— MuroTRON

El punto impropio de Javier Martín | 27 de marzo en los Teatros del Canal de Madrid

Jugando con su característica delicadeza, Javier Martín fusiona anatomía y tecnología para el descubrimiento del propio cuerpo.

Un cuerpo en el esfuerzo de percibirse a sí mismo, que comparte aproximaciones, descubrimientos y revelaciones, cuestionando su identidad: ¿cuánto de nosotros nos es ajeno?, ¿qué es lo verdaderamente propio y dónde lo encontramos?

La entrada a un laboratorio donde la percepción del cuerpo se distorsiona y se afina a la vez, en la práctica con distintas tecnologías -visibles y operadas por el performer- que ayudan a capturar, ampliar o fragmentar memorias físicas, ofreciendo experiencias divergentes del cuerpo.

[A/S/V]: una composición audiovisual (A/V) y somática (S) que, en ejercicio resonante, activa y resignifica la coreografía. La tecnología como un modo de elaborar el animal que somos.

Más información y entradas: Teatros del Canal

Mike de Dana Michel | 26 de marzo en los Teatros del Canal de Madrid

Un cuerpo cotidiano, el de Dana Michel, enfrentándose a tareas cotidianas que se convierten en una coreografía extraordinaria.
Dana Michel se especializa en crear situaciones regidas por su propia lógica. Vive en un mundo de objetos a los que da nuevos significados y propósitos, lejos del pensamiento y el hacer binarios y lineales.

Ella transgrede las normas sociales desde una posición de curiosidad más que de provocación, llevando suavemente a supuestas “figuras marginales” al centro de la conversación. Con humor y sensibilidad, cuestiona nuestros propios modos de existencia.

MIKE reivindica la estética nómada que se ha convertido en la tarjeta de presentación de Michel a lo largo de su carrera. En un espacio abierto, durante tres horas, MIKE invita al público a pasar tiempo dentro de su universo. Gira en torno a la cultura laboral y el respeto por uno mismo, y plantea una pregunta candente: ¿es posible vivir una vida pública que refleje nuestro yo interior? Atrévete a bucear en su universo con total confianza.

Enora Rivière

Aviso: El público puede sentarse, estar de pie o moverse como quiera.

Más información y entradas: Teatros del Canal

Escarlet de Ángela Millano | 27 de marzo en los Teatros del Canal de Madrid

La artista se convierte en escultura sonora, personaje mitológico, instrumento suspirante, espíritu presente.
Escarlet es un proyecto de investigación y creación coreográfica que vive entre lo performático y lo expositivo, y se pregunta por la relación bidireccional entre cuerpo y voz. Garganta y pelvis.

Se desarrolla a través de prácticas corporales basadas en ejercicios de escucha, partiendo de la idea fundamental de que nunca nada está quieto ni en silencio absoluto, y se inserta en el marco conceptual de lo raro, como aquello que, perteneciendo a este mundo y siendo algo familiar, no termina de encajar.

Aviso: el público podrá moverse libremente por el espacio.

Más información y entradas: Teatros del Canal

Toda la luz del mediodía de Julián Pacomio | 26 de marzo en los Teatros del Canal de Madrid

Las nuevas miradas parten de las mitologías antiguas, en un viaje de vuelta al pasado para ahondar en el presente de la práctica escénica.

Toda la luz del mediodía es la segunda parte de La trilogía del sol, a la que le antecede Apocalipsis entre amigos o el día simplemente (2021) y le sigue Os Teus mortos (2025).

La trilogía es una investigación sobre el imaginario en torno a la luz del sol, la hora del mediodía y sus oscuridades. Si Apocalipsis entre amigos o el día simplemente es una pieza para un horario de amanecer, de 6:00 a 9:30 a.m, en un espacio con la entrada de luz natural, Toda la luz del mediodía es una pieza sobre las 12:00 a.m, sobre cómo traer el mediodía en un espacio indoor, sobre la luz cenital del astro y toda su mitología asociada. Así como la primera parte se centró en la idea de la rave y en el estado de los cuerpos en una fiesta, esta segunda parte se enfoca en la siesta del burro de los trabajadores del campo, el insoportable calor del mediodía en el verano, los demonios y mitos del sol y todas sus oscuridades.

Más información y entradas: Teatros del Canal

Noche Cañón de Societat Doctor Alonso | 25 y 26 de marzo en el Teatre Aquitània de Barcelona dentro de Dansa Metropolitana

En Noche Cañón, Sofia Asencio colabora con Beatriz Lobo, Jorge Nieto y Tomás Aragay para encontrar una nueva forma de trabajar el texto dentro del género del monólogo cómico. Una obra que interactúa directamente con el público y donde se desplazan los límites típicos del humor, trabajando los ritmos, los silencios, las paradojas, los sinsentidos, la sobreactuación y la fraseología.

La Societat Doctor Alonso, dirigida por Tomàs Aragay (director de teatro y dramaturgo) y Sofia Asencio (bailarina y coreógrafa), ha construido un lenguaje propio para estudiar estos límites del humor desde un lugar personal y de investigación. Esta maniobra de estudio del lenguaje se ha revelado como una herramienta eficaz para promover un espacio de discurso poético que ponga en cuestión el statu quo de nuestra comprensión de la realidad.

Más información y entradas: Dansa Metropolitana

Solas de Candela Capitán | 22 de marzo en Teatre L’Artesà del Prat de Llobregat dentro del festival Dansa Metropolitana

Cinco ordenadores y una plataforma web de transmisión en línea donde cinco mujeres en escena se contemplan a sí mismas mientras son observadas. Esto encontraremos en SOLAS, una pieza que explora la sobreexposición del cuerpo femenino en la era de la comunicación digital y bajo los efectos de la globalización. Una reflexión sobre la copia, la repetición y el desgaste de la imagen en internet, pero también una manifestación del hiperindividualismo y la hiperconectividad presentes en las redes sociales.

Candela Capitán es una artista centrada en la performance, la danza y las intervenciones digitales para examinar las dinámicas de poder, deseo e intimidad en la sociedad actual. Desde una perspectiva feminista, su obra interroga las estructuras de control que configuran las relaciones humanas, explorando cuestiones como la sexualidad, el fetichismo o las dinámicas de género, siempre buscando un diálogo crítico entre el cuerpo, el espectador y las narrativas contemporáneas.

Más información: Dansa Metropolitana

AT AT AT: Programa de artes vivas | 22 de marzo en la Ciudadela de Iruña

SALA DE ARMAS Y CASERNA DE LA CIUDADELA. 22 de marzo, a las 13:00, 17:00 y 18:30. AT AT AT: PROGRAMA DE ARTES VIVAS EN CIUDADELA.

El programa constará de tres propuestas artísticas que se llevarán a cabo en la Sala de Armas de la Ciudadela y Caserna de La Ciudadela. Dirección creativa de la artista y comisaria Maia Villot de Diego.

Esto es una invitación, una invitación a mirar de otra manera, a parar para mirar un rato sin prisa y si es posible, sin expectativas, sin anticiparnos a lo que va a suceder. Es una invitación a calmarnos por un momento y disponer nuestros cuerpos para la contemplación, para observar y escuchar sin la pretensión de querer entender, confiando en la experiencia de reunirnos en un espacio para ver cómo alguien se mueve, baila, habla, suena, canta.

AT AT AT es un ciclo de performance, un encuentro en el cual os invitamos a pasar una jornada en la ciudadela, donde podremos ver tres piezas, Lo Imposible es Desaparecer de Lara Brown y Jonás de Murias; Háblame, cuerpo de Nazario Díaz y Canto dorado de Élan d’Orphium. Tres trabajos que nos proponen a través de la danza, la música y el teatro cuestiones relacionadas con el cuerpo, la identidad, el lenguaje, la tradición y la memoria.

13.00 – Sala de Armas de la Ciudadela
LO IMPOSIBLE ES DESAPARECER – Lara Brown y Jonás de Murias

Lo Imposible es Desaparecer es un proyecto de Lara Brown junto a Jonás de Murias que completa una investigación acerca del origen del baile popular y su impacto en un cuerpo contemporáneo. Un intercambio/diálogo entre el peso de la palabra y la subjetividad del movimiento.

Lara Brown, nacida en Burgos, 1986. Desarrolla su trabajo entre Madrid y Barcelona. Es artista enfocada en la danza y la performance. Entiende la creación desde la investigación de movimiento como generadora de un gesto poético que se traza a partir del pensamiento y la acción.

Jonás de Murias, es artista y en su trabajo remezcla material sonoro y letras de archivos de música tradicional y canciones populares, transcendiendo y replanteando la relación de lo folclórico con lo geográfico. Para llevar a cabo este proyecto han conjugado algunas de sus preguntas y deseos, lo que les ha llevado a Fira de Manresa, Mérida Escena Patrimonio, Danza Xixón, Festival Escena Abierta, Dansàneu, Centro de Danza La caldera, Teatros del Canal…

17.00 – Sala de Armas de Ciudadela
HÁBLAME CUERPO – Nazario Díaz

‘Háblame, cuerpo’ es parte de ‘Looking for Pepe’, un estudio iniciado por Nazario Díaz en 2016 que parte de la figura del artista cordobés Pepe Espaliú (1955-1993) para desplegar una serie de investigaciones en torno al cuerpo, al lenguaje y al territorio. ‘Háblame, cuerpo’ toma su título del texto que Juan Vicente Aliaga escribió con motivo de la exposición realizada en el Pabellón Mudéjar de Sevilla en homenaje a Espaliú en 1994. Un trabajo en torno a la materia que muta o desaparece, y a la idea de desgaste y de sujeción de un cuerpo entendido como existencia física y social.

Nazario Díaz (Linares, Jaén, 1985) desarrolla su trabajo principalmente en el terreno de las artes performativas, poniendo el foco en la tensión generada entre cuerpo, mirada y escritura. Forma parte de Vértebro, junto a Juan Diego Calzada y Ángela López, con quienes comisaría en Córdoba el festival Beautiful Movers.

18.30 – Caserna de Ciudadela
CANTO DORADO – Élan d’Orphium

En ornitología se conoce como dispersión juvenil al momento en el que las aves alcanzan la madurez suficiente para volar y salen pitando del nido. Todos esos pajaritos de nombres mil se reúnen para entonar Canto dorado, una fuga en forma de concierto donde una banda(da) de pájaros de barro trinan bajo la lluvia dorada.

Elan d’Orphium. Graduada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid (2015) con Erasmus en Camberwell College (UAL, Londres, 2014). En 2019 recibe la Beca de Excelencia de la UCM y cursa el Máster en Investigación de Arte contemporáneo y Creación (MIAC). Participa en programas como Matadero Crea de Centro de Residencias Artísticas de Matadero; XXXI Circuitos de Artes plásticas de la Comunidad de Madrid (2021).

Más información: Ayuntamiento de Pamplona

Baleiro de Ensalle | Del 21 al 23 de marzo en el Teatro Ensalle

La ficción y la realidad, se aproximan hasta casi tocarse en la superficie del espejo. Ahora cabría preguntarse si esta proximidad (una proximidad que no se da por el movimiento de un cuerpo hacia otro, como se podría suponer, sino por mímesis mutua) es más mérito de un arte cada vez más vivo y completo o demérito de una realidad cada vez más plana.
¿Cruzarán el espejo? ¿Estaremos tendiendo a considerar la realidad como ficción y viceversa? ¿No se considera esto último como rasgo particular del loco, del alucinado?
Sólo hay que simplificarlo todo, desprofundizar, aplanar, como cuando eliminas capas en un Photoshop. El gran logro filosófico moderno sería contener la vida en un meme.
Pero Baleiro no pretende ser un meme.
Baleiro es un bug.

Creación e interpretación. Juan Navarro, Raquel Hernández, Artús Rei y Pedro Fresneda
Dirección y dramaturgia. Pedro Fresneda, Juan Navarro
Texto. Pedro Fresneda, Juan Navarro

Más información: Teatro Ensalle

Festival Domingo | Del 12 al 16 de marzo organizado por La Casa Encendida de Madrid

La Casa Encendida expande la programación de esta quinta y última edición del festival de artes performativas al Teatro del Barrio, el Museo Centro de Arte Dos de Mayo, Réplika Teatro y la Casa de Campo.

“Domingo 2025 se articula, como ediciones anteriores, a través de la escucha de lo que está ocurriendo en la escena actual, ahondando en los principales ejes de su programa estos años: la confluencia y apertura de disciplinas, generaciones y geografías, el protagonismo de la voz y la performatividad del sonido, la potencia del agenciamiento político y sensible de las imágenes y la imaginación, el ejercicio de la alegría crítica en la práctica artística, la propuesta de alternativas para el encuentro y transmisión entre públicos y artistas, la atención a somatopolíticas del sur europeo y, sobre todo, la puesta en valor y circulación de lenguajes radicalmente experimentales frente al aplanamiento de las tendencias neoliberales”, en palabras de Fernando Gandasegui, director artístico del festival.

La Casa Encendida expande la programación de esta quinta y última edición del festival de artes performativas al Teatro del Barrio, el Museo Centro de Arte Dos de Mayo, Réplika Teatro y la Casa de Campo.

Domingo conjura para su quinto aniversario a artistas que han formado parte del festival como El Conde de Torrefiel, Paz Rojo, Nilo Gallego o Arantxa Martínez, y nuevas vinculaciones como la compañía de teatro Las Nenas, la performer y artista visual Itziar Okariz, las coreógrafas internacionales Luísa Saraiva y Despina Sanida Crezia, y las bailarinas y coreógrafas residentes este año en La Casa Encendida Javier J Hedrosa y Paula Romero. Cierra el Festival Domingo la artista musical Eddi Circa en un evento diseñado junto al colectivo Bosque Real en la Casa de Campo.

El Conde de Torrefiel inaugura Domingo 2025 el miércoles 12 de marzo con Yo no tengo nombre, estreno en La Casa Encendida de la adaptación de una obra solo antes presentada en entornos naturales. En Yo no tengo nombre, que se activa al atardecer durante todos los días del festival, el paisaje se convierte en los elementos de una pieza teatral: es escenografía, es sonido y luz, es narrador y protagonista, en un monólogo que da voz a algo tan esencial y amenazador para nuestra vida como es la Naturaleza. Las Nenas Theatre, divas desubicadas, artistas martirizadas y virtuosas a medias estrenan el mismo 12 en Madrid, en el Teatro del Barrio, el drill escénico Torcidxs, donde interactúan con los mecanismos visibles de un teatro que es un cuerpo, delimitándolo como territorio de conflicto.

El jueves 13 de marzo, programa doble en el Museo Centro de Arte Dos de Mayo con Nilo Gallego y Luísa Saraiva. El artista sonoro y performer Nilo Gallego estrena una nueva versión de Orelles Voladores, un solo de percusión donde el tímpano, en inglés eardrum=tambor de oreja, es el único instrumento, y en el que Nilo es el batería y también la batería. Claralinda, Claralinda, Claralinda es un libro de canciones coreográficas en el que la coreógrafa portuguesa Luísa Saraiva comparte su práctica sobre la fisicalidad del canto, los límites de la voz femenina y la naturaleza háptica del sonido a partir de canciones populares tradicionales del centro y norte de Portugal.

Tras haber estrenado su anterior obra en la primera edición de Domingo, la artista, bailarina e investigadora Paz Rojo vuelve con el estreno absoluto de HIPERSUEÑO, el viernes 14 de marzo en Réplika Teatro. HIPERSUEÑO es un dispositivo escénico que plantea la relación entre la danza y lo desconocido, donde todo lo que se baila se hace de forma inmediata por entrelazamiento, como si se tratara de una reunión espontánea de “museos danzantes” dispersos.

El sábado 15 de marzo en La Casa Encendida, el festival acoge en programa doble matinal trabajos de Paz Rojo e Itziar Okariz. Paz Rojo presenta el libro Bailar en la era del no-futuro editado por la La uÑa RoTa, en el que explora la danza experimental contemporánea en relación con el concepto de destitución, planteando la posibilidad de una danza desprendida del esquema neoliberal, danza que no necesita agotarse proyectándose hacia el futuro porque ya está ocurriendo. Itziar Okariz, performer y artista visual, estrena en Madrid su trabajo en curso Las palabras me fallan, una búsqueda de la posibilidad de perturbar la estructura que sostiene el sentido de las palabras cuando son integradas en frases, a partir de la acción de realizar una escritura sobre la piel, y de la reorganización que produce el ajuste a su superficie como soporte en el dibujo de las palabras y su lectura. Termina el sábado del festival en Réplika Teatro con el estreno en España de Down to Under, de la bailarina y performer griega Despina Sanida Crezia en colaboración con Eleni Roberts Kazouri. Down to Under explora la coreopolítica en el espacio urbano a través de la cultura de la Generación Z y las subculturas basadas en la música underground, obra en la que las artistas se adentran en formas de desobediencia social a través del movimiento y el sonido, y expresan su rabia derivada de la lucha social mientras que permiten que su esfuerzo físico se transforme en vulnerabilidad e intimida.

Del 12 al 14 de marzo, las bailarinas y coreógrafas Javier J Hedrosa y Paula Romero, imparten en La Casa Encendida el laboratorio Escrituras no creativas, donde crean una serie de materiales copiados a partir de fragmentos de películas.

El 16 de marzo cerramos el Festival Domingo con Bosque Real y Eddi Circa en la Casa de Campo. Como los festivales escénicos en sus orígenes, Domingo Real interrumpe el tiempo del trabajo con un bodegón al mediodía de Bosque Real, fugando hacia el atardecer con Eddi Circa para cerrar Domingo en el claro de un bosque.

El festival cumple su ciclo y se despide así tras haber reunido durante un lustro a la escena nacional e internacional de las artes performativas, alentando los lenguajes experimentales, bajo la dirección artística de Fernando Gandasegui.

Artistas del Festival Domingo 2025: El Conde de Torrefiel, Las Nenas Theatre, Nilo Gallego, Luísa Saraiva, Paz Rojo, Itziar Okariz, Despina Sanida Crezia y Eleni Roberts Kazouri, Javier J Hedrosa y Paula Romero, Bosque Real y Eddi Circa.

Domingo toma su nombre prestado y homenajea a Dimanche, de Yves Klein, periódico de un solo día, exposición en papel, performance de 24 horas, artefacto de experimentación escénica, documentación de un famoso salto o tratado del Teatro del Vacío.

Más información y entradas: La Casa Encendida

De l’amistat de Las Huecas | Del 17 de diciembre al 4 de enero en la Sala Beckett

De l’amistat es una comedia con tintes surrealistas que aborda los errores y las problemáticas de un grupo de amigas que hacen teatro juntas. Llevando hasta el límite los códigos de la autoficción y del metateatro, la propuesta permite reflexionar alrededor de las identidades de grupo y los excesos del ego a través de un humor fresco, satírico y, a veces, delirante. De l’amistat forma parte de un tríptico alrededor de la práctica amistosa, siendo la segunda pieza de una tríada que incluye una conferencia performativa y un documental, este último, en fase de edición.

Más información y entradas.