— MuroTRON

Luisa Fernanda Alfonso – 14 de junio en el TEA dentro del programa Por Asalto

Masterpiece explora los excesos de ambos arquetipos en un tumulto de asociaciones latinoamericanas, intentando desestabilizar la danza de su legitimidad, legado y tradiciones. Reutilizando los altavoces como esculturas sonoras, portadores de afectos, compañeros acústicos y amantes, Luisa Fernanda Alfonso se deleita sentimentalmente con ellos, cantando versiones de El cascabel; de Lorenzo Barcelata; Me estoy acostumbrando a ti, de Pepe Aguilar; Te llevaré, de Lisandro Meza; Inocente pobre amigo; y Amor eterno, de Juan Gabriel.

Luisa Fernanda Alfonso es una artista natural de Bogotá radicada en Berlín, que se graduó en el programa Limón Professional Studies en Nueva York, del B.A, en Danza en la Universidad Folkwang de Essen y del M.A. SODA en el HZT de Berlín. Con una sólida formación en danza clásica y moderna, aborda la danza y la performance como un aparato teatral artificial cuidadosamente orquestado. Le interesa negociar las tensiones dentro de narrativas codificadas, intentando desestabilizar ciertas dualidades como virtuosismo/fracaso y masculinidad/feminidad. Su afinidad por la composición sonora, los altavoces y las grabaciones de voz está intrínsecamente entrelazada con su forma de crear coreografía.

Su obra Masterpiece ha sido presentada en diversos festivales como Les Urbaines (Lausana), Parallele (Marsella), Rakete en Tanzquartier (Viena), Domingo en La Casa Encendida (Madrid), Tanztage en Sophiensaele (Berlín), entre otros. Como intérprete ha trabajado en piezas de Leila Hekmat (Il Matrimonio di Immacolata), Xenia Koghilaki (Bang Bang Bodies), Juan Felipe Amaya González (Bravura), Luisa Saraiva (Tirana, Bocarra), Deva Schubert (Glitch Choir), Armin Hokmi (Shiraz), Emilie Gregersen (On My Tongue), entre otros. En 2024, su concierto-performance A humble concert by a decent woman fue comisionado para SIDEGIGS en la Neue Musik Zentrale de Essen.

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Ziomara Hormaetxe – 15 de mayo en Azkuna Zentroa

La coreógrafa vasca Ziomara Hormaetxe presenta “LĀTTICE”, una obra performativa en movimiento producida por Azkuna Zentroa, en el marco del proyecto europeo “ACuTe. Culture Testbeds for Performing Arts and New Technology” del que el Centro es partner estratégico, con el apoyo de Creative Europe. Comisión Europea.

Carmelo Salazar y Bea Fernández – 21 de mayo en el Teatro Leal dentro de la programa Danza en Breve del LAV-C

A través de varios estudios de movimiento y discurso independientes, esta propuesta especula sobre el trabajo presencial de los intérpretes, duda del sentido de la escena y huye del concepto de espectáculo.

El discurso o pensamiento que se pretende introducir desde el cuerpo y la palabra atiende a lo particular del trabajo presencial en la escena como intérpretes y artistas, razonando y accionando desde la idea de que no tenemos o no podemos compartir nuestro presente contemporáneo y sí una realidad extemporánea. Este trabajo pretende generar una suerte de contexto coreográfico donde, a través de las figuras ficcionadas de los intérpretes, se intenta acercar al espectador a una serie de paradojas que acompañan o definen el propio hecho artístico: la dificultad de una profesión, el aislamiento creativo del artista, el sentido de la escena, la idea de reproducción, de la simplicidad o complejidad de construir con movimientos, de su fidelidad o no a la realidad…

Tengo un problema contemporáneo plantea un cuerpo y un discurso especulativos, donde se explica lo que es esta pieza y, a partir de las posibilidades e imposibilidades de llevarla a cabo, habla de su presente cultural, habla de que tiene un problema contemporáneo porque entiende que lo que hace no es arte contemporáneo sino su resultado. Esta extemporaneidad, este lugar fuera de lugar es la idea y el campo de acción donde los performers sostienen la imposibilidad de escaparse de la historia porque lo que hacen es, también, historia.

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Idio Chichava – 21 y 22 de mayo en Conde Duque 

Cantar y bailar. En esos dos polos reside el cuerpo global. Son las dos capacidades en las que el coreógrafo mozambiqueño Idio Chichava cree que reside una condición humana natural olvidada. Por eso en Vagabundus, el espectáculo para 13 insólitos bailarines-cantantes que ha montado con su compañía Converge+Dance, no hay diseño de trajes, efectos especiales, golpes de efecto lumínicos ni otra cosa que no sean 13 cuerpos que cantan y bailan. En su propuesta, la dimensión emocional lo ocupa todo y la consigue con esos cuerpos que no dejan de moverse al ritmo de las canciones populares -ancestrales y nuevas-, que ellos mismos entonan. Una obra que, en realidad, es una invitación a que en cada espectador aflore su propio cuerpo global.

Inspirado en los movimientos migratorios y los rituales de danza del pueblo Makondé, que vive principalmente en Mozambique y países vecinos, el creador ha levantado este espectáculo portador de belleza en estado puro, que ve y entiende la vida como un flujo de separación, encuentro y reagrupamiento entre gente conectada por el canto y el baile. Desde luego, aboga también por el espíritu libre y errante, que es la base la migración, el tema más candente de Europa en este momento.

“En su sentido etimológico, el vagabundo es aquel que viaja, el hombre errante que no tiene un destino inscrito, buscando siempre un lugar donde establecerse o continuar su viaje”, reflexiona el creador. “También existe su significado peyorativo, de bandido, pícaro y holgazán. Yo juego con este doble significado. La pieza también está ligada a mi regreso a Mozambique, después de catorce años en Francia donde me hice pasar por turista”.

Por eso Vagabundus, que fue definido por la crítica francesa como un canto de resistencia y un manual de supervivencia, trae impresas, de alguna manera, las vivencias de su autor aunque solo veamos en el escenario cuerpos que cantan y bailan. Y es que, las motivaciones artísticas de Chichava se sustentan firmemente en su devoción a ese cuerpo global, del que tanto le gusta hablar. “Solo el cuerpo que canta y baila puede expresarse a sí mismo y en sus sinergias con otros cuerpos”, ha sido lema de danza y vida para él.

Aparte de bailarín, coreógrafo y líder de su compañía Converge+Dance, es habitual colaborador de Kubilai Khan Investigations en Francia, y desde su vuelta a Mozambique se ha convertido también en un importante agente cultural. Ha colaborado con la plataforma multidisciplinar KINANI y ha sido uno de los productores de Raíz Traditional Music Festival, en Maputo. En Francia estuvo en contacto con la danza contemporánea más diversa y ha colaborado con creadores europeos y africanos, que hoy se cuentan entre los más destacados del momento. Panaibra Gabriel, Horacio Macuacua, Cristina Moura, Thomas Hauert, David Zambrano, Frank Micheletti, Boyzie Cekwana, Qudus Onikeku, Marcel Gbefa, Djodjo Kasadi o Faustin Lienkula, entre ellos.

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Carlos Marquerie – 23 de mayo en el Teatro Central de Sevilla

Dramaturgia, poesía, danza, música, marionetas, instalación plástica… se dan la mano en una pieza que indaga en la magia, el duende y la performatividad de una de la obras mayores de Federico García Lorca.

Carlos Marquerie y su gran equipo realizan un despliegue escénico de rara e inefable belleza para ayudarnos a habitar no solo las palabras, la música y las imágenes que acompañaron el hacer del poeta granadino, sino también para mostrar su poliédrica personalidad artística y humana.

Cuarenta años ha durado el viaje que Carlos Marquerie ha realizado acompañado del libro de Lorca hasta que finalmente ha conseguido darle forma sobre el escenario. No es de extrañar. A poco que se conozca la pieza de Lorca nos damos cuenta de que hay que ser muy osado para tomar la decisión que tomó un año antes de su estreno Carlos Marquerie.

Este Poeta en Nueva York (García Lorca/Marquerie) es un espectáculo valiente, un trabajo que difícilmente se ve en nuestros escenarios por lo que tiene de contaminación de disciplinas, por lo que supone de ruptura del canon tradicional a la hora de utilizar una “narrativa escénica” en la que las sintaxis se entrelazan dando como resultado una “manera otra” de poner en escena e interpelar al espectador.

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Dirección CARLOS MARQUERIE Dramaturgia PEDRO G. ROMERO, CARLOS MARQUERIE Dirección musical, arreglos y composición música original NIÑO DE ELCHE Coreografía ELENA CÓRDOBA Intérpretes NIÑO DE ELCHE, ELENA CÓRDOBA, MANUEL EGOZKUE, CLARA PAMPYN, JESÚS RUBIO GAMO, ENRIQUE DEL CASTILLO Escenografía MAX GLAENZEL Iluminación CARLOS MARQUERIE

CARLOS MARQUERIE OFRECERÁ UN ENCUENTRO EN COLABORACIÓN CON EL CENTRO DE FORMACIÓN ESCÉNICA DE ANDALUCÍA. Más info aquí.

ENCUENTRO CON EL PÚBLICO TRAS LA REPRESENTACIÓN (23/MAYO)