los actos de la inercia

Un lugar en que lo científico no se confunda con las formas de lo académico: En toda producción discursiva, la acción de un significante no tiene la unidad de un acontecimiento, sino que se constituye, precisamente, como un proceso y no como un acto singular.

cámara anecoica | los actos de la inercia
www.javiermartin.gal | arturmpuga.com
Centro de Investigación en Tecnologías de Telecomunicación – atlanttic
18-19 febrero 2020 | Sinsalaudio | Universidade de Vigo

Investigación y grabación de sonidos del interior del cuerpo en movimiento, a través de la concentración física que propone la cámara anecoica y empleando distintos elementos de registro. Un estudio de las relaciones entre texturas vibrátiles y su correlato anatómico como procedimiento para construir una nueva coreografía («teorema», proyecto 20-21).

Un ejercicio de afinación cinestésica. Una sala, en la Escola de Enxeñaría de Telecomunicación, en la que no hay eco ni reverberaciones: la cámara semianecoica, un espacio diseñado para absorber las ondas sonoras y electromagnéticas. Y un trabajo que trata con la quietud y el silencio, en la asunción de la intensidad y duración del propio cuerpo, hacia la entrega al movimiento que sostiene sus aspectos particulares; desarticulando ritmos y patrones.

Exploración biocinética de las tensiones y vibraciones propias de la dinámica del organismo humano a través de sus manifestaciones acústicas, prestando especial atención a la relación del individuo, desde su intralenguaje, con el medio que lo circunda; tomando para ello como punto de partida la percepción sonora de lo propio y lo ajeno: objetivándose en el hacer con la cámara y el registro, recalibrando la performatividad de tal lenguaje relacional.

Un registro sonoro del interior del cuerpo que danza dentro de la cámara, prestando especial atención por un lado a sonidos como el crujir de tendones, espasmos musculares, movimiento visceral, tropismos del sistema nervioso, texturas de la carne, fluidos…, así como a otros a nivel macroestructural, provenientes de la relación del cuerpo y su intralenguaje, en cuestión y trabajo, con un espacio de características tan fértiles y paradigmáticas como la cámara semianecoica: ondas estacionarias, fricciones, pasos, apoyos, exformaciones, mioclonías, chasquidos, golpes, corrientes de aire y tantos otros sonidos que produce y emite el cuerpo en movimiento.

El procesado formal del registro en la cámara, mediante síntesis modular, dará como resultado la creación de un paisaje sonoro. Una bóveda acústica externa conformada con los sonidos del interior del cuerpo, a habitar por el trabajo corporal del performer en «teorema».

[bit.ly/38h5VZw | bit.ly/341H4Wu]

colabora_ Museos Científicos Coruñeses

 

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teorema

«Carne clavada en cuatro puntos a la materia, 

un vapor del lenguaje. 

Cuando el sueño se hace carne, 

ahora lo recuerdo, cambia.»

 

teorema  | artes del movimiento

Creación de una coreografía versada en los estados alterados de conciencia como práctica para la desarticulación y purga de la identidad: una reflexión performativa sobre lo real y la distancia. La carne, señaló Merleau-Ponty, «no es materia, no es espíritu, no es sustancia». Hay que pensar la carne.

A través de sintonizar con ciertas texturas de movimiento se desarticulan los patrones de tensión y acción eferente que fulcran la deriva objetual de los cuerpos, la subjetivación memorial -individual, cultural, social y política- que construye la hegemonía que podemos llamar identidad en la complejidad entrelazada de sus situaciones: animalidad, ego, complejo del yo, locus de control, sistemas, roles, ocupaciones, perfiles, relaciones, acción en común, comunidad… «Un polvo de gestos apenas vislumbrados configura el patrón relativamente preciso de los ritmos, protocolos y obligaciones que marcan una vida (Roberto Fratini)».

¿Qué es la conciencia? ¿qué es la materia y por qué necesita articularse? ¿Qué es la carne y la complejidad de su presencia? ¿cómo se articulan en ella la memoria de los acontecimientos y cómo se organiza a su través la emergencia de la identidad? ¿Cuál es la función en todo esto del cuerpo, la mente, la otredad, el recuerdo, el sexo, la muerte, el sueño o el lenguaje? Un “ir con” a través del tiempo. En el tiempo, aceptando su desaparición: la del cuerpo del tiempo. Para poder ir a otros lugares, en el despliegue o apertura del instante. Se trata de cultivar un estado de presencia a través del cuerpo. En un no tiempo. [https://youtu.be/a5Pc9T6IMEU]

Un proyecto que aplica los conocimientos adquiridos en años de trabajo participado y en código abierto desde el ámbito del cuerpo y del movimiento: cientos de personas, especialistas y comunidades afectivas, con especial interés en las relaciones entre arte, ciencia y sociedad. Disciplinas diversas, centros y grupos de investigación, teatros cómplices, colaboraciones inesperadas, estudios aberrantes, obras derivadas, expansiones, compañeras… años intensos a través de instituciones del común, en varios países, siempre apuntando a la generación de un contexto (*). Es momento ahora de tomar perspectiva, organizar lo aprendido y dejar hacer al cuerpo y su memoria, sentir la respiración de su lenguaje, situando cambios en el proceder relacional y metodológico a través de esta creación estética y sus derivas. 

«La potencia es una capacidad que se desarrolla siempre a través de la relación. O por decirlo de otro modo, un atributo del aparato somático, que recordemos, está hecho de relaciones, de ficciones y de técnicas. La potencia como “poder de existir” se despliega como proliferación y aumento de las relaciones con todo lo existente.» Paul B. Preciado

Texturas, topologías, percepción, flujos, carne y complejidad son algunos de los asuntos que, extraídos de la práctica, sitúan el movimiento como paradigma cognitivo; y que aquí relacionamos con esta deriva crítica de trabajo performativo centrada en la creación coreográfica y el estudio de la materia y su memoria. No es un trabajo de estructuras, sino de texturas. Al desarticular las relaciones objetuales del paradigma «cuerpo», es decir los fulcros que amarran el relato identitario, por su proceder a través de las texturas de movimiento el cuerpo se reconcilia con la potencia.

«Cadaverizarlo es la manera más infalible de convertir el cuerpo -soma- en signo -sema. Todo el cuerpo dice el cadáver que será. Y todo cuerpo acredita la muerte por sus propias maniobras de significación. Todo cuerpo procrastina en figuras el saldo de esta deuda: la danza es una negociación figurada con la nada y con la angustia que supone.» Roberto Fratini

Las texturas en el movimiento se refieren a vibraciones, tensiones, mioclonos, parestesias, ataxias, balismos, distonías, tics, rigideces -constelaciones, solapamientos y entrelazamientos-, convulsiones, intenciones, actitudes, velocidades, intensidades, devenires, hormigueos, etc. Calidades, grados en el temblor de los cuerpos. Coreografías limpias y sutiles que sostienen circuitos que revelan capas y capas de memorias matriz; configurando cuerpo y psique, desubjetivando al forzar a los significantes para que resuenen. En este proceder, el tacto corrobora la respiración de tales vibraciones, la cinestesia su realidad.

Transustanciación fantasmal de la carne en cosa, concepto, conmoción o tiempo: en movimiento informado. No por psiquismo sino por afinamiento fisiológico, por una semejanza inducida entre la organización de la materia del cuerpo y la de cualquier otra materia. Así el cuerpo se arrebata, y se escapa por detrás de su retrato: el estado alterado de conciencia: una participación con el lugar, un devenir lugar. Y la carne a través, fluctuante. ¿Qué es la carne?

«La convulsión de la carne, más allá del consentimiento, exige silencio (pide la ausencia del espíritu).»  Bataille.

El intersticio, esos territorios de vacío. La tensión en las interacciones entre flujos: así se penetra la forma y el silencio. Como palpitación, apertura, cierre, despliegue, contracción y tracción. Y alteración, repetición, reposición y cambio o traslación. Movimiento que imprime fuerza contra el vacío provocando su colapso. De la quietud desborda movimiento, base de todas las formas; y cada ritmo desplegado implica una singular condensación en la forma.

«Si fuera fácil entender lo que es el cuerpo, nadie habría pensado que tenemos mente.»  Merleau-Ponty

El cuerpo del bailarín deviene materia resonante de significantes clave por acción del dispositivo escénico. El objetivo es profanar el paradigma de lo real en activo, el marco comunitario que conformamos. Con el formato escénico del «solo» se abre un tiempo propio para el ser con el otro, que instala lugar y trabajo. Un trabajo que performa al otro en un movimiento a través del quiebro del tiempo, un devenir ficcional que articula la fuga en aras de la construcción de la multitud. El tiempo no se explica o relata sino que es intrínseco a la acción. El paso del tiempo se construye a partir de la composición de los movimientos en el espacio.

La investigación del movimiento, concretada en obra -la coreografía-, articula una singularidad informada -la del cuerpo del performer en el ejercicio de la creación escénica-, para, por contagio, mímesis e identificación, situar el aprendizaje en el cuerpo del otro -en el espectador. Dispositivo y creación de conocimiento para proponer un desarrollo trascendente que afirme y centre al espectador en sí. Más allá de su identidad, profanando su identidad, encontrando su singularidad compartida en la multitud.

Así el no-tiempo del «solo» es un ejercicio que desubica de la fragmentación del tiempo y su inercia, proponiendo una intensificación que desarticule la identidad objetual que genera. Una situación compartida que informa y capacita para deshacer una vida en diferido producida por la acción del lenguaje y sus polarizaciones. «No son más que palabras. Un secreto más doloroso habita en ellas. Del orden de lo inefable. Lo inefable es lo real. Lo real no es otra cosa que el nombre secreto de lo más detumescente en lo profundo de la detumescencia. A decir verdad, no hay más lenguaje que el lenguaje. Y todo lo que no es lenguaje es real.», acierta Pascal Quignard.

Movimiento, creación, carne y acontecimiento: Todo movimiento es de carne.

 

(*)   www.javiermartin.gal/artesdelmovimiento/contexto_18_16.html 
www.javiermartin.gal/artesdelmovimiento/contexto_19.html

teorema | coreografía, carne y gramática | proyecto 20-21

concepto, coreografía y producción | javier martín

iluminación | octavio más

síntesis modular | artur m. puga 

(composición a partir de sonidos extraídos del interior del cuerpo, danzando en cámara anecoica: https://bit.ly/341H4Wu)

colaboran | Sinsal Audio & AtlanTTic Centro de investigación para Tecnologías de Telecomunicaciones | Ingeniería de Telecomunicación – Universidad de Vigo

producción y acompañamiento | sabela mendoza

trabajos vestuario y escenografía | cremallera studio

agradecimiento | marcos pérez maldonado – Museos Científicos Coruñeses – mc2

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Un teatro sen Teatro: O caso do Teatro Principal de Compostela

«Artes vivas. O caso do Teatro Principal de Santiago de Compostela: un teatro sen teatro.»

O Concello de Santiago convoca ós axentes culturais a unha xornada (04/12/19) no Centro Sociocultural Santa Marta, co fin de facer unha diagnose que permita mellorar as políticas locais: «A cultura en Santiago de Compostela. Análise de situación e reflexión colectiva», unha presentación de datos actualizados sobre a situación da cultura no municipio, a cargo de Mercedes Rosón, actual concelleira de Acción Cultural no goberno socialista do Pazo de Raxoi, e Marcos Lorenzo, director do estudo (encargado pola anterior concelleira Branca Novoneyra).

Datos: O orzamento en 2018 do Concello de Compostela en Cultura ascendeu a 10,2 millóns de €, dos cales 1,37 millóns destináronse á programación dun total de 737 actividades e eventos culturais que disfrutan 129.088 espectadoras (cun retorno económico por taquilla de 159.581,4€). A tasa de ocupación dos públicos do Teatro Principal é dun máis que preocupante 39,3% (a dos espazos do Auditorio é dun 74%, dato exposto que non se analizará aquí).

Situación: Non existe un prantexamento de regularidade na programación escénica do Teatro Principal. Espazo escénico de 1849 de estilo italiano, que é o máis estimado da programación cultural da capital galega; sito na Rúa Nova, é lugar de confluencia de rutas históricas, turísticas e culturais.
A maior parte do seu calendario anual de actividades ocúpase entre os sorprendentes 100 días de cesión ás moitas das 100 asociacións sociais e culturais da cidade (*), e a retahíla de festivais que se aglutinan sobretodo de setembro a decembro, un tras outro; ademais dos 2 meses que permanece pechado no verán (xullo e agosto).
A tal efecto, a marxe para situar unha política cultural en artes vivas e programar traballo escénico, e as expansións que o acompañan, no que é o principal escenario da cidade, resulta reducida; residual no caso da danza. As actividades propiamente escénicas arremolínanse nos primeiros meses do ano, sobretodo en días sinalados socialmente, coma por exemplo nas efemérides internacionais, en pequenos festivais que acontecen e a través do concerto con catálogos de programación estatais que emprega.
Existe unha deriva inercial no traballo do Concello e a institución encargada, o Auditorio de Galicia, na xestión do recinto e a súa articulación co territorio. Inercias das que hai que tomar consciencia, reflexionar sobre as causas e aplicar os cambios en acordo as boas prácticas, apuntando á construción participada dun contexto plural.

A comparativa de públicos e gasto municipal por disciplinas é:

% gasto | % público

cinema 52,2 | 22,3
música 22,5 | 41,3
artes escénicas 12,5 | 10,6
artes visuales 7,4 | 8,4
didáctica 5,4 | 17,4

Cun gasto por espectador de 19.3€ no cinema, 4,8€ en música, 9,4€ en artes escénicas, 7,5€ en artes visuais, 2,5€ na didáctica (e 8,5€ en MEDIA).

Análise: Ó cruzar os datos evidénciase con claridade que o esforzo situado nunhas disciplinas non está equilibrado con respecto ás outras; devindo nun agravio comparativo que manifesta que non se está a atender a situación coa dilixencia, efectividade e responsabilidade esixibles á institución municipal, relativas á democratización da cultura e ós dereitos fundamentais da cidadanía de acceso a unha cultura diversa e participada. Tamén obsérvase dende un punto de vista máis prosaico, que o retorno na participación dos públicos non xustifican algúns deses esforzos en relación á falta de aposta noutras linguaxes e os seus resultados.
Non está no afán deste escrito concluir que se reduzcan as partidas económicas de determinadas actividades en favor doutras, senón denunciar a falta de recursos vinculados ó total das disciplinas e o seu reparto equilibrado, e avanzar nunha reflexión colectiva sobre a precisión e intelixencia do traballo na xestión da Institución Pública tanto nas políticas como na implementación técnica das mesmas, no uso dos recursos dispoñibles: infraestruturais, económicos, relacionais, intelectuais, persoais e temporais.

Máis datos, partidas do gasto xeral 1,37 mill.€:

Cineuropa 367.890,2 €
Curtocircuíto 187.328,8 €
Programación de teatro (de texto) 113.722,3 €
Womarts -Europa Creativa 92.393,6 €
Artes visuais / exposicións 70.800,6 €
Programa didáctico 57.529 €
Programación regular de música 55.876,2 €
Programa de abono 49.650 €
Xornadas de música contemporánea 30.991 €
Festival WOS 30.433 €
De lugares e órganos 28.432,8 €
Ciclo de Lied 27.864,6 €
Xornadas de ilustración urbana 14.567,2 €
Programación de verán 12,826,3 €
Gala premios aRitmar 11.436,7 €
Danza a escena 11.245,2 €

Arco reflexivo: Vivimos nun contexto de clara hexemonía nos planos do sensible, na que a virtualización e a superficie da imaxe imprimen o ritmo e o cauce da construcción das identidades individuais, sociais e políticas, coa súa consecuente articulación cultural. A palabra e o sonoro pechan a terna. É trascendental reconciliarse con outras formas de achegarse ó real. De sentir e pensar o real e as súas manifestacións, nas que o corpo e a súa temporalidade, o devir crítico de seu, ten moito que sumar e acompañar dende o rango performativo que desenrola na Arte; promovendo, así, o cambio no acontecer do paradigma no que estamos inmersos: inercial, en fuga. De cara a actualizalo, entrando na contemporaneidade.
É importante darse conta das ausencias na construción da intelixencia e das estratexias que sosteñan a desarticulación das hexemonías que traballan a nosa subxetividade ó noso pesar, tácita ou inconscientemente. Aquí, por suposto, as artes e os seus procesos toman especial relevancia, pois activan tales afectos e sitúan outras formas de mobilizar a nosa potencia, as nosas nostalxias e o modo en que nos relacionamos social e políticamente.

Conclusións e suxerencias: Resulta evidente que hai que construir unha política participada polos axentes culturais locais, e o resto de forzas que se sintan interpeladas, que afecte e acompañe ó desenvolvemento do Teatro Principal: grupos de investigación, plan de usos, unha programación plural e expandida, a convocatoria pública e a concurso da súa dirección artística (para que se desenrole un concepto que vertebre a realidade do recinto), residencias técnicas, etc; en definitiva: levar vida. Os axentes técnicos do Concello en soidade non están capacitados para a ideación e implementación dunha curaduría artística para o Teatro Principal e actualizar os modos de relación coa acción cultural do territorio. Un programar e traballar cos públicos, non para os públicos senón cos públicos, deixando de nos considerar coma obxectos, retornos, números e recoñecéndonos coma suxeitos activos.
Compostela é a capital de Galicia, e merece un Teatro xeneroso que traballe e axude a construir un contexto cultural máis interesante para todas. É urxente e necesario accionar dinámicas de traballo que abran un horizonte relacional e aceptar e reivindicar que nun teatro hai que practicar artes vivas: danza, poesía, performance, teatro físico, de texto, de obxectos, acción, títeres, músicas, pensamento, etc. Onde tamén ten lugar o cinema, claro.
Para drenar os contidos que, na actualidade, están a asfixiar o Teatro Principal, resulta tamén evidente que hai que cambiar a política das cesións ás asociacións dos 100 días a un máximo de 30, pois se trata dun teatro profesional que debe ter un plan de actuación, propoñendo unha nova articulación desta actividade de grupos na cidade; e repartir por outros espazos moitas das actividades dos festivais municipais que fan un uso exclusivo do Teatro, artellando Museos, Centros Socioculturais (cun orzamento anual de 2,5 millóns de €) e outros, achegando, así, tales contidos culturais ós barrios e outros públicos. Situando o traballo (**).
Un aplicarse firmemente na implementación dos Dereitos de Participación e Acceso a unha Cultura diversa, de obrigado e especial cumprimento polas administracións locais, por ser precisamente as que están cerca do cidadá, etc. Tales son os pasos vivos que se reflicten dunha mirada transversal do cruce dos datos ofrecidos polo estudo do Concello en relación ó Teatro Principal e os seus feitos programáticos. Un espazo que preocupa, e xustificadamente, a todo axente cultural, aquí en Galicia, por ver a súa deriva allea ás artes vivas.

Cómo é posible que o principal teatro da capital de Galicia non coide ás artes escénicas? A qué se debe que nun dos contextos nos que se formaron tantas artistas galegas nas artes vivas non se poda continuar a construir traballo e contexto cultural? Cómo é posible que se deixe de usar a plataforma galescena da Agadic para a contratación das compañías de danza galegas co apoio orzamental que supón para as arcas públicas locais? Qué modelo de Teatro Principal queremos? (***).

«Artes vivas. O caso do Teatro Principal de Santiago de Compostela: un teatro sen teatro.»

nota (*) Hai 100 asociacións culturais en Santiago e 100 días de cesión do Teatro Principal: 16 son de teatros e espectáculos, 47 musicáis, 2 de humanidades, 1 histórica, 19 de festexos, ocio e tempo libre, 4 de defensa do patrimonio, 2 de cultura popular e gastronomía e 9 de artes (segundo o rexistro de asociacións da Xunta de Galicia).

nota (**) É importante sinalar que un 49% das persoas de Compostela afirma, segundo datos do estudo do Concello, non asistir a ninguna actividade cultural. Queda claro que non se sinten interpeladas.

nota (***) bit.ly/2RlLKnt Cara a unha escena plural | BenCuriosa

Compostela Cultura Universidade de Santiago de Compostela Consorcio de la Ciudad de Santiago Cultura da Deputación da Coruña Consello Da Cultura Galega Agpxc Xestores Culturais Rede Galega de Teatros e Auditorios

Cara a unha escena plural, reflexións diversas:
 
“Isto é o teatro, bonita, non sexas vergoñosa”
Texto 1. Juancho Gianzo:
 
“Acción cultural: ausencias y apariciones”
Texto 2. Javier Martín:
 
“Diversificar a programación. O caso de Carballo”
Texto 3. Gena Baamonde e Carmen Castro:
 
“Cantas somos invisibles aquí?”
Texto 4. Anxela Blanco:
 
“Eu son o que se di unha miñoca galega”
Texto 5. Cris Bal Boa:
 
“O mapa do contexto fala por si mesmo”
Texto 6. Manu Lago:
 
“Qué puede un teatro y un artista juntos?”
Texto 7. Caterina Varela:
 
“Artes vivas e arredores. Isto é moito máis”
Texto 8. Sabela Mendoza:
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koreón | khoreon .- postulado punk

koreón (khoreon): [Se sustrae del étimo griego ‘khoros’ (χορος) que significa baile / ‘khoreía’ (χορεία): danza, corea; más el sufijo nominal ‘-on’. Por aproximación de ‘khorion’ (χόριον): membrana].

1. Impronta de movimiento, evento vibrátil fundamental. Potencia, momento y surco.

2. Acontecimiento esencial responsable de las manifestaciones del movimiento como fenómeno y sus operaciones de cuantificación.

  Porta y pauta modos en la vibración, configurando su intensidad, su momento y las variaciones de frecuencia relativas a su amplitud y longitud de onda: una potencia retórica sin fin pero con un orden subyacente: un sistema versátil que acota la continuidad del espectro vibracional al solapar una resistencia en cada una de sus concreciones. Traslada pues, infiere o evoca, las disposiciones del movimiento, acompañando la situación y calidad de movimiento de un cuerpo (o corpúsculo): su performatividad. Conforma, de esta manera, una coréutica o ideal regulativo para con los grados en el temblor de los cuerpos, un proceso cognitivo.

  La vibración es la causa de generación de todo tipo de ondas. Las ondas tienen la capacidad para realizar una acción o trabajo, producir un cambio o una transformación. Las ondas, en su oscilación, trasladan a su través todas las formas de la radiación electromagnética, el estado o severidad de un cuerpo -siguiendo el principio de dualidad onda/corpúsculo de la materia-, la acción de una fuerza o el sonido. La energía que portan viene precisamente de su estado de movimiento, del propio estar en movimiento.

  Podemos pensar los koreones como fulcros virtuales que despliegan su potencia iterativa en una suerte de brumario o espectro de posibilidades que se actualizan: bien en sus distintos patrones armónicos o modos normales, los atractores clásicos; o bien en movimientos anormales, atractores extraños -fractales- que arman los sistemas complejos; es decir, las distintas configuraciones vibrátiles sosteniendo su cauce y acontecimiento. Colapsan en un surco por el cual transcurre el estar y el devenir de un cuerpo, acaeciendo la ruptura de simetría oportuna que ritmifica, polariza, invierte, gira, retuerce, pliega, repite y diferencia: movilizando, precipitando la realidad de la materia en sus distintos tractos y motivos.

  En su devenir ausencia, la articulación de los koreones, la coordinación o superposición del vacío que crean a través de eventos de interferencia y entrelazamiento, genera las distintas calidades de movimiento -grados en el temblor de los cuerpos-; diferenciales que configuran singularmente la realidad de los paradigmas de la forma, el modo cuantizado vibratorio en sus roturas de simetría eferentes. Como son: las dimensiones físicas (espaciales, temporales y las paralelas o envolventes), con su ajuste de las constantes físicas; los átomos, con su variabilidad de masa y carga; las partículas distinguidas por la mecánica contemporánea (los bosones -portadores de fuerza como fotones, gluones, W y Z; Higgs, el gravitón en fuga y partículas compuestas- y los fermiones -quarks y leptones); las hipotéticas cuerdas; las membranas; etc.

  También los estados de agregación de la materia (sólido, líquido, gaseoso, plasma, condensados…) son concreciones del movimiento, donde las frecuencias moduladas circunscriben sus particularidades físicas (densidad, tensión, presión, cohesión o desorden, palpitación, sublimación, conducción, temperatura, fluidez, etc), determinando la velocidad de fase de su onda: su estar resonante o tasa de propagación, la forma y el eco de su vacío con sus transformaciones topológicas y exformaciones (flujos que acontecen a través de la desarticulación del ritmo). Se vuelven espesor por pliegue, torsión, compresión y viceversa.

  Y desplegando aún más esta iteración deductiva: su sujeto, la acción de tales objetos escópicos: el trabajo. Con las referidas fuerzas de campo y sus ondas (gravitacionales, electromagnéticas, nucleares), o con la influencia e interacción de fuerzas mecánicas, fuerzas aplicadas, normales, tangenciales, de las relativas al peso o al rozamiento, o con las fuerzas de tensión o las elásticas que sobrevienen, asimismo, de los fundamentos del paradigma vibrátil.

  Elocuente paradoja resulta que en el acontecer del movimiento, de la capacidad dialéctica de sus armónicos y del trasfondo de su complejidad, en la confluencia de su fuga y contrapunto se abra el sueño semiótico: grietas resonantes en la continuidad del espectro vibracional: vacíos significantes. Ausencias que decantan en una correlación de fuerzas al otro lado del campo a través de las cuales el sistema busca equilibrarse creando elementos nuevos. De sus variaciones y acoples emergen intensificaciones que determinan lo real y su doble como son la pulsión del deseo, el símbolo y los conceptos. Órdenes como los lenguajes abstractos, la técnica, la retórica y sus tropos. Se destila la memoria y sus procesos, la intención y la escritura. La danza -que actúa según su propio potencial de abstracción-, el pensamiento, los sentidos, los afectos, la comunicación. Emerge el rostro y la otredad, la ética. El azar, el carácter, los límites; el análisis, la distancia, la inercia y la duda. El presente, idea y carne. Y el síntoma. La entrega, la caída, la gracia… El contraste y orientación que precisa la articulación de la conciencia y sus anomalías: arte del movimiento.

www.javiermartin.gal | investigador y coreógrafo | mecamística II – partícula fantasma | octubre 2019

nota.- Conviene separar el concepto de vibración del de oscilación, ya que las oscilaciones son de una amplitud mucho mayor. Las vibraciones al ser de movimientos periódicos (o cuasiperiódicos) de mayor frecuencia que las oscilaciones, generan movimientos de menor magnitud que las oscilaciones en torno a un punto de equilibrio, así pues el movimiento vibratorio puede ser linearizado con facilidad. En las oscilaciones, en general, hay conversión de energías cinética en potencial gravitatoria y viceversa, mientras que en las vibraciones hay intercambio entre energía cinética y energía potencial elástica (wikipedia).

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A Cidade da Cultura non pode nin debe dedicarse á Cultura

«A Cidade da Cultura non pode nin debe dedicarse á Cultura»: Unha lousa de máis de 500 millóns de € que anula toda posibilidade dunha política cultural en Galicia (1).

A realidade é que ata a fecha a terceira parte do orzamento da Consellería de Cultura (verbigracia, e agora Turismo) para as accións de promoción cultural é destinada a Cidade da Cultura, entre outros fondos. Tanto a Agadic e as súas políticas culturais de apoio á creación ou á distribución, por exemplo, coma o CGAC (Centro Galego de Arte Contemporánea) xa sen patronato, a Rede Galega de Teatros e Auditorios, as unidades de produción CDG e Centro Coreográfico Galego, o Museo do Pobo Galego, as asociacións sectoriais, os distintos festivais de artes escénicas, cine e música, os Estudos Superiores e Escolas das distintas Artes e un largo etcétera, están a ser drenadas ata a inanición polo burato negro que é o Gaiás, a súa débeda e a fútil actividade que se desenrola nel dende a súa opaca Fundación Cidade da Cultura de Galicia. A vida é irreversible, o tempo pasa, a destrución é moita: hai liñas vermellas. Límites que impiden a apropiación do recinto e a súa actividade polo contexto galego, xa que a situación está no camiño de resultar un cambio de paradigma cultural «catastrófico» (como se define na Ciencia no estudo dos sistemas). Unha lousa orzamentaria que anula a posibilidade de xerar calquera tipo de políticas culturais para as forzas vivas galegas.

Situación extrema da que se hai que facer cargo dende a cidadanía e desarticular urxentemente esta deriva necroinstitucional. Fraco favor lle estaremos a facer á Cultura, aquí en Galicia, se sumamos nosos afectos, individuais e colectivos, a un continente que drena de recursos, estructura e actividade ás xa de por sí exiguas políticas culturais do contexto do xeral, a nós. Non nos podemos deixar contaxiar pola inercia actualmente psicopática dos organismos no poder. Non pode ser que co noso traballo e asistencia ó Gaiás, lexitimemos esta deriva mortuoria. Non poden seguir pasando os anos e se continúe sepultando semellante parte do noso orzamento cultural autonómico neste despropósito centralista. Non é ético que axentes culturais galegos e cidadanía lexitime tal barbarie, nun devir inxenuo, acrítico, inercial, disparatado: sen toma de terra ou perspectiva.

Participar na Cidade da Cultura en calquera dos seus ámbitos; como xestora, funcionaria, artista, promotora, traballador subcontratado ou colaboradora, espectador, asistente a unha reunión incluso, etcétera; significa, sen ningún xénero de duda, soster en maior ou menor medida a deriva e articulación desta forma do perverso en acto. Xeramos a súa posibilidade de ser e continuar. Por facer un tropo, a coñecida filósofa Marina Garcés fala de «turismo extractivo», e corresponsabiliza ás persoas do modo en que se relacionan co territorio e das consecuencias que iso ten. Pois aquí sucede o mesmo, o descoñecemento non purga das consecuencias da participación: seguindo a Garcés, ¿cómo chamamos o que se está a desenvolver?: Arte extractiva. E o que se extrae son recursos materiais e simbólicos en aras dun orden alleo á vida. Un uso que supoñe asumir un agravio tal que ao pasar por riba dél, entérranos como comunidade máis profundamente. É perder. A clase cultural repetindo a súa diferenza para non desaparecer, no caso dos roles da Arte. Rendindo pleitesía as urxencias tantas veces inmorais da supervivencia, do ego, do interés particular ou da chantaxe económica por parte da Institución: un ser sen liberdade. Todas sabemos que a cultura real está sucedendo permanentemente fora do Gaiás, «os pobos siguen construíndo os seus mundos outros, moi lentamente, a contracorrente, na oscuridade da vida cotiá, lonxe, moi lonxe das campañas que derrochan recursos e discursos (2)».

A Cidade da Cultura é un simulacro posto ao servicio de intereses moi concretos de axentes políticos que crean os seus propios contidos culturais e tratan a cidadanía como mera espectadora pasiva de productos que parasitan e apropian os seus recursos, de todo tipo. Sen atender en realidade nin ao seu Dereito Universal de Acceso á Cultura, Creación, Producción e, por suposto, ao de lexítima Participación nos seus propios termos. Capitalismo cognitivo e radical en estado puro, irrespetuoso coas persoas e ursurpador do seu tempo e intelixencia: constructor da realidade cotiá de arriba cara abaixo, desconsiderada e condescendientemente: desactivador da crítica e disposicións do procomún: un devir mortuorio en toda regra. Coa nosa participación tácita, inmadura ou interesada, non deixamos de activar tal modelo económico-social e axudar a que permaneza hexemónico, único e autista. Anulando un horizonte de convivencia complexo. A situación do Gaiás é especialmente paradigmática da «guerra cultural» que estamos a vivir, máis esencial ca guerra política, e que, insisto, xestiona e coreografía vida e afectos. Hai que espabilar porque estamos as portas do proxecto político-religioso Xacobeo 21 como liña centralizadora da política cultural autonómica, unha arquitectura sistémica coa que se da pasos de xigante no solapamento da Cultura e do turismo, a gran distopía contemporánea, fulcrado en mentiras de Fe para beneficio duns poucos. Decía Hannah Arendt que «o mal nunca é consciente e radical», aquí en Galicia a ignorancia institucional xa resulta catastrófica.

Maria Pereira, Directora de Acción Cultural da Fundación Cidade da Cultura de Galicia: «recursos hay lo que pasa es que están mal repartidos (3)». E tanto.

javier martín,
investigador e coreógrafo

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[Bibliografía: (1): «La cultura como reserva india. Treinta y seis años de políticas culturales en Galicia», autor Jorge Linheira – Libros.com. (2): «El mundo de abajo crece en silencio» www.elsaltodiario.com/autor/raul-zibechi (3): «Hacia una salida democrática de la crisis» bit.ly/2ZFPlNY].

 

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links de interese_

http://aaaaarte.com/noticia/2011/03/cidade-da-cultura-arquitectura-pura-para-el-pueblo
www.laopinioncoruna.es/galicia/2580/eisenman-achaca-coste-cidade-da-cultura-ordenes-xunta/145649.html
https://www.eleconomista.es/construccion-inmobiliario/noticias/6830329/06/15/El-terror-urbanistico-de-la-burbuja-II-las-ruinas-de-la-Cidade-da-Cultura.html
https://praza.gal/opinion/galicia-e-o-seu-aeroporto-sen-avions
Extracto do libro “La cultura como reserva india. Treinta y seis años de políticas culturales en Galicia”, autor Jorge Linheira no facebook do IGAPA Instituto Galego de Praxe Actual: www.facebook.com/1540433409513365/posts/1902591436630892
https://praza.gal/cultura/a-cidade-da-cultura-recibiu-en-2018-tantos-asistentes-a-eventos-privados-como-visitantes-das-exposicions-publicas
https://praza.gal/politica/o-gaias-300-millons-despois-de-contedor-sen-contido-de-fraga-a-difuso-parque-tecnoloxico-de-feijoo
https://m.eldiario.es/galicia/politica/publico-privado-financiar-actividades-Ciudad-Cultura_0_918658733.html
https://www.cidadedacultura.gal/es/transparencia
millóns por aquí e millóns por alá…
https://praza.gal/politica/feijoo-anuncia-un-novo-edificio-na-cidade-da-cultura-para-as-universidades-que-custara-outros-17-millons-de-euros
www.elprogreso.es/articulo/noticias/fomento-licita-la-obra-del-enlace-de-la-cidade-da-cultura-con-la-ap-9/20170729152458411835.html
https://m.eldiario.es/galicia/politica/Cidade_da_Cultura_0_890661276.html
www.lavozdegalicia.es/noticia/santiago/2019/04/01/gaias-contara-explanada-grandes-eventos-aire-libre/0003_201904S1C1995.htm
https://m.eldiario.es/galicia/Xunta-plantar-iluminar-Cidade-Cultura_0_421358160.html
Fundacion Cidade da Cultura:
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la poética de los objetos

¿Qué importancia tienen los objetos en la creación de tus piezas? ¿Qué grado de jerarquía adquieren dentro de la dramaturgia de la pieza? 

Los objetos son sujetos de acción. Espacialmente configuran un contexto de trabajo. El modo en que se sitúan, el trato entre los distintos cuerpos, genera un lugar para la toma de tierra del movimiento. Su realidad no es muy diferente al juego del cuerpo con un ritmo.

La dramaturgia para mí ha pasado a un segundo plano, últimamente en mi foro interno empleo el término “somaturgia”, que he definido como el arte o la técnica de situar los cuerpos en contexto y acción, estableciendo unidades de tiempo y lugar. O de la creación de situaciones performativas para con los cuerpos.

[Sus componentes léxicos son: σῶμα (sôma, «cuerpo»), ἔργον (ergos, «trabajo»), más el sufijo –ια (-ía, «cualidad, acción»).]

¿Puedes imaginar la creación de tus obras sin objetos? (entendiendo por objetos desde el atrezzo hasta las formas arquitectónicas del espacio, la iluminación, aquello que sea tangible a la vista y que adquiera significación). En el caso de ser indispensables, explica brevemente el por qué de su necesidad. 

Sí, por supuesto. Todo es prescindible o urgente y necesario según la propuesta coreográfica. Objeto, sujeto, cuerpos, sonidos, imágenes, etc… son sólo situaciones y palabras. Lo importante es la relación que establecen y cómo enmarcan nuestras disposiciones.

¿Qué te sugiere la cuestión: El artista precisa de los objetos o son los objetos los que precisan del artista? 

No me gustan las relaciones de dependencia. Creo en los encuentros y en el acontecer de las relaciones entre las distintas partes de la obra como un devenir elocuente y hermoso. La viveza se encuentra en el reconocerse y en un ir juntos.

Centrándonos en los objetos físicos, materiales, tangibles, ajenos al cuerpo del actor: ¿Crees que los mismos, la carga material de los mismos, su peso, su gravedad,… son una carga o una ayuda para el espectáculo? ¿Por que?

Son fulcro para el movimiento, un lugar de silencio para la articulación.

-¿Consideras que los objetos tienen vida propia, una historia propia que contar (un pasado)? ¿O quizás son sólo un medio para transmitir la historia que el artista quiere transmitir? Quizás alguna vez un objeto llamó tu atención, te atrajo, para que lo utilizases en una pieza sin tú siquiera planear tal cosa; o igual apareció ante ti cuando ya tenías una idea en la cabeza.

Se cargan de nuestros afectos promoviendo un tipo de concentración sensible y semiótica que construyen un cauce para el movimiento o la praxis escénica. La relación que establecemos con los mismos puede ser directa o inconsciente. En este segundo caso es interesante la información que proyectamos en los mismos y que hemos de ir revelando, trabajando. O en el caso de entrar en un entramado simbólico, qué información extraemos de nuestro repertorio ancestral y porqué está batiendo información a través de nosotros, y si esto es inteligente o no.

Hablando de historias. Ya sea el propio objeto que cuenta su historia o construyendo una historia a través del mismo: ¿Cómo crees que se construye la poética visual de los objetos en el teatro? (Entendiendo poética visual como “palabras que se transforman en imágenes” para manifestar un sentimiento estético.) Puede que sea de modo figurativo, simbólico, metafórico, etc.

Todo objeto vibra en su superficie como imagen encontrando sus valencias, sí, en contextos figurativos, científicos, simbólicos, metafóricos, etc. Son variedades repertoriales, que el juego del arte nos hace darnos cuenta de su vigencia o contingencia.

En relación a la pregunta anterior: ¿Podrías explicar cuál es tu relación con los objeto a la hora de crear? ¿Qué tipo de improvisaciones, interacciones, análisis,… tienes con ellos para crear tus obras? 

Me interesa un bailar a través de sus identidades. Desarticulando las relaciones aparentes o “neutras” en aras de una purga efectiva de sus significados y así reconciliarlos con la potencia inscrita en sus orígenes.

Todas las técnicas son somáticas. Proponen un grado de subjetivación en los cuerpos que están insertas o enlazadas en un contexto de significados, es decir, son del lenguaje. El rol del artista es destruir o desarticular el lenguaje para encontrar nuevas disposiciones que nos acerquen a lo real siempre de una nueva manera, en el sentido de ir cambiando a través de tales diferenciales, encontrando la potencia en el devenir del movimiento. Una constante actualización de las formas del presente, o una praxis de exformación: un ir a través del ritmo, entendiendo el ritmo como una situación objetual.

–¿Crees que un objeto puede tener la misma entidad, igualdad, que un artista sobre la escena? ¿Ser un actuante más del elenco? ¿Un “personaje” con un rol sobre escena? ¿O quizá su papel sea el de herramienta mediadora dentro del espectáculo?

Ahí está parte de la gracia y el misterio de la creación escénica, el dar vida a entes inorgánicos y quizá encontrar lo fantasmático y el devenir mortuorio en lo orgánico. Es un juego. Me interesa ese espacio de relaciones en que las identidades se crean y se destruyen en un devenir temporal, asumiendo roles y desapareciendo. La creación de un arte maduro que pueda hacerse cargo y acompañar su propia desaparición.

Extracto de una entrevista del fotógrafo David Rodas al coreógrafo Javier Martín. Conforma la investigación teatral que David desarrolla acerca de “La poética de los objetos en el Teatro” dentro de sus estudios en la ESAD-Escuela Superior de Arte Dramático de Galicia (verano 2019).

www.javiermartin.gal

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acción cultural: ausencias y apariciones

Acción cultural, ausencias y apariciones: 

www.javiermartin.gal | coreógrafo e investigador en las artes del movimiento

 

Los pueblos de hoy se niegan a seguir siendo receptores pasivos y ejecutores de órdenes. Sienten la necesidad y exigen el derecho de participar, de ser actores, protagonistas, en la construcción de la nueva sociedad auténticamente democrática. Así como reclaman justicia, igualdad, el derecho a la salud, el derecho a la educación, etc., reclaman también su derecho a la participación. Y, por tanto, a la comunicación.– Mario Kaplún, “Hacia una pedagogía de la comunicación”, 1998, p.63.

Hemos de saber que cuando hablamos de Participación Ciudadana y de Derecho de Acceso a la Cultura, son conceptos y derechos que tienen fuerza vinculante. Es decir, obligan a la Administración Pública en general y en especial a la administración local, por ser aquella que está más cerca de la ciudadanía, a aplicarlos. La libertad de creación en el ámbito que sea es un Derecho no sólo Fundamental recogido en la Constitución, sino que es un Derecho Humano Universal reconocido por la Declaración Universal de Derechos Humanos y por el Pacto Internacional de Derechos Económicos, Sociales y Culturales. Tiene fuerza vinculante.

Las instituciones están obligadas no sólo a dar acceso a la Cultura en el sentido de fomentar o promover una determinada oferta cultural, sino que a remover en concreto cualquier obstáculo que impida acceder a cualquier persona, grupo, asociación o colectivo a participar de la vida cultural. ¿Qué es lo que entiende el Comité de Derechos Económicos, Sociales y Culturales por participar en la vida cultural? Poder contribuir con decisiones propias, con proyectos propios a la construcción plural de la vida cultural, entendida en su más amplio término. Es más, obliga a las administraciones en general y en especial a las municipales a garantizar una adecuada relación de la persona o colectivo que produce o crea una obra material o un conocimiento con su contexto. A poner los medios para que sea efectiva, se conserve, se preserve y se difunda de la manera que corresponda; sin obviar el derecho a un trabajo digno y a su remuneración. No es una idea abstracta, es un concepto jurídico vinculante que resulta en una obligación.

Art. 9.2 de la Constitución Española: “Corresponde a los poderes públicos promover las condiciones para que la libertad y la igualdad del individuo y de los grupos en que se integra sean reales y efectivas; remover los obstáculos que impidan o dificulten su plenitud y facilitar la participación de todos los ciudadanos en la vida política, económica, cultural y social.

De los Orígenes_

El contexto cultural en el ámbito de lo público adolece de una grave mala praxis en muchas de sus manifestaciones. Ejemplo de ello es que, ajenos a un planteamiento político, pueblan el territorio centros y teatros con un comportamiento, digamos, poco generoso; esto es, sin un plan de usos ni estrategia de relación con el entorno. Convivimos con direcciones solipsistas y desinformadas, programaciones sesgadas, hegemonías estéticas por omisión, ausencia de trabajos contextuales o programas de mediación o acompañamiento, sin residencias técnicas, creación o investigación, sin comisariados, grupos de investigación o programas pedagógicos… Una palmaria impericia en la gestión de los recursos y una confusión generalizada en la articulación eficiente de los roles que constituyen el contexto de las artes vivas, que devienen en una obstaculización al ejercicio de las libertades públicas de participación y acceso a la cultura.

Que somos una cultura fúnebre ya lo sabemos, estamos rodeados de ausencias que articulan nuestro presente, y con tal cultura se hizo y se hace política e identidad cultural que es exactamente lo contrario de una política cultural. Para articular el cambio, se precisa de formación y aplicar trabajo en nuevas prácticas y nuevos lenguajes en acuerdo a las manifestaciones de lo real, apuntando desde ya a un relevo en el entendimiento y también generacional tanto en las situaciones del hecho artístico como en la gestión de los espacios públicos donde se desarrollan; promoviendo, en ejemplo urgente, el rol de la dirección artística en los teatros o la creación de grupos de investigación y acompañamiento para los mismos, para así abrirlos a nuevas sensibilidades tanto de audiencias como de propuestas y metodologías: un trabajar en equipo hacia la diversidad en los planteamientos. Entendiendo de una vez que un gestor en soledad no está preparado para activar acción cultural y social e idear y coordinar la líneas de implementación necesarias a tal efecto. Una cosa es la gestión y otra la dirección artística, y un teatro en ejercicio de interlocución con su contexto como espacio público, medio hábil para la construcción de la sociedad, debe tener un plan; y esto sólo lo puede hacer contando con una metodología de ideación detrás y la capacidad de trabajo para acompañarla, un conocimiento práctico y participado, que valide las prácticas artísticas y no el formateo institucional o la ilusión mercantil.

Un trabajo participado, en colectivo o equipo, es un fenómeno irreversible. Y a las administraciones no les queda otro remedio que apostar por ello. Es importante que se acometan estrategias de trabajo que sean más generosas que la de dedicarse exclusivamente a la programación y exhibición. Un teatro ha de crear contexto vivo, ser interlocutor hábil y propositivo con su entorno: interviniendo, proponiendo, dejándose atravesar, desarrollando diferentes estrategias investigadoras, pedagógicas, colectivas, desarrollando residencias de trabajo. En definitiva, dando vida. Un paradigma simple como el actual, retorcido e ingenuo lleva a la supervivencia y a la competición, que en Arte son muy malas. Y por tanto a su desaparición.

Desde luego el realismo capitalista y sus crisis autogeneradas nos afectan a todos.  Una situación que se agrava en Cultura debido a la no existencia de un marco general de mínimos en Política Cultural aquí en Galicia, que garantice el cuidado y la mediación necesaria para la existencia de un tejido cultural con sus líneas de trabajo estables. Nos encontramos en un territorio con distintas manifestacións de talento no coordinadas en régimen de precariedad y supervivencia que hay que atender, donde la institución no sólo no sabe cómo relacionarse sino que ni siquiera las percibe. Ello es debido a que la Institución se pierde en su propia institucionalidad. Las trabas administrativas, la obligación de alcanzar objetivos y de justificar presupuestos no pueden ser una excusa para no relacionarse con el contexto y contribuir a que este se regenere, pues también es una de sus funciones.

De los nudos_

Entonces, faltando a la obligación de su cargo, es cierto que tantas veces los trabajadores públicos en Cultura incurren, bien por abandono, incorrección, descuido, déficit formativo o negligencia -cuando no intencionadamente-, en un incumplimiento para con las funciones y deberes esenciales propias, cometiendo un delito de dejación de funciones u omisión por daños causados al interés público o por el descrédito generado hacia la imagen de la Administración.

Actos que afectan a terceros y a la propia Administración, y por los que se le puede exigir al funcionario público una responsabilidad civil que le lleve a afrontar con su patrimonio las indemnizaciones que los ciudadanos le soliciten al Estado (En el Capítulo IV del Título Preliminar de la Ley 40/2015, de 1 de octubre, de Régimen Jurídico del Sector Público se regula la responsabilidad de la Administración y de las autoridades y el personal a su cargo).

Así pues los ciudadanos tienen derecho a que las administraciones públicas les indemnicen si se les lesiona en sus bienes y derechos, siempre que sea consecuencia del funcionamiento normal o anormal de los servicios públicos. Para la exigencia de esta responsabilidad se ponderan criterios como el daño, la intencionalidad, la responsabilidad profesional del empleado y su relación con la ejecución del hecho que ha causado el perjuicio a los ciudadanos. De este modo, por la comisión de un acto que derive en indemnizaciones a los ciudadanos, el funcionario puede verse obligado a responder con su propio patrimonio.

La responsabilidad administrativa o disciplinaria compete a faltas castigadas incluso con la separación del servicio o la revocación de su nombramiento, al despido disciplinario, que además conlleva la inhabilitación, sanciones como el traslado forzoso, la suspensión firme de funciones, o de empleo y sueldo en el caso del personal laboral. O el demérito o el apercibimiento.

A las instituciones públicas les cuesta reconocer el papel esencial que desempeña el Arte en nuestro sistema cultural, así como los valores que lo sustentan, en la medida que participa en el desarrollo integral del ser humano y por tanto de la sociedad, siendo un instrumento imprescindible para conocer el pasado y reconocer el presente. La producción, recepción y disfrute del Arte mejora la capacidad creadora de las personas, acompaña su formación, ilustra su inteligencia, contribuye a generar recursos simbólicos o formales y a renovar los lenguajes expresivos, incrementa el patrimonio común, impulsa el desarrollo económico y activa procesos de innovación y experimentación social. Por tanto, las instituciones públicas deberían asumir la obligación de proteger todas las manifestaciones del Arte y contribuir, junto a la sociedad civil y la iniciativa privada, a la mejora de las condiciones para el incremento de la creatividad artística, adoptando medidas encaminadas a fortalecer el sector y el papel de los creadores; potenciando así el derecho reconocido en el artículo 20 de la Constitución Española a la producción y creación artística.

De las metas_

La semilla, al desarrollar la planta, pronuncia su juicio.” – Hegel.

Sin disposición ni método para asumir el cambio de la representación a la participación en Cultura, los trabajadores públicos de las distintas administraciones caen en un modo de gobierno de excepción a la interna, incapaces de vivir el desbordamiento y, por ello mismo, necesitados del encierro y la burocratización. Una supervivencia que depende siempre de la necesidad de señalar a un enemigo interior: La Institución se queja de su propia institucionalidad. Y al tiempo olvida su vocación pública. La vocación de generar un Estado Cultural, así recogido por la Constitución.

Ajenos a sus obligaciones legales para con los Derechos Fundamentales de Participación Ciudadana y de Acceso a la Cultura, desacreditados ahora y tantas veces para el ejercicio de la política cultural, es de honra rendirse a la evidencia y ponerse a trabajar con el sector y aquellos que se sientan interpelados. Entrar en el laberinto y confiar en un recorrido de aprendizaje en común y puesta en práctica de las potencias locales articuladas, o de lo contrario, y desde luego, hacerse a un lado para dejar trabajar a los que han demostrado con creces su implicación con la comunidad, generando contexto vivo para las Artes y sus desbordamientos. La acción política no es un cuarto propio, sino ágora y tránsito. De no ser así, están cometiendo un delito y algunos de nosotros nos estamos organizando.

Conspiracy involves a detachment from our traditional structures of legitimation and may bring unexpected travel companions, people you would have never recognized as your peers, since conspiracy means negotiating with others. Conspiracy means a commitment with a collective cause, but it also implies secrecy, to operate within a dead angle from which you will not be seen by power and the risk of being discovered, exposed and erased. Conspiracy, the art of blowing together, may be the only way we have today to build institutions today.” – Jesús Carrillo, Glossary of common knowledge, MNCARS.

 

*Agradecimientos a Ania González, abogada y crítica cultural, por las referencias legales del encabezamiento.

Texto 2. Cara a unha escena plural. Javier Martín. Publicado en xuño de 2019 na órbita do espazo de análise e posta en acción “Cara a unha escena plural”, unha mesa de traballo arredor da circulación da danza e a creación contemporánea nos espazos escénicos galegos. O espazo, impulsado por Caterina Varela e Sabela Mendoza, sucede no marco da Galicia Escena PRO, o encontro de profesionais do campo da artes escénicas que organiza Escena Galega e Agadic.

 

 

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SOMA | acción contemporánea

SOMA | acción contemporánea
25 y 26 mayo | CDG – Salón Teatro
Santiago de Compostela

escultura_ Joaquin Jara
luz_ Octavio Mas
sonido_ Artur M Puga
movimiento_ Javier Martín

Una experimentación escénica y matérica que se concentra en el estudio del cuerpo y del movimiento como sombra y fragmento. La medida y el peso son expresión de su potencia y desaparición, su necesaria grieta y abismo.

Instalación y performance que bailarín, escultor, músico e iluminador comparten, transitando por diferentes estados físicos, conceptos estéticos y calidades de movimiento, relacionándose y difuminando roles mediante esculturas, materiales, ambientes, objetos y coreografías que se van desplegando en un espacio conformado ante el espectador.

producción y acompañamiento_ Sabela Mendoza
coproduce_ Javier Martín artes del movimiento y Centro Dramatico Galego
residencia de creación_ L’animal a l’esquena
investigación_ Corpo en acto/Tribuna Pública
co apoio de_ Gadis

https://joaquinjara.net | www.javiermartin.gal

 

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cuerpo y vibración | seminario artes del movimiento | TEM

cuerpo y vibración | seminario artes del movimiento
www.javiermartin.gal | 25-30 sept. (10:00-14:00h)
Diàleg Obert | TEM Teatre El Musical | VALENCIA

Cuerpo y vibración es un espacio abierto a la experimentación que parte del estudio de las artes y ciencias del movimiento con el fin de desarrollar la percepción cinestésica y su empleo en trabajos performativos. El seminario propone una apertura a las relaciones entre cuerpo y espacio partiendo de una dinámica que facilita el trabajo en código abierto, uniendo filosofía, danza y performatividad apuntando a la construcción de nuevos y estimulantes lenguajes.

“Una superficie plana que se alabea engendra las tres dimensiones, lo cóncavo y lo convexo; si hablamos de un medio metálico, los sonidos que proyectan estas superficies los estudia el ars tintinabula, el arte de tañer campanas. El sonido es un modo de la vibración -una textura de movimiento- que se propaga en un determinado espacio físico, el aire. Se denomina vibración a la “propagación de ondas elásticas produciendo deformaciones y tensiones sobre un medio continuo (o posición de equilibrio). Tal medio equilibra compresión con tensión y cede a las fuerzas que se le aplican sin romperse; respondiendo, por ejemplo, a la gravedad de maneras interesantes -laberínticas- al producir ajustes que ayudan a acomodar la situación, como síntomas y sistemas eferentes que reorganizan la tensegridad del cuerpo.

La vibración de fondo en la textura de un cuerpo es nexo de cambio clave para con un otro paradigma relacional, otras cualidades que con sus grados de libertad específicos sostienen otro locus de control o sistema conectivo; incorporando, a su través, información oportuna o nuevos afectos. Desde el lenguaje y su sensibilidad se tiene un cuerpo, y en relación a la capacidad de goce en tal estructura -el cuerpo puede conceptualizarse como una arquitectura inesperada-, se acompaña en su duración hasta el cambio de tercio.” – mecamística, jm.

Javier Martín: Taller cuerpo y vibración
[www.teatreelmusical.es/va/formatem-2018-19/]

www.teatreelmusical.es/taller-cuerpo-vibracion-amb-javier-martin/

>> Se convoca a todas aquellas personas interesadas en el mundo del arte o en desarrollar su creatividad de un modo más amplio (> 16 años).

>> El seminario incluye 5 días de formación + actuación work-in-progress al finalizar el taller el domingo 30 de 12h a 14h. 

>> Inscripciones:  http://bit.ly/InscripcioFormaTEM1819

>> +Info en ‘Taller Cuerpo y vibración’ 

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Presentación | Cuaderno de creación | javier martín | La Central MNCARS

Presentación. Javier Martín. Cuaderno de creación
La Central del Museo Reina Sofía
[miércoles 14. marzo – 19h] | www.javiermartin.gal

“Las aguas bajan negras; con, digamos, una sencillez que inspira más que la elocuencia y que hace poco consideraba psicosis. Si actuar fuera tan fácil como el saber cómo actuar… Los pies secos, y la mente con la calma que exige el vino.” – jm.

“Libro de trabajo que recoge algunos momentos de los procesos de creación de las coreografías ‘control‘, ‘symptoma‘ y ‘oximórica‘. El ritmo de los objetos y la escenografía, el ámbito psicológico que imprime el vestuario, la filosofía y estudio del movimiento, los cambios, los lugares y los compañeros de viaje.

Ana Cabo, editora del Cuaderno por encargo del Museo Universidad de Navarra y especialista en Danza, conversará con el investigador y autor escénico Javier Martín, acerca de los hitos más significativos que se recogen en el libro, compartiendo con los asistentes un relato de lo acontecido a través de grabaciones, objetos, textos y otros elementos que configuran los alrededores de las coreografías.”

Trama editorial | Museo Universidad de Navarra

 

[+info_ www.lacentral.com/agenda/madrid/evento/javier-martin-cuaderno-de-creacion-147632 | www.calamardesign.com/javier-martin-cuaderno-de-creacion En venta en el MUN, librerías y web de la editorial: www.tramaeditorial.es/libro/9788480815536/].

 

javier martín | coreógrafo | CV_ http://bit.ly/2nOkhdG

Desarrolla un proyecto de investigación de corte epistemológico en torno a las artes del movimiento que encuentra sus fugas en la creación de discurso y aplicaciones del mismo, la escrita, el desarrollo de seminarios transdisciplinares de corte práctico, conferencias-performativas, procesos de obra acompañados de talleres del espectador, la activación y desarrollo de grupos de investigación, el acompañamiento de itinerarios formativos en distintas universidades, y, como motor y causa de todo, la creación de espectáculos. El iluminador Octavio Más aporta su sensibilidad y saber hacer al proyecto. En sus orígenes fue artista residente en el Teatro Galán de Compostela (2005). Desde entonces, ha estrenado más de 30 piezas como ‘la exforma’, ‘el antiedipo’, ‘control’ o ‘metopio’; trabajando en España, Francia, Rusia, Portugal, México y Ucrania. Realiza ponencias, escribe su primer libro ensayo, y participa en encuentros en torno a la performatividad aplicada a contextos no específicamente artísticos en diferentes congresos, universidades, muestras, laboratorios, etc, relacionados con las artes del movimiento. Recientemente ha sido artista residente en L’animal a l’esquena, Girona; EIRA, Lisboa; Kannon Dance House, San Petersburgo; Centro de Danza Canal, Madrid; Museo Universidad de Navarra o Teatro Colón en A Coruña. Ha presentando sus últimos proyectos en UNAM y Museo del Chopo, México; GogolFest, Kiev; Teatro Alexandrinsky, San Petersburgo; CCCB, Barcelona; Theatro Circo, Braga; Museo Pompidou, Málaga; Museo Reina Sofía, Madrid; Univ. Sorbonne, París; entre otros teatros y centros de arte. En mayo de este año presentará su nuevo proyecto ‘método negro

 

Ana Cabo | especialista en Danza 

Licenciada en Filosofía, Universidad Autónoma de Madrid (1992), Master en Gestión Cultural, Instituto de Ciencias Musicales Universidad Complutense de Madrid (1994) y Titulada Superior en Danza Clásica, Real Conservatorio Superior de Danza de Madrid. Es miembro del Consejo Nacional de las Artes y directora de proyectos en Elephant in The Black Box, plataforma para la creación, formación y producción coreográfica junto a Jean Philippe Dury. Ha dirigido durante 12 años el Festival Internacional Madrid en Danza y la Ventana de la Danza. Ha impartido cursos y clases magistrales para la Universidad Europea de Madrid, Master en Gestión Cultural ICCMU, o RBA-Universidad de Salamanca. Ha participado en TanzMesse (Dusserdorlf), Internacional Dance Festival Hamburgo, Biennal de la Danse de Lyon, Air Dance Festival Tokio, MIRA Toulouse, Koupio Dance Festival (Finlandia), Compañía Overtigo (Canadá- Quebec), Suzanne Dellal Center(Tel Aviv), Scene National (Francia), Performing Arts Meetings en Rotterdam, Amsterdam. Presidió la Asociación de profesionales de la Danza y la Asociación Cultural Por la Danza, así como ha pertenecido a la Federación Internacional de Artista (FIA) representando a España.

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