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Baile

Alessandro Sciarroni | 20 y 21 de julio en el Mercat de les Flors

La necesidad que todos tenemos de sentirnos queridos incondicionalmente, pero también el dolor, son temas centrales de un espectáculo que se basa en la risa, pero no siempre en el humor. Tiene como título el nombre de uno de los arquetipos del payaso, aquel que, con su nariz roja, todo lo complica y todo lo estropea. Nombre curioso, distinguido e imperial, para un personaje que se considera loco y sinónimo de la idiotez, y que quizás oculta la amargura detrás de la risa. Este personaje da título a un montaje donde los nueve intérpretes en escena se comunican única y exclusivamente, mediante la risa. ¿Expresan alegría? Sí, emociones positivas y a veces euforia, pero también miedo, sufrimiento, e incluso rabia y violencia… ¿Por qué se ríen? No busquéis una razón, solo vedlos proferir sonoras carcajadas o dibujar sonrisas tímidas mientras andan, mientras corren, cuando se abrazan o cuando se ponen de acuerdo para reírse de forma organizada… Es un proyecto del European Creative Hub que ha implicado centros de creación de distintos puntos del continente, entre ellos el Grec Festival de Barcelona, la Biennale de la danza de Lyon, el Théâtre de Liège y el Teatro Municipal do Oporto.

Ha imaginado el montaje Alessandro Sciarroni, un creador italiano con una larga experiencia en las artes escénicas que acaba de recibir el premio en reconocimiento al conjunto de su trayectoria en la Bienal de Venecia 2019. En contacto con todo tipo de disciplinas o casi, Sciarroni supera las fronteras entre géneros para utilizar en sus espectáculos desde elementos de la danza a otros procedentes del circo o incluso algunos del mundo del deporte. Explora las obsesiones, miedos y fragilidades inherentes al arte de la representación y busca siempre la máxima empatía entre el público y los intérpretes que están en el escenario.

Una producción del Grec 2019 Festival de Barcelona, Marche Teatro Teatro di Rilevante Interesse Culturale, corpoceleste_C.C.00#, European Creative Hub – French Minister of Culture/Maison de la Danse grant for Biennale de la danse de Lyon 2018, Théâtre de Liège, Teatro Municipal do Porto, Centquatre-Paris, apap – Performing Europe 2020.

Un proyecto cofinanciado por el Creative Europe Programme of the European Union, Snaporazverein, Theaterfestival Boulevard, Theater Freiburg (Alemania).

Coproducido por Tanzfabrik Berlin, Centrale Fies, L’arboreto – Teatro Dimora di Mondaino.

Alessandro Sciarroni es artista asociado al Centquatre-París y cuenta con el apoyo, en calidad de “focus-artist”, de apap – Performing Europe 2020.

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Rocío Molina con Elena Córdoba la coreógrafa y bailarina cuyo trabajo ha sido decisivo en la creación de las últimas obras de Rocío.

6 de julio en el Monasterio de San Isidoro del Campo (Festival Itálica). 

Impulso no es un espectáculo. Impulso es una improvisación, una performance, el laboratorio de Rocío Molina que se abre al público, un work-in-progress, un modo de investigación previo a la producción de un nuevo espectáculo, una etapa integrada en el proceso de creación.

Improvisando en un museo, en la orilla de un río o del mar, en un parque o en una iglesia, Rocío investiga nuevos caminos desconocidos, nuevos movimientos que surgen gracias a un contexto singular y a una relación renovada con el público.

Los experimentos se alimentan del intercambio artístico. Así el laboratorio itinerante de Rocío recibe a otros artistas provenientes de distintas disciplinas.

Rocío Molina responde a la invitación del Festival internacional de danza de Itálica con una trilogía de Impulsos, aprovechando cada uno de ellos para dialogar con artistas de distintos universos.

Rocío Molina: Baile

Elena Córdoba: Danza

Luz Prado: Violín

Antonio Serrano: Dirección técnica

Sergio Collantes: Iluminación

Javier Álvarez: Sonido

Magdalena Escoriza: Ayudantía de producción

Loïc Bastos: Dirección ejecutiva

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14 de junio en el Reina Sofía

El Museo Reina Sofía presenta Mix-en-scene (2015) de la coreógrafa y bailarina Amaranta Velarde, y la artista visual Alba G. Corral. Se trata de una pieza en la que Velarde despliega su faceta de DJ y articula la acción de poner la música con el acto de bailar, en una fusión de gestos entre el hacer y el representar, y también el placer de sentir cómo la música mueve su cuerpo. Simultáneamente, la artista visual Alba G. Corral genera imágenes digitales que se proyectan en directo, creando una escena múltiple de imagen, danza y sonido.

Ya en su título, la pieza remite al concepto de puesta en escena (mise-en-èscene), propio del ámbito del teatro y de la danza, para desplazarlo proponiendo la idea de una “mezcla en escena” de distintas referencias a ciertos hitos que han marcado la historia de la relación entre lo musical y lo dancístico. En este sentido, Mix-en-scene ofrece un viaje que experimenta además con la linealidad de la cronología y que juega a superponer estilos y principios artísticos, utilizando metodologías propias de la era de la posproducción y, en concreto, del espíritu dj de la apropiación, la manipulación y el versionado de materiales.

En este viaje de influencias encontramos, entre otras, claras referencias a Yvonne Rainer, Kraftwerk, los artistas futuristas, Erik Satie, Plastikman, György Ligeti, Pina Bausch, Tom Zé, Ryoji Ikeda, Fats Domino, William Forsythe, Meg Stuart, A Number Of Names, Aphex Twin, Vaslav Nijinsky, Daphne Oram, Igor Stravinsky, Mary Wigman o Laurie Anderson.

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14 de junio a las 20.30h en Conde Duque

Si la curación es una opción entonces ¿por qué no curarnos de nuestros males en el teatro? ¿Por qué desperdiciar una hora en ‘cultura’ cuando podemos invertirla en estar más sanos?

Esta ‘performance’ está pensada para ‘sanar’ no sólo alguna dificultad física o psicológica particular, si no para tratarlas todas simultáneamente.

I cure puede sanar también a la gente que quieres y de la que te ocupas, todo depende de hacia dónde enfoques el poder sanador de I cure.

I cure no es una terapia individual, está pensada para curar a toda la audiencia al mismo tiempo. Tu implicación en el proceso tendrá un impacto en la sanación, mucho más incluso, que la performance en sí misma.

Ivo Dimchev es coreógrafo, artista visual, cantante y compositor búlgaro. Su trabajo es una colorida mezcla de performance, danza, teatro, música, dibujos y fotografía. Dimchev es autor de más de 30 performances. Ha recibido numerosos premios internacionales en danza y teatro y ha presentado su trabajo en Europa, Estados Unidos, Canadá y Latinoamérica.

Imparte clases magistrales en BudapestNational theater academy/Budapest, en el Royal  Conservatorium de Bélgica (Amberes), en la Hochschule der Künste en Berna, en DanceWeb en Viena, etc.

Junto a su faceta de coreógrafo, Ivo es un extraordinario cantante y compositor. Ha publicado sus dos primeros álbumes: Songs from my shows – live y Sculptures,  que presentará en vivo en el Auditorio de Conde Duque.

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21 de junio en Centro Párraga (Murcia)

“Mercedes máis eu” es producto de la colaboración entre la artista Janet Novas y la compositora Mercedes Peón. Tras varios encuentros de improvisación en contextos y espacios muy heterogéneos, donde las dos artistas exploran las relaciones particulares que existen y que se establecen entre “su danza y su música”, surge la necesidad y el deseo de profundizar, entender, organizar o escribir y dedicarle un tiempo de “estudio” a dicha relación.

De esta forma, entre instrumentos, recuerdos, canciones y bailes comienzan a aflorar conceptos del bagaje de ambas y en diferentes estados de latencia. Algunos de ellos de gran contenido socio-político: identidad, pertenencia, sonoridad, creación colectiva, género… y subyacen en la mayor parte de los materiales, desde los “objetos” musicales a los dancísticos o biográficos. Otros, conceptos somáticos o experiencias cuánticas: trance, energía, vibración… y aparecen en los pulsos, los ritmos y los tonos, en las voces y en las dinámicas, en los silencios, en las formas. El trabajo es además una propuesta sutil sobre lo común sensible, y una apuesta por el hacer/saber artístico.

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8 de junio a las 18h en Azkuna Zentroa

Sra. Polaroiska es artista asociada en Azkuna Zentroa. Esta nueva línea de apoyo a la creación acompaña a artistas cuyos trabajos suponen una inspiradora mirada sobre los lenguajes artísticos.

El colectivo Sra. Polaroiska nos invita a participar en la instalación No hay edad para el ritmo. En ella proyectará su última pieza audiovisual No hay nada más moderno que envejecer y propondrá un dispositivo en el que invita a personas de todas las edades a disfrutar de un baile colectivo, familiar e intergeneracional.

Se trata de una invitación a la contemplación de los cuerpos en movimiento. Cuerpos esculpidos o no por el paso del tiempo, cada uno totalmente diferente al otro, construyendo un baile que habla de amor, deseo, belleza, sexo, diversión y afectos. Cuerpos que se mueven sintiendo, vibrando y habitando el presente. Texturas, pieles y ritmos respirando el disfrute por derecho propio y por puro placer.

Con esta propuesta se quiere cuestionar la construcción de unos cánones con el fin de desmontar un imaginario social y cultural plagado de prejuicios y estereotipos. o hay edad para el ritmo, por ello disfrutemos de un momento único bailando por el puro placer de hacerlo.

SRA POLAROISKA está formado por Alaitz Arenzana y Maria Ibarretxe. Su obra gira en torno al cine experimental, el arte de acción, la creación escénica y la coreografía. Ganadoras del Premio Gure Artea 2017 por el reconocimiento a su actividad creativa. Sus piezas escénicas y audiovisuales han sido expuestas en numerosos Centros de Arte y Festivales Internacionales, Museo Artium, Museo Reina Sofía, Museo Guggenheim, Instituto Cervantes de Estocolmo, Manchester, Festival des Cinémas Différents de Paris, Casa Encendida, Fundación Bilbao Arte, entre otros.

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Núria Guiu

23 de mayo a las 19.30h en AzkunaZentroa

¿Un like te representa? ¿La cantidad de likes o seguidores que acumulas en redes sociales te define? ¿Cuál es el precio de un ‘Me gusta’? ¿Dónde está la barrera entre la realidad y lo digital? La bailarina y coreógrafa barcelonesa, Núria Guiu, presenta la pieza Likes, una reivindicación del cuerpo a cuerpo frente a la intoxicación de Internet.

Likes parte del análisis de dos fenómenos populares de YouTube: el cover dance y los tutoriales y vídeos sobre las diferentes técnicas de yoga.

Desde una perspectiva socio-antropológica, la artista aborda al público con un discurso sobre el valor social de un like en nuestras sociedades digitales. Este trabajo es una mirada fresca y coreográfica sobre la presencia del cuerpo en la era digital.

La danza y especialmente la danza relacionada a la cultura y música pop, se ha convertido en todo un fenómeno de gran popularidad a través de redes sociales. La aparente simplicidad de los pasos de las coreografías permite una elasticidad cultural, siendo estas apropiadas y bailadas por bailarines covers. Likes toma como base algunas de estas coreografías / danzas cover así como otro fenómeno también muy popular en la red como es la práctica de yoga, la cual se ha extendido, popularizado e hibridado a través de internet en diferentes estilos.

NÚRIA GUIU es bailarina y coreógrafa graduada en el Instituto del Teatro de Barcelona. Su trayectoria profesional como bailarina incluye compañías como IT Dansa o La Veronal, Cullberg Ballet (Se), Gisele Vienne (Fr), Carte Blanche Dance Company (No), Jasmin Vardimon (Uk), Kobalt Works (Be), Ingri Fiksdal (no) entre otros. Entre 2009 y 2010 forma parte del proyecto Kamuyot, una pieza de la compañía Batsheva Dance Company dirigida a un público adolescente. En 2012 crea La Muda, una pieza de grupo estrenada en la Opera de Oslo. En 2014 crea Portal, estrenada en Oktoberdans Festival de Bergen y en la Sala Hiroshima de Barcelona, PAM. Sú última obra, Likes, ha sido elegida en la plataforma europea de Aerowaves 2018.

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Concepto: Sandra Gómez.
Creación: Paula Pachón, Cristina Núñez, Sandra Gómez. 
Intérpretes:Paula Pachón, Cristina Núñez, Sandra Gómez.
Música: AWI 

23-24-25-26-30-31 de mayo y 1-2 de junio a las 20:30h en el Teatro Círculo (Valencia)

La pieza Preludio y fuga surge de un laboratorio de investigación donde 4 coreógrafos/as y una escritora se reúnen para compartir sus maneras de hacer en un proceso creativo. 

Trazando conexiones entre los referentes y métodos de escritura a nivel literario se toma como punto de partida la idea de copia como estrategia coreográfica en un intento de disolver la cuestión subjetiva y desplazar el yo de un lugar central y la focalización como método de trabajo. 

Como Bartlebly el escribiente se usa la herramienta de la copia como una manera de huir de todo intento creativo y productivo; de la misma manera que en la Escritura no creativa de Goldsmith el autor ha de abandonar los conceptos caducos de originalidad y creatividad. 

Por otro lado, esta pieza plantea la pregunta de si es posible trasladar a un trabajo escénico la idea de focalización propuesta por Mieke Bal en su estudio sobre teoría narrativa donde trata la relación entre los elementos presentados y la concepción a través de la cual se presentan, es decir, entre la visión y lo que se ve. 

/

 A mí «copia» me parece interesante. 

Copia, ¿qué más? 

Apropiación. 

Referente. 

Límite también ha salido. Partitura. 

La repetición está también aquí. 

Sí, repetición. 

Unísono. 

¿Hemos dicho «repetición»?, ¿no? 

Sí, ja, ja, ja. 

Repetición. 

Alguien utilizó la palabra «lupa». Eso tiene que ver también con la visión. Desde dónde vemos las cosas.
La mirada.
 

Aula de La Colectiva, Cabanyal 02/11/2018 

 

Copia: la copia es un concepto, es una idea ya que la están alimentando intelectualmente desde diferentes campos. 

Entonces, por ejemplo, límite. Pues límite ¿qué es?, ¿es una palabra o un concepto?. 

Carne. Carne a mí me parece más palabra que concepto. 

Pero ¿cual es la diferencia para ?. 

Un concepto es… 

¿Algo más complejo? 

¿Tiene más profundidad? 

Claro. Con el que estás designando… 

..ideas, no un objeto o una cosa, si no que estás designando una idea. 

Bolígrafo. 

Unisono, pues unisono parece más una palabra. 

Pero luego por ejemplo imagínate que de pronto alguien dice: mira no se qué, el ser bolígrafo, ¿qué es el ser bolígrafo? Y ahí decides si el ser bolígrafo es alguien que está escribiendo siempre por todas partes y de pronto el ser bolígrafo que sale de las artes escénicas de un trabajo que hemos hecho nosotros, de pronto alguien se lo lleva a… no sé, a la medicina y, aquí muchas veces estamos utilizando conceptos que su significado está como…por ejemplo en escénicas ¿qué palabras, qué conceptos se están utilizando ahora mucho?. 

(Comienza a sonar una música clásica).
  

Aula del TEM, Cabanyal 08/11/2018 

 

¿Cómo podríamos trabajar juntos con una herramienta que viene de la literatura pero que yo creo que también la podemos aplicar a la escena si se transforma? El percibir, el ver, ¿dónde está fijado?, ¿en nuestros cuerpos?, ¿o qué pasa con nuestros cuerpos? Esa mirada… no, no es mirada. ¿Ese foco cómo lo podemos trasladar?. Si algún día os da por leer “Bartleby el escribiente” u otro relato, pues ¡oye!, ¿esta herramienta de focalización…?, 

¿pues dónde está el cuerpo?. Pues eso es lo que queda. 

Podemos leer este texto. ¿Quién quiere leerlo? 

Se procede a leer la entradilla: 

Conviene defender y alimentar la mirada atenta, porque en su intensidad selectiva se cobija el poder de valorar y proteger cualquier objeto y, por lo tanto, todos los objetos del mundo.” 

 

Espera, espera, otra vez. 

Sí. sí 

¿la entradilla, sí? ¿O queremos leer el texto y luego volvemos a la entradilla? 

La entradilla, sí. Para que entremos bien.
 

Aula de La Colectiva, Cabanyal 26/11/2018 

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10 y 11 de abril en La Casa Encendida

Cris, Jorge y Guillem se conocen desde hace años y por fin trabajan juntos. A la primera colaboración la llamaron Lo Mínimo y es una creación en proceso que cristaliza en dos momentos: uno que titularon lo pequeño, que presentaron en mayo del 2018 en La Pedrera y que es lo que veremos en La Casa Encendida, y otro que se titula Lo Mínimo, que se estrenó en el Mercat de les Flors del 4 al 7 de abril del 2019.

En lo pequeño han trabajado sobre el artifício y su manera de acercarse a él, haciendo visibles la maquinaria y las estrategias teatrales. Partiendo de una situación, un espacio y un tiempo poco definidos, como suspendidos, van construyendo pequeñas situaciones o miniespectáculos los unos a los otros, creando diferentes capas de artifício, realidad o ficción, jugando con la expectación, la expectativa y la espectacularidad.

Creación e interpretación: Cris Blanco, Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol.
Sonido y coordinación técnica: Carlos Parra.
Producción ejecutiva: El Climamola.
Producción: La Pedrera con la colaboración del Mercat de les Flors.

>Más info y entradas

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Jorge Dutor, Cris Blanco y Guillem Mont de Palol

6 (18h) y 7 (12h) de abril en el Mercat de les Flors

Estás en un lugar, no sabes cómo es y no hay muchas pistas para descubrirlo:
tres telas, goma espuma y unos palos. Suena el timbre. Entra el naranja.

Cuidado con el perro. A mitad de la función cae el principio del espectáculo del techo: mira eso. Saldré. Suena el timbre. Fuera parece que llueve.
¿Cantamos la canción?
Un juego de mentiras, de acciones mínimas, de mini espectáculos.

El encuentro de estos tres creadores, Jorge Dutor, Cris Blanco y Guillem Mont de Palol, ha dado lugar a la realización de una obra para todos los públicos. Hacer de lo real una ficción y de lo ficticio una realidad, convertirse en casi cualquier cosa y cruzar dimensiones espacio temporales.

Lo mínimo es un espacio de extrañezas atravesado por el humor, un lugar en el sublimar lo cotidiano, el pequeño y el mínimo.

Cris Blanco desarrolla proyectos escénicos desde 2003 y trabaja en performance, música, teatro y cine; la mezcla de géneros escénicos, los trucos a la vista, cambiar el significado de signos y objetos, la ciencia y la ficción tienen que ver con su trabajo. Guillem Mont de Palol y Jorge Dutor colaboran juntos desde 2008 y han realizado numerosas piezas, una muestra de las cuales las hemos visto en el Mercat en la constelación que les hemos dedicado. Trabajan sobre el lenguaje, lo absurdo y lo cotidiano.

Creación e interpretación Jorge Dutor, Guillem Mont de Palol, Cris Blanco / Diseño sonidoCarlos Parra / Diseño luces Jorge Dutor y Marco Mattarucchi / Espacio y objetos Jorge Dutor, Guillem Mont de Palol, Cris Blanco / Dioramas Oriol Corral / Producción y managementElclimamola / Imágenes teaser video Luis Urcúlo
Coproducción Mercat de les Flors, Teatros del Canal de Madrid, le Phénix scène nationale Pôle européen de création à Valenciennes /coopération internationale, La Pedrera-Barcelona / Con la colaboración  Escuela Municipal de teatro de Madrid y la Den Danske Scenekunstskole en Copenhague / Con el apoyo Departament de Cultura- Generalitat de Catalunya.

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