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Baile

Sergi Fäustino 

Del 28 de febrero al 1 de marzo en Teatro Ensalle

La propuesta escénica que voy a presentar en el Teatro Ensalle es fruto de un proceso de creación en continuidad que empezó en 2012. Este largo proceso es como un árbol que se ha ido dividiendo en ramas y estas han ido dando unos frutos. Estos frutos, algunas veces han estado vinculados a los encuentros con la mirada del otro y otras veces no. Cada rama y cada fruto ha tomado una forma concreta debido a dos razones, a saber: por un lado, el trabajo en continuidad, esto es el día a día en el estudio, el trabajo en mi casa, en la ciudad donde vivo. Básicamente se trata de plantear preguntas y meterse con el cuerpo a buscar respuestas. Algunas veces las encuentro y otras no, pero la búsqueda siempre enriquece la reflexión. Por otro lado, está el intercambio con el lugar de presentación y las personas que lo habitan, esto varía según las características de cada lugar, se trata de que el trabajo esté suficientemente abierto para dejarse traspasar y modificar por las características específicas del entorno en el que se presenta. El objetivo es que cada presentación tenga sentido para el lugar, para las personas del lugar, para el trabajo en sí y, por lo tanto, para mí.

Para las presentaciones en Ensalle va a haber una parte de documentación gráfica de distintas formas que ha cogido el trabajo según el momento y el lugar de presentación, un apartado audiovisual en el que se podrán ver y oír las ramificaciones del trabajo en este formato, y un espacio para la escena. En escena va a haber un cuerpo bailando junto con una voz en off de alguien que mira y analiza el cuerpo que se mueve, el cuerpo que baila; y que hace una inmersión en el interior de este cuerpo, en el interior de esta persona, para compartir todas aquellas vicisitudes de su vida que lo han llevado a estar delante nuestro moviéndose de una manera única. Partiendo así de lo estrictamente físico para llegar a algo que trasciende el cuerpo.
La propuesta pretende poner sobre la mesa una visión desde el cuerpo y a través del cuerpo, con la conciencia que es importante que esta visión exista -junto con otras muchas-, en un momento en que la tendencia es ir hacia una visión única.

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Eszter Salamon

19 de febrero a las 19h en el Museo Reina Sofía

Las relaciones humanas son espacios radicales de resistencia. Muchos de mis trabajos se centran en subjetividades femeninas, genealogías feministas y relaciones multi-generacionales.

 M/Others explora la relación madre-hija. A través de modalidades de acción, sensación y percepción, la pieza abre una temporalidad inter-subjetiva, dando paso a un espacio singular de huellas y estados para juntarse.

 Es la segunda vez que le pido a mi madre que actúe conmigo. El dueto entre mi madre y yo produce empatía, cuidado y compasión, y, a través de la atención sensorial y sensual, permite experimentar ondulaciones poéticas de significados oscilantes. Esta co-habitación y constante reconfiguración del fraseo de nuestros cuerpos deviene en un proceso que hace y deshace la identidad, formulado un instante de co-emergencia: siendo y siendo-con, convirtiéndonos en testigos del espacio-tiempo más allá de la identidad.

 Mi plan es desarrollar M/Others con otras parejas de madres-hijas.

 Eszter Salamon

En diálogo con la exposición Musas insumisas. Delphine Seyrig y los colectivos de vídeo feminista en Francia en los 70 y 80, comisariada por Nataša Petrešin-Bachelez y Giovanna Zapperi, el Museo Reina Sofía presenta Monument 0.7: M/Others (2019), de la coreógrafa Eszter Salamon.

En 2018, la plataforma curatorial y editorial If I Can’t Dance I Don’t Want To Be Part Of Your Revolution, de Ámsterdam, junto a la investigadora y comisaria Nataša Petrešin-Bachelez invitaron a Salamon a imaginar una performance que conversara con el proyecto inacabado de la actriz, vídeo-artista y activista feminista Delphine Seyrig (1932-1990): una película muda en blanco y negro iniciada en la década de 1980 que, bajo el título Calamity, se basaba en las cartas que Calamity Jane (1852-1902), conocida exploradora y pionera del lejano oeste americano, escribió a su hija Jean McCormick (1873-1951).

La respuesta a dicha invitación es Monument 0.7: M/Others, que es, a su vez, el séptimo gesto de la serie Monuments, iniciada por Salamon en 2014. Concebida como un proyecto a largo plazo que abarca una pluralidad de formatos y duraciones, esta serie se aproxima a distintas figuras de la historia de la danza y el arte, como la bailarina, artista y actriz Valeska Gert (1892-1978) o la también bailarina y actriz Valda Setterfield (1934). Su propósito no es tanto servir de homenaje como plantear distintos modos de aproximarse a la historia del movimiento para traerla al presente incorporando cuestiones relativas a la identidad, la memoria o la autenticidad.

Tras la pieza, tendrá lugar una conversación con la artista, presentada y moderada por Isabel de Naverán

 

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12 de marzo en Azkuna Zentroa

El artista Ion Munduate presenta la pieza Goldberg Versions en el marco de la exposición Steve Paxton. Drafting Interior Techniques. Goldberg Versions es la exposición de un proceso de trabajo basado en la original de Steve Paxton que desarrolló a partir de improvisaciones bailadas entre los años 1985 y 1992.

Ion Munduate trabaja en torno al video que graba Patxon ese último año junto a Walter Berdin, en colaboración con la coreógrafa Ana Buitrago. Esta artista debe su formación a la escuela Movement Research de Amsterdam, vinculada al trabajo de Paxton y que asistió a la presentación de las Variaciones de Paxton en 1992, cuando las ejecutó y las filmó dejándolas archivadas.

Tal y como describe el artista, «en Goldberg Versions hay una serie de elementos comunes con mi anterior proyecto Translation, que forman la base de esta nueva pieza: la idea de la anotación del movimiento y de las indicaciones concretas para llegar a producir lo que se persigue y, por último, la de apoyarme en una pieza pre-existente para elaborar el material coreográfico».

La música de las Variaciones Goldberg de Bach, la pieza de movimiento de Steve Paxton sobre las Variaciones y la interpretación al piano por Glend Gould son, según añade, los tres elementos principales de reflexión y búsqueda. «Entre esos tres momentos se desata algo, entre lo extremadamente técnico en la manera de entender la música de Bach, en el caso de Gould y la manera de entender el movimiento, la improvisación y la música en el caso de Paxton, con una sencillez, una ligereza y una fluidez que ambos hacen que parezca que estuvieran saltando la dificultad de su ejecución», detalla.

Ion Munduate (Donostia, 1969). Artista formado en San Sebastián, Madrid y París. Junto a Blanca Calvo inicia en 1994 una intensa colaboración artística de la que surgen diversas obras. En paralelo, conciben Mugatxoan en 1998, un proyecto de formación dedicado a la investigación y creación. Sus performances y vídeos se han presentado en diversos espacios europeos y son: GoGo, Caja Roja y lucía con zeta (1998), Flyball, Boj de largo (2000), ASTRA TOUR (2003-2004), Extras de artificio (2005), BAT, Beautiful Animals Trying (2006), y Sin título, en colores (2010), Translation (2013-2016) Las plumas (2017) Alfabeto Móvil (2017). En 2015 reciben por Mugatxoan el premio Gure Artea como reconocimiento a la actividad realizada en el ámbito de las artes visuales. Ha impartido numerosos talleres y seminarios y ha sido tutor de diversas piezas de jóvenes artistas.

Ficha artística:
Con Ion Munduate
Asistente de movimiento: Ana Buitrago
Asistencia artística y producción: Blanca Calvo

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21 de febrero en Azkuna Zentroa

En el marco de la exposición Steve Paxton. Drafting Interior Techniques, presentamos tres obras históricas del artista, retomadas por el coreógrafo y bailarín esloveno Jurij Konjar.

Las dos primeras pertenecen a sus años iniciales en el mítico Judson Dance Theatre y se centran en una de las preguntas principales planteadas por este colectivo: ¿qué es el baile? En este breve solo, Flat (1964), Steve Paxton explora acciones sencillas como andar, sentarse, adquirir posturas o centrar la atención. Satisfyin Lover (1967) continúa dicha exploración mediante la invitación a 42 personas a caminar de un lado a otro del escenario siguiendo una serie de pautas sencillas.

La obra Goldberg Variations surge de un periodo posterior, tras el desarrollo de la famosa Improvisación de Contacto. En esta obra improvisada, Paxton incorpora algunas de las principales preocupaciones del baile posterior a Cunningham, en un diálogo en movimiento con la composición homónima de Bach interpretada por Glenn Gould.

En 2007, Jurij Konjar descubrió el video de Walter Verdin, Goldberg Variations, basado en la actuación de Steve Paxton “The Goldberg Variations de J.S. Bach, interpretado por Glen Gould, improvisado por Steve Paxton”. En 2009, a través de una cadena de hechos y elecciones, comenzó a ensayar regularmente; bailó la pieza completa, durante  todos los días del año siguiente. El estreno oficial de Goldberg Variations fue en Viena, en octubre 2010.

Jurij Konjar retoma la obra original a partir de sus observaciones, de las grabaciones de vídeo y una práctica diaria prolongada, parcialmente acompañada por Steve Paxton y Lisa Nelson. En sintonía con el legado de Paxton, la obra se recrea cada vez que se presenta, como un encuentro entre el intérprete, la música y el público.

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Del 20 de marzo al 10 de mayo en Azkuna Zentroa

«Al igual que el famoso árbol que no sabía si haría ruido en caso de caer al suelo en un bosque sin gente, existe un modo de observar las cosas que las confiere la posibilidad de ser interpretadas». (Steve Paxton, 1967)

Azkuna Zentroa – Alhóndiga Bilbao presenta la exposición Steve Paxton: Drafting Interior Techniquesen colaboración con Culturgest Lisboa y comisariada por João Fiadeiro y Romain Bigé. Se trata de la primera retrospectiva dedicada a la obra y legado del coreógrafo norteamericano, creador de la técnica Contact Improvisation.

La exposición tiene como objetivo transmitir la idea de las prácticas, intuiciones y sensaciones de Paxton y está estructurada en ocho ‘estudios’, cada uno de los cuales responde a una ‘técnica interior’ aplicada al cuerpo en movimiento que improvisa. Gira en torno a una pregunta que Paxton se planteaba constantemente a sí mismo en su estudio: ¿Qué hace mi cuerpo cuando no soy consciente de él?

Así, centrándose en la danza como práctica y como representación, la exposición transforma los espacios de la sala de exposiciones de Azkuna Zentroa en estudios de danza contemporánea, donde se invita a público y profesionales a preguntarse acerca de sus propios movimientos. Steve Paxton: Drafting Interior Techniques se plantea como una muestra de imágenes en movimiento a través de piezas audiovisuales, entrevistas e instalaciones que presentan los cuestionamientos que el coreógrafo ha hecho a lo largo de su carrera.

Rindiendo homenaje a las múltiples facetas del coreógrafo, la exposición se completa con un programa público compuesto por un ciclo de representaciones, conferencias y seminarios dirigidos por artistas locales e internacionales, además de sesiones de Contact Improvisation impartidas por profesionales del sector.

Steve Paxton: Drafting Interior Techniques es una idea original de Culturgest Lisboa, donde se presentó por primera vez entre marzo y julio de 2019.

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Actividades paralelas

>Jurij Konjar: Flat + Satisfyin Lover (Steve Paxton) & Goldberg Variations, 21 de febrero

>Ion Munduate: Goldberg Versions, 18 de marzo

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La Cresta es un programa en torno a nuevos lenguajes de creación escénica contemporánea. El programa está diseñado para que artistas locales y nacionales puedan dialogar desde sus prácticas artísticas con el espacio museístico y el territorio. Desde TEA Tenerife Espacio de las Artes se abre un nuevo espacio para la exhibición, la creación y el pensamiento con una programación regular para el público en general.

La Cresta se ha gestado pensando en la composición ósea de un hueso, naturalmente sólida y flexible. El programa de La Cresta emerge de una estructura firme como la institución para, gracias a su elasticidad, dar soporte a las prácticas artísticas del cuerpo y ampliar maneras de habitar el espacio museístico.

Durante el 2020, la línea curatorial de La Cresta atiende a la idea de danza y performance como disciplinas expandidas que desbordan los límites tradicionales en su forma de exhibición y en sus prácticas, llevando así los trabajos escénicos fuera de sus espacios expositivos convencionales. De la caja negra al cubo blanco.

¿Cómo puede la danza ser presentada en el museo? ¿En que medida se modifica la experiencia del público cuando los trabajos se relacionan con el cubo blanco?  Y a su vez, ¿cómo alteran estas relaciones las lógicas del espacio museístico?

Para el diseño y la curaduría de este espacio de creación escénica contemporánea TEA ha invitado a la artista Carlota Mantecón, cuyo trabajo gira en torno a la coreografía y el cuerpo.

La selección de los once artistas invitados a formar parte de la programación de este año se configuró pensando en una idea de danza expandida, y en cómo estos trabajos investigan nuevos lenguajes coreográficos o performativos. El trabajo de algunos artistas estará atravesado por nociones de territorio, como el de Lara Brown, Nazario Díaz, Societat Doctor Alonso o Semolina Tomik. Otros, atienden a la performatividad del sonido, como el de Amaranta Verlarde y Luz Prado. Mientras que el trabajo de Teresa Lorenzo y Manolo Rodríguez gira en torno a la improvisación o el de Macarena ReExhibición

Nueve artistas, de los once que configurarán el programa, presentarán sus trabajos escénicos dentro del cubo blanco del nuevo espacio expositivo: El rectángulo.

Residencia

Se abrirá una plaza para que un artista de la danza o la performance forme parte de las residencias artísticas anuales de TEA durante el mes de septiembre. El artista dispondrá de cinco semanas de trabajo en el museo. Durante ese periodo la dirección artística del centro propone un estar compartido a modo de convivencia entre artistas con el fin de intercambiar miradas, modos y prácticas.

Pensamiento: Talleres / Charlas

Puntualmente, y a lo largo del año, algunos artistas invitados ofrecerán talleres específicos y charlas desde sus prácticas artísticas tanto para profesionales como para público en general.

DI-vagANDO

Se abre un pequeño oasis de pensamiento en medio de la estación estival invitando al artista local Adán Hernandez a re- pensar modos y maneras de estar. Con el objetivo de pensar, practicar y divagar en torno a estas preguntas: ¿Cómo podemos pensar nuevas formas de existir en el espacio museístico? ¿Cómo podemos vincular el territorio cercano de la ciudad con el propio museo?

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Cresta #1

Cresta #2

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Del 16 al 19 de enero en el Teatre Lliure

Primera parte de Signat Patrick Watson, un proyecto conjunto de la compañía Atresbandes con Bertrand Lesca y Nasi Voutsas sobre la tensión entre el arte y lo que consideramos políticamente correcto.

Los proyectos de Atresbandes avocan por un teatro-laboratorio que ponga el acento en el proceso de creación para cuestionar el mundo que nos rodea. Han presentado CodaAll In (2017), Locus Amoenus (2014) y Solfatara (2012).
El colectivo escénico formado por Bertrand Lesca y Nasi Voutsas, que estuvieron en Gràcia la temporada 18/19 con Eurohouse / Palmyra, trabaja sobre la tensión Oriente – Occidente y los límites del odio y la violencia a partir del juego actoral.

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Dimecres 27 de noviembre a las 20h

Càpsules de Creació en Cru són moments de trobada amb els creadors residents al centre, pensats per compartir de manera confortable i distesa la seva pràctica artística, l’estat actual dels seus projectes, les matèries i qüestions que apareixen i nodreixen el seu treball. Mostres informals, presentacions amb diferents nivells d’exposició, sessions obertes d’estudi, projeccions, converses i altres dispositius per descobrir l’interior dels processos de creació.

Dimecres 27 de novembre, a les 20h Ohiana Altube i Javier Vaquero compartirà el seu projecte Rojo pandereta.

 Després parlarem al voltant del seu treball mentre prenem un vermut.

(Entrada lliure amb aforament limitat.)

Rojo pandereta pren com a referència l’obra literària de Miguel de Cervantes, Don Quijote de la Mancha (1605-1615) i la seva suposada posada en escena el 1869 per al coreògraf Marius Petipa amb el Ballet Don Quixot en el Teatre Bolshói de Moscú (Russia). El procés de creació de Rojo pandereta neix del desig de qüestionar els paradigmes coreogràfics que com a ballarines han travessat i construït les nostres identitats corporals (nacionals, de gènere, de raça i professionals) al llarg de les nostres carreres. D’aquesta manera pretén evidenciar que la dansa, a més de ser una manifestació estètica, ha servit i serveix per a l’escriptura de les ideologies, les identitats, les emocions, els simbolismes i fisiologies dels cossos; i que, a la vegada, és un mitjà de constitució política, social, cultural i econòmica.

Durant el nostre període de residència a La Caldera, emfatitzarem en la investigació del que nosaltres hem anomenat ‘psicoballet’ i com això pot ser vist des de fora per un públic assistent. El psicoballet és una pràctica diària que portem fent des del principi del projecte. És el fer que ens acompanya en cada pas del procés. Un, fer que està amb nosaltres per una dependència a aquest mateix. Es tracta d’una barra de ballet acompanyada per una reflexió somàtica sobre com ens sentim aquell dia. Deixant-nos fluir i derivar per comunicar a l’altre l’estat anímic integral del nostre ser més profund a través dels exercissis de ballet.

Javier Vaquero i Oihana Altube

Javier Vaquero i Oihana Altube són ballarines ibèriques amb cossos que han performat dansa clàssica, el Graham, el Flying Low, el Relehase, la Macarena, el Pilates, el Movimient Auténtic, el Ioga occidental, el Quiromassatge, les Danses de Caràcter, el Horton, el Body Mind Centering, Feldenkrais, el Neoclàssic, el Forshyte, el Jazz, l’Aeròbic, l’Aurresku, les Sevillanes, el Voguing, el Cunningham, la Composició en Temps Real, la Danza Movimiento Terapia i la Sardana, entre altres.

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Aimar Pérez Galí

30 de noviembre en Azkuna Zentroa

Conmemorando el Día Internacional de la Lucha contra el Sida, AZ presenta The Touching Community, una pieza del coreógrafo Aimar Pérez Galí que aborda la relación entre la danza y el sida/VIH.

A finales de 2015, Aimar Pérez Galí inicia una investigación acerca del impacto que tuvo la epidemia del sida en la comunidad de la danza en el contexto español y latinoamericano. Apropiándose de la práctica del Contact Improvisation, este trabajo se construye como un diálogo con los fantasmas de aquellos que se fueron. Esta práctica de danza, iniciada por Steve Paxton, en la que el movimiento se improvisa a partir del contacto físico entre dos cuerpos, contrasta con las políticas de inmunidad que trajo el VIH/sida.

The Touching Community es un trabajo íntimo y afectivo que aborda una época que aún a día de hoy debemos seguir dando visibilidad y afrontando con la sensibilidad que requiere. Un trabajo sobre la memoria, sobre los bailarines que dejaron de bailar demasiado pronto; sobre una comunidad que se construyó fuerte en un momento de gran debilidad; y sobre el tacto y el contacto como herramienta de supervivencia. Pero sobretodo es un trabajo que habla del amor, del cambio y del miedo.

Si en su trabajo anterior, Sudando el discurso, utilizaba el sudor como herramienta para afirmar la danza como discurso legítimo, en este nuevo trabajo se convierte en el punto de partida para entender un contexto complejo y dramático. Durante los años 80 y 90 el VIH se expandió hasta convertirse en una epidemia. El virus sigue expandiéndose aunque los medios para paliarlo han cambiado mucho y hoy en día ya no se considera una enfermedad mortal. The Touching Community parte de una investigación sobre el impacto que tuvo la epidemia del sida en la comunidad de la danza durante esas dos décadas para producir una acción performática donde se invite al espectador a ser tocado a un nivel sensible y afectivo.

Ficha artística
Idea, dirección y textos: Aimar Pérez Galí
Danza: Óscar Dasí, Jesús Bravo, Jaime Conde-Salazar, Aimar Pérez Galí
Dramaturgia: Jaime Conde-Salazar y Aimar Pérez Galí
Apoyo en la investigación: Aimar Arriola
Diseño espacial y de luces: Cube.bz
Banda sonora: Tirso Orive
Ilustración y fotografía: Jordi Surribas
Producción: ANTES / Aimar Pérez Galí
Con el apoyo de: Becas de investigación de la Generalitat de Catalunya; Graner – Centre de Creació del Cos i el Moviment (Barcelona); Programa de Ayudas IBERESCENA; CaixaForum Barcelona; Tabakalera (San Sebastián); L’animal a l’esquena (Celrà, Girona); PAR – Programa Artistas en Residencia (Montevideo); Centro Cultural de España en Montevideo; CEPRODAC (Ciudad de México); Museo del Chopo (Ciudad de México); Espacio Práctico (Barcelona).

Aimar Pérez Galí desarrolla su práctica artística en el campo de la danza y las artes en vivo como bailarín, coreógrafo, investigador, pedagogo y escritor. Estudió danza contemporánea en la Escuela Superior de Artes de Ámsterdam (Holanda) y ha cursado el Máster en teoría crítica y estudios museológicos en el Programa de Estudios Independientes del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA) y la Universitat Autònoma de Barcelona (UAB). Es co-fundador y director de Espacio Práctico desde 2010. Profesor en el Conservatorio Superior de Danza del Institut del Teatre de Barcelona desde 2014 y coordina colectivamente el grupo de lectura ‘¡Encarna!’ en el MACBA desde 2017.  Desde el 2016 forma parte del Consejo de Cultura de Barcelona como persona de reconocida válida.

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Carlota Mantecón

29 de noviembre en La Mutant (Valencia)

Si suena me incita a mover. Si me muevo suena. Cuerpo. Cuerpo. Cuerpo. Si lo escucho me modifica. Tiempo, beat o resonancia. Si lo escuchas, te modifica. Martillo, yunque, estribillo. Si lo activo construyo. Si lo conecto se amplifica. Si me voy se acopla.

Un solo de danza. Un dúo sonoro.

¿Cómo escuchamos la imagen de un cuerpo en movimiento? ¿Cómo visibilizar el sonido que nos percute? ¿Cómo lo acústico condiciona lo visual? La compañía canaria Carlota Mantecón presenta en La Mutant “Esto no es una prueba de sonido”, una creación que pasa por la auto-exploración corpóreo-sonora; la construcción del sonido en movimiento hecha imagen; y la ausencia, como fuerza generadora de algo que va más allá del propio cuerpo.

La pieza viene de la mano de Circula! Tren de Creación en Danza, un proyecto estatal promovido por siete asociaciones de profesionales de la danza nacionales y cuyo fin es promover el movimiento y la circulación de compañías, coreógrafas y bailarinas asociadas entre las diferentes comunidades autónomas.

Ficha técnica

Creación y concepto · Carlota Mantecón

Performer y bailarina · Carlota Mantecón

Sonido y concepto · Luz Prado

Diseño de Iluminación · Cristina Bolivar y David Picazo

Fotografía · Javier Pino

Vídeo · Sergo Méndez

Agradecimientos · L’estruch (Fabrica de creacio de las arts en viu), Centro Párraga (Murcia), Teatro Victoria (Tenerife), Laura Llaneli y Daniel Rosado.

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