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Baile

Ziomara Hormaetxe – 15 de mayo en Azkuna Zentroa

La coreógrafa vasca Ziomara Hormaetxe presenta “LĀTTICE”, una obra performativa en movimiento producida por Azkuna Zentroa, en el marco del proyecto europeo “ACuTe. Culture Testbeds for Performing Arts and New Technology” del que el Centro es partner estratégico, con el apoyo de Creative Europe. Comisión Europea.

“LĀTTICE” se basa en los principios de la física cuántica para traspasar la realidad convencional.

En un diálogo constante entre cuerpo y tecnología, esta pieza explora la gravedad como fuerza omnipresente que atraviesa el cuerpo en múltiples capas: desde lo físico hasta lo cuántico, configurando las maneras en que experimentamos el espacio y el movimiento.

La obra propone un viaje a través de espacios virtuales, multiversos, donde cada capa de la realidad abre nuevas posibilidades de existencia y conexión, expandiendo las maneras en que las narrativas contemporáneas de colaboración transforman nuestra realidad.

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Carmelo Salazar y Bea Fernández – 21 de mayo en el Teatro Leal dentro de la programa Danza en Breve del LAV-C

A través de varios estudios de movimiento y discurso independientes, esta propuesta especula sobre el trabajo presencial de los intérpretes, duda del sentido de la escena y huye del concepto de espectáculo.

El discurso o pensamiento que se pretende introducir desde el cuerpo y la palabra atiende a lo particular del trabajo presencial en la escena como intérpretes y artistas, razonando y accionando desde la idea de que no tenemos o no podemos compartir nuestro presente contemporáneo y sí una realidad extemporánea. Este trabajo pretende generar una suerte de contexto coreográfico donde, a través de las figuras ficcionadas de los intérpretes, se intenta acercar al espectador a una serie de paradojas que acompañan o definen el propio hecho artístico: la dificultad de una profesión, el aislamiento creativo del artista, el sentido de la escena, la idea de reproducción, de la simplicidad o complejidad de construir con movimientos, de su fidelidad o no a la realidad…

Tengo un problema contemporáneo plantea un cuerpo y un discurso especulativos, donde se explica lo que es esta pieza y, a partir de las posibilidades e imposibilidades de llevarla a cabo, habla de su presente cultural, habla de que tiene un problema contemporáneo porque entiende que lo que hace no es arte contemporáneo sino su resultado. Esta extemporaneidad, este lugar fuera de lugar es la idea y el campo de acción donde los performers sostienen la imposibilidad de escaparse de la historia porque lo que hacen es, también, historia.

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Del 23 de abril al 28 de mayo 

Crédito: Ediciones Menguantes

Dirigido por: José Luis González Macías y Lía Peinador

«Se buscan valientes para un viaje peligroso. Paga reducida. Frío intenso. Largos meses en la más completa oscuridad. Peligro constante. Es dudoso que puedan regresar a salvo. En caso de éxito, recibirán honores y reconocimiento». Con esta cruda pero honesta invitación atribuida al explorador Ernest Shackleton para reclutar a la tripulación de su legendaria expedición a la Antártida damos inicio a nuestro viaje hacia un destino impreciso.

La literatura, la curiosidad y la emoción serán el equipaje en esta travesía. Abrazaremos la deriva y el fracaso. Haremos de la incertidumbre nuestra aliada porque, aceptémoslo, no podemos hacer absolutamente nada ante sus desplantes o caprichos. Nos camuflaremos en la delgada línea de los límites y cruzaremos, sin dirección, fronteras imaginarias. Caminaremos a la sombra de los umbrales. Mantendremos nuestros sentidos alerta. Rastrearemos todo tipo de huellas. Buscaremos los fotogramas en blanco. Nos inventaremos el más allá y seremos felices en el despropósito.

En este Curso de la Universidad Popular, convertidos en arqueólogos de lo cotidiano y en aventureros de lo infraordinario, pondremos rumbo hacia ese lugar desconocido donde más allá se cae el mar.

Lía Peinador es editora, traductora y responsable de Ediciones Menguantes (menguantes.com). Ha impartido varios talleres de sonido y de edición independiente.

José Luis González Macías es escritor, diseñador, editor y aficionado a los mapas desde pequeño. Su libro Breve Atlas de los Faros del Fin del Mundo, traducido a más de 15 idiomas, recibió el Premio Nacional al Libro Mejor Editado en 2021.

El Museo CA2M desarrolla una línea de actividades de formación en arte y pensamiento contemporáneos enmarcadas dentro de la tradición de las universidades populares. En estos cursos se abordan algunos de los planteamientos fundamentales para entender e interpretar el arte actual. Se estructuran en dos partes: una primera que consiste en la exposición de un tema por un ponente invitado y una segunda en la que se abre el debate para que los asistentes tomen la palabra. Esta estructura puede cambiar hacia formatos más experimentales según la propuesta de cada sesión.

PROGRAMA

23 abril       EL POLO INACCESIBLE / Lía Peinador y González Macías

7 mayo        UN FOTOGRAMA EN BLANCO / Raúl Alaejos e Hilo Moreno

14 mayo      LÍMITES / Paula Ducay e Inés García (Punzadas Sonoras)

21 mayo      Oficina Paralela y Transitoria de Objetos Perdidos (OPTOP) / Carolina Arabia

28 mayo      “MORIR DEBE SER UNA AVENTURA INCREÍBLE”: INVENTAR EL MÁS ALLÁ / Sabina Urraca

Puedes solicitar una acreditación del curso, para ello será necesaria la asistencia a 4 de las sesiones.

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Idio Chichava – 21 y 22 de mayo en Conde Duque 

Cantar y bailar. En esos dos polos reside el cuerpo global. Son las dos capacidades en las que el coreógrafo mozambiqueño Idio Chichava cree que reside una condición humana natural olvidada. Por eso en Vagabundus, el espectáculo para 13 insólitos bailarines-cantantes que ha montado con su compañía Converge+Dance, no hay diseño de trajes, efectos especiales, golpes de efecto lumínicos ni otra cosa que no sean 13 cuerpos que cantan y bailan. En su propuesta, la dimensión emocional lo ocupa todo y la consigue con esos cuerpos que no dejan de moverse al ritmo de las canciones populares -ancestrales y nuevas-, que ellos mismos entonan. Una obra que, en realidad, es una invitación a que en cada espectador aflore su propio cuerpo global.

Inspirado en los movimientos migratorios y los rituales de danza del pueblo Makondé, que vive principalmente en Mozambique y países vecinos, el creador ha levantado este espectáculo portador de belleza en estado puro, que ve y entiende la vida como un flujo de separación, encuentro y reagrupamiento entre gente conectada por el canto y el baile. Desde luego, aboga también por el espíritu libre y errante, que es la base la migración, el tema más candente de Europa en este momento.

“En su sentido etimológico, el vagabundo es aquel que viaja, el hombre errante que no tiene un destino inscrito, buscando siempre un lugar donde establecerse o continuar su viaje”, reflexiona el creador. “También existe su significado peyorativo, de bandido, pícaro y holgazán. Yo juego con este doble significado. La pieza también está ligada a mi regreso a Mozambique, después de catorce años en Francia donde me hice pasar por turista”.

Por eso Vagabundus, que fue definido por la crítica francesa como un canto de resistencia y un manual de supervivencia, trae impresas, de alguna manera, las vivencias de su autor aunque solo veamos en el escenario cuerpos que cantan y bailan. Y es que, las motivaciones artísticas de Chichava se sustentan firmemente en su devoción a ese cuerpo global, del que tanto le gusta hablar. “Solo el cuerpo que canta y baila puede expresarse a sí mismo y en sus sinergias con otros cuerpos”, ha sido lema de danza y vida para él.

Aparte de bailarín, coreógrafo y líder de su compañía Converge+Dance, es habitual colaborador de Kubilai Khan Investigations en Francia, y desde su vuelta a Mozambique se ha convertido también en un importante agente cultural. Ha colaborado con la plataforma multidisciplinar KINANI y ha sido uno de los productores de Raíz Traditional Music Festival, en Maputo. En Francia estuvo en contacto con la danza contemporánea más diversa y ha colaborado con creadores europeos y africanos, que hoy se cuentan entre los más destacados del momento. Panaibra Gabriel, Horacio Macuacua, Cristina Moura, Thomas Hauert, David Zambrano, Frank Micheletti, Boyzie Cekwana, Qudus Onikeku, Marcel Gbefa, Djodjo Kasadi o Faustin Lienkula, entre ellos.

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Carlos Marquerie – 23 de mayo en el Teatro Central de Sevilla

Dramaturgia, poesía, danza, música, marionetas, instalación plástica… se dan la mano en una pieza que indaga en la magia, el duende y la performatividad de una de la obras mayores de Federico García Lorca.

Carlos Marquerie y su gran equipo realizan un despliegue escénico de rara e inefable belleza para ayudarnos a habitar no solo las palabras, la música y las imágenes que acompañaron el hacer del poeta granadino, sino también para mostrar su poliédrica personalidad artística y humana.

Cuarenta años ha durado el viaje que Carlos Marquerie ha realizado acompañado del libro de Lorca hasta que finalmente ha conseguido darle forma sobre el escenario. No es de extrañar. A poco que se conozca la pieza de Lorca nos damos cuenta de que hay que ser muy osado para tomar la decisión que tomó un año antes de su estreno Carlos Marquerie.

Este Poeta en Nueva York (García Lorca/Marquerie) es un espectáculo valiente, un trabajo que difícilmente se ve en nuestros escenarios por lo que tiene de contaminación de disciplinas, por lo que supone de ruptura del canon tradicional a la hora de utilizar una “narrativa escénica” en la que las sintaxis se entrelazan dando como resultado una “manera otra” de poner en escena e interpelar al espectador.

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Dirección CARLOS MARQUERIE Dramaturgia PEDRO G. ROMERO, CARLOS MARQUERIE Dirección musical, arreglos y composición música original NIÑO DE ELCHE Coreografía ELENA CÓRDOBA Intérpretes NIÑO DE ELCHE, ELENA CÓRDOBA, MANUEL EGOZKUE, CLARA PAMPYN, JESÚS RUBIO GAMO, ENRIQUE DEL CASTILLO Escenografía MAX GLAENZEL Iluminación CARLOS MARQUERIE

CARLOS MARQUERIE OFRECERÁ UN ENCUENTRO EN COLABORACIÓN CON EL CENTRO DE FORMACIÓN ESCÉNICA DE ANDALUCÍA. Más info aquí.

ENCUENTRO CON EL PÚBLICO TRAS LA REPRESENTACIÓN (23/MAYO)

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A partir de l’exposició col·lectiva Sumari Astral, a cura de Caterina Almirall en col·laboració amb Claudia Elies, presentem el programa públic de l’exposició, un seguit de performances, projeccions i accions que tindran lloc als espais B, Ç i a la terrassa de La Brossa.

Impasse, Itxaso Corral Arrieta

29 d’abril a les 18:30
Una performance lleu sobre un possible glossari de temps de suspensió o espera o sorpresa. També una performance lleugera sobre el llenguatge i la veu com a conjur. Durant més de mig any he participat al grup de recerca vinculat a l’exposició Sumari Astral. A les notes que he anat prenent durant aquestes sessions col·lectives, la paraula impasse apareix fins a 3 vegades. 3 vegades ja és un encanteri, així que aquesta aparició insistent em va donar curiositat. Buscant el seu significat al diccionari em trobo amb Impasse: 1. Carreró sense sortida, 2. Compàs d’espera. Una temporalitat que interfereix, que provoca un estat alterat de latenció i de la capacitat dimaginar. Convoca una referència temporal, un lloc, un ritme. Temps, espai, vibració. El que deia, serà una performance lleu, lleugera, un tros de temps per adonar-se d’alguna cosa, per exemple, un parpelleig.


Fregoli
, Quim Pujol
8 de maig a les 18:30 h

Leopoldo Fregoli va ser un dels transformistes més importants de la història. En els seus espectacles canviava d’aspecte de manera frenètica i donava vida a dotzenes de personatges en una mateixa representació. El crític Sebastià Gasch va escriure sobre ell: “Fregoli va encarnar a més d’un miler de personatges de tots els gèneres, tipus i espècies (…) Amb Fregoli brollaven, portades a escena, les primeres intuïcions dels temes del nostre temps”. L’actor italià també es va convertir en una referència essencial per a Joan Brossa i l’art escènic d’avantguarda. Què ens queda encara per aprendre de Fregoli? En aquesta sèrie de números de transformisme, l’intèrpret mai no canvia d’aparença.

SSSSSMarc Vives

29 de maig a les 18:30 h

SSSSS consisteix en una sèrie dexercicis basats en la veu per produir un impacte sobre els cossos. El punt de partida és la meva experiència a “cantar” al paisatge des del mar, i atreure aquesta qualitat líquida a les estructures que ens envolten amb l’objectiu de repolititzar-les en sentit relacional. Provocar un canvi dramàtic de base, de la pèrdua humana del terreny, de fonaments ferms, d’equilibri, del punt de vista de la terra signatura”. Aquest treball en procés planteja un paral·lel entre la boca i l’espai escènic on s’ubica, transformant-se cada vegada, sent els sons que emet sorolls que estan alhora dins i fora del cos.

Els meus fantasmes viuen a Pere IV 174, Mariona Naudin
5 de juny a les 18:30 h

Els meus fantasmes viuen al carrer Pere IV 174, en un àtic que cau a troços tancat i barrat des de fa vint anys. Un espai congelat en el temps enmig d’un barri que es transforma de manera salvatge. Els espectres que hi habiten em visiten en somnis perquè aquell espai aparentment buit és ple d’esperits errants que no han entès encara què està passant. Atemorits, les ànimes en pena romanen dins del portal, per si de cas. Ensumen l’olor a infern que entra per sota la porta: el món d’avui fa pudor a sofre i els fantasmes ja en van tenir prou de barbàrie quan estaven vius. En els somnis, els espectres s’esvaloten, esdevenen poltergeists, udolen desesperats i em pregunten a l’oida: Com ha pogut passar?! Com és possible?! -. No ho sé!, els hi responc traient-me’ls de sobre com puc- Deixeu-me en pau! Deixeu de perseguir-me!


Volver al Fondo, Sofía Montenegro
12 de juny a les 18:30 h

Volver al Fondo és un viatge que fila diversos esdeveniments entrellaçats entre si entorn de Fondo con Delfín, recorregut que va tenir lloc al Festival Bosque Real en el 2019. Mentre es grava, es camina i es pensa en la manera de fer-ho per a visibilitzar la metodologia duta a terme, deixant-nos portar per les coses que van apareixent. L’àudio desdibuixa aquella trobada per a endinsar-se de nou en el paisatge.


Escarlet, Ángela Millano
18 de juny a les 18:30 h

Un cos, un so, una forma, alguna cosa anterior a la paraula; que no ve del verb ni del concepte i pertany a un lloc del darrera, o damunt o sota. No hi arriba la llum del nomenar. Cos que ve del cos, veu que ve de carns. Matèria i sonoritat estranya, coneguda i no, però no del tot, i alhora profundament vulnerable i humana. En un ésser èxtasi, mort, vida desplaçada, vida a la vora del temps. Sirena, balena i androide, beata arrabassada i monstre. És un sentir, conèixer i respirar entre els llits, a la gola.

Jornada astral
20 de setembre

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Federico Vladimir y Pablo Lilienfeld – 10 y 11 de mayo en el Mercat de les Flors 

Estos dos artistas tienen en común no solamente el nombre de su madre: las dos nacieron en Argentina en los años 50, hijas de refugiados de guerra europeos, y las dos emigraron a España de mayores. Las dos, además, crearon imágenes: las pinturas ecofeministas de Mónica Lilienfeld y las fotografías eróticas de Mónica Pezdirc son el punto de partida de esta creación. Desarrollarán una pieza que hará referencia a la genealogía en la que coexisten la épica de las guerras o las migraciones, así como otras referencias como canciones, amantes, monstruos o fantasmas.

Juntos, desde el 2014, Pablo y Federico han desarrollado un trabajo entrelazado con su relación sentimental: tomando siempre de punto de partida la intimidad, sus piezas exploran representaciones de colectividad que cuestionan las formas hegemónicas de «contarnos». Sus performances, vídeos, instalaciones o juegos son herramientas para la creación de mundos y genealogías. La ficción especulativa es el terreno común en todas sus obras, terreno sobre el que se cruzarán prácticas tan diversas como la natación artística, el raving o los juegos de rol.

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Núria Corominas Pérez | Del 30 de abril al 18 de mayo en la Sala Beckett

Un xai ha creuat el desert es una fábula musical sobre la depresión. O sobre la melancolía. O sobre el mal de nuestros tiempos. También es un intento por hacer frente a la parálisis de la romantización del estado depresivo a través de la figura de un bufón que, junto con el cortejo de músicos, se mofarán del psicologismo, del relato clínico y de la propia condición. Éste es un espectáculo sobre un bufón deprimido que juega con la sonoridad, con la poética y con la teatralidad para diseccionar la realidad que nos lleva al estado depresivo.

Núria Corominas Pérez, miembro fundadora de la compañía Las Huecas, regresa a la Beckett tras agotar entradas con el espectáculo De l’amistat. Pero en esta ocasión con su primer espectáculo en solitario.

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