— MuroTRON

24 y 25 de septiembre en Medialab

Internet Core: pequeñas mitologías es un portal tribal hacia un espacio de cruce, reflexión crítica y acción colectiva en torno a las estéticas y subculturas de Internet. En este encuentro de dos días, compartiremos experiencias sobre cores que emergen como formas de resistencia dentro de las redes sociales comerciales y que convergen con dinámicas desarrolladas en espacios oscuros y profundos de la web. El evento reunirá a artistas, usuarixs, agentes culturales y teóricxs, e incluirá charlas, performances y mesas de diálogo con el anhelo de impulsar una unidad de investigación artística de la condición Internet Core y evitar el aislamiento programático de las plataformas.

La condición Internet Core surge desde la perspectiva de nativxs digitales, del presente distópico y del cuestionamiento profundo de las estructuras binarias -digital/físico, real/virtual, humano/máquina, material/immaterial-. En un presente en línea puramente corporativo dominado por empresas privadas que respaldan dinámicas preocupantes, Internet Core emerge como una respuesta desde la práctica artística que saca a la luz distintos modos de estar en línea. Por otro lado, desde una revisión cronológica, esta condición pone en la mesa perspectivas y posturas críticas de la etiqueta “post-internet”, cuyo intento por disolver las fronteras entre disciplinas artísticas, terminó consolidando un listado concreto de artistas privilegiadxs.

En el encuentro de los días 24 y 25 de septiembre, recrearemos nuestras pequeñas mitologías alrededor de una hoguera post-digital, narrando relatos personales, y compartiendo emociones y reflexiones de nuestra actividad en línea. A través de identidades hiper-específicas, fandom, shitposting, cores, AI slop y archivos de imágenes inspiracionales, encontraremos significantes de este presente a pequeña escala.

IC llevó a cabo su primera edición “Internet Core. Estéticas del desastre digital” el 3 y 4 de abril de 2025 organizada por Diana Millán, Ezequiel Soriano, y Geert Lovink en Santa Mònica y Hangar, Barcelona.

Participan: Netsequé, Laura Paloma, Mariem Iman, Gabriele de Seta, The Void, Voidsent, Ambientador.exe, Leah J. Liu, Andrés C. Sacristán, Kafheina, Héctor Fuertes,

Organización: Medialab Matadero y Nigredo.tv.
Coordinación: Diana Millán y Ezequiel Soriano.
Colabora: Institute of Network Cultures (HvA), DeVisiones (UAM), Mediaccions (UOC).
Website: networkcultures.org/internetcore
Imagen: @4nd7ro
Relatoría: Jardines Vallados + @ivanmcgill

Fecha: 24-25 de septiembre de 18:00 a 22:00h
Ubicación: Nave una, Medialab Matadero
Idioma: Español e inglés
Acceso libre hasta completar aforo

Programa

⁺˚⋆｡°✩24 de septiembre de  2025₊✩°｡⋆˚⁺

18:00 Apertura 
Apertura por parte de lxs coordinadorxs (Diana Millán y Ezequiel Soriano).

18:15 Ponencia de Ezequiel Soriano
Ezequiel Soriano es antropólogo y artista interesado en la oralidad, la copia y la creatividad de las máquinas. A través de la experimentación textual y la etnografía, paraticipa de una creatividad ordinaria, dispersa y táctica vinculada al carnaval medieval y posdigital.
En esta ponencia, propondrá una lectura de los cores desde la memética, el aceleracionismo y el criollismo maquínico. Articulando líneas de pensamiento en táctica memética, teorías de los los Dark Forest de Internet y desbordamientos creativos de las inteligencias artificiales, ofrecerá una visión antropológica de las estéticas digitales.

18:35 Ponencia de Gabriele de Seta en inglés y subtítulos en español
Gabriele de Seta is, technically, a sociologist. He is a Researcher at the University of Bergen, where he leads the ALGOFOLK project (“Algorithmic folklore: The mutual shaping of vernacular creativity and automation”) funded by a Trond Mohn Foundation Starting Grant (2024-2028). He writes about memes, deepfakes, and whatever we mean by “AI”.  // Gabriele de Seta es, técnicamente, un sociólogo. Investiga en la Universidad de Bergen, donde dirige el proyecto ALGOFOLK («Folclore algorítmico: La mutua configuración de la creatividad vernácula y la automatización»), financiado por una beca de la Fundación Trond Mohn (2024-2028). Escribe sobre memes, deepfakes y todo lo que entendemos por «IA».

19:20 Preguntas

19:30 Descanso (10 minutos)

19:40 Conversación con Netsequé y THE VOID
Los miembros fundadores de NETSEQUÉ (cementerio de pixels + doltxe gabbana) emprenden un intento de formalización: se abre una conversación distendida sobre qué es NETSEQUÉ, qué forma adopta su entramado y la evolución que ha mostrado hasta ahora. Mientras se ponen sobre la mesa los nichos y problemáticas que emergen al habitar Internet de una forma consciente (tribus urbanas digitales, dark forest, webdiaries, glitch, descentralización…), celebraremos una JamHTML en directo en la que podrán participar lxs asistentes en sala y todxs lxs navegantes de internet de forma telemática.
THE VOID (T.V.) es un proyecto de investigación sobre vídeo táctico y un espacio de publicación audiovisual para la investigación basada en la práctica con sede en el Instituto de Culturas en Red. Formado por Tommaso Campagna, Giulia Timis y Jordi Viader. https://networkcultures.org/void/

20:40 Preguntas

20:50 Descanso (10 minutos)

21:00 Send this to your crush right now de Mariem Iman y Laura Paloma.
La persona que te envía esto quiere que sepas… La persona que te envía esto quiere que sepas… La persona que te envía esto quiere que sepas… que eres muy cUuuuuuuuuuuuUuute :-* que eres muy cUuuuuuuuuuuuUuute :-* que eres muy cUuuuuuuuuuuuUuute :-* Send this to your crush right now es una acción performática de Laura Paloma y Mariem Imán, en la que usando prompts, capturas, visionados o escritura en directo, se recrean en declaraciones de amor acompañadas por un mix musical hyperpop mezclado por Ane Berganza. Moviéndose por diferentes interfaces de escritura y lectura, ellas escriben de oído, con, contra y como la máquina. Entre el archivo, la transcripción, la poesía y el pantallazo ejecutan un despliegue de formas en las que circulan los afectos en las interacciones digitales.

22:00 Cierre 

⁺˚⋆｡°✩25 de septiembre de  2025₊✩°｡⋆˚⁺

18:00 Apertura.
Apertura por parte de lxs coordinadorxs (Diana Millán y Ezequiel Soriano).

18:05 Ponencia de Diana Millán aka F̵̦̉́ꫀꪖ᥅ꪶꫀᦓᦓᦔ꠸ꪖꪀꫀ “Introducción a la teoría Internet Core”.
Dentro del marco de laboratorio 4, Futuros Raros, Diana abrirá una navegación de términos, reels, substacks, blogs, publicaciones de Mastodon, grupos de Discord, citas bibliográficas y preguntas abiertas para darnos algunas claves de lo que denomina la Teoría Internet Core.
En el  contexto actual, donde las redes sociales dominan la circulación artística, la ponencia argumentará que el arte post-internet debe enfrentarse a sus propias críticas y dar pie a un arte contemporáneo creado por una generación deslocalizada y nativa de la Web 2.0, que aporta una serie de estrategias dentro de las redes comerciales y refuerzos de la colectividad desde los “bosques oscuros”.
En este marco, la obra se convierte en un “core”: en un producto propio de las plataformas y comunidades contraculturales específicas en línea. El papel del artista resulta crucial, ya que actuaría como un traductor que descifra el significado detrás de cada estética, guiándonos de vuelta al núcleo de Internet.

18:25 Ponencia de Andrés Cuesta Sacristán.
Desde su propio trabajo artístico y su archivo, hablará sobre la naturaleza y el imaginario común de Internet, las corrientes que emergen de su interior, el concepto de “new aesthetic” y las configuraciones estéticas formadas al mirar el mundo a través de la red. Igualmente, abordará el paso de lo nicho a los cores y cómo la web ha transitado de ser una plataforma introspectiva a un espacio en el que debemos resistir la pérdida de agencia y auto-significación en nuestros jardines etéreos.

18:40 Ponencia de Leah J. Liu.
Partiendo de una pregunta íntima y fragmentada, Leah, artista e investigadora predoctoral, se pregunta: ¿quién soy yo en la era post-internet? A través de sus propias imágenes generadas con IA —mujeres asiáticas que se parecen demasiado a ella pero que no lo son— habla de una identidad diluida, reconstruida y obsesionada con su propia imagen. Desde ahí, pasa al plano colectivo: la nostalgia digital como un síntoma de desorientación. Esta nostalgia no es un simple retorno al pasado, sino una forma de preguntar: ¿dónde estamos? ¿Estamos entre lo virtual y lo físico, entre lo vivido y lo imaginado, o entre la presencia y la pérdida? La intervención propone pensar la belleza de esa pérdida —la de lugar, de forma, de certeza— como uno de los lenguajes esenciales de la estética de internet.

18:55 Preguntas

19:15 Ponencia de Kafheina.
Kafhi (más conocida como @Kafheiina), relatará con humor y autenticidad su decisión de abrazar el rol de creadora de contenido, una identidad que encontró de forma natural al descubrir en Internet el refugio definitivo para su espíritu friki. Explicará cómo esta red se convirtió en el ecosistema perfecto donde su coleccionismo obsesivo de flugers —peluches de culto de dudosa procedencia y valor incalculable para los iniciados— trascendió la mera acumulación para convertirse en la piedra angular de un proyecto vital. Esta intervención será una defensa a hacer cosas frikis para que otros frikis puedan frikear viendo sus tonterías, y sobre todo para recordarle al mundo que los frikis vinieron para quedarse. “Frikismo a tope” ≽^•⩊•^≼.

19:30 Preguntas

19:35 Descanso (15 minutos)

19:50 Conversación de Héctor Fuertes moderada por Zony Gómez + preguntas del público
Mostrará parte de los resultados obtenidos durante su paso por el programa de residencias 28044/30439 de Nigredo.tv, el espacio independiente organizador del evento junto a Matadero-Medialab. A lo largo de un mes, junto a varios tutores, desarrolló su proyecto en paralelo entre Madrid y Cehegín (Murcia). Héctor Fuertes, bailarín y artista, nos compartirá su investigación y los hallazgos a partir de entrevistas. Nos adentrará en la relación entre dos figuras arquetípicas: el ídolo pop y el fan. Su práctica se centra en la dimensión casi mística de este vínculo, la asimetría de poder que los separa y la constante retroalimentación entre ambos.

20:10 Conversación de los colectivos Voidsent y Ambientador moderada por Diana Millán
Espacio de encuentro para dialogar, compartir y contrastar experiencias de ambos colectivos. Se abordará cómo ciertos nichos de Internet desbordan en clubs nocturnos a través del hardcore experimental, el sound battelfield, el nightnoise, el knightcore, el emocore o el hardfantasy.
VOIDSENT es un colectivo que funciona como una red simbiótica entre cuerpos, máquinas y monstruas, donde el horror vacui deviene en celebración y el exceso en danza colectiva. Entre DJ sets —del hardcore al experimental—, performances y visuales, el colectivo crea espacios donde cuerpo, imagen y ritmo se potencian mutuamente. Sus encuentros apuestan por el maximalismo y el roleplaying como fuga frente a la edad oscura capitalista de control y alienación, proponiendo mundos alternativos.
Ambientador.exe. Ejecutable de bolsillo. Creadores de espacios de experimentación y delirio colectivo, un sueño lúcido un lugar de encuentro, a music battleground. Ambientador.exe es un regalo. Pero sobretodo es un Dragón híbrido mitad lancha, mitad fórmula 4, mitad avión.

20:30 Preguntas

20:45 Descanso (15 minutos)

21:00 Performances de Voidsent, Ambientador y Héctor Fuertes
La activación propone una fuga del streaming pasivo para forzar un nuevo uso del espacio de la Nave Una de Matadero. Se tejerá una red simbiótica donde los cuerpos de lxs asistentes se conectarán con las máquinas, las monstruas y el dragón híbrido ejecutable de bolsillo. Será un ejercicio de experimentación de imaginación radical: un sueño lúcido donde la comunidad se vuelve monstruosa para celebrar su existencia.

22:00 Cierre 

Todo el evento estará retransmitido por The Void y será relatado por Jardines Vallados + Iván McGill

Más información.

Aquesta festa és una escletxa per sortir del temps tal com l’entenem i entrar en una dimensió diferent on replantejar les regles del joc. Una àmplia mostra d’artistes i col·lectius de diverses disciplines i sensibilitats posa de manifest la vitalitat de l’escena local i explora el fèrtil terreny on la celebració es troba amb el compromís polític.

Més informació: Instagram del Festival Sâlmon

Anto Rodríguez – 18 de junio en Arts Santa Mònica 

Tenemos unas fotos viejas, unas revistas gastadas, algunas cintas de caset sin estrenar, un walk-man, un tocadiscos y un disco de vinilo. Tenemos canciones para cantar, play-backs con los que jugar, volantes para mover y abanicos que agitar.

Buscar la historia de la copla marica y del travestismo es re-escribirnos, entender la memoria como práctica y construir y cuidar a nuestra familia escogida, del presente y del pasado.

En esta conferencia performativa trataremos de ocuparnos de estas cosas.

En esta conferencia performativa trataremos de ocuparnos de estas cosas.

Enlaces de interés:
www.antorodriguez.com

A cargo de Anto Rodríguez
Actividad impulsada por SÂLMON

Anto Rodríguez (Mieres, 1986). Artista-investigador mariquita.
Doctor en Investigación en Artes, Humanidades y Educación por la UCLM. Forma parte de la Oficina de creación e investigación Dorothy Michaels.
Hace cosas para la escena, universidades, podcasts, libros, artículos, conciertos…
Desde el 2022 publica el podcast-documental Color Julay en el que habla de la historia de los cancioneros y del transformismo en España.
En 2023 publicó el libro Boca abierta: la práctica artística del Lip Sync como archivo vivo (Ed. Desiderata) y en 2024 ¡Eres tan travesti! Breve historia del transformismo en España (Ed. Egales).

A nation is born in me, de Soren Evinson | 24 de mayo en TEA, Tenerife

Søren Evinson, artista que se mueve en la intersección entre la performance, el teatro y la danza, presentará en el museo TEA Tenerife Espacio de las Artes el sábado 24 de mayo, a las 19:00 horas, A nation is born in me, una pieza escénica que reflexiona sobre los movimientos nacionalistas e identitarios a partir de múltiples registros de las artes escénicas y una relación proactiva con el público. La entrada para poder ver este trabajo, que forma parte del programa público de artes vivas del museo TEA Por Asalto, es libre.

Esta edición 2025 del programa público de Artes Vivas Por Asalto cuenta con el equipo curatorial formado por Sabela Mendoza, Mari Paula, Masu Fajardo y Javier Arozena.

Diseño gráfico: Héctor V. Nielsen

Esta pieza ocupa el encuentro mismo entre intérprete y público transformando nuestra presencia en un resbaladizo campo de batalla. Y a base de perforar ese encuentro, construye una forma irreemplazable. Algo que desactiva cualquier resistencia. Algo contra lo que no se puede luchar. Algo por lo que vale la pena rendirse.

A la luz del resurgimiento y fortalecimiento progresivo de los movimientos nacionalistas e identitarios en el siglo XXI, A nation is born in me extrae dinámicas que operan en dichos movimientos y los combina con aspectos asociados a las políticas de identidad, la cultura mediática, la cultura deportiva, la cultura del esfuerzo, la espiritualidad, la brutalidad y la híper-presencia, provocando una extraña cercanía entre estas estéticas. A través de las diferentes presentaciones del cuerpo, el texto , la música, el canto y los objetos, A nation is born in me construye un intenso y delirante paisaje en el que estas dinámicas aparentemente desconectadas se fortalecen mutuamente en una relación directa aunque de proposición incierta.
Daniel Papell, músico de formación clásica, inicia su carrera profesional como intérprete en distintas formaciones de música de cámara y orquestas. Con un particular interés por la música contemporánea desarrolla diferentes proyectos de hip hop. En 2011 va a vivir a Berlin donde pasa 6 años. Ahí continúa con la música moderna y atraído por la música electrónica sigue su investigación musical que le llevan a varias actuaciones en Alemania. Actualmente reside en Barcelona, trabajando de profesor de música y en distintos proyectos musicales y de artes escénicas. Ha compuesto y producido la música y el sonido para A nation is born in me, de Søren Evinson donde también mezcla y toca en vivo.

Más información: TEA

Julia Irango – 9 y 10 de mayo en La Mutant 

Mamarratxa Attack propone un acto de intimidad radical en la vorágine de un desborde. A través de juegos de transformación –y transformismo–, Irango se pregunta sobre cuestiones de identidad en un trabajo en el que nos invita a difuminar los contornos entre lo familiar y lo otro.

Más información y entradas. 

El artista Thales Luz presenta el 3 de mayo, a las 19:00 horas, en el museo TEA Tenerife Espacio de las Artes la pieza titulada Casa del Diablo en el marco del programa de Artes vivas Por Asalto. La entrada a esta actividad es de acceso libre.

Casa del Diablo es un oráculo diabólico. Lo diabólico en esta obra está relacionado con el trauma transgeneracional resultante de la persecución judía por la Inquisición portuguesa durante los siglos de la colonización del Brasil. En su desesperación por sobrevivir, judíos y cristianos nuevos, exiliados en el nordeste del Brasil, incorporan el no-lugar del exilio que marca la persecución como un pacto diabólico, un pacto con la propia fractura que lo designa como trauma. Vestido con amuletos-fetiches, el artista materializa en su danza extática presagios arcaicos de sus antepasados proyectados en un presente-futuro lacerante.

Más información.

Thales Luz (Piauí, Brasil, 1988) es un artista cuya práctica artística se mueve entre las artes escénicas (teatro y danza contemporánea) y las artes visuales (performance, vídeo y fotografía), centrándose en una implicación ritualista del cuerpo con cuestiones ancestrales y espirituales, con el fin de crear experiencias liminales del cuerpo que lo conecten con lo trascendente.

Tripak – Del 10 al 12 de abril en Teatro Pradillo 

(un brindis)
el umbral es una cascada
(con lágrimas)
desemboca sobre la mesa
(una tumba)
y de ahí cae y se extiende
(las marismas)
uno tras otro los cuerpos
(hermanas, hermanas!)
pasamos por aquí
(nuestra herida tremenda)
para salir ahí
(Platea)

Más información y entradas.

Artículo de Rubén Ramos sobre la obra.

Sumari astral, exposició a cura de Caterina Almirall amb la col·laboració de Clàudia Elies | Del 3 d’abril al 28 de setembre a la Fundació Brossa de Barcelona

L’exposició Sumari Astral explora la noció de màgia en les pràctiques artístiques contemporànies. L’exposició és, en bona part, el resultat d’una recerca performativa i col·laborativa en la qual la imatge, el text el gest o la praual són, en mans dels artistes, les eines per interrogar i qüestionar aquest món i la realitat que creem: tant en l’imaginari individual com en el col·lectiu, tant en allò que és íntim com en allò que és social.  

Brossa sempre es va definir com a poeta, però sense posar límits, entenent la poesia com una forma de vida, com a experimentació constant, oberta i plural.
Teresa Grandas

A mí me parece que en una época las diferentes expresiones artísticas de una época, la pintura, la escultura, en este caso el cine, son diferentes partes de una pirámide que en el punto más alto se juntan. […] Todo es una cosa que parte de unas necesidades diferentes, pero que como digo, hay un momento que se juntan. Sé que para mí escribir un poema o hacer un guión de cine o hacer un número de musical siempre obedece a esta cosa íntima que sale, que va de dentro afuera. Para mí siempre es una cosa que va de dentro a fuera. Nunca al revés. Ahora, se puede canalizar a través de diferentes medios.
Entrevista a Joan Brossa, entrevista A Fondo, RTVE, 1978.

El títol prové de l’últim poemari de Joan brossa, que va ser publicat pòstumament. Aquest ja ens remet a les forces invisibles que operen sobre nosaltres i la realitat que construïm al nostre voltant. Parla de la relació entre el món visible i l’invisible i de l’intent impossible d’ordenar el cosmos, en la seva dimensió material i espiritual. És a partir d’aquesta idea que ens hem atansat a la noció del que és màgic, com a llenguatge i com a forma d’atenció, com una pràctica que emergeix de la quotidianitat i de les petites meravelles del context immediat, que, en mans dels artistes, ens situa en els espais de transformació de la realitat i del desplaçament de significats.

Cadascuna de les obres que hi ha a l’exposició ocupa un lloc en el poema, que és el que ens dona, finalment, un possible i fràgil ordenament dels cossos en l’espai. Les forces gravitacionals, que ordenen aquestes sales d’arquitectura bigarrada, s’estructuren tant perquè les puguem llegir, com perquè ens hi puguem perdre, fins i tot més enllà dels seus límits. S’estableix així una tensió una tensió entre el que veiem, el que no veiem i allò que som capaços d’imaginar. Prenem de Joan Brossa la voluntat d’explorar els llenguatges artístics de  forma interdisciplinària. El poeta sempre va definir la seva eclèctica producció artística com a “poesia”, fos text, imatge, objecte o gest. El seu llegat resulta una manera d’entendre les  pràctiques artístiques com un llenguatge per mitjà del qual experimentar amb la multiplicitat de significats del món, recollint el gir cap a la condició material dels llenguatges,  transgredint i eixamplant les fronteres d’aquests. Partim del llegat brossià no  tant com un referent sinó com una caixa d’eines, com un compendi de gestos que ni tan sols li són propis,  sinó que són compartits, que ens permeten trobar-ne els rastres en els llocs menys evidents i inesperats.

Les pràctiques artístiques, així com  les seves definicions, presenten una manera d’entendre l’art en la qual la funció de l’artista és ordenar i endreçar allò que li és donat. Poden ser les  paraules així com la impossibilitat de tancar-les i reduir-les a un sol significat. Es presenta com algú que no acaba d’escollir del tot allò que diu, sinó que juga amb el que té a l’abast.

Així, la figura de l’artista, anàloga a la del mag, seria la d’algú que pot posar en pràctica els desplaçaments dels objectes i la transformació de les seves qualitats simbòliques. Algú que tant  genera realitats com n’amaga d’altres per qüestionar la mateixa noció del que és real. De la mateixa manera, tasca mediúmica tractaria de canalitzar missatges o presències que ens acompanyen i que només podem escoltar si hi parem atenció. Aquí ens hem centrat especialment en la relació de les peces amb l’espai i les seves qualitats, en com circular, escoltar, il·luminar o senyalar. Portant el compromís amb aquesta noció de màgia fins al final.

CATERINA ALMIRALL
Comissària independent i docent. Va iniciar el treball en comissariat amb l’espai autogestionat El Passadís (Barcelona), actiu entre 2013 i 2016. Des de llavors ha desenvolupat projectes de comissariat com “L’arbre del que encara no saps” (CaixaForum Barcelona, 2023), “Esdevenir immortal i després morir” (La Capella, Barcelona, 2020), “La nit del cos” (Bombon Projects, Barcelona, 2019), “Una exposició como un conjur” (Can Felipa, Barcelona, 2018), “El 85% de la matèria” (C.A. Maristany, Sant Cugat / MAC, Mataró, 2017/18) o “Truco a la porta de la pedra” (La Puntual, Sant Cugat / La Panera, Lleida / Espai Trapézio, Madrid, 2016). Ha comissariat el cicle anual Terrassa Comissariat 2017/18 amb “Mesurar amb precisió els cims llegendaris!” i el programa EPHEMERAL a la fira SWAB Barcelona 2018 i 2019.
Actualment és la directora de l’ACVic-Centre d’Arts Contemporànies de Vic i escriu habitualment per a la revista de crítica A*Desk.
Pàgina web de Caterina Almirall

CLAUDIA ELIES
Claudia Elies és graduada en historia de l’art per la Universitat de Barcelona i la Università degli studi di Bologna i en teoria de l’art per Goldsmiths, University of London. Ha treballat al Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA) per a l’exposició POESIA BROSSA i com a coordinadora de la Galeria Estrany – de la Mota. Actualment combina la seva feina de responsable del programa d’Arts Visuals de Can Felipa amb la direcció de Festival Art Nou.
Pàgina web de Claudia Elies

Més informació i entrades: Fundació Brossa

Los hijos perdidos de Dios de La Casa de Asterión | 5 i 6 d’abril a la Fundació Brossa de Barcelona

La Casa de Asterión porta a escena una celebració orgiàstica de l’horror. Un tríptic de 6 hores. Una performance sobre la memòria que, a través de la història d’una família d’esquerres d’Alacant des dels anys 40 fins a l’actualitat, explica tres mites: el cosmològic (l’origen de l’Espanya del segle XX), el moral (la diferència entre el plaer i el patiment) i l’escatològic (la fi del món).

Aquesta és una obra sobre la memòria. Un relat sobre les persones que recorden i les persones recordades, i també sobre les persones que no recorden i les persones que no són recordades.
Los hijos perdidos de Dios explica la història d’una família d’esquerres d’Alacant des dels anys 40 fins a l’actualitat, passant per tres moments clau de la història col·lectiva: franquisme, transició i democràcia actual. Una història plena de secrets, fantasmes i mites, com la de tantes famílies espanyoles.
La nova proposta de La casa de Asterión és una peça radical que situa a l’intèrpret al centre de la creació artística. El seu sacrifici a escena i la seva metamorfosi constant són la base a partir de la qual s’inicia l’aquelarre.

SINOPSI
Benvinguts al País Valencià.
Un país nascut de la cruel Espanya i del tendre Mediterrani.
Un país fet de gossos que parlen i de Moires.

La nostra història succeeix a tres ciutats:
Alacant, on va néixer el feixisme espanyol amb l’execució de José Antonio Primo de Rivera.
València, l’única ciutat del món on l’aigua salada és dolça.
I Benidorm, la Sodoma original, on envien a morir als orfes que no obliden.

Aquesta és la història d’Alexandre Rodríguez I Fons, Àlex, i el seu germà Alvaro.
La història dels seus pares i dels seus avis.
Una família maleïda amb un segle de canibalisme, tendresa i memòria.
Tres plagues que l’han consumit, i que han definit les seues històries, el seu amor.

Una tragèdia que conta tres mites: el cosmològic (l’origen de l’Espanya del s.XX), el moral (la diferència entre el plaer i el patiment) i l’escatològic (la fi del Món).

LA CRÍTICA N’HA DIT

• “Una performance bruta i ensangonada, a voltes desagradable que escup bilis des d’una nuesa –literal i figurada– alliberada d’artificis.” – Oriol Osán, Núvol
• “Fliparan de tanta potència teatral inesgotable.” – Jordi Bordes, Recomana
• “Una experiència teatral que serveix per reflexionar sobre la vida, l’amor, l’art i al mateix temps fer-ne befa.” – Martí Figueras, Núvol

SOBRE LA COMPANYIA
La casa de Asterión és el nom de l’obra i de la companyia.
L’obra és una tragèdia Nietzscheana de la primera meitat del segle XXI.
La companyia és la companyia de teatre que representa aquesta obra.

El nom prové del relat de Jorge Luis Borges.
On la casa està definida de la següent manera:

… sus puertas (cuyo número es infinito) están abiertas día y noche a los hombres y también a los animales.
… no hay una puerta cerrada, añadiré que no hay una cerradura.
Todas las partes de la casa están muchas veces, cualquier lugar es otro lugar.
La casa es del tamaño del mundo; mejor dicho, es el mundo.

I Asterión d’aquesta altra:

Cada nueve años entran a la casa nueve hombres para que yo los libere de todo mal. Uno tras otro caen sin que yo me ensangrente las manos. Donde cayeron quedan, y los cadáveres ayudan a distinguir una galería de las otras.
… uno de ellos profetizó, en la hora de su muerte, que alguna vez llegaría mi redentor. Desde entonces no me duele la soledad…
¿Cómo será mi redentor?, me pregunto. ¿Será un toro o un hombre? ¿Será tal vez un toro con cara de hombre? ¿O será como yo?

La peça està dividida en cinc actes.
Inspirada en l’estructura de El rei Lear de William Shakespeare.
Cada obra tindrà una duració d’entre tres i set hores.
I s’estrenarà quan estiga llesta. Un cop completada s’inicia la següent.
La suma total de la durada de les cinc obres serà de vint-i-quatre hores.
El càlcul de temps aproximat per a la creació de la peça total és de trenta anys.

El públic podrà assistir a aquestes representacions d’una en una, quan s’estrenen.
O veure directament la performance final.
O les dues coses.
La performance final es representarà una vegada.
I després, es dissoldrà la companyia.

Quan La casa de Asterión haja acabat, La casa de Asterión es dissoldrà.

Més informació i entrades: Fundació Brossa

Para que non me deixes aquí soa de Julia Laport | 5 de abril en el Teatro Rosalía de Castro de A Coruña

El 5 de abril de 2025 a las 20:30 h, el Teatro Rosalía de Castro de A Coruña acogerá el estreno de Para que non me deixes aquí soa , una propuesta de Julia Laport que fusiona danza, materia y luz para explorar la identidad y los límites del cuerpo en colaboración con los artistas Martín Gonçalves y Laura Iturralde. El espectáculo Esta creación escénica, dirigida por la artista del movimiento Julia Laport, se basa en la interacción entre cuerpos, barro y luz para construir una pieza en constante transformación, diluyendo las fronteras entre la piel y la materia, entre lo humano y lo natural. Explora el concepto de intimidad en el espacio público y la vulnerabilidad de los cuerpos expuestos, ofreciendo una experiencia que desborda los límites de la danza tradicional y se acerca a una instalación viva en constante mutación. La obra juega con máscaras e identidades, creando un espacio donde los límites entre el yo y el otro, entre la verdad y la representación, se tornan difusos. La investigación se ha desarrollado en diferentes residencias artísticas en Galicia, Tenerife y Costa Rica, explorando la relación entre cuerpo y materia e integrando disciplinas como instalación, performance y danza.

Creación e interpretación: Martín Gonçalves, Laura Iturralde y Julia Laport Dirección: Julia Laport Diseño de iluminación: Laura Iturralde Diseño del espacio escénico: Martín Gonçalves Espacio sonoro: Julia Laport y otras artistas Distribución: AMARELO Distribución – Lilian Portela Producción: Julia Laport

Subvencionado por la Xunta de Galicia. Con el apoyo de NONONON Lab y Atopémonos Bailandoicia a través de las ayudas a la creación escénica.

Sobre la compañía

Julia Laport es una artista del movimiento con una sólida trayectoria en danza contemporánea y urbana, especializada en Waacking. Dirige el Colectivo D’Elas y codirige la compañía Elahood, participando en numerosos festivales nacionales e internacionales.

Para que non me deixes aquí soa es su primera creación bajo su propia compañía, consolidando su visión artística personal.

En esta pieza colabora con Laura Iturralde, iluminadora y creadora escénica gallega con una destacada trayectoria en el diseño de espacios lumínicos para danza y teatro, y con Martín Gonçalves, artista plástico multidisciplinar especializado en pintura, escultura e instalación, cuya obra investiga la conexión entre el cuerpo y la naturaleza.

Su colaboración en Para que non me deixes aquí soa da lugar a una propuesta escénica donde luz, materia y movimiento se entrelazan para generar una experiencia inmersiva y transformadora.

El público está invitado a vivir esta experiencia sensorial y envolvente en su estreno el 5 de abril en el Teatro Rosalía de Castro de A Coruña, una oportunidad única para acercarse a una propuesta innovadora y arriesgada dentro de la escena contemporánea gallega.

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