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Conferències amb audicions

22 de marzo en el CC Convent de Sant Agustí

Vincent Moon presenta l’Antisol Negre al Convent de Sant Agustí, de la mà del Observatori de Video No Identificat i l’Institut français de Barcelona. Una sessió de live-cinema i jam-trance-music, on la projecció del film és tan sols una excusa per crear una escletxa en el present. Un viatge d’inspiració ritual que ens vol traslladar al món intermedi, a través de l’acústic i el visual.

Vincent Moon és un realitzador audiovisual independent de París. Compta amb una dilatada trajectòria de més de 20 anys en el món del film, i en els darrers anys ha viatjat arreu del món en la cerca de nous sons i formes rituals. Actualment es dedica a l’exploració de tonalitats i ritmes ancestrals, documentant tota mena de tradicions locals i de músiques de caire ritual.

Observatori de Vídeo No Identificat – Desorg Punt Org és un projecte de recerca de carácter intencional i temàtic. Es caracteritza per facilitar una crítica de la cultura i de la societat contemporània, utilitzant diferents estratègies derivades de l’ús ampli i heterodox del mitjà videogràfic, de la imatge estàtica i del context web.

Más información, entrada gratuita: https://conventagusti.com/blog/ovni-desorg-vincent-moon-convent/.

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Sònia Gómez y Los Sara Fontán – 8 y 9 de julio en L’Auditori (Festival Grec)

Hace unos años que, como parte del ciclo Escenes, L’Auditori contacta con creadores y creadoras de artes diversas y les propone ejercicios de hibridación de sus talentos, siempre alrededor de un tema común que marca la temporada del espacio musical de la calle de Lepant. Este año el tema es “muerte o retorno”, lema que ha inspirado a los creadores y creadoras programados, entre los cuales, la performer, bailarina y coreógrafa Sònia Gómez y el colectivo musical Los Sara Fontán, integrado por la violinista y experimentadora sonora Sara Fontán y el batería Edi Pou, cincuenta por ciento del dúo de rock experimental Za! Los tres artistas han examinado la historia de la ópera, del teatro y de las artes vivas y han encontrado que están… ¡llenas de cadáveres! ¿Cómo son estas muertes (sublimes y ridículas, patéticas y conmovedoras…) que hace años que vemos en el escenario? ¿Qué ocurriría si las encadenamos y, liberadas de su contexto, las presentáramos en forma de catálogo? Este trío se centrará en el momento mismo del deceso, en busca de aquellos elementos comunes entre todas las muertes: desde las más épicas hasta las más cómicas y de las más íntimas a las más universales.

Será una buena oportunidad para ver trabajar a Sònia Gómez, una artista de La Sénia instalada en Barcelona que se formó en el Institut del Teatre (Barcelona) y en el Performing Arts Research and Training Studio fundado en Bruselas por Anne Teresa de Keersmaeker. Trabaja desde el año 2004 en proyectos que tratan sobre asuntos como la construcción identitaria y el desenmascaramiento de las imposturas sociales y de las imposturas del arte a través del cuerpo y la performance. La hemos visto en el Grec 2018 colaborando con Pere Jou y David Climent en el espectáculo Nowhere in particular. Ahora, sube al escenario de L’Auditori con un colectivo sonoro imprescindible. Los Sara Fontán transforman un instrumento tan clásico como el violín en un elemento de experimentación, explorando todo tipo de estilos y empleándolo en piezas de poesía, danza, instalaciones museísticas o bandas sonoras. El año pasado ya estuvieron en el Grec, con Tarta Relena y Cocanha, trabajando en el proyecto 4132314, que justamente se ha llevado el premio Ciudad de Barcelona de Música 2022.

Más info y entradas: https://www.barcelona.cat/grec/es/espectaculos/fem-una-bona-pena-abans-de-morir.

Una coproducción de L’Auditori – Cicle Escenes

Colabora: Festival Grec

Con el apoyp de la Fàbrica de Creació Fabra i Coats, Nau Ivanov y Nyam Nyam

FICHA ARTÍSTICA

Creación, dirección, interpretación y producción: Los Sara Fontán y Sònia Gómez. Asistencia dramatúrgica: Joan Morey. Concepción escénica-vestuario: Joan Morey, Los Sara Fontán y Sònia Gómez. Diseño de iluminación: Ivan Cascon. Creación teaser:  Arnau Garcia i Borrull, Inés González-Quijano y Alba Marco. Agradecimientos: La Capsa, Guillem Bonet, Juan José Teixidó “Teixi” y Sofía Zunino.

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Óscar Gómez Mata y Juan Loriente – 15 y 16 de marzo en el Imanol Larzabal Aretoa (C.C. Lugaritz en Donosti) 

Makers es una obra sobre la luz, el tiempo y el amor, viajando entre desbordamiento cómico y la contención emocional, entre el disparate y la verdad. Un espectáculo que mezcla lo poético y lo filosófico, en una especie de manual para sobrevivientes que trata de aportar soluciones a nuestro tránsito en la realidad.

La pieza nace de la función esencial de los ‘makers’: investigar para hacer la luz. “Somos detectives, tratamos de buscar lo sensible bajo lo sensible, encontrar una solución poética a la realidad”, explica el artista asociado a Azkuna Zentroa. El resultado es una puesta en escena en la que este “dúo cómico” aborda temas clásicos como el amor, el tiempo y la luz, mezclado con humor emotivo. Nos dan así otro punto de vista sobre lo cotidiano de esta época fragilizada, de contornos borrosos e inciertos.

En su propuesta escénica diferencian su lado más épico, en el que el teatro es “una es una forma de espionaje, de investigación para vigilar al mundo”, y la parte más íntima “tratando de detectar lo sensible escondido bajo lo sensible”. Un espectáculo en la línea de los trabajos de la compañía L’Alakran, dirigida por Óscar Gómez Mata.

Más información y entradas: https://www.donostiakultura.eus/index.php?option=com_flexicontent&view=items&cid=5&id=106821&Itemid=311&lang=es

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En 2008 apareció Disss-co, un texto del crítico de arte Douglas Crimp en el que contaba su experiencia en relación a la cultura disco gay de la Nueva York de los años 70. En aquel momento, la cultura de club estaba en un momento incipiente. Muchos de los estilos de música que la componen actualmente -entre ellos el techno- ni siquiera existían.  La experiencia vital de Douglas Crimp era una experiencia divida entre su actividad nocturna dentro de los clubes de Nueva York y su actividad diurna como crítico de la revista October.  El vínculo entre la cultura de club y el arte tendría que esperar varias décadas para empezar a generarse. Sería a finales de los años 90 y durante la primera década del siglo XXI cuando empezarían a aparecer, desde el mundo del arte, conexiones teóricas e intentos prácticos de aplicar cuestiones relacionadas con la cultura de club a la práctica artística. Conexiones que, vistas a día de hoy, resultan un tanto ingenuas. 

Del espectro de músicas que componen la cultura de club, el techno es quizás una de las más interesantes. Dentro de un campo sonoro en el que los estilos aparecen y desaparecen, el techno surgió a finales de la década de los 80 en Detroit para expandirse temporal y geográficamente por el mundo,  si bien durante todos estos años ha tenido momentos de mayor o menor repercusión. Actualmente muchos hablan de un revival del techno, quizás empujado por su protagonismo en ciudades como Berlín, siendo Alemania un país que siempre ha estado muy vinculado al techno, ya desde sus orígenes. El techno funciona también como  un momento fundacional para una cultura -de club, pero no tan sólo- que ha ido evolucionando a lo largo de todos estos años y que tiene sus particularidades contextuales. Aunque son muchos los factores a tener en cuenta a la hora de analizar el techno (musicales, sociales, económicos), un primer problema aparece en la propia noción de techno cuando se le otorgan significados que trascienden un tipo de música de baile que empezó en Detroit para diseminarse por diferentes ciudades del mundo, perdiendo progresivamente un vínculo racial que algunos de sus propios artífices cuestionan. Desde esta perspectiva valdría la pena preguntarse de nuevo, varias décadas más tarde qué es el techno,  cómo funciona una cultura que tiene su centro de actividad en la pista de baile y cuál es su situación actual.  O el porqué de esa demanda de futuro que pesa sobre la música electrónica, una demanda que parece ser herencia del techno y su apología de un futuro filtrado por la ciencia-ficción en sus orígenes con sellos como Underground Resistance o productores como Juan Atkins, Kevin Saunderson, Derrick May o Jeff Mills. También valdría la pena volver a preguntarse si esas conexiones impulsadas desde el mundo del arte, siguen siendo vigentes o si fueron acertadas en su momento. O cómo es posible transportar un contexto sonoro al contexto de las artes “visuales”.

Techhh-no es un encuentro alrededor/sobre/ desde el techno que consta de dos partes: una conversación con Roc Jiménez de Cisneros (EVOL), Angel MolinaRaül G. Pratginestos (DJ Zero) y Pepo Salazar; una parte musical con Kentaro Terajima (sesión de DJ) y ænimal (live)

Sergi Botella y Sonia Fernández Pan 

Techhh–no

Tallers Oberts. Hangar.

Viernes 5 de Junio de 2015
Conversación: 18:00-21:00
Sesiones: 21:30 – 24:00
Entrada gratuita

+INFO: https://hangar.org/es/hangar-sonor/espanol-techhh-no-con-roc-jimenez-de-cisneros-evol-angel-molina-raul-pratginestos-dj-zero-pepo-salazar-kentaro-terajima-dj-y-aenimal-live/

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Kenneth Goldsmith Publishers Weekly definió la obra escrita de Kenneth Goldsmith como “uno de los trabajos de collage más exhaustivos y bellos realizados en poesía”. Goldsmith es autor de diez libros de poemas y profesor de escritura en la Universidad de Pensilvania, donde también se encarga del PennSound, un archivo online de poesía.

Goldsmith es asimismo el editor y fundador del archivo online UbuWeb, fuente universal de referencia sobre el arte vanguardista en internet. Gestionado desde el underground, sin apoyo institucional ni presupuesto alguno, UbuWeb es un repositorio tan exhaustivo como personal, que refleja los gustos, manías y obsesiones de su creador. Coleccionista digital compulsivo, su archivo personal se extiende mucho más allá del ya de por sí inabarcable UbuWeb.

Viernes 20 de abril, a las 21 h Auditorio MACBA. Entrada gratuita. Aforo limitado. Con traducción simultánea

Memorabilia. Coleccionando sonidos con…

Comisaria: Anna Ramos. Con la colaboración de: Raül G. Pratginestós y Roc Jiménez de Cisneros.

Links / + INFO :

Memorabilia: http://www.macba.cat/es/conferencia-memorabilia

Ubuweb: http://www.ubu.com/

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Memorabília. Col·leccionant sons amb… és una nova sèrie de Ràdio Web MACBA que pretén obrir una escletxa per espiar i descobrir col·leccions privades de música i memorabília sonora. Aquesta sèrie documental es presenta de manera prospectiva aquesta primavera en format de conferència/audició, i convida quatre col·leccionistes a compartir les inquietuds i peculiaritats amb què han conformat els seus arxius personals. Es tracta d’una historiografia sobre el col·leccionisme sonor que revela la feina desconeguda i apassionada del col·leccionista amateur, alhora que reconstrueix múltiples històries paral·leles, com l’evolució dels formats de gravació, la problemàtica de l’arxiu, el mercat del col·leccionisme o l’evolució dels estils musicals més enllà dels circuits comercials.

Entrada gratuita. Aforo limitado. Con traducción simultánea

Comissària: Anna Ramos. Amb la col·laboració de: Raül G. Pratginestós i Roc Jiménez de Cisneros.

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Link Memorabília: http://www.macba.cat

Lloc: Auditori MACBA. Entrada gratuïta. Capacitat limitada. Amb traducció simultània

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Programa

Divendres 1 d’abril, a les 21 h. William Bennett

Membre fundador del grup Whitehouse, William Bennett ha explorat el vessant més extrem de la música durant més de trenta anys, amb una carrera que barreja experimentació amb conceptes de lingüística i psicologia. En aquesta presentació, Bennett ofereix un repàs arqueològic a una col·lecció musical que reflecteix les seves principals fixacions: rareses de l’avantguarda, italo disco, bandes sonores i música de percussió de l’Àfrica Occidental i Haití.

Divendres 15 d’abril, a les 21 h. Ed Veenstra

L’holandès Ed Veenstra col·lecciona tota mena d’objectes musicals d’artistes plàstics (al voltant de 3500) que en algun moment de les seves carreres han treballat en el mitjà sonor. Discos, però també allò que ell anomena “anti-discos”, formats estranys, impossibles i inclasificables, que s’aproximen a l’objecte des d’una perspectiva radicalment diferent i transcendeixen les funcions tradicionals del suport discogràfic. Una labor exhaustiva de recol·lecció i classificació que revela la fascinació del món de l’art pel sonor i el musical.

Dijous 28 d’abril, a les 21 h. Mark Gergis

Vinculat a la discogràfica Sublime Frequencies, Mark Gergis és un expert en la música popular i folklòrica de Síria, l’Iraq, Cambotja i Tailàndia des de meitat del segle XX fins a l’actualitat. Aquesta xerrada presenta reflexions culturals, logístiques i esotèriques sobre l’acte de col·leccionar música a l’Orient Mig i el Sud-est Asiàtic, la importància del format, la rellevància de col·leccionar objectes culturalment aliens, i d’altres aspectes sociològics de la pràctica del col·leccionisme musical als països en desenvolupament.

Dijous 5 de maig, a les 21 h. Rick Prelinger

Durant vint-i-cinc anys, el fundador de Prelinger Archives ha acumulat material cinematogràfic generalment ignorat pels arxius tradicionals, donant lloc a una col·lecció que prioritza l’accés i la reutilització com a mètodes de conservació. Centrant-se en pel·lícules sobre la percepció humana, la parla i l’enregistrament i reproducció de so, la xerrada il·lustrada de Prelinger contextualitzarà la història de la col·lecció i abordarà el futur dels arxius i la possible fi de les institucions arxivístiques.

Sublime Frequencies "Saigon Rock & Soul: Vietnamese Classic Tracks 1968-1974"

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