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Baile

10 y 11 de abril en La Casa Encendida

Cris, Jorge y Guillem se conocen desde hace años y por fin trabajan juntos. A la primera colaboración la llamaron Lo Mínimo y es una creación en proceso que cristaliza en dos momentos: uno que titularon lo pequeño, que presentaron en mayo del 2018 en La Pedrera y que es lo que veremos en La Casa Encendida, y otro que se titula Lo Mínimo, que se estrenó en el Mercat de les Flors del 4 al 7 de abril del 2019.

En lo pequeño han trabajado sobre el artifício y su manera de acercarse a él, haciendo visibles la maquinaria y las estrategias teatrales. Partiendo de una situación, un espacio y un tiempo poco definidos, como suspendidos, van construyendo pequeñas situaciones o miniespectáculos los unos a los otros, creando diferentes capas de artifício, realidad o ficción, jugando con la expectación, la expectativa y la espectacularidad.

Creación e interpretación: Cris Blanco, Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol.
Sonido y coordinación técnica: Carlos Parra.
Producción ejecutiva: El Climamola.
Producción: La Pedrera con la colaboración del Mercat de les Flors.

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Jorge Dutor, Cris Blanco y Guillem Mont de Palol

6 (18h) y 7 (12h) de abril en el Mercat de les Flors

Estás en un lugar, no sabes cómo es y no hay muchas pistas para descubrirlo:
tres telas, goma espuma y unos palos. Suena el timbre. Entra el naranja.

Cuidado con el perro. A mitad de la función cae el principio del espectáculo del techo: mira eso. Saldré. Suena el timbre. Fuera parece que llueve.
¿Cantamos la canción?
Un juego de mentiras, de acciones mínimas, de mini espectáculos.

El encuentro de estos tres creadores, Jorge Dutor, Cris Blanco y Guillem Mont de Palol, ha dado lugar a la realización de una obra para todos los públicos. Hacer de lo real una ficción y de lo ficticio una realidad, convertirse en casi cualquier cosa y cruzar dimensiones espacio temporales.

Lo mínimo es un espacio de extrañezas atravesado por el humor, un lugar en el sublimar lo cotidiano, el pequeño y el mínimo.

Cris Blanco desarrolla proyectos escénicos desde 2003 y trabaja en performance, música, teatro y cine; la mezcla de géneros escénicos, los trucos a la vista, cambiar el significado de signos y objetos, la ciencia y la ficción tienen que ver con su trabajo. Guillem Mont de Palol y Jorge Dutor colaboran juntos desde 2008 y han realizado numerosas piezas, una muestra de las cuales las hemos visto en el Mercat en la constelación que les hemos dedicado. Trabajan sobre el lenguaje, lo absurdo y lo cotidiano.

Creación e interpretación Jorge Dutor, Guillem Mont de Palol, Cris Blanco / Diseño sonidoCarlos Parra / Diseño luces Jorge Dutor y Marco Mattarucchi / Espacio y objetos Jorge Dutor, Guillem Mont de Palol, Cris Blanco / Dioramas Oriol Corral / Producción y managementElclimamola / Imágenes teaser video Luis Urcúlo
Coproducción Mercat de les Flors, Teatros del Canal de Madrid, le Phénix scène nationale Pôle européen de création à Valenciennes /coopération internationale, La Pedrera-Barcelona / Con la colaboración  Escuela Municipal de teatro de Madrid y la Den Danske Scenekunstskole en Copenhague / Con el apoyo Departament de Cultura- Generalitat de Catalunya.

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Del 27 al 30 de marzo en el Mercat de les Flors

Con Achterland quería volver a un lenguaje de danza pura, un lenguaje que se relacionara con la música virtuosa de Ligeti y Ysaÿe. La presencia de los músicos en el escenario permite una relación aún más estrecha entre la música y la coreografía.» Anne Teresa De Keersmaeker

Rosas presenta Achterland, coreografía capital en la obra de Anne Teresa De Keersmaeker de 1990 e interpretada por última vez en 1998. Con esta obra la coreógrafa, por primera vez, da a los músicos una posición central y activa en el escenario, y la inusual combinación de las composiciones de György Ligeti y Eugène Ysaÿe inspiró a De Keersmaeker y sus bailarines en la creación de una obra con un equilibrio delicado entre el virtuosismo enérgico y la desaceleración. También por primera vez la coreógrafa incorpora hombres a una compañía hasta entonces formada sólo por mujeres.

Anne Teresa De Keersmaeker fundó la compañía Rosas en 1983 y se ha involucrado en una rigurosa exploración y articulación del movimiento. La relación entre movimiento y música es esencial para el concepto de danza de la coreógrafa. La compañía ha extendido el arte de la danza como un acto de escribir movimientos en el tiempo y el espacio, explorando la coreografía en relación a la música, la geometría, las artes visuales o el lenguaje.

Aunque el Mercat ha programado numerosas piezas de Rosas en diferentes ocasiones, ahora presenta Achterland como oportunidad única de disfrutar de esta obra de referencia que ha girado por el mundo durante 8 años y que aún no habíamos podido ver en Barcelona.

Coreografía Anne Teresa De Keersmaeker / Puesta en escena Jean Luc Ducourt / Bailarines Laura Bachman, Anika Edström Kawaji, Frank Gizycki, Robin Haghi, Yuika Hashimoto, Laura Maria Poletti, Soa Ratsifandrihana, Luka Švajda / Música – György Ligeti, 8 Etudes for solo piano; – Eugène Ysaÿe, Sonatas 1, 3 & 4 for solo violin Músicos Piano: Joonas Ahonen, Violín: Juan María Braceras / Escenografía Herman Sorgeloos / Diseño iluminación Jean Luc Ducourt / Vestuario Ann Weckx / Directora ensayos Fumiyo Ikeda / Asistentes para el revival Nordine Benchorf, Johanne Saunier, Fumiyo Ikeda, Vincent Dunoyer / Coordinación artística y planificación Anne Van Aerschot / Director técnico Joris De Bolle / Sonido Alexandre Fostier / Coordinadora vestuario Heide Vanderieck / Costura Charles Gysèle / Armario Emma Zune / Técnicos Jonathan Maes, Quentin Maes, Sari-Lynn Kerkhofs, Arno Truyens / Agradecimientos especiales Bruce Campbell
Producción Rosas / Coproducción 1990 De Munt; La Monnaie (Bruselas), Stichting Van Gogh 1990, Rotterdamse Schouwburg, Théâtre de la Ville (Paris)
Rosas recibe el apoyo de la Comunidad Flamenca y BNP Paribas Foundation.

>Viernes a las 18h, visionado comentado a cargo de Óscar Dasí de películas en torno a Rosas.

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Annika Pannitto y Julián Pacomio

DT Espacio escénico, 28, 29 y 30 de marzo a las 20.30

The third table es un objeto coreográfico, cuyo propósito, es exceder cualquier significado específico. Un objeto, existente, autónomo, como “algo” en sí mismo. El proyecto pone el acento sobre la performance como un encuentro entre la obra y el público, jugando con la pluralidad de significados y experiencias que se generan durante un encuentro en vivo, donde todos los puntos de vista son reales y verdaderos.

Idea: Annika Pannitto
Creacion y danza: Annika Pannitto y Julián Pacomio
Diseño de Luz: Victor Colmenero Mir

Gracias a: Ca La Praga y DT Espacio Escenico
Y a Susanne, Paula, Blanca, Angela por sus preciosas observaciones.

>Entrevista a Julián Pacomio y Annika Pannitto

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VICENTE ARLANDIS // TALLER PLACER

7, 8 y 9 de marzo a las 20h en Conde Duque

Una pieza escénica que tiene su inicio en el mundo del personaje del idiota y su conexión con tres cuestiones físicas muy concretas: el cuerpo, el placer y la ligereza. Una obra que tiene mucho de instalación visual. Hemos trabajado a partir de materiales muy ligeros como el aire, el gas y el plástico partiendo de la idea de ligereza y confrontando dichos materiales en una especie de batalla lúdica contra la gravedad, entendida ésta como una fuerza que se ejerce sobre nosotras en todos los ámbitos de la vida.

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Boris Charmatz

9 y 10 de marzo en el Mercat de les Flors

La fugacidad llevada al extremo: numerosos bailarines interpretarán diez mil gestos, todos ellos diferentes, que sólo serán visibles una sola vez y desaparecerán así que se hayan ejecutado, como una oda a la impermanencia de la danza. La obra produce una hipnosis visual en el espectador en esta peculiar secuencia de movimientos.

Des de Aatt enen tionon (1996) hasta 10000 gestes (2017), el bailarín y coreógrafo Boris Charmatz ha presentado una serie de piezas realmente memorables. A pesar de mantener una extensa actividad de gira, periódicamente también forma parte en improvisaciones con Saul Williams, Archie Shepp y Médéric Collignon, y continúa colaborando como bailarín con Anne Teresa De Keersmaeker y Tino Sehgal. Charmatz fue artista asociado del Festival de Aviñón en 2011. En 2013 fue artista invitado al MoMA de Nueva York, donde concibió el programa de danza Musée de la danse: Three Collective Gestures, un proyecto de tres semanas que se desarrrolló en el Marron Atrium en el museo. En 2015 fue invitado de la Tate Modern en Londres en el marco de la exhibición If Tate Modern was Musée de la danse?, un programa intensivo de actuaciones que tuvo lugar por todas las galerías del museo. Aquel mismo año, Charmatz presentó 20 bailarines para el siglo XX en el Palacio Garnier, la Ópera Nacional de París. Desde 2009 es director del Centro Nacional Coreográfico de Rennes y la Bretaña, que ha transformado en un museo de la danza (Musée de la danse) de nueva concepción. Ha sido artista asociado de la Volksbühne en Berlín durante la temporada 2017/2018. Actualmente está preparando una nueva creación llamada infini que se estrenará en verano de 2019.

Coreografía Boris Charmatz / Interpretación Djino Alolo Sabin, Salka Ardal Rosengren, Or Avishay, Régis Badel, Jessica Batut, Nadia Beugré, Alina Bilokon, Nuno Bizarro, Matthieu Burner, Dimitri Chamblas, Olga Dukhovnaya, Sidonie Duret, Bryana Fritz, Alexis Hedouin, Kerem Gelebek, Rémy Héritier, Samuel Lefeuvre, Johanna-Elisa Lemke, Maud Le Pladec, Mani Mungai, Noé Pellencin, Solène Wachter, Frank Willens / Producción Musée de la danse – Centre chorégraphique national de Rennes et de Bretagne / Coproducción Volksbühne Berlin, Manchester International Festival (MIF), Théâtre National de Bretagne-Rennes, Festival d’Automne à Paris, Chaillot – Théâtre national de la Danse (Paris), Wiener Festwochen, Sadler’s Wells London, Taipei Performing Arts Center / Con el apoyo del Institut français d’Espagne

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Esther Rodríguez Barbero

Sábado 2 de marzo en L’estruch Sabadell a las 21:00 h.

Un acto de celebración, un solo, un solo acompañado, una invitación al baile. Esto es We can dance. Parte del primer paso que se da antes de bailar en una discoteca, el templo del baile; aquel primer movimiento que, sin saber cómo, acaba siendo una danza desenfrenada. Se puede bailar en todas partes? ¿Qué relación se establece con las normativas y convenciones del uso del espacio? Coreógrafa, creadora escénica y arquitecta, Esther Rodríguez-Barbero desarrolla su actividad entre Bruselas y Madrid. Con We can dance propone un recorrido entre lo posible y lo prohibido, cuestionando dónde están, realmente, los límites propios y ajenos.

Creación: Esther Rodríguez-Barbero

Música: Lautaro Reyes / Vitaly Franco

Iluminación y escenografía: Víctor Colmenero Mir

Organización:

Ayuntamiento de Sabadell

Con la colaboración de:

LEAL.LAV Tenerife

Centro Danza Canal

La Caldera Barcelona

L’Estruch, Fábrica de Creación de las Artes en Vivo

Con el apoyo de: Comunidad de Madrid

Agradecimientos: Javier Cuevas, Adán Hernández, Laura Kumin, Pablo Sacristán, Marialena Marouda, Clara Pampyn, Alberto Alonso, Lara Brown, Xiri Noir, Lilia Mestre, Veridiana Zurita, Shervin Kiarnesi, Óscar Dasí y Carmen Fuentes.

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Olga Mesa y Francisco Ruiz de Infante

2 de marzo en Naves Matadero

“Los Tablaos de CARMEN//SHAKESPEARE han sido siempre circunstancias inacabadas: impromptus performáticos, charlas, tráficos de materiales brutos, pataletas estruendosas, rabietas cantarinas e impurezas de todo tipo. Ocasiones de degradación saludable (“todavía más abajo”), de alianzas provisorias con el polvo, con las ratas y con el vasto retumbar de los zapatos que prospera en las fisuras entre tablones”, describe el dramaturgo y teórico de la danza Roberto Fratini Serafide.

Pero en este TABLAO DE LA TOTAL (TENSION), Olga, Francisco, Carmen, Don José, los Toreadores, los Replicantes, los Matadores y otros invitados van a correr riesgos inauditos para compartir un ruidoso Crash_test*fabricado a partir de las dudas y certezas acumuladas a lo largo de su residencia de trabajo en Naves Matadero.

Retomando los restos naufragados de los dispositivos tecnológicos (la chatarra de las diferentes piezas escénicas de la tetralogía CARMEN // SHAKESPEARE y de la exposición-laberinto Presagios del Deseo (presentada en Madrid, en Tabacalera Promoción de Arte durante el verano 2018) se propondrán una serie de módulos narrativos para compartir un acontecimiento tal vez imposible de nombrar: el amor.

* CRASH-TEST: Prueba de resistencia crítica realizada con prototipos de máquinas con capacidad de autopropulsión (coche, avión, tren…). El crash-test, tras analizar los lugares más frágiles del choque, permite reforzar el prototipo.

HORS CHAMP // FUERA DE CAMPO

La coreógrafa y artista visual Olga Mesa (Avilés, 1962), afincada en Francia desde hace más de una década, es una de las figuras claves de la danza contemporánea española. Su trabajo, de carácter experimental, se sitúa en los límites de la danza, la performance y las artes visuales. En los años noventa, en su labor creativa de coreógrafa y de bailarina, se decanta por la cámara, dando a la imagen un lugar central en sus piezas. Su obra, representada en centros tan importantes como el Théâtre de la Ville (Paris, Francia), el Théâtre de la Bastille (Paris, Francia), el Festival la Bâtie (Ginebra, Suiza) o el Festival Culturgest (Lisboa, Portugal), es una indagación sensible y poética sobre las relaciones entre el cuerpo, la imagen y el espacio.

En 2005 se instala en Estrasburgo donde conoce al artista vasco Francisco Ruiz de Infante (Vitoria-Gasteiz, 1966) cuyo inquietante universo, creado por frágiles construcciones, dispositivos, recorridos de instalaciones, imágenes fijas, films, sonidos, dibujos, textos, performances o espectáculos, sumerge al espectador en una intensa experiencia física y mental. Ruiz de Infante pertenece a una generación de artistas marcados por el descubrimiento de las tecnologías de lo audiovisual. Y expuesto su trabajo en lugares como el Museo de Arte Moderno de París y el Museo Reina Sofía (Madrid), el Museo Guggenheim (Bilbao).

Mesa y Ruiz de Infante trabajan juntos impulsando la compañía Hors Champ // Fuera de Campo desde 2011 y despliegan un universo artístico donde dialogan sus respectivos lenguajes, preocupaciones y experiencias. Echan mano de las herramientas tecnológicas audiovisuales, de las interfaces de imágenes corrientes de la vida cotidiana y examinan la relación de los humanos con la tecnología (que viene a ser una relación con una gigantesca máquina y un entorno “conectado”).

Juntos crean obras coreográficas para el escenario, obras performativas para espacios no escénicos, exposiciones y sesiones de investigación. Su proyecto es totalmente transversal y más que generar ‘objetos artísticos’, destinados a integrarse en un escenario cultural (a menudo muy sometido a normas), crean contextos artísticos singulares, para todo tipo de público, de duración variable, adaptables a cualquier entorno, para ampliar las prácticas artísticas y pensarlas como territorios por compartir.

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Ficha artística

Concepción: Olga Mesa y Francisco Ruiz de Infante
En el escenario: Olga Mesa y Francisco Ruiz de Infante. Replicantes: Félix Ramon y Francisco Blanes Iglesias a.k.a Blanesi. Toreros: Francisco Blanes Iglesias a.k.a Blanesi, Sara López, Javier Muñoz, Jimena Pérez Salerno, Santi T. Grech y Nathanaël Ruiz de Infante.
Dirección técnica: David Benito
Luz: Xulia Rey Ramos
Sonido: Frédéric Apffel
Producción: Hors Champ // Fuera de Campo – Pierre Kiener
Administración: Machette Productions – Mathias Gauthier-Lafaye
Coproducción: Naves de Matadero
Colaboradores: Ministère de la Culture (DRAC Grand Est – conventionnement), Région Grand Est (ayuda a la creación), Ville et Eurométropole de Strasbourg (conventionnement)
Idioma: español y francés, con subtítulos en español

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El Conde de Torrefiel

Del 28 de febrero al 2 de marzo en Teatros del Canal

Guerrilla cierra un ciclo y abre otro en el camino creativo de Pablo Gisbert y Tanya Beyeler, responsables de las dramaturgias y las puestas en escena de El Conde de Torrefiel. Vital y profesionalmente son otros y Guerrilla supone una apertura a trabajar con otros cerebros, desde otros cerebros, para otros cerebros.

En cada ciudad en la que se representa la pieza, se selecciona un grupo de personas que aportan sus palabras, pensamientos y cuerpos, en una suerte de teatro documental basado en esa colaboración. Nunca antes lo habían hecho así.

El espectáculo se compone de tres partes, como si fueran tres movimientos de una composición musical. No en vano, la música tiene un papel decisivo que va más allá de lo que supone crear un marco intangible de emotividad. El primer movimiento es una conferencia; el segundo, una clase de thai-chi; el tercero es una sesión de música electrónica. Las situaciones de partida son las mismas, pero nunca son iguales porque están íntimamente ligadas a la ciudad en la que se hace la pieza y a sus habitantes.

Guerrilla se nutre del universo interior, confuso y contradictorio, de esas personas que comparten espacio y tiempo y las consecuencias de vivirlos juntos sin conciencia de estarlo. Guerrilla asiste al incendio silencioso de Europa, el que acontece en las mentes de cada cual desde sus cómodos presentes. “Si todo avanza en una aparente paz en la que nos encontramos seguros, ¿por qué dentro de nuestras cabezas involuntariamente invocamos la guerra?”, se pregunta El Conde. Ahí apunta también el dramaturgo italiano Roberto Fratini: “La guerra no ha parecido nunca tan pacífica. La paz no ha parecido nunca tan aterradora”.

En definitiva, “Guerrilla –escribió Rubén Ramos Nogueira– es un concienzudo electroshock al que nos somete una gente que lleva años intentando gritar desesperadamente desde los escenarios con toda la rabia acumulada por una generación”.

>Programa de mano de Fernando Gandasegui.

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23 de febrero de 16.30 a 20h en el IVAM

Boris Charmatz / Terrain

20 Bailarines para el siglo XX presenta un archivo vivo. Veinte artistas de diferentes generaciones interpretan, recuerdan, se apropian y transmiten obras en solitario, aclamadas pero olvidadas, del siglo pasado que fueron concebidas o interpretadas originalmente por algunos de los más significativos bailarines, coreógrafos y artistas de performance, modernistas y posmodernistas, más relevantes de la escena.

Cada artista presenta su propio museo, donde el cuerpo es el espacio definitivo para el museo de la danza. Por lo tanto, no hay ni un escenario ni una demarcación del espacio de actuación, sino todo lo contrario, los artistas circulan libremente entre las diferentes salas del museo y los espacios. Así, entre obras de la colección del IVAM, 20 bailarines interpretarán piezas de Merce Cunningham, Sanja Iveković, Michael Jackson o Pina Bausch entre otras.

Con la participación de: Djino Alolo Sabin, Boris Charmatz, Ashley Chen, Olga Dukhovnaya, Jacquelyn Elder, Tim Etchells, João Fiadeiro, Letizia Galloni, Nestor García Díaz, Laurence Laffon, Filipe Lourenço, Mackenzy, Fabrice Mazliah, Vera Mantero, Julien Monty, Sonja Pregrad, Marlène Saldana, Sonia Sánchez, Asha Thomas, Javier Vaquero Ollero.

Proyecto: Boris Charmatz / Terrain

Producción : Terrain – con  el apoyo del Ministerio de Cultura y la Région Hauts-de-France.Culturesfrance contribuye en la gira internacional de la compañía. Musée de la danse / Centre chorégraphique national de Rennes y de Bretañadirigido por Boris Charmatz.

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