la decisión deliberada de usar vih/sida en letras minúsculas. La decisión responde al trabajo de numerosos grupos que se han movilizado internacionalmente para transformar el peso simbólico que tienen estas siglas y mitigar la notoriedad que imprime su uso capitalizado.

1ª Jornada (19 de junio): SIDA STUDI, Gais Positius, Paquito Nogales, Supervihvents, Circo Crico, Álvaro Romero y Simon(e) Jaikiriuma Paetau. 

2ª Jornada (20 de junio): Queers in Palestine, Roma Murua, Facunda Aisa, Luciana Peña, Norma Pérez, Daniela Núñez, Nazario Díaz, Wynnie Mynerva, Alexis Lima, Purita Pelayo y Don’t hit a la negrx. 

José Venditti y Marta Verde – 12 de junio en Espacio Vacío (Cines Paz) 

Prima Materia es el origen de la transmutación, la materia bruta antes de la iluminación dorada. En la tradición alquímica, representa la sustancia primigenia de la que todo puede surgir: el estado previo a la conversión del plomo en oro, del caos en orden, de la sombra en luz.

Este nuevo proyecto de José Venditti y Marta Verde, concebido como la precuela de Espectro Dorado, propone un live audiovisual que se adentra en la crudeza del sonido y la fisicidad de la imagen desde una aproximación esencial y matérico-sensorial.

El saxofón, procesado a través de dispositivos analógicos, genera una masa sonora densa y sin estructuras rítmicas definidas, rozando lo espectral, lo informe. Resonancias sonoras y visuales se entrelazan en tiempo real, creando una experiencia inmersiva y orgánica.

Las imágenes, generadas en directo por Marta Verde, surgen de la manipulación visual de elementos físicos, amplificados y distorsionados para construir paisajes abstractos en constante mutación. Un trabajo visual que parte de lo material, pero se despliega hacia lo simbólico.

Si Espectro Dorado exploraba la luminiscencia de la transformación final, Prima Materia encarna lo previo: el impulso crudo de la alquimia, la posibilidad latente de transmutar.

BIO MARTA VERDE & JOSÉ VENDITTI:

Marta Verde y José Venditti son un dúo de artistas que lleva desarrollando juntas performances audiovisuales desde 2015. En su trabajo exploran los límites de la melodía y el ruido, armonía y tensión, repetición y aleatoriedad, en un ejercicio de equilibrio entre composición y libre improvisación.

En la mayoría de sus proyectos han hecho especial hincapié en la exploración de las experiencias místicas o espirituales que han atravesado a los seres humanos a lo largo de la historia, trabajando bajo conceptos como el sueño en su proyecto El Caballo del Sueñø, el tarot en Arcano II, los augurios en Omen, reinterpretando desde lenguajes contemporáneos los relatos religiosos de Val del Omar en “√ÅL ∆EL ØMÅ®”, o trabajando bajo el proceso místico alquímico del oro en Espectro Dorado.

Un acercamiento a estas experiencias trascendentales desde el trabajo con herramientas y procesos visuales y sonoros matemáticos, generativos y físicos, con la intención final de una búsqueda por intentar atrapar o descubrir aquello que escapa al entendimiento racional o científico y trasladarlo al espacio del escenario.

Tanto juntos como individualmente han presentado trabajos y proyectos artísticos en espacios y eventos como Museo Nacional Reina Sofía, Teatro Circo Price, Festival In Sonora, LA Contemporary Dance Company, Performa NYC, L.E.V, Festival Mira, Centro Cultural Conde Duque, Espacio Fundación Telefónica, La Casa Encendida, Círculo de Bellas Artes, Medialab Prado, etc.

Enlaces artistas: josevenditti.com; martaverde.net

https://youtu.be/UfwrAUAj5y8?feature=shared

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Vivimos en una era de hiperconectividad y sobrecarga informativa, donde la continua exposición a notificaciones, redes sociales y múltiples plataformas digitales genera una saturación constante de estímulos.

Esta situación no solo fragmenta nuestra atención, sino que erosiona nuestra capacidad de establecer conexiones profundas con nosotros mismos y con los demás.

Modo Avión es una propuesta de Coro y Espacio Vacío para mk2 Cine Paz: un ciclo de conciertos audiovisuales que busca reivindicar el acto de desconexión, donde lo sonoro y lo visual se fusionan en una experiencia inmersiva y transformadora que apela a la contemplación y la concentración plena buscando nuevas formas de habitar el presente.

Luisa Fernanda Alfonso – 14 de junio en el TEA dentro del programa Por Asalto

Masterpiece explora los excesos de ambos arquetipos en un tumulto de asociaciones latinoamericanas, intentando desestabilizar la danza de su legitimidad, legado y tradiciones. Reutilizando los altavoces como esculturas sonoras, portadores de afectos, compañeros acústicos y amantes, Luisa Fernanda Alfonso se deleita sentimentalmente con ellos, cantando versiones de El cascabel; de Lorenzo Barcelata; Me estoy acostumbrando a ti, de Pepe Aguilar; Te llevaré, de Lisandro Meza; Inocente pobre amigo; y Amor eterno, de Juan Gabriel.

Luisa Fernanda Alfonso es una artista natural de Bogotá radicada en Berlín, que se graduó en el programa Limón Professional Studies en Nueva York, del B.A, en Danza en la Universidad Folkwang de Essen y del M.A. SODA en el HZT de Berlín. Con una sólida formación en danza clásica y moderna, aborda la danza y la performance como un aparato teatral artificial cuidadosamente orquestado. Le interesa negociar las tensiones dentro de narrativas codificadas, intentando desestabilizar ciertas dualidades como virtuosismo/fracaso y masculinidad/feminidad. Su afinidad por la composición sonora, los altavoces y las grabaciones de voz está intrínsecamente entrelazada con su forma de crear coreografía.

Su obra Masterpiece ha sido presentada en diversos festivales como Les Urbaines (Lausana), Parallele (Marsella), Rakete en Tanzquartier (Viena), Domingo en La Casa Encendida (Madrid), Tanztage en Sophiensaele (Berlín), entre otros. Como intérprete ha trabajado en piezas de Leila Hekmat (Il Matrimonio di Immacolata), Xenia Koghilaki (Bang Bang Bodies), Juan Felipe Amaya González (Bravura), Luisa Saraiva (Tirana, Bocarra), Deva Schubert (Glitch Choir), Armin Hokmi (Shiraz), Emilie Gregersen (On My Tongue), entre otros. En 2024, su concierto-performance A humble concert by a decent woman fue comisionado para SIDEGIGS en la Neue Musik Zentrale de Essen.

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Ziomara Hormaetxe – 15 de mayo en Azkuna Zentroa

La coreógrafa vasca Ziomara Hormaetxe presenta “LĀTTICE”, una obra performativa en movimiento producida por Azkuna Zentroa, en el marco del proyecto europeo “ACuTe. Culture Testbeds for Performing Arts and New Technology” del que el Centro es partner estratégico, con el apoyo de Creative Europe. Comisión Europea.

Carmelo Salazar y Bea Fernández – 21 de mayo en el Teatro Leal dentro de la programa Danza en Breve del LAV-C

A través de varios estudios de movimiento y discurso independientes, esta propuesta especula sobre el trabajo presencial de los intérpretes, duda del sentido de la escena y huye del concepto de espectáculo.

El discurso o pensamiento que se pretende introducir desde el cuerpo y la palabra atiende a lo particular del trabajo presencial en la escena como intérpretes y artistas, razonando y accionando desde la idea de que no tenemos o no podemos compartir nuestro presente contemporáneo y sí una realidad extemporánea. Este trabajo pretende generar una suerte de contexto coreográfico donde, a través de las figuras ficcionadas de los intérpretes, se intenta acercar al espectador a una serie de paradojas que acompañan o definen el propio hecho artístico: la dificultad de una profesión, el aislamiento creativo del artista, el sentido de la escena, la idea de reproducción, de la simplicidad o complejidad de construir con movimientos, de su fidelidad o no a la realidad…

Tengo un problema contemporáneo plantea un cuerpo y un discurso especulativos, donde se explica lo que es esta pieza y, a partir de las posibilidades e imposibilidades de llevarla a cabo, habla de su presente cultural, habla de que tiene un problema contemporáneo porque entiende que lo que hace no es arte contemporáneo sino su resultado. Esta extemporaneidad, este lugar fuera de lugar es la idea y el campo de acción donde los performers sostienen la imposibilidad de escaparse de la historia porque lo que hacen es, también, historia.

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