— MuroTRON

27 de noviembre en el MACBA

Como punto de partida del Año Treinta, Montdedutor (Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol) revisan los enigmáticos rituales colectivos que, entre 1969 y 1973, organizó un grupo de jóvenes artistas instalados en París. Convocados por Antoni Miralda, Dorothée Selz, Joan Rabascall, Jaume Xifra y Benet Rossell, los Cérémonials fueron acciones de carácter carnavalesco y multitudinario en las que el público participaba de forma activa. Su naturaleza efímera ha contribuido a dotarlas de un aura casi legendaria, hasta el punto de que hoy circulan sobre todo a través de relatos fragmentarios y memorias parciales, difíciles de fijar en una única representación.

En esta ocasión, Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol nos invitan a retomar la energía festiva y contracultural de aquellos Cérémonials para activar una nueva lectura desde su propia práctica escénica, atravesada por el humor, la teatralidad y la experimentación con el cuerpo. Más que una reconstrucción histórica, su propuesta funciona como una evocación libre que se deja contaminar por la vitalidad de lo presente. Se trata, en definitiva, de celebrar el poder del arte y del juego como motores para abrir unos espacios de imaginación que permitan pensar formas alternativas de vivir, sentir y habitar el mundo, al tiempo que se invoca la necesidad de una profunda transformación social.

La propuesta de Montdedutor para la fiesta de aniversario del museo no pretende congelar en el tiempo aquellos gestos del pasado, sino hacerlos dialogar con el presente y el futuro inmediato para, así, reivindicar la vigencia de esas formas de experimentación colectiva y su capacidad de generar vínculos comunitarios, narrativas compartidas y horizontes de posibilidad. En este cruce entre memoria e invención, entre archivo vivo y celebración, lo que se actualiza es precisamente el murmullo de lo que nunca se documentó del todo: aquello que pudo ser y no fue, aquello que fue y aún resuena.

Más información y entradas.

Philippe Quesne – Del 12 al 14 de abril en el CDN

En parte bestiario medieval, en parte ciencia ficción ecológica y en parte western contemporáneo, The Garden of Delights es una epopeya retrofuturista que nos lleva de viaje a los mundos venideros. Philippe Quesne se ha inspirado libremente en El Jardín de las Delicias, el famoso tríptico de El Bosco, conocido por sus alegorías fantásticas y otras figuras quiméricas que navegan entre el infierno y el paraíso.

Al igual que el pintor del siglo XV, el reparto y el equipo de Philippe Quesne exploran, con melancólica curiosidad, las esperanzas e incertidumbres de una época en transición. Las fábulas de Vivarium Studio exploran mundos al límite del nuestro, donde todas las formas de heroísmo han dado paso a la fantasía desenfadada y a las utopías pacientes. La relación entre naturaleza y cultura se difumina, y cada uno de nosotros se aventura a formular respuestas lúdicas a las amenazas a las que nos enfrentamos.

Más información y entradas | Texto de Vera Martín Zelich

Teatro Ensalle abrió el 2 de Octubre de 2003 en la Calle Chile de Vigo.

El fin de semana del 19 al 20 de Agosto de 2023 celebramos el XX Aniversario de la sala con una fiesta en la que participarán algunas de las compañías, artistas, creadoras y compañeros sin los que hubiera sido imposible celebrar estos 20 años. Son sólo unas pocas personas de entre tantos creadores y profesionales que han escrito la historia de Teatro Ensalle, pero necesitaríamos un estadio para dar cabida a todas las personas que nos han convertido en una sala referente de la península.

Tras unos días de juntanza, conversación, juegos y propuestas abriremos las puertas para que el público pueda disfrutar de un encuentro maravilloso entre muchas de las figuras más importantes de la escena contemporánea.

La lista de invitados es deliciosa:

Eva Alfonso
Diego Anido
Jaume Blai
Gabriel Celester
María Costa
Begoña Crespo
Gonzalo Cunill
Sergi Fäustino
Borja Fernández
Julio Fernández
Antonio Fernández Lera
Antón Ferreiro
Pedro Fresneda
Julio C García
Sandra Gómez
Raquel Hernández
Juan Loriente
Fran Martínez
Macarena Montesinos
Gonzalo Munilla
AveLina Pérez
Artús Rey
Jorge Rúa
Antonio Sarrió
Carlos Sarrió
David Santos
Jose Luis Valladolid
Elena Vázquez
Javier Vela

Cuqui Jerez – 18 y 19 de febrero en el Mercat de les Flors

Este proyecto, que transita entre lo coreográfico, lo objetual, lo escenográfico, lo pictórico, lo musical, lo plástico y lo teórico, tiene el objetivo de explorar el límite del lenguaje desde una experiencia estética de contemplación. La pieza se compone de una especie de cuadros vivos que se ponen en movimiento generando narrativas no explícitas. Las relaciones que se producen entre los cuerpos de los performers y los objetos transitan a través de diferentes tiempos y dan pie a resonancias que abren mundos posibles.

Cuqui Jerez empieza a desarrollar su trabajo coreográfico en 2001. Desde entonces ha creado piezas de diferentes naturalezas que se han presentado en numerosos festivales, teatros y museos de Europa, EUA y Latinoamérica. Sus piezas no se corresponden necesariamente con la idea de una “coreografía”, aunque para Cuqui Jerez la creación coreográfica se nutre de elementos de diferentes disciplinas: Desde mis primeras piezas, mi trabajo ha sido una herramienta para entender el acto performativo. Hasta ahora he hecho performances, danzas, piezas de teatro, vídeos, textos, fotografías, objetos, acontecimientos y publicaciones, pero de alguna manera considero todas estas prácticas como coreografías. Mi enfoque de todas las obras es coreográfico, por eso me considero principalmente una coreógrafa.

Concepto y dirección Cuqui Jerez / Creado en colaboración con Cécile Brousse, Oscar Bueno, Javi Cruz, Anto Rodriguez, Louana Gentner, Jorge Salcedo, Gilles Gentner / Performers Cécile Brousse, Oscar Bueno, Javi Cruz, Anto Rodriguez, Louana Gentner i Jorge Salcedo / Asesor de espacio Jorge Salcedo / Dirección técnica y luces Gilles Gentner
Producción Cuqui Jerez / Coproducción Teatros del Canal, Madrid, Festival Next – Kunstencentrum Buda (Kortrijk, Bélgica) y Área de Gobierno de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid / Con el apoyo Inland-Campoadentro, Madrid, Festival de Otoño de la Comunidad de Madrid en col·laboració amb el Museu Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, Acción Cultural Española (AC/E), Beatriz Quintana, Miguel Jerez.

Más información y entradas: https://mercatflors.cat/es/espectacle/las-ultracosas/.    

Cris Blanco – 27 y 28 de enero en Conde Duque 

Este texto es una convención más del teatro, eso que un experto en el medio escribe para poner contexto y ayudar a que la experiencia del espectador sea más completa. El que lo escribe incluso podría ser un personaje de la obra de la que habla. De convenciones y sus fronteras va este juego metateatral de Cris Blanco, que sigue con su línea de investigación, mezclando las viejas leyes de la escena con las prerrogativas de la ciencia ficción y ahondando en la combinación de géneros, formatos y disciplinas. Si en Pelucas en la niebla, su montaje de 2018, Blanco llevaba al límite la convención de la cuarta pared y las diferentes dimensiones espacio temporales en las que público, intérpretes y personajes se encuentran, con esta Grandissima illusione vuelve a poner en cuestión convenciones que damos por hechas y que al deslocalizarlas producen un efecto de extrañamiento muy inquietante.

La obra arranca cuando un personaje teatral del siglo XVII, una Marquesa de Lope de Vega, por ejemplo, se topa con el técnico tatuado del teatro y se enamora de él. A partir de ahí, el caos se apodera de la obra y todas las convenciones saltan por los aires, entrando y saliendo del tiempo de la escena y el tiempo de la representación a través de una especie de agujero de gusano por el que circulan una criada, una juglar feminista, una ayudante de dirección, un texto proyectado, un experto (no soy yo, creo), un astrólogo cubano, unos extras y un coro griego formado por tres personas que van detrás de los demás personajes repitiendo lo que dicen y sienten.

Con la colaboración de Rocío Bello en los textos y de Anto Rodríguez en la dramaturgia, el montaje tiene todavía un elemento más que abunda en esta relación disfuncional entre pasado y presente: la escenografía. Decir que es un personaje más no deja de ser otra convención (o un lugar común), pero la idea fue intentar reciclar elementos escenográficos de grandes montajes cedidos por centros dramáticos, un rescate que busca lanzar un mensaje de sostenibilidad y reutilización, materializado en un collage de diferentes épocas y estilos que no deja de ser metáfora de un tiempo, el nuestro, abocado a su fin si no echamos freno de eso que llamamos progreso.

Más información y entradas: https://www.condeduquemadrid.es/actividades/cris-blanco-grandissima-illusione. 

María Salgado y Fran MM Cabeza de Vaca – 29 de abril en La Mutant como parte de la programación expandida del IVAM.

Jinete Último Reino da nombre a un trabajo de investigación que se estructura en una trilogía de piezas escénicas autónomas, que a su vez son Fragmentos de una obra aún en proceso de creación que pondrá fin al proyecto iniciado en 2017 por María Salgado y Fran MM Cabeza de Vaca.

Entre la música, la poesía, y la performance, Jinete Último Reino es un viaje de sonido y de lenguaje ni lineal ni narrativo alrededor del deseo, la represión, la norma y la rebeldía.

Más información y entradas: https://www.lamutant.com/portfolio-item/jinete-ultimo-reino-frag-123-maria-salgado-y-fran-mm-cabeza-de-vaca/. 

Alberto Cortés – 23 y 24 de abril en Réplika Teatro

El Ardor parece un discurso donde una sombra habla sobre la necesidad de convertir en inmortales a las comunidades outsiders, adolescentes, viejas, queers y cuerpos al margen, hacer de ellos bandas callejeras que vivan el deseo como un estado romántico inmortal, contra el consumo rápido, como herramienta de destrucción de la sociedad afectivocapitalista. Sueño con un ardor que es el deseo puesto en crisis, no limitado a la pornografía sino a la posibilidad de engendrar un estado casi santo, de entusiasmo eterno. Sueño con ocupar las calles con pasión. Hay algo de incendiario en el discurso de la pieza y mucho de poética influenciado por las teorías postanarquistas de Hakim Bey, la narrativa salvaje y queer de William Burroughs o Arthur Rimbaud y la idea de la inmortalidad de los cosmistas rusos (exigimos al biopoder que haga inmortales a los desheredados, ya son vampiros).

Desde el escenario se mira de lejos el concepto de revolución, de un modo que refleja la óptica contemporánea desde la que miramos el cambio en la sociedad actual: como un romanticismo cinematográfico imposible (estamos encarnando Lo Romántico). Al final del todo lo que parecía un discurso era un poema dedicado a la calle y a mis padres. Y lo que parecía un monstruo era un marica.

Más información y entradas: https://replikateatro.com/evento/el-ardor-alberto-cortes/. 

Creación y dramaturgia: Alberto Cortés
Iluminación: Benito Jiménez
Música: Pablo Peña
Asistenta corporal: Patricia Caballero
Vestuario: Gloria Trenado
Fotografía y vídeo: Manu Rosaleny
Agradecimientos a Rebeca Carrera, Rosa Romero, Bárbara Sánchez, Cris Balboa, Cris Celada, Miguel Marín, Isaac Torres, Marco Michelângelo y Dianelis Diéguez.

Con el apoyo de Graner, Junta de Andalucía, Graners de Creació y Universidad de Málaga.

De Isabel do Diego – 1 de abril en Conde Duque

“BESTIA SAGRADA es el segundo trabajo de Isabel Do Diego (álter ego del artista Juan Diego Calzada). Tras publicar DEPUEBLO, un debut donde desplegaba sus orígenes con un folclore austero y brutalista, es el momento de responder a la siguiente pregunta: ¿Quién es Isabel Do Diego cuando cruza la frontera del pueblo?

En este nuevo trabajo musical, Isabel Do Diego permeabiliza el quejío flamenco con la fisicalidad vocal de diferentes liturgias como el canto sacro del medievo europeo, la llamada a la oración en Mesopotamia o la recitación del Bunraku japonés. Una voz encarnada por diferentes alimañas a modo de bestiario folclórico. Todo este cuerpo vocal y orgánico, es sustentado nuevamente por bases electrónicas compuestas, esta vez, como trampantojos sonoros. Un simbolismo musical, no analógico, habitado por una electrónica arrastrada, rasgada, golpeada y rota. Una triada de voz, cuerpo e instrumentación que conduce a la celebración de lo monstruoso como entidad divinizada.

La BESTIA SAGRADA es una criatura híbrida que se muestra como un ser mitad humano, mitad animal y mitad espíritu. Sus colores son el azul, rojo, blanco y negro. Todos ellos son atravesados por el dorado como único color que emana luz.

Espacialmente, Isabel Do Diego habita un escenario propio para la BESTIA SAGRADA donde ritualizar todo el trabajo musical. Un escenario mitad tablao flamenco, mitad retablo medieval y mitad escenario del Bunraku japonés. Un espacio para el cante monstruoso de electrónica sacralizada. Un entorno para la danza bastarda de movimientos sobrenaturales. El cuerpo médium que todo lo habita. En definitiva, una escena transmutada en altar donde prender la taumaturgia folclórica.

Para ello, se contará en escena con intérpretes versátiles que transiten las diferentes disciplinas escénicas. Intérpretes que son músicos, que son bailarines y que son performers. Una identidad que va mutando en vivo”.

Más información y entradas: https://www.condeduquemadrid.es/actividades/isabel-do-diego. 

Del 16 al 30 de enero en el Teatre Lliure

¿Qué nos define? Esta es la pregunta que centra la edición de Katharsis 2022, unida al origen de este programa especial con el que ponemos en cuestión constantemente qué es teatro.

Los proyectos programados este enero intentan responder al concepto de identidad: qué es y cómo influyen en esta idea abstracta nuestra historia personal y colectiva, nuestro cuerpo, nuestras raíces y nacionalidades, nuestra clase social, nuestro género, nuestros deseos y miedos, y el espacio y tiempo que compartimos con los demás.