— MuroTRON

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Baile

Del 9 al 11 de abril en el Mercat de les Flors

“Tres piezas de una de las coreógrafas del momento que exploran las diferencias de la condición humana”.

Ayelen Parolin, coreógrafa y bailarina, nació en Buenos Aires y actualmente vive y trabaja en Bruselas. Ha sido intérprete para coreógrafos como Mathilde Monnier, Mossoux-Bonte, Jean-François Peyret, Mauro Paccagnella, Louise Vanneste, Alexandra Bachzetsis, Anne Lopez y Riina Saastamoinen. Desde 2004, Ayelen Parolin ha llevado a cabo un trabajo personal en el que cada una de sus creaciones gira alrededor de un motivo a partir del cual construye la escritura coreográfica.

 

 

 

 

WEG

10 y 11 de abril

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Como parte de la programación anual de Mover Madrid, durante abril, en la Cuarta Pared:

Mover el sentido – Paz Rojo, Oihana Altube y Lucas Condró

Taller práctico impartido por Paz Rojo, Oihana Altube y Lucas Condró


Pensar la danza – Mesa de debate

Cierre del taller Mover el sentido, moderada por Sandra Cendal (editora de Continta me tienes), el jueves 7 de abril a las 21h00.


Ahora_ya – Amaia Bono

Pieza de danza que tendrá lugar el jueves 8 de abril a las 21:00h.


Inventario – Miguel Ballarín

Pieza de danza que tendrá lugar el viernes 9 de abril a las 21:00h.


Ser devenir – Lara Brown

Pieza de danza que tendrá lugar el sábado 10 de abril a las 21:00h.

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10 de abril en La Casa Encendida

Cecilia Bengolea, junto a Damion Bg Dancer, Craig Blak Eagle y dj Master Will, nos invitan a una sesión de dancehall en su performance Party Animal.

El dancehall es un género hijo del reggae con origen en la Jamaica de los años 80 y que ha derivado en una subcultura espiritual. Tras cinco años de colaboración, la artista Cecilia Bengolea, junto a los bailarines jamaicanos Damion Bg Dancer, Craig Blak Eagle y el dj Master Will, nos invitan a practicarlo en su performance Oneness – Party Animal.

Party Animal es el título de una canción donde el artista jamaicano Charly Black le dice a una chica que es un animal de fiestas. Algo en lo que se convierten todos los y las bailarinas cuando asisten a las raves callejeras con soundsystems que duran de lunes a lunes en Kingston, Jamaica. La vibración de la música, sumado a la letra de las canciones y los ritmos, crean unidad, Oneness.

Cecilia Bengolea se centra en su trabajo en formas antropológicas y urbanas de baile y su relación con la naturaleza, sus elementos y figuración. Percibe la danza y la performance como si se tratasen de esculturas animadas y abraza el hecho de que estas formas le permitan ser objeto y sujeto al mismo tiempo. Estudió Filosofía e Historia del Arte en la Universidad de Buenos Aires e hizo el máster en coreografía Ex.e.r.c.e. de Mathilde Monnier, en Montpellier. Las instalaciones y performances de Cecilia Bengolea han formado parte de eventos e instituciones como la Biennale de Lyon (2015), The Tanks y Tate Modern (2015), la Biennale de Sao Paulo (2016), el Palais de Tokyo (2015 y 2018), Art Basel Miami Beach (2018) o el Centro Pompidou (2010 y 2016). Sus trabajos Pâquerette (2005-2008) y Sylphides (2009) ganaron el Premio de la Crítica de París y el Young Artist Prize de Gwangju Biennial en 2014. Además, ha co-creado piezas de danza para el Ballet de Lyon (2013), el Ballet de Lorraine (2014) o Pina Bausch Tanztheater Wuppertal (2015). En este trabajo Bengolea ha creado junto a Sam Twidale un software para mezclar varios de sus vídeos que se proyectan en vivo. A través de un sistema de algoritmos, esta pieza ofrece cuatro horas de proyección de los bailes que ella misma ha grabado durante cinco años en Jamaica. Los vídeos, que responden a los parámetros de la música y el movimiento, se mezclan en vivo.

Damion BG Dancer es un bailarín de dancehall jamaicano, profesor de danza y líder del grupo BG dancerz. Su grupo se llama BG en referencia a la comunidad llamada Burger Gully y está formado por siete miembros. Es conocido por tener gran cantidad de bailes diferentes y es posible encontrar los pasos que han creado en videoclips de artistas como Neyon o Omarian & kranium, o en una de las películas más populares de dancehallKing of the dancehall.

Craig Black Eagle descubrió sus habilidades para bailar a los 19 años. Con mucho poder de decisión y ambición, se ha convertido en uno de los bailarines de dancehall más destacados del mundo.

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Anto Rodríguez

Del 8 al 10 de abril en Conde Duque

Hay una máxima que define y marca el tono efervescente de esa delirante corriente teatral que es la vieja Commedia dell’arte italiana: la energía nunca baja. Se mantiene o sube. Para entendernos, es un subidón constante. No es extraño que el creador asturiano Anto Rodríguez, quien confiesa haber vivido de los 15 a los 27 años totalmente obsesionado con la Commedia dell’arte, dedique ahora una obra a cuestionar, entre otras convenciones, el subidón y los resortes que lo disparan, lo que viene anunciado ya desde el título. Arriba es una obra sobre la energía, «esa fuerza abstracta que nos conecta casi de una manera material», define el artista que ha sentido fascinación por esos personajes arquetipo, que ha admirado esa narrativa siempre ascendente así como la intensidad que se produce en la relación con el público en la revista teatral tradicional, la música pop y la tele. La pieza forma parte de una investigación mayor, a la que también pertenece su creación La Traviata, en la que se aproximaba a otro asunto artístico italiano, ésta vez del mundo de la lírica. En su estudio, intenta analizar y acercarse a los ejes esenciales de lo escénico, en lo que él denomina «artes de la relación».

En Arriba, Rodríguez apuesta por jugar con las convenciones, sobarlas, estar a gusto en ellas, jugar con sus amigos en escena y con el público como amigo. Arriba propone un dispositivo escénico en formato de pregunta, de lugares comunes revisitados y redimensionados. La intensidad de los cuerpos, la intensidad del sonido, del espacio, el encuentro con quien está en frente. Se pregunta dónde va la energía que desprende la escena, qué «artes de relación» suceden en una discoteca, un concierto, una fiesta…

Anto Rodríguez es artista inclasificable. Se hizo con el premio al mejor largometraje asturiano en la sección Gran Angular, del Festival de Cine de Gijón 2013, por Frankestein, falsa autobiografía que él define como su película-fantasma. Es autor de Vivir en videoclip, un concierto-karaoke producido por el Festival Veranos de La Villa, de Madrid. Su propuesta Lo otro: el concierto ha sido diseñada como una conferencia escénica. Diferentes temas, distintos formatos, el cruce de géneros ajenos o hermanados como la performance, la danza, el teatro, el cine, el audiovisual y hasta la ópera configuran la personalidad de un artista ecléctico que, de su propia cosecha, ha estrenado títulos como Notas para una conferencia troll, Mamá Patria, La salita o Los libros. Suele invitar a otros artistas a sus propuestas (en Arriba son Óscar Bueno y Cris Arias) y al tiempo, suele participar como invitado en las de otros. Entre ellos Juan Domínguez, Amalia Fernández, Óscar Bueno, Cris Blanco o Cuqui y María Jerez.

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Del 25 al 28 de marzo en el Teatro del Barrio

Ningún hombre me llevará a la cumbre es una pieza en solitario de Celeste González, creada en 2019 y estrenada en el Teatro Circo de Murcia para el II Congreso Internacional de Artes y Diversidad,  que ese año versaba sobre: “Identidad, tránsito, territorio y violencias”.

Los conceptos Identidad, Tránsito, Territorio y Violencia forman el eje central de un trabajo que, como el hecho de transitar el género, no tiene un punto y final y se convierte en un viaje a ninguna parte, en una deriva construida a golpe de subjetividad. Esta idea se revienta en cada presentación y sigue haciéndose preguntas de forma insaciable, incansablemente, sin pararse en ningún resultado.

Nadie tiene derecho a cuestionar qué o quiénes somos. El debate sobre lo trans es inadmisible.

“Queridas espectadoras:

No quiero contarles nada.

Ni yo misma sé muy bien qué me lleva a salir a escena, a seguir en esto.

Si lo tuviera claro, no haría lo que hago.

Si desean saber algo más, vengan a verme y… ¿hablamos?

Ahora… les dejo, que voy a depilarme con pinzas los pelos blancos que aún siguen saliéndome en la cara».

Celeste

Como la propia identidad, Ningún hombre me llevará a la cumbre se cuestiona permanentemente y, “a pesar de los resultados”, sigue preguntándose en cada espacio de representación. Nos vamos acercando… ¿Adónde? ¿A quién? ¿A qué?

¡Let’s go, baby!

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De Greta&Anna

Del 11 al 13 de marzo en Teatro Pradillo 

Nadie quiere ver morir a su mamá.

De entre toda la gama de oscuridades que tiene el dolor, se dice y se repite que la pérdida de un hijo es la mayor y la más grande de todas las tragedias, poco se habla de la pérdida de una madre.
A menudo es el ritual (una vez más) la única salida posible. Como alternativa al duelo “Mi madre muerta” plantea un rito personal, que tiene que ver con cómo la artista plástica Anna Jonsson y su hija Greta García Jonsson entienden la tragedia, a menudo atravesada por el sarcasmo, y el humor negro. Cómo encontrar el humor en la pérdida, cómo reírte de la peor de las pesadillas, esa que sabemos que vamos a vivir, pero intentamos evitar a toda costa. Estamos hablando de La Gran Preparación y parece que todo lo que tiene que ver con madurar nos lleva a trabajar esa preparación de la pérdida de nuestros padres, en concreto de saber cortar el cordón con la madre. Esta pieza puede ser la forma en que lo enfrentan Greta y Anna (o la forma en que no lo aceptan).
La maternidad per se no es el eje de la propuesta, desprenderse de una madre en sí mismo no tiene por qué suponer una tragedia, no estamos haciendo ningún alegato a la maternidad universal sino a las nuestras, a las que tenemos el privilegio de querer y ser correspondidas. Más en concreto a Birgitta, la madre de Anna Jonsson y a la propia Anna como madre Greta.
En el escenario Greta frente a la escultura. La cosa viene de familia. “Mi madre muerta” es un árbol genealógico en sí mismo, donde una escultura de Anna Jonsson hace de la madre de Anna y de la madre de Greta a la vez como si de una especie de escultura vudú se tratara. Acariciarla, zarandearla o bailar con ella es hacerlo con las dos madres al mismo tiempo. Y con las madres de todos. Ritual otra vez. “Mi madre muerta” es una despedida.
Alberto Cortés

Greta&Anna somos hija y madre y desde que nos conocemos hacemos cosas juntas. Videos de “Súper Violeta” y performances como “La verde”, “Del cerdo se aprovechan todos” o “El cabrón más fuerte”. “Mi madre muerta” nuestra primera obra escénica de largo formato.

Anna Jonsson. Nacida en Suecia, licenciada en la Facultad de Bella Artes en Sevilla, desarrolla desde los años 80 una dilatada trayectoria. Es una artista multidisciplinar, de formación escultórica, base de toda su obra, lo que la ha llevado a relacionarse y trabajar en el mundo de la danza-performance, reflejado tanto en sus espectáculos en vivo como en sus creaciones audiovisuales, junto a artistas como Torun Odlöw, Guillermo Weickert o María Cabeza de Vaca. Le interesan las cosas que hacen llorar y reír a la vez y piensa que más es más.

Greta García. Bailarina, creadora y payasa con estudios en Derecho, practica contorsión y escribe cuentos a escondidas. Interesada en el cuerpo y su búsqueda, así como el humor y el juego como vías para todo. Inició su formación en danza clásica y la continuó bailando todo lo que pudo. Ha trabajado como intérprete para otras compañías como Date.Danza o Angélica Liddell, en coproducciones como Ludo, pero sobre todo en proyectos colaborativos, Lanördika y Hermanas Gestring, generando diferentes propuestas. Gracias a esto viaja y recibe becas y premios que no le vienen nada mal.

Alberto Cortés. Inicié mi formación como director y dramaturgo en Málaga. Estoy en la escena porque la detesto y en esa guerra encuentro mi lugar. En 2009 comencé mi camino en lo escénico desde la dirección y la dramaturgia bastarda se ha ido transformando con los años en un proceso largo de asalvajamiento desde la periferia andaluza. Sigo sosteniendo mis ganas de actuar porque tengo esperanza en lo innombrable, lo intangible y lo humano. A día de hoy desarrollo mi identidad siendo creador, director, dramaturgo, acompañante, performer, docente, hijo, tío, amante, amigo.

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11 de marzo en Teatro Jesús Ibáñez de Matauco Antzokia

Quinta-feira: Abracadabra es la cuarta pieza fruto del ambicioso proyecto “siete piezas / siete años.

En 2019, Cláudia Dias comienza a trabajar en la cuarta entrega del proyecto. Después de Pablo Fidalgo Lareo, Luca Bellezze e Igor Gandra, el proyecto continúa en femenino con la coreógrafa y bailarina vasca Idoia Zabaleta.

Seven Years, Seven Pieces, es un proyecto a largo plazo de la coreógrafa e intérprete portuguesa Cláudia Dias que contrarresta la idea de un futuro ausente o precario, dolorosamente presentado año tras año. Apoyar la investigación artística respaldada por valores de continuidad, confianza y procesos compartidos, todos los cuales son necesarios para la producción de conocimiento, en oposición a la circulación de información.

  • Idea, puesta en escena, y dirección: Cláudia Dias
  • Artista invitada: Idoia Zabaleta
  • Intérpretes: Cláudia Dias, Idoia Zabaleta
  • Producción: Alkantara Festival (Lisbon – PT), con el apoyo de Azala

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Texto Quinta-feira: Abracabra

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4, 5 y 6 de marzo en Teatro Pradillo

Hace doce años, Claudia Faci y Jaime Conde-Salazar crearon una conferencia-ballet para la sala DT Espacio Escénico dedicada Le spectre de la rose (1911) de Vaslav Nizhínsky. En su interés por el repertorio, es decir, por aquellas obras que han pasado de cuerpo a cuerpo y han permanecido en nuestra memoria carnal, las dos artistas propusieron una lectura libre de aquella obra clave de la historia de la danza. De lo que se trataba era de detectar en qué lugares de sus cuerpos residía la memoria del ballet original explorando posibles estados, posiciones y miradas evocadas en los documentos históricos. La conferencia-ballet proponía una suave intoxicación a base de textos y referencias, músicas y movimientos que trazaban un viaje a través de cierta imaginación del pasado y del recuerdo de lo perdido para siempre: el París de comienzos del s.XX, Les Ballets Russes de Diaghilev, la Europa de antes de la primera Gran Guerra, etc. Evidentemente los cuerpos de Tamara Karsavina y Vaslav Nizhínsky no iban a volver nunca a escena, pero, como todas sabemos, el dispositivo teatral también sirve para invocar a los muertos y que estos se manifiesten como reflejos fugaces en los cuerpos vivos. Y esa era nuestra baza. No se trataba de reconstruir el ballet (propósito a todas luces imposible) sino de hacer que, de una forma muy modesta, la Joven y el Espectro volvieran a hacerse presentes.

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CondeGalí

6 y 7 de marzo en el Mercat de les Flors

Edat recomanada entre els 6 i els 11 anys

Espectacle inclòs dins la Quinzena metropolitana de dansa

Per mitjà de les paraules, la dansa i l’espai, aquesta proposta de Jaime Conde-Salazar i Aimar Pérez Galí vol oferir un entorn segur en el qual nens i nenes d’entre 6 i 11 anys puguin compartir un temps i un espai d’exploració tàctil. dit dit neix de les recerques que aquests creadors han desenvolupat durant els quatre últims anys al voltant del tacte i la pell. A partir d’un espectacle i d’un taller a continuació, es desplegaran petites accions adaptades a tothom per practicar i descobrir formes de relació directa amb el món i amb els altres a través de la pell.

Ballarí, coreògraf, pedagog, investigador i escriptor, Aimar Pérez Galí entén la dansa com una eina de transformació crítica. Ha col·laborat amb creadors com ara Cuqui Jerez, Xavier Le Roy, Nicole Beutler, David Zambrano i Silvia Sant Funk, entre d’altres, és el director artístic d’Espacio Práctico i forma part de l’equip docent del Conservatori Superior de Dansa de l’Institut del Teatre de Barcelona.

Jaime Conde-Salazar és llicenciat en Història de l’Art i màster en Performance Studies (2002, Universitat de Nova York). Crític de dansa a revistes com ara Por la Danza (Madrid), SuzyQ (Madrid), Ballet/Tanz (Berlín), Mouvement (París), Hystrio (Roma) i Obscena (Lisboa). El 2015 va publicar el llibre La danza del futuro (Graner / Mercat de les Flors). Com a dramaturg ha acompanyat processos de creació de Ben Benauisse, I-Chen Zuffellato, Antonio Tagliarini, Societat Doctor Alonso, Claudia Faci, Aitana Cordero, Elena Córdoba, La Ribot, Bárbara Sánchez i Aimar Pérez Galí, entre d’altres.

Ambdós creadors han posat en marxa la iniciativa d’expansió artística CondeGalí B. L., a través de la qual duen a terme diversos projectes de recerca i creació artística.

Direcció Jaime Conde-Salazar i Aimar Pérez Galí / Interpretació Daniel Méndez i Xavier Manubens / Dramatúrgia Jaime Conde-Salazar i Aimar Pérez Galí / So Óscar Villegas / Text i veu Aimar Pérez Galí / Producció executiva Isabel Bassas
Producció CondeGalí B. L. / Amb el suport A Tempo – Fundació Ciutat Invisible i L’animal a l’esquena

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Oihana Altube y Javier Vaquero 

del 4 al 6 de febrero en DT Espacio Escénico

“…quiero seguir haciendo tandues, vistiendome con banderas y bailando Rosalía… es mi manera de sobrellevar la barbarie.”

Rojo pandereta es una pieza de danza que toma como referencia la puesta en escena en 1869 de Don Quijote de la Mancha por el coreógrafo francés Marius Petipa. Un marco a partir del cual reflexionar y cuestionar los paradigmas coreográficos que como bailarinas han atravesado y construido nuestras identidades corporales.

Rojo pandereta toma como referencia la obra literaria de Miguel de Cervantes, Don Quijote de la Mancha (1605-1615) y su puesta en escena en 1869 por el coreógrafo Marius Petipa con el Ballet Don Quixot en el Teatro Bolshói de Moscú (Rusia).

El proceso de creación de Rojo pandereta nace del deseo de cuestionar los paradigmas coreográficos que como bailarinas han atravesado y construido nuestras identidades corporales (nacionales, de género, de raza y profesionales) a lo largo de nuestras carreras. De esta manera pretende evidenciar que la danza, además de ser una manifestación estética, ha servido y sirve para escriturar las ideologías, identidades, emociones, simbolismos y fisiologías de los cuerpos; y que, a su vez, es un medio de constitución política, social, cultural y económica.

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