Nos «inmersamos» con Paula Pascual de la Torre

Como estamos albergando All Cats Are Beautiful nos ha entrado la curiosidad de saber más sobre teatro inmersivo. Esta temporada (igual no más que otros años pero nosotros estábamos con ello en la cabeza y pasa como cuando ves embarazadas por todos lados) a Madrid han llegado unas cuantas propuestas que ostentan ese título y otras a las que se les cuelga esa etiqueta.

Hemos ido a los teatros grandes a ver Please Continue (Hamlet) y el resto del ciclo de R.Bernat en Canal,  Lear (Desaparecer) de Carlos Tuñón y Gon Ramos,  Situation Rooms, de Rimini Protokoll (subido a su blog el programa que escribe Fernando Gansasegui) y también Remote Madrid en Conde Duque. Paula Pascual de la Torre, integrante de Calatea, está estudiando concienzudamente este tipo de teatro. En Barcelona anda trabajando con Teatro de los Sentidos en El Hilo de Ariadna y escribiendo desde el Institut del Teatre sobre el fenómeno de la intimidad. Le preguntamos algunas cosillas:

¿Cómo definirías el término «inmersivo»? 

El adjetivo inmersivo es de origen anglosajón y hace referencia a algo que “simula un ambiente tridimensional en el cual el usuario percibe a través de estímulos sensoriales». Me gusta la definición de teatro inmersivo de Josephine Machon, quien dice que  “la experiencia inmersiva en teatro combina el acto de inmersión – ser sumergido en un medio alternativo donde todos los sentidos están implicados y manipulados – con una profunda involucración en la actividad al interior de dicho medio”. Si lo entendemos así se evidencia también la importancia de la creación de un medio o medio-ambiente en el teatro inmersivo. Podríamos decir, entonces, si tenemos que definir en pocas palabras qué es el teatro inmersivo… que es la creación de un medio / atmósfera dentro de la cual se sumerge el espectador y que le permite percibir lo que está sucediendo a través de la implicación de su cuerpo y todos sus sentidos. Este medio que envuelve al espectador y articula la experiencia está compuesto por todos los elementos propios de la escritura escénica (performer, espacio, escenografía, objetos, sonido, luz, etc.) que se desarrollan en este caso a 360º lo que otorga una gran importancia a la relación del espectador con el espacio. Partiendo de esto, hay muchos y muy diferentes dispositivos en los que puede organizarse el teatro inmersivo.

En el caso de All Cats Are Beautiful, ¿cómo se articula? 

En el caso de All Cats Are Beautiful se despliegan múltiples narrativas que ocurren de manera simultánea en el espacio y el espectador es libre de recorrer dicho espacio en el orden y ritmo que desee, tomando la responsabilidad de la construcción de su propios recorrido y, por tanto, narrativa.

Otro factor muy importante a destacar a la hora de definir el teatro inmersivo es la importancia de la relación existente entre el espectador y los performers. La relación se organiza a múltiples niveles desde el más general hasta el más íntimo, llegando a existir momentos del espectáculo donde el público es invisible y otras donde se realiza una escena de un performer para un espectador.

Esto nos permite desarrollar la dramaturgia a múltiples niveles desde lo sensorial hasta lo espacial y relacional.

¿Por qué este formato para hablar de trabajo sexual?

Cuando descubrí el teatro inmersivo, que me lo descubrió Emanuele Nargi, uno de los directores de esta obra, lo que más me impactó fueron las múltiples posibilidades que se desplegaban a nivel dramatúrgico. Lo que más me fascinó era tener, como espectadora pero también como creadora, la posibilidad de hablar también de todo lo que está alrededor de una supuesta acción principal. De hecho, desaparece la idea de acciones principales o protagonistas únicos con lo que, al mismo tiempo y drásticamente, desaparece el punto de vista único. Eso es justo lo que queremos hacer con All Cats Are Beautiful. Si hay un posicionamiento en la obra es el de apostar por darle espacio a la complejidad, a la necesidad de entender la profundidad del cuadro y huir de las simplificaciones para evitar tomar la parte por el todo. Nuestra posición como artistas es la de, de algún modo, quitarnos de en medio, despejar el camino. Pero no por desentendimiento, sino por todo lo contrario, por compromiso con las personas que viven esta realidad en primera persona y que son a las que corresponde construir su propia narrativa sin tener que enfrentarse a bandos que las coloquen en una casilla de salida u otra y así.. ¡a correr millas!

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All Cats Are Beautiful

Durante el mes de junio La Praga se convierte en el punto de quedada para el público de All Cats Are Beautiful. De ahí a una localización secreta. ¿Misterio o protección? Corren tiempos oscuros en la ciudad de Madrid, hay que andarse con OJO cuando se exigen derechos.

Calatea ha estrenado el 14 de junio una obra de teatro inmersivo sobre trabajo sexual que da el salto a la ficción después de meses de conversaciones con trabajadoras de calle, juezas, trabajadoras sociales, etc. La Praga ha sido testigo de los ensayos, el montaje y las cervecitas posteriores.

 

SINOPSIS

El día de su fiesta de cumpleaños, Siboney no aparece. La noche anterior, por el asedio de lapolicía, tuvo que buscarse un lugar recóndito y fuera de la protección de sus compañeras para hacer un servicio. Fue la última vez que la vieron. Este acontecimiento altera la cotidianidad de la calle San Delfín al mismo tiempo que la vida sigue en una ciudad en un moderno estado de sitio.

 

 

Dirigida por dos artistas internacionales especializados en fórmulas de inmersión, Emanuele Nargi (TerreMoto Performance) y Riccardo Brunetti (Project XX1), la pieza afronta la necesidad de reflexionar sobre la condición del trabajo sexual desde una perspectiva amplia y poética. La compañía aprovecha las posibilidades multi – dramatúrgicas que ofrece el teatro inmersivo para hablar de prostitución desde la complejidad. Así, se hacen accesible al público general relatos que habitualmente están silenciados por el tabú social, el moralismo, los intereses socioecónomicos y la estigmatización.

CUÁNDO:

Únicamente para 25 espectadores por día. Estará en cartelera todos los jueves, viernes, sábado y domingo hasta desde el 13 hasta el 30 de junio.

Más información y compra de entradas AQUÍ

FICHA ARTÍSTICA

COORDINACIÓN GENERAL y PRODUCCIÓN: Calatea.
DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Emanuele Nargi y Riccardo Brunetti.
DRAMATURGIA: Roberto Rojas, Paula Cueto Noguerol, Maialen Diaz.
PERFORMERS: Maialen Diaz, Maria Herrador, Paula Pascual de la Torre, Xabier Artieda, Clara Navarro, Manuel Chacón, Maria Cantero, Paula Cueto Noguerol, Pablo Cáceres Blázquez. ESCENOGRAFÍA: María Imasky
ASISTENCIA TÉCNICA: David Pouillanges.
COLABORACIONES: Colectivo HETAIRA y AFEMTRAS
PATROCINADORES: Amantis

FOTO: María Chatzi

Una producción apoyada por Open Society Foundation.

Agradecimiento especial a todas las personas trabajadoras del sexo que han colaborado en la fase de creación de la dramaturgia compartiendo su voz y su mirada a cerca de este tema que tanto tenemos que aprender a mirar.

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Anika Pannito y Julián Pacomio: “El movimiento es invisible»

Anika Pannitto y Julián Pacomio, primeros residentes del Centro de Artes La Praga, han estado desarrollando durante los meses de enero y febrero de 2019 su trabajo The Third Table que se presentará los próximos 28, 29 y 30 de marzo en DT Espacio escénico.
Danza, movimiento, fantasmas, preguntas, teoría, la teoría que nos dice algo, practicar, hablar mucho, una pieza que sí se ve.

Durante estos casi dos meses de residencia, ¿qué habéis estado haciendo en La Praga?

Anika: Lo primero, nos hemos encontrado. Es la primera vez que trabajamos juntos. Todo ha empezado como una invitación por mi parte a Julián. Han sido dos meses de encuentro, de construir una práctica colectiva, de diálogo sobre The Third Table pero también de otros temas de las artes escénicas en general. Creo que hemos hecho mucho, hemos practicado, hemos dialogado, pero a partir de algo muy físico en realidad.

Julián: Hemos hablado mucho. Ya veníamos hablando desde hace un tiempo y a través de estas conversaciones llega la invitación. Había una intuición, una afinidad en la forma de ver las cosas, aunque nuestra práctica se formaliza de maneras muy distintas. A través de esta intuición comenzamos a adentrarnos los dos en una práctica compartida. Hemos empezado a movernos.

Anika: Hemos tenido momentos de presentación en Teatralidades Expandidas , donde nos conocimos y siempre nos dábamos feedback. Nos preguntamos, si sentimos estas afinidades, ¿por qué no directamente colaborar?

Julián: ¿Podrán traducirse estas afinidades en un trabajo conjunto?

¿De qué trata The Third Table?

Julián: Para mí son preguntas y respuestas en relación con la danza y el movimiento. ¿Dónde está la danza? ¿Cómo currar con ella? Pero no se trata de dejarlas abiertas y que la pieza responda por sí sola, sino de que las respondamos nosotros.

Anika: No hemos partido tanto de una pregunta como de una afirmación: el movimiento es invisible. Eso es un hecho, eso es la verdad, eso es así. La afirmación nace de un recorrido de investigación que yo había hecho anteriormente. Yo puedo ver un brazo que se mueve, pero no puedo ver el movimiento. El movimiento es invisible. Existe: es tangible, se puede percibir, sentir, pero no se puede ver. La pieza va de la posibilidad de generar un objeto que no se ve pero que existe. Es.

¿Cómo convivo yo con esta verdad? ¿Qué hago yo con esto?

En la investigación están presentes los fantasmas: hemos estado mirando imágenes de principios del siglo XX, cuando se hacían fotografías en doble exposición, en las que aparecen estos fantasmas. Por ejemplo, madres que para hacer fotos a sus hijos recién nacidos se vestían completamente de negro de forma que se confundían con el fondo para que solo estuviese el bebé ahí y luego lo recortaban.

Las hemos mirado mucho porque la danza en sí se puede considerar como un Third Table. Harman dice que The Third Table es una forma de entender un objeto no por el uso que el humano hace de él o por su composición atómica, sino como algo que existe en un mundo independiente; aunque yo no lo analice o no lo use, está ahí. Creo que la danza es así, porque además no es algo que sirva. Desaparece. Cuando tú la haces ya ha desaparecido. Es la forma excelente de virtuosismo, de trabajar sin generar nada en concreto. Paolo Virno creo que ha dado esa definición de virtuosismo. Como coreógrafa me ha servido muchísimo tomar conciencia de que yo trabajo con esto, estoy condenada a trabajar con esto. (Risas) Luego puede existir una pieza, pero si pienso en la práctica cotidiana que hago cuando estoy en el estudio, me voy con nada. O con una memoria muy parcial… Yo cuando danzo luego no me acuerdo de nada, esa también es una parte importante de la pieza.

La práctica de ambos está ligada a investigaciones teórico-prácticas. En otras ocasiones, Anika, te has preguntado “¿qué significa producir el espacio?” (Piazza Project) y, Julián, si “¿puede una persona en sí almacenar, ser, representar y reproducir contenidos cinematográficos?” (Aesleep Images). ¿Qué hay detrás de The Third Table? ¿Qué preguntas os acompañan?

Anika: The Third Table es una derivación de los últimos proyectos que he hecho. En un sentido no es nada nuevo, pero en otro es todo nuevo. Es como llevar más allá lo que he desarrollado a nivel físico en los últimos años. Me he encontrado con este ensayo de Graham Harman, The Third Table, que es un ensayo escrito por un filósofo inserto en una corriente filosófica de la que yo no conozco nada. Tampoco conozco en profundidad todo lo anterior, pero cuando lo he leído he pensado “esto resuena, esto lo entiendo, esto lo siento muy cercano” a algo que yo ya estaba pensando. Estos años me he concentrado muchísimo en lo que el cuerpo produce, en cómo articula el cuerpo para después ir a un pensamiento coreográfico.

Para mí un pensamiento coreográfico se tiene que realizar en una articulación de movimiento, yo lo tengo que ver.

¿Qué es una articulación de movimiento?

Anika: Podríamos decir que es una forma de organizar el cuerpo según una serie de principios físicos que llevan a la práctica una forma de pensar el cuerpo.
Esta vez vamos más allá de la pura práctica física, nos empezamos a meter en un entorno que va más allá del cuerpo, más allá de los performers, más allá del público. He tenido varias piezas en las que no había luz, no había público, no había nada; solo la danza, solo cuerpos que se movían. Y luego esto ha ido entrando en los cuerpos, también gracias a una colaboradora italiana que se llama Elisa D’Amico con la que he colaborado en todas las piezas que hago. Con ella he pensado que tenía que dar el paso a otro lado.
Cuando estaba en el máster empecé desde el movimiento. Iba a la sala, hacía, me grababa y luego analizaba: “anda mira, esto es siempre recurrente, es un principio de movimiento”. Ya está: “principio de movimiento es que la cadera tiene que estar un poco desplazada y ese desplazamiento genera un movimiento”. Esto yo lo hablaba con la persona que estaba ahí que nos ayudaba con la parte discursiva y ella decía: “eso me ha hecho pensar en esto que decía Derrida, léelo”. Ella te escuchaba y decía, “¿tú esta teoría cómo la lees, como la entiendes y cómo me la planteas desde tu práctica?”.

Ahí la teoría y la práctica se hacen interesantes.

Para mí la teoría ha empezado a ser necesaria. La teoría me ha ayudado a pensar el cuerpo y a ir más allá. En el momento en el que yo, que no trabajo con lenguajes codificados de la danza, que no me apoyo en una técnica en concreto sino que he hecho una investigación sobre el movimiento, le quiero transmitir esto a una persona, además de que vea lo que yo hago físicamente, también me ha ayudado muchísimo decir: “mira, esto que he leído ha verbalizado exactamente lo que pensaba cuando estaba produciendo el movimiento».

Por eso he pensado en Julián. Él viene de otros lenguajes, usa mucho el texto y creo que puede ser interesante esa mezcla.

Julián, a ti, ¿qué te interesa de lo que propone Anika? ¿Te sientes cómodo con la idea de estar creando una pieza de danza? ¿Qué te llama de todas estas preguntas?

Julián: Yo creo que ya he hecho piezas de danza, solo que en mi trabajo la danza o la producción de movimiento viene como consecuencia de otra serie de cosas que están primero. En un orden lógico, la danza o el movimiento siempre son consecuencia, siempre derivan. Luego lo ves y, por supuesto, puedes decir que tiene sentido desde el movimiento, pero nunca empieza directamente desde ahí porque mis herramientas son otras.
En este caso, se invierte el orden al partir de las herramientas de Anika, del movimiento, de la articulación del cuerpo… Creo que los dos hemos hecho un ejercicio de generosidad y de confianza. Si yo desconozco estas herramientas tengo que confiar en que me van a llevar a algún lado. A medida que he ido cogiendo confianza ha sido cuando he podido intervenir para proponer cosas y empezar a aplicar mis lógicas internas. Es cuando dices, “ya estoy aquí, estoy en esta tabla, ya voy a poder a surfear la ola”.

¿Qué sí se ve? ¿Sobre qué sí podéis operar en la escena?

Julián: Todo lo que ha ido siendo necesario para ser fiel a estas afirmaciones que están
apareciendo. ¿Qué cosas deben estar o han de verse si comprendemos que la danza es invisible, que no tenemos memoria cuando danzamos? Es lógico preguntarse qué cosas sí tienen que estar en el encuentro. Están nuestros cuerpos y está el público. Hay una comunicación y esa comunicación tiene que ser directa. Esa comunicación directa implica que nos miremos. Que la palabra también esté. Desde el primer momento teníamos claro que queríamos hablar con el público. Las palabras están apareciendo muy tarde, después de un tiempo están ocurriendo las certezas: “esto hay que decirlo porque es fundamental”. A eso es a lo que estoy llamando composición, a las certezas que vamos teniendo después de varias semanas de trabajo necesarias para que podamos llevar esto a cabo y podamos convivir junto a ello y el público después de varios minutos.

Ambos habéis conocido otros tejidos artísticos: tú, Julián, vives entre Lisboa y Madrid, y, Anika, vienes de Italia, has estudiado en los Países Bajos, llevas años en esta ciudad. ¿Qué contexto os encontráis en Madrid? ¿Qué echáis de menos o de más? ¿Por qué apostar por espacios privados independientes hoy?

Anika: Yo soy italiana, he vivido en Holanda unos años y ahora estoy en Madrid desde el
2014-2015 y, desde que he llegado, el contexto en Madrid se ha abierto muchísimo. Creo que se están programando cosas muy interesantes en varios entornos. Con Artea se abre siempre un marco más amplio (charlas, seminarios, contenidos teóricos…) que se da a la vez y eso para mí es siempre muy interesante. También hay, como en todos los países, programación más tradicional, pero veo muchas cosas que antes veía solo a nivel europeo, creadores que no habían pasado por España antes. En Italia esto es también parecido. Pasa gente que está en festivales europeos importantes pero solo en determinados contextos, con aperturas muy puntuales… en Italia la danza se incluye muy poco en la programación anual de los teatros.
Viniendo de fuera me ha costado entrar en Madrid, conocer qué está haciendo la gente de mi edad… Está muy fragmentado el tejido en Madrid. En los últimos años quizás se ha concentrado en grandes instituciones pero, si no, al ser una ciudad grande y no tener muchos recursos cada uno intenta hacer su cosa y no es fácil juntarse.

Hablas de las instituciones como grandes aglutinadoras de artistas. ¿Por qué apostar entonces por espacios independientes privados? ¿Por qué estar creando en un lugar como La Praga?

Julián: Si no tienes cabida dentro de las instituciones tienes que buscar fuera, es una cuestión de necesidad. Madrid ha tenido históricamente ejemplos de espacios independientes, Pradillo es uno de ellos. Yo llevo tiempo en Madrid y ahora, 10 años después, empiezo a enterarme de cómo va la cosa. Hay centros que tienen un compromiso más estable con este tipo de prácticas: CA2M, Casa Encendida, Reina Sofía… Otros que cambian mucho, como Matadero, Conde Duque o Canal, que dependen más de la dirección que tengan.

Anika: Yo todavía no he desarrollado mi trayectoria en Madrid específicamente. Lo interesante de trabajar en un espacio independiente como este es que no solo es un espacio para ensayar. El hecho de que vosotros estéis aquí haciéndonos preguntas sobre nuestro trabajo ya está generando algo. Está generando un pasaje de creadores por un espacio. Este espacio ya se activa de una forma que no es simplemente ceder el espacio.
Hay una fuerte necesidad de generar tejido por parte de los artistas y creo que se genera mucho a partir del diálogo entre ellos. Hay un sistema muy estructurado donde tú haces tus cosas entrando en la trayectoria que otros han establecido. Yo siempre he trabajado en diagonal. Por ejemplo, presentando en un espacio muy institucional pero habiendo hecho mi proceso en varios puntos. Creo que eso es interesante, que tu trabajo se desarrolle en varios espacios de la ciudad si te quieres identificar con ella. Siempre he creído mucho en esto, ir al artista y preguntar: “¿tú qué estás haciendo, de qué va, puedo ir a ver un ensayo?” El tejido de una ciudad pasa por eso.

Ya que hablas de ese encuentro directo: tendremos ocasión de encontraros en varios eventos de apertura de vuestro proceso dirigidos a público de distintas edades y contextos. ¿Qué viene ahora? ¿A qué nos invitáis?

Viene en marzo la presentación de esta versión de The Third Table, que es una de las posibles versiones, los días 28, 29 y 30 en ESPACIO DT.
En C.A. La Praga tenemos un taller basado en nuestra investigación dirigido a niños sobre la posibilidad del camuflaje, de lo que significa. También en C.A. LA Praga, después de nuestra presentación en DT, abriremos un taller dirigido a artistas para compartir la metodología de investigación que hemos estado desarrollando aquí.

En Italia con The Third Table soy parte de una plataforma de investigación coreográfica y
dramaturgia que se llama Workspace Recerca X en Turín. Voy a estar ahí entre octubre y
noviembre con este mismo proyecto, pero centrándome más en la parte de la investigación. Es una plataforma entre varios coreógrafos sin una figura externa de mediación. Entrará Elisa y probablemente Julián también vendrá para seguir con el proyecto.

Annika Pannitto (Italia, 1981).
Es coreógrafa, bailarina, docente e investigadora en el campo de la coreografía
contemporánea. Su trabajo investiga la relación entre danza y coreografía a partir de una
práctica interdisciplinar que pretende renovar la pregunta sobre el cuerpo y su
producción y su relación con el espacio y el tiempo.
http://annikapannitto.com
http://piazzaproject.wordpress.com

Julián Pacomio (Mérida 1986). Vive y trabaja en Madrid.
Artista y performer. Licenciado en Bellas Artes por la USAL. Máster en Práctica Escénica
y Cultura Visual (ARTEA, Madrid). En 2016 y 2017 participa en el programa de Estudios
Avanzados en Prácticas Críticas del Museo Reina Sofía organizado por ARTEA.
Proyectos recientes: Asleep Images con Tabakalera (2018/19), El mundo bajo el mundo
(2017), Espacio Hacedor con La Casa Encendida, Festival Frinje Madrid y Leal_Lav
(2016), y My Turin Horse (2012), todos ellos trabajos en artes escénicas que indagan la
idea de copia, remake, traducción y apropiación de materiales ajenos. Depicting
Khartoum y Depicting Juba (Arte, política y sociedad) que tuvieron lugar con motivo de la
independencia de la Republica de Sur Sudán. Surroundings con Medialab-Prado Madrid,
la Universidad de Salamanca y el Festival Internacional de las Artes de Castilla y León.
Desde 2017 trabaja como performer con el coreógrafo João Fiadeiro en From afar it was
an Island y O Que Fazer Daqui Para Tras.
https://julianpacomio.net/

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Centro de Arte La Praga

Para llegar a La Praga solo hay que cruzar el río, pasar el puente.

A la verita del Manzanares La Praga se construye como un espacio para generar dinámicas y colaboraciones con otros espacios / colectivos / artistas; para albergar y apoyar contenidos culturales en Madrid poniendo a disposición la posibilidad de alquilar el espacio como sala de ensayo, para eventos, cursos, exposiciones o residencias artísticas.

Para más información ponte en contacto mandando un mail a info@calatea.es o mediante contacto directo por la página

Muchas gracias a todxs lxs que vendréis, cruzando el río, pasando el puente.

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