— MuroTRON

Del 1 al 3 de octubre, 20:00
Entrada general: 15.00 euros

Se define a sí mismo como payaso conceptual y modelo, probablemente como parte de un juego clasificatorio irónico. Lo que es seguro es que es un artista con un lenguaje escénico muy personal que sigue evolucionando desde que comenzó su carrera a finales de los años 80 del siglo pasado, sin terminar de ajustarse a las categorías de bailarín, coreógrafo, actor o performer, pero sin dejar de integrarse en todas ellas. En los últimos tiempos, su práctica artística defiende radicalmente la imaginación, «no como fantasía —dice—, sino como producción de realidad y capacidad de pensamiento. Es en el teatro como espacio de libertad, de riesgo y provocación, como espacio generativo de diálogo, donde la imaginación puede desplegar todo su potencial transformador».

En esta temporada nos trae a Condeduque Tálamo, la segunda parte de su trilogía titulada No hay presente, mejor mirar atrás, un trabajo donde, precisamente, la imaginación del espectador cobra un gran protagonismo. Tálamo se desgaja de la primera pieza de la trilogía, My only memory, una coreografía-partitura, textual verbal, que el espectador escuchaba en la oscuridad del teatro. Casi, porque en los últimos 7 minutos de la pieza, después de estar dedicado exclusivamente a la escucha, el espectador comienza a intuir visualmente algo muy sutil en la escena, una imagen apenas imperceptible. «En estos últimos 7 minutos, la voz se silenciaba para dar paso a la imagen propuesta como una mezcla singular: parte visión, parte proyección, parte imaginación», explica Juan.

El final de aquella obra es el principio de esta otra. Tálamo lleva hasta sus últimas consecuencias esos últimos 7 minutos de My only memory. Se trata de buscar una vez más un estado físico activo del que mira, trabajando con y desde la oscuridad, con y desde la pérdida de referencias, en los límites no definidos entre lo legible y lo ilegible. Provocar esta necesidad de orientación, de comprensión, de reconocimiento y de resignificación de lo que se intuye sin llegar a saber exactamente lo que se ve, no puede ir más acorde con este tiempo de inflexión que vivimos tras el azote pandémico. «En ese estado el cerebro se activa de una manera inusual y la producción de significado y sentimiento se proyecta y crece exponencialmente. Después, la luz y la imaginación hacen aparecer la imagen».

Más información: https://www.condeduquemadrid.es/actividades/talamo

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Se respira en el jardín como en un bosque y se está en el teatro como en el mundo. Pero ni el jardín es la Naturaleza ni el teatro es el mundo. Alguien prepara los jardines para disfrutar de un pedazo organizado de naturaleza, en su origen salvaje y llena de peligros.

En el teatro alguien ordena las palabras y las imágenes en un discurso que dibuja una lógica que parece una respuesta. Pero así como cuando abandono el jardín y entro en el bosque, cuando salgo del teatro y vuelvo al mundo, toda la ilusión se esfuma y el mundo que aparece de nuevo ante mis ojos se vuelve indomable, peligroso y siempre incomprensible.

Cada pase tiene una duración aproximada de 35 minutos y es para un único espectador/a.

NOTA IMPORTANTE: El/la espectadora debe estar 15 minutos antes de que comience su pase en el teatro.

Se realizarán un total de 28 pases, con lo que participarán en la instalación 28 espectadores.

Los pases se realizarán el

30/9/20 de 11h a 13:40h: total 9 pases
30/9/20 de 17h a 20h: total 10 pases.
01/10/20 de 11h a 13:40h: total 9 pases.

La Mutant. Espai d’arts vives.
24, Carrer de Joan Verdeguer, 22
46024 València

Más información: https://russafaescenica.com/representacion/los-protagonistas/

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De Laila Tafur

1, 2 y 3 de octubre en Teatro Pradillo

El baile es mi oficio, la cosa que yo practico, donde aspiro a cierta maestría. Deseo la aparición de una forma en un cuerpo, bailo en la brecha entre una u otra posibilidad, me muevo entre la abundancia y la falta, con todo, la chicha y la ficción. En el encuentro con la canción, la danzante se vuelve audaz en sus estudios de erudita ignorante, toda una osada que hace como si sí supiera hasta que lo consigue hacer. Como el ignorante de Ranciere, titila entre el saber y el no saber colándose en ambos, mezclando cosas estando atenta a los humores y su brújula es el placer contenido en el hacer. Si la vida grita ella canta la canción de la fricción entre formas y las fuerzas, entre la carne y el significado, entrando en la potencia del tutti froti, clamando la urgencia por encontrar otras prácticas y otros modos de producir conocimiento, agrietar los estatus y disciplinas gracias a aquello que está al alcance de la mano, sosteniéndose en el juego y el placer.

+ info y entradas

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Fet en València, llum de Barcelona, de Paula García-Masedo

Centre Cívic Sant Andreu – Del 09.09.20 al 07.10.20

 

Un Jeep de color verd aparcat al costat d’un camp de cebes.

                                                                     

                                                                Verd – verd.

Verd Jeep

Verd ceba

 

Verd carxofa

Verd arròs. Verd col. Verd palmera, palera, morera.

Verdes branques.                                Meadow Green.

Figuera verda.                            Spanish Olive Green.

Jonc verd, aigua verda,                          Aquamarine.

Verd=ceba. Ceba=carxofa=arròs=col=palmera=palera=morera=figuera.

 

En comptes d’inventar-se termes de color per a anomenar el que és «verd»,

els van robar a les coses:

Menta XSC2737

Maragda

Jade XSC2240

Pistatxo

Molsa

Poma 6HTE.

 

Al llibre hi havia una foto de l’horta a doble pàgina. Es veia una alqueria al fons i un grup d’ovelles. La llegenda deia: «El solar d’Almussafes abans de l’inici del procés constructiu: alguns tarongers però bàsicament cebes i carxofes.»

 

Enmarcada en un proyecto que investiga la laca de coche en el Estado español, esta exposición presenta dos conjuntos de piezas desde las que leer las pinturas industriales producidas en las fábricas de automóviles de Ford, en Valencia, y Seat, en Barcelona.

La llegada de Ford al Estado español en 1973 se vio favorecida por el gobierno franquista mediante concesiones legales como los decretos de liberalización del automóvil; económicas, como beneficios en la ubicación y compra de terrenos; y simbólicas, como la elevación de la autopista para mejorar la vista del logotipo oval. La mitad de las piezas de la exposición miran al territorio que rodea a la Ford, una laguna natural rodeada de campos de arroz. Plantean cómo el diseño industrial transmite la sensación de “armonía con lo natural” a través del simulacro. En el libro que publicó en los años 70 la empresa estadounidense contando la implantación de la fábrica en Valencia aparece una foto a doble página cuya leyenda dice: «El solar de Almusafes antes del inicio del proceso constructivo: algunos naranjos pero básicamente cebollas y alcachofas». En la exposición, listas de nombres de colores diseñados por Ford para sus coches que aluden al cielo (Nube, Plata Astral, etc.) y a lo vegetal (Verde Manzana, Verde Menta, Verde Bosque, etc.) se colocan al lado de su imagen, aletas procedentes de automóviles producidos en la fábrica. Junto a ellas se disponen unas pinturas con forma de crayolas. Las negras están fabricadas con hollín, negro de humo y ceras naturales. Se colocan en cajas de cartón, una de ellas pintada con pintura de patata y tiza, un producto habitual en el contexto rural e inventado en Estados Unidos por la misma empresa que inventó el procedimiento industrial para hacer pigmento negro a partir de la quema de petróleo. Otras crayolas se fabrican con pigmentos vegetales y tierra. Una caja donde se lee “Greening” contiene decenas de acuarelas sobre papel elaboradas con estos mismos pigmentos.

Es tracta d’aconseguir més flop a través de l’alumini i la mica. La pintura ajudarà a construir el 3D, l’escultura, la forma del cotxe. Flip – flop. El flip és el clar, la llum clara. El flop és la llum negativa. Fa unes dècades, el dissolvent permetia afegir molta quantitat d’alumini a la mescla. Les partícules d’alumini generaven gran quantitat de reflexos i efectes. Ara, amb mescles de base aigua, per a aconseguir profunditat es crea una capa especial, una tercera capa, amb partícules, col·locada entre la primera de pintura i l’última de vernís. Desire Red. Els colors que s’inventen s’arxiven mitjançant unes mostres, que són de xapa i tenen un codi darrere que permet a qualsevol pintor de refinish en el món reproduir-lo en el seu taller. A Seat, els codis comencen per una L de laqueum, ‘pintura’ en alemany, i tres lletres o dues lletres i un número. A més, es dona un nom a cada color, un nom pensat per a transmetre el que aquest color és. Cada color vol construir una emoció, un concepte, una idea. El vermell és el color de Seat.

La otra mitad de la exposición se acerca a colores producidos por la Seat. El grupo alemán Volkswagen compró la marca española en 1984. Esta adquisición ejemplificó la transición de tipo económico que se dio en paralelo a la transición política en el Estado español. Las piezas reúnen colores diseñados en Barcelona desde los años 80. Un conjunto de piezas rojas trazan la evolución de los rojos. Un “Azul Atlántico”, que se pinta sobre coches Volkswagen, y otra “Azul Mediterráneo”, color de coches como el Seat Ibiza, se presentan juntos, haciendo legible cómo una de las marcas, la española, no es posible sin la otra, la alemana, en el contexto del capitalismo tardío. En estos nombres, Mediterráneo y Atlántico, queda también encapsulada la idea de Europa, así como también mucha de la identidad de cada uno de los pueblos que vuelca a estos mares. Los colores y sus nombres muestran cómo el capitalismo global busca crear vínculos emocionales con sus productos. Así lo hace el “Amarillo Crono”, habitual en la década de los 2000 en coches asociados a la subcultura del tuning, que se opone en otra pieza a un oro rosa metalizado que recuerda a los colores de los dispositivos móviles, dos colores opuestos en cuanto al concepción de la alta gama y la ficción del género.

Fotografías de David Zarzoso.

Agradecimientos a Paula Noya de Blas, Carles Àngel Saurí, Miguel Pérez Sancho, A.J. Paint, Recurval.

Esta exposición es ha sido producida gracias al Premi Miquel Casablancas 2019.

Paula García-Masedo (Madrid, 1984) es una artista radicada en Valencia. Estudió Arquitectura en Madrid y en 2018, el Programa de Estudios Independientes del MACBA en Barcelona. Ha publicado dos libros con Caniche editorial y codirige el espacio independiente Pols, en Valencia.

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16 conferencias performativas de Jesús Acevedo, Belén Cueto, Marta de Gonzalo, Rafael Lamata, Publio Pérez Prieto, Rafael Suárez, Jaime Vallaure y François Winberg

19 y 20 de septiembre de 2020 en el MACBA. / Lugar: Sala de exposiciones y emisión en directo por streaming. / Sin inscripción previa. Aforo limitado.

El Circo Interior Bruto nos invita a asistir al congreso interno en el que nos mostrará abiertamente su proceso de creación. Cada artista presentará al resto del colectivo una serie de ponencias performativas entendidas de una forma amplia y abierta, en la que se reflexionará desde el presente sobre aspectos del pasado y del futuro. Nadie conoce el contenido de antemano. Los congresos internos del Circo Interior Bruto han sido una herramienta que los artistas han empleado para repensarse colectivamente en diferentes momentos de su trayectoria. A partir de este congreso, los artistas convertirán la sala expositiva en un laboratorio de creación abierto al que cada semana, de octubre de 2020 a enero de 2021, se irán sumando nuevos contenidos y activaciones, en directo en salas, en streaming o a través de la web, hasta llegar a la función El futuro, el sábado 6 de febrero de 2021.

Circo Interior Bruto (CIB) (1999-2005 y, desde 2017, en activo) es un colectivo de artistas que, desde finales de los noventa, se dedica a la investigación artística en un ámbito difuso entre la performance, el humor, la poesía visual-fonética y el juego. Su práctica surge de la necesidad de generar un trabajo colectivo que trascienda la creación individual y de la apuesta por un modo experimental de enfrentarse a problemáticas sociales y conceptuales. Una vez madurado, este trabajo de investigación se presenta en funciones únicas, en la primera etapa en su espacio autogestionado en Lavapiés, Madrid, y, desde su reencuentro en 2017, adaptándose a espacios escénicos y museos.

En la exposición Acción. Una historia provisional de los 90, Circo Interior Bruto huye de una lectura historicista y documental de su trayectoria y propone mostrar durante toda la exposición su proceso de trabajo. Para ello se establecen tres momentos o intensidades: el Congreso (19-20 de septiembre) el Laboratorio semanal (octubre de 2020 – enero de 2021) y la función final El futuro, el 6 de febrero de 2021.

PROGRAMA

SÁBADO 19 DE SEPTIEMBRE

11:00h

Preparación interna CIB

El pasado

11:10h Ponencia 1: Rafael Lamata Cotanda

11:50h Ponencia 2: Jaime Vallaure

12:30h Ponencia 3: Jesús Acevedo

13:20h Ponencia 4: Rafael Suárez

14:00h Ponencia 5: Fran Winberg Nodal

14:40-16:10h Pausa

16:10h Ponencia 6: Belén Cueto

16:50h Ponencia 7: Marta de Gonzalo Arenillas

17:30h Ponencia 8: Publio Pérez Prieto

El futuro

18:20h Ponencia 9: Publio Pérez Prieto y Marta de Gonzalo Arenillas

19:00h Ponencia 10: Belén Cueto

19:40h Ponencia 11: Fran Winberg Noda

DOMINGO 20 DE SEPTIEMBRE

11:00h Ponencia 12: Rafael Suárez

11:40h Ponencia 13: Jesús Acevedo

12:30h Ponencia 14: Jaime Vallaure

13:10h Ponencia 15: Rafael Lamata Cotanda

13:50-14:30h Conclusiones

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16 de septiembre.Dos horarios disponibles: 17:30 / 19:00. Conde Duque (los pases tendrán lugar en el Parque del Oeste). 

Flyer es la actividad de retorno del colectivo LES MYRTILLES como parte de las Residencias Escénicas de Conde Duque 2019/2020. Flyer es una visita ornitológica por el Parque del Oeste en la ciudad de Madrid, durante la cual se invita a los participantes a escuchar los cantos y vislumbrar al vuelo las aves del parque. Esta música de fondo con la que diariamente convivimos exige de nosotros una atención fuera de lo común que favorece la aparición de presencias.

LES MYRTILLES es un colectivo madrileño compuesto por Carmen Aldama, Fran Martínez Vélez y Laura Liz Gil Echenique. Su lenguaje se sitúa entre el teatro y las artes vivas.

El colectivo nace a partir de un interés teórico y escénico en el trabajo sexual, entendido como el intercambio entre sexo y dinero en un contexto en el que no interviene la trata de personas. En esa situación profesional se identificaba Grisélidis Réal. LES MYRTILLES estrena en la primavera de 2019, Los arándanos, una deriva escénica por la Casa de Campo, dentro de Surge Madrid: VI Muestra de Creación Escénica. En paralelo, avanza en la investigación de Les Myrtilles, pieza de teatro inédita de Réal sobre la que han estado investigando en el contexto de las Residencias de Artes Escénicas 2019/2020 de Conde Duque. LES MYRTILLES ha sido también residente del Centro Dramático Rural, el Laboratorio Inestable del Mohín, DT Espacio Escénico y es beneficiario de las Ayudas Injuve para la Creación Joven 2020.

*Es obligatorio reservar plaza para esta actividad en el correo electrónico: lxsmyrtilles@gmail.com, indicando en el asunto el nombre de la pieza y el pase al que se quiere acudir. Máximo 2 reservas por persona y pase.

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‘Ganivet’ es podrà visitar a la Fundació Joan Brossa des del 16 de setembre de 2020 fins al 31 de gener de 2021, de dimarts a diumenge, de 16 a 21h. i l’entrada és lliure i gratuïta.

‘Gabinet Brossa’ és una iniciativa que neix de la Fundació Joan Brossa el 2020 amb la proposta ‘Ganivet’ de Laia Estruch. Es tracta d’un programa que té la voluntat de fer dialogar l’obra del poeta amb la d’altres creadors contemporanis, provinents de disciplines creatives diverses, i de generar noves lectures a partir de Brossa des de la creació. Així doncs, la Fundació ha encarregat a l’artista i performer Laia Estruch que connecti amb Brossa i que concebi una intervenció especialment pensada per a l’espai. Es tracta d’un encàrrec concret i atrevit que parteix de l’univers creatiu brossià per allunyar-se’n: un projecte de recerca creativa coordinat des de la Fundació que materialitza el “fer brossià” i que representa uns determinats valors i unes maneres molt específiques de concebre la creació.

Estruch planteja un escenari-partitura enlairat, que no permet tocar de peus a terra, per reivindicar la condició aèria de la veu i del cos. Com a aspectes destacables del projecte cal apuntar que és la peça més pesada concebuda fins al moment per l’artista i, a la vegada, la primera creació que es penja del sostre. La complexitat tècnica de la proposta confereix molta singularitat a la peça. A nivell conceptual, ‘Ganivet’ és un escenari ple d’indicacions tatuades al cos que funcionen com una mena de partitura per a l’artista i per a l’espectador i que contribueixen a facilitar-ne el trànsit: un espai personatge que, a la vegada, és el guió i la partitura i també l’anunci del projecte. El conjunt està format per una plataforma inestable que balla i posa en risc l’intèrpret que sosté el cos al damunt de les “costelles”, de la pell tatuada i plena de cicatrius, de l’escenari. D’una banda, l’escenari construeix espais transitables on poder agafar-se i, a la vegada, posa en risc la veu i el cos. De l’altra, les indicacions, a mode de jeroglífics o instruccions, són continguts textuals i gràfics concebuts per Estruch i soldats, a cegues, per Carles Pujol. La fragilitat i la resistència conviuen a la sala per donar pas a una veu que lluita per agafar-se a la matèria i a l’espai.

A banda de la intervenció escultòrica de l’espai, Estruch ha pensat un conjunt d’accions i d’intervencions que podran anar activant i/o transformant la sala durant el temps en què s’aculli la proposta. Es tracta d’un total de tres accions adreçades a públic divers per tal de contribuir a obrir l’espai i els processos creatius a tothom. A la vegada, han estat calendaritzades dues sessions en què l’escenari serà activat amb la voluntat de possibilitar el viatge del visitant des de la veu i el cos, amb l’acompanyament i la presència de l’artista. El projecte ‘Ganivet’, a més, s’acompanya d’un programa de mediació adreçat especialment a centres educatius de secundària.

Programa públic

  • Inauguració. Dimecres 16 de setembre de 2020 a les 18.30h.
  • Performance (públic docent). Dimecres 30 de setembre d e 2020 a les 18h.
  • Performance (públic general). Dimecres 4 de novembre de 2020 a les 18.30h.
  • Activació de l’escenari (públic general). Dissabte 14 de novembre de 2020 a les 19h. (Nit dels Museus).
  • Performance (públic familiar). Dissabte 19 de desembre a les 17h.
  • Activació de l’escenari (públic general). Dissabte 30 de gener de 2021 a les 19h.
  • Cloenda. Diumenge 31 de gener de 2021
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Sábado 5 de septiembre

Edades: Para todos los públicos, a partir de 6 años

Hora inicio: 18h

Lugar: Graner (c/Jane Addams 14-16, Barcelona) CÓMO LLEGAR

Entrada gratuita, aforo limitado y es necesario reservar escribiendo a info@granerbcn.cat 

Las aperturas de procesos en Graner siguen las medidas de seguridad recomendadas para la prevención de la covid-19.

Macarena Recuerda se encuentra en residencia técnica de su nueva pieza «The Watching Machine» (en residencia en el Graner por convocatoria pública) y abre su proceso de creación el día 5 de septiembre.

La máquina de mirar era el nombre que recibían aquellos objetos del siglo XIX que, a través de espejos y obturadores, creaban ilusiones. En la pieza «The Watching Machine» la máquina es la propia caja escénica, donde jugamos con la luz, las sombras y los reflejos para experimentar qué es ilusión, qué es representación y qué es convención teatral. Una pieza formada por pequeñas instalaciones donde se ficcionan la luz y las sombras a través de ilusiones ópticas.

Una pieza de Macarena Recuerda, con la colaboración de Jorge Dutor. Agradecimientos a Conchita Pons y Enara Aranbide. El estreno de la pieza será el 16 y 17 de octubre en La Fundición, dentro de la programación del BAD 2020.

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Vicente Arlandis

12 y 13 de septiembre en La Casa Encendida

En esta performance, Arlandis trata de trabajar lo mínimo, lo justo y lo que él entiende por razonable. Va a contar lo que piensa de la disciplina, del trabajo del bailarín y del secuestro del tiempo.

También narra cómo se siente al repetir durante ocho horas al día la misma acción en una fábrica o cómo se queda el cuerpo al bailar el mismo espectáculo durante cinco años.

Y para acabar cuenta unos chistes. Pone uno como ejemplo: “Todos seríamos más felices si trabajásemos de lo que nos gusta. En mi caso es muy difícil encontrar trabajo de macarrones con queso”.

El esfuerzo constante de ganarse la vida forma parte del proyecto de investigación El malestar del trabajo, llevada a cabo desde Taller Placer y donde, a través de diferentes actividades y prácticas, tratan de indagar cuál es el papel del trabajo en nuestras vidas y la búsqueda de nuevos modos de relacionarnos con el tiempo. Dentro de este proyecto de investigación que ha contado con la colaboración de Centro Conde Duque y el Ayuntamiento de Valencia, han realizado otras propuestas como El lugar donde se hacen las cosas, jornadas sobre imaginarios, afectos y trabajo (diciembre 2019); Trabajar cansa, jornadas sobre el agotamiento (marzo 2019); y Qué pasa cuando no pasa nada, (2016) performance colectiva realizada en museos.

El esfuerzo constante de ganarse la vida es una idea de Vicente Arlandis producida por Taller Placer y cuenta con la colaboración de Nacho Meseguer, Paula Miralles, Rosana Pastor, Aris Spentsas y Eva Arlandis.

Vicente Arlandis es performer y creador de artes escénicas. Licenciado por la Escuela Superior de Arte Dramático de Valencia y máster en Producción Artística en la Facultad de BB.AA de Valencia y en Apass (Performance en Advanced Performance Trainning) en Bruselas. Desde 2001 trabaja con la coreógrafa Sandra Gómez en el proyecto Losquequedan, donde llevan a cabo proyectos artísticos y de investigación como la serie Borrones, Thank You Very Much, Tragedia de los Comunes o Qué pasa cuando no pasa nada.

En la actualidad participa en el proyecto colectivo Taller Placer junto a Miguel Ángel Martinez, Paula Miralles, Violeta Ros y Aina Vidal.

Como performer y creador escénico ha colaborado con numerosos artistas como Hipólito Patón, Lisbeth Gruweth, Macarena Recuerda, Jan Fabre, Amalia Fernández, Saioa Olmo o Rafael Tormo Cuenca.

>Más info y entradas.

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31 de julio en el Centre del Carme

En los huecos silbar para que el aire arrase el territorio hasta desnudar. En el aire silbar para que el aire silbe con lengua doble caminos de Mar. En la lengua silbar. En la lengua dormir. Oxígeno. Ascua. Líquen. Zarza Amarilla. Noche en la luna. En la luna besar. En la noche los huecos. Cantar. Hacer nacer lo que dentro vive con manos vacías nacer en los huecos silbar. Cantar. Poema. Cantar. En los huecos nadar. Y bucear aire tumbados en roca, que arrasa, que lava lavanda espliego campo oído, oreja, nariz, boca, brazos. En la roca turquesa el papo.

+ info y reservas

 

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