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Baile

21 de enero en Azkuna Zentroa

La compañía de danza catalana Mal Pelo lleva 30 años investigando y creando un lenguaje propio. Su relación personal con la obra del compositor alemán Johann S. Bach comenzó con BACH, el espectáculo que en 2004 mostraron por todo el mundo. Una primera piedra como parte de un proceso de inmersión completo y profundo Bach Project, una trilogía que tiene como eje el estudio de la música de J. S. Bach y la relación con la escritura coreográfica.

On Goldberg Variations / Variations es un espectáculo basado en la propuesta musical Goldberg Variations / Variations del pianista y compositor franco-americano Dan Tepfer, donde éste interpreta las Variaciones Goldberg de J.S. Bach combinadas con sus variaciones improvisadas sobre las mismas armonías.

On Goldberg Variations / Variations es un entramado de líneas de lenguajes que convergen para construir un tejido alrededor de la obra de J.S. Bach. La danza, la voz de John Berger, algunos textos propios, el sonido manipulado y multifocal de la banda sonora, la voz en directo y las proyecciones de vídeo se unen para construir esta aproximación de Mal Pelo al universo de J.S. Bach.

La propuesta coreográfica apuesta por la musicalidad particular de cada intérprete y por el diálogo rítmico y dinámico entre el grupo y el espacio.

MAL PELO: Con dirección artística de María Muñoz y Pep Ramis, Mal Pelo es un núcleo creativo caracterizado por una autoría compartida y una trayectoria basada en la investigación sobre el movimiento y su diálogo con otras disciplinas. Desde 1989, han desarrollado su propio lenguaje artístico a través del movimiento, la palabra, el vídeo, el espacio sonoro y una especial visión sobre el espacio escénico. Durante treinta años de creación Mal Pelo ha mantenido el interés de colaborar con escritores como John Berger i Erri de Luca, y creadores como Baró d’Evel, Andrés Corchero, Steve Noble, Lisa Nelson, Niño de Elche, John Edwards, Alia Sellami, François Delarozière, Eduard Fernández, Leonor Leal, Marta Izquierdo, Faustin Linyekula, Cesc Gelabert, Carlota Subirós, Àngels Margarit, Lilo Baur, Cristina Cervià, Núria Font, Joel Bardolet, Nuno Rebelo, Agustí Fernández entre otros. Desde 2001 dirigen el Centro de Creación L’animal a l’esquena, en Celrà, Girona.

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Javiera de la Fuente

27 de enero en Bulegoa Z/B

Existe un momento en la temprana etapa musical de Violeta Parra en el que, motivada por su hermano y guía Nicanor, se dedica al género español de los años cuarenta, llegando a ganar un certamen de baile y canto español con el afamado pasodoble de Lola Flores La Zarzamora. Aquella desconocida anécdota dará el pie inicial para desarrollar una de las cápsulas escénicas que conformarán Envioletá, un proyecto híbrido situado entre la investigación íntima/personal de aquella universal artista, el pensamiento crítico, el flamenco, la canción, la tradición y la experimentación. En esta residencia se profundizará sobra las inquietudes o necesidades estéticas de Violeta Parra, que encontraron en el flamenco un código eficiente para expresarse. El objetivo central de este proyecto es remover, pensar, recitar, cantar y danzar esta parte oculta del legado poético, sonoro y performativo de Violeta Parra como un importante referente del arte contemporáneo, más allá de nuestro territorio y tiempo. (…)

Para participar en la sesión, escribir a bulegoa@bulegoa.org 

AFORO: máximo de 15 personas.

Javiera de la Fuente, chilena radicada en Sevilla, investigadora independiente y bailaora de flamenco. Desde una primera colaboración en Máquinas de Vivir de Pedro G. Romero (2014), trabajo lenguajes cercanos a la performance, en espacios escénicos no convencionales. Desde tal campo, busco unir pensamiento crítico y baile en formatos híbridos como la conferencia escénica, con recursos como el relato y la voz bailada, el flamenco, el ritual, la improvisación. Desde este prisma, últimamente he actuado en espacios como Bauhaus Dessau (La Frase), Bergen Assembly 2019 (Aire del MarCanciones de la Guerra Social Contemporánea) y European Forum For Advanced Practice en CA2M con mi conferencia El Drama de una Realidad Sur. Actualmente, en parte guiada por Pedro G. Romero y Belén Maya, preparo Envioletá, proceso iniciado en una reciente residencia en el espacio de creación Azala. Además, estoy inmersa en el proceso creativo de Luciérnagas, artefacto flamenco de live-cinema y baile, junto al artista visual Isaías Griñolo.

Más información: [www.bulegoa.org]

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29 y 30 de diciembre en Azkuna Zentroa

Macarena Recuerda Shepherd presenta “¡AY! ¡YA!”, obra de danza performativa pensada para el público familiar. Una ilusión que lleva a percibir la realidad de diferentes maneras sugeridas por la imaginación o causadas por el engaño del sentido de la vista.

“¡AY! ¡YA!” es un ejercicio sobre la mirada. Esa ilusión que se produce cuando la imagen que se tiene cada persona de sí misma se transforma en otra, se multiplica o toma formas imposibles. Cuerpos con varias extremidades, incompletos, transformables y moldeables.

Según explica la artista, «la ilusión, se trata de un efecto que pone de manifiesto que nuestros ojos no son cámaras de vídeo que graban todo lo que ocurre, sino que nuestro cerebro interpreta y reelabora la información que nos proporcionan nuestros sentidos».

MACARENA RECUERDA SHEPHERD. Artista visual y bailarina. Ha realizado diferentes proyectos en colaboración con los artistas Txalo Toloza, Amalia Fernández, Amanda Pola y Vicente Arlandis. En el 2008 funda el Colectivo Estraperlo plataforma de nuevos creadores. Estos son sus trabajos: Sus piezas: Thatʼs the story of my life (2010), Greenwich Art Show (2012), Whose are those eyes (2013), El Experimento Ganzfeld (2015), Collage y Acción (2016), ¡AY! ¡YA! (2018).

FICHA ARTÍSTICA

Intérpretes: Idurre Azkue y Macarena Recuerda Shepherd
Autoría: Idurre Azkue, Alberto de la Hoz, Macarena Recuerda Shepherd y la colaboración de Sofía Asencio
Dirección: Macarena Recuerda Shepherd
Escenografía: Macarena Recuerda Shepherd
Vestuario: H-intercalada
Música (Banda Sonora): Alberto de la Hoz
Iluminación: Conrado Parodi
Una producción de: ANTIC TEATRE.
Con el apoyo de: Gobierno Vasco y el Departament De Cultura de la Generalitat de Catalunya
Colabora: GREC Festival de Barcelona, Festival BAD de Bilbao, El Graner – Mercat de les Flors, Sala Baratza, La Fundición Bilbao e Histeriak
Proyecto beneficiario del Proyecto de cooperación transfronteriza PYRENART, dentro del marco del Programa INTERREG V-A España-Francia-Andorra, POCTEFA 2014-2020 – Fondo Europeo de Desarrollo Regional (FEDER)

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>Más información sobre el proceso de trabajo en el blog de La Praga en Teatron

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12 de diciembre a las 17h en Tabakalera (Donostia)

Gure burmuinak irudiak gordetzen ditu eta bilatzaile moduan funtzionatzen du, zer gertatzen den ulertzeko estekak bilatzen ditu, Youtube mental mota bat eragiten duten estekak. Irudiak lotzeko eta buruko filmak eraikitzeko gaitasun horri “Kopfkino” deitzen diogu. Kontzeptu hori oinarritzat hartuta, Los detectives-eko kideek galdera bat egiten diote beren buruari: kontsumitzen ditugun fikzioek zenbateraino eragiten dute munduari eta geure buruari buruzko ikuspegian?

Hori da Kopfkinoren motorra, fikzioa eta errealitatea elkartzen direnean sortzen diren marjinetan sakontzeko gorputza ezinbesteko tresna gisa erabiltzen duen pieza.

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17 de diciembre en Azkuna Zentroa

La artista Janet Novás y la compositora Mercedes Peón, colaboran en esta propuesta escénica sutil sobre lo común sensible. Juntas exploran las relaciones particulares que existen y se establecen entre “su danza y su música”.

Entre instrumentos, recuerdos, canciones y bailes afloran conceptos en diferentes estados de latencia. Algunos de ellos, de gran contenido socio-político, están presentes en los materiales, desde los “objetos” musicales a los dancísticos o biográficos; otros, conceptos somáticos o experiencias cuánticas, aparecen en los pulsos, los ritmos y los tonos, en las voces y en las dinámicas, en los silencios, en las formas. Mercedes máis eu mira hacia lo colectivo y lo hace desde perspectivas y sensibilidades nada arquetípicas. La pieza, en femenino, es un híbrido dancístico musical plagado de imágenes evocadoras y seccionadas por cuadros, lo que le permite habitar en diferentes arquitecturas o marcos, desde contextos más escénicos a otros más museísticos.

Según las creadoras, «para definir Mercedes máis eu es inevitable hablar de deseo. Ese deseo que encuentra razones para proyectarse más allá del primer encuentro, y devenir re-encuentro, conversación, experiencia, afecto… Persistir en ese deseo, que se actualiza atravesando el proyecto, es incidir en aquello que nos acontece en cada encuentro. Pero también es indagar en lo que nos es propio y en lo que nos es común, que está más allá del sujeto y del territorio. Esa memoria o archivo vivo que se actualiza con el deseo, sustrayéndonos de nuestra propia inmanencia.»

Janet Novás: Bailarina, performer, coreógrafa y docente. Formada en danza contemporánea entre Madrid, Bruselas y Berlín, su obra se construye desde la observación, la experiencia y el diálogo con su cuerpo como principal herramienta de trabajo, apostando por un lenguaje propio, moldeando el contenido emocional y la sencillez estética que caracterizan sus trabajos. Actualmente colabora con diferentes artistas como Pablo Esbert, Mercedes Peón y las diseñadores Zap&Buj, con las que creó su última obra “Imaginé cinco cuerpos y ninguno era el mío”.

Mercedes Peón: Compositora, vocalista e instrumentista gallega, trabaja la música tradicional con múltiples herramientas tecnológicas. Tras profundizar durante 25 años en la tradición gallega, Peón grabó en el año 2000 su primer Álbum como solista, Isué. Le siguieron los trabajos Ajrú (2003), Sihá (2007), Sós (2011), Deixaas (2018), ganando varios premios por sus trabajos. Esta trayectoria hace de ella una de las artistas gallegas más destacadas de principios del siglo XXI.

Ficha artística: Dirección: Janet Novás / Creación e interpretación: Mercedes Peón y Janet Novás / Acompañamiento artístico: Ricardo Santana y Pablo Esbert / Composición musical, concepto y letras: Mercedes Peón / Asistencia en el movimiento: Victoria P. Miranda / Diseño de Iluminación: Cristina Bolívar / Sonido: Ezequiel Orol / Vestuario: Juanita Rodríguez / Producción: Adriana Reyes / Coproductores: Comunidad de Madrid / Con el apoyo: Centro Danza Canal, Graner Centro de Creació, Sede Losdedae

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Elena Córdoba 

12 y 13 de diciembre en la Fundición Bilbao

El nacimiento de la bailarina vieja es la primera parte de un proyecto de investigación y creación en torno al envejecimiento del cuerpo que hemos llamado La edad de la carne. Este proyecto estará formado por una serie de estudios escénicos con tintes de ficción.

La figura de la bailarina ha sido el paradigma de todo lo que puede hacer el cuerpo en pleno uso de sus facultades, incluso de lo que imaginamos que el cuerpo nunca podría hacer. Pensemos por un momento, cuál sería el modelo que podría ofrecer el cuerpo de una bailarina vieja. ¿Sería paradigmático un cuerpo vulnerable, estéril y nada sexi? ¿Sería ejemplar un cuerpo cuya capacidad de dominio es cada vez más limitada? Para acercarnos a estas preguntas decidimos imaginar una criatura ficticia y paradójica: la bailarina vieja. Que nació ya vieja. Una criatura de formas excesivas que ha roto la discreción de lo útil, un ser contraproductivo e infértil y que ni siquiera tiene claras las diferencias entre principio y fin.

El baile de la bailarina vieja se dibuja a través de una carne que nunca ha sido poderosa, en la que, por lo tanto, no existe la melancolía que produce la pérdida, ni tampoco existe la pelea entre lo que fue y lo que es. El cuerpo de la bailarina vieja se entrena para prodigios que nunca podrá realizar. Pero a pesar de todas estas contradicciones, la bailarina vieja tiene una ventaja sobre las demás criaturas, ella baila con sus límites como parte de su propia esencia.

Dispositivos visuales y sonoros

Desde hace meses miro, a través de un pequeño microscopio, materias orgánicas que cambian de estado. A partir de esta observación de la materia en descomposición, el artista visual David Benito y el artista sonoro Carlos Gárate han construido el dispositivo visual y sonoro de El nacimiento de la bailarina vieja.

Los paisajes: fruto de la filmación y el estudio de materia orgánica en descomposición, un proceso controlado metódicamente con la intención de convertirse en imagen. Dicha descomposición controlada se produce aislando la materia orgánica en placas de cultivo (placas Petri).

La sonorización: las dinámicas propias de la materia en descomposición (microvoltajes) formarán parte de la trama sonora de la obra. Para dicha sonorización se ha construido un dispositivo que convierte las dinámicas de los cultivos en sonidos.

En paralelo, se ha creado una composición musical con elementos rítmicos y armónicos que tiene su origen en la observación de las imágenes que provienen de los cultivos y del trabajo performativo de La bailarina vieja. Esta composición dialoga y se modifica con el sonido de los cultivos que se registran y emiten en directo. Estas dos fuentes sonoras generan un único espacio sonoro con dos lenguajes diferentes.

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Juan Domínguez y Amalia Fernández

19, 20 y 21 de noviembre en Teatros del Canal

Podría entenderse como una acumulación de hechos reales que sacados de contexto se convierten en ficción. Una ficción que en cualquier caso se abre paso en la realidad a través del teatro. Entre tú y yo se convierte en un espacio de interpretación, de identificación, de pensamiento crítico, de placer, de contemplación, un espacio ya no del “tú” ni del “yo” sino del “entre”: del entretodo y del entretod@s.

A lo largo del 2019-20, hemos estado encontrándonos en diferentes ciudades, trabajando en varios espacios de residencia, en una práctica inusual, por el hecho de que el objetivo ha sido evitar a toda costa el objetivo. El no tener objetivo hacía que, de alguna manera, perdiésemos cierta lógica, cierta ambición, cierta proyección, cierto uso del tiempo tal y como lo vivimos normalmente. Eso generaba una libertad por la que nos veíamos afectados profundamente sin necesidad de profundizar demasiado en nada. Entre tú y yo se transforma y se abre ahora a través de su presentación pública. Nuestra práctica de proceso adquiere por esta razón otro procedimiento, en la necesidad de entender esa forma teatral que podría ser un relato ficticio basado en hechos reales y todas las vinculaciones que estos hechos conllevan.

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Del 5 al 8 de noviembre en el Teatro del Barrio

Catalina no se va de fiesta: es una fiesta en sí misma. Antes de salir se prueba sus cuatro medias rotas a ver qué le queda mejor y mañana se descubre el pómulo morado, los pespuntes a dentadas, agujetas en los gemelos, la afonía. Catalina se revienta y consigue, a base de besos bien y mal dados, que las otras revienten. Frente el “Madame Bovary soy yo”, que no quiere ni en pintura, Catalina declara “La rumba soy yo”, como Andrés Caicedo a su novela “¡Que viva la música!”, el cual nos enseñó a chuparnos el cabello así como “Lectura fácil”, de nuestra compañera Cristina Morales (Premio Herralde 2018 y Premio Nacional de Narrativa 2019) nos enseñó a clavarnos el canto de la mesa. Catalina peca de danza y de literatura, pero expía su cultura con
poca vergüenza.

Las artistas Elise Moreau, Cristina Morales y Elisa Keisanen problematizan los modos en que dan y reciben placer en tanto que mujeres sistemáticamente asediadas por el civismo heterosexual y monógamo. Valiéndose de las herramientas propias de la danza contemporánea y de la escritura fanzinera, así como de la novela de Morales “Lectura fácil. Ni amo, ni dios, ni partido, ni de fútbol”, la consigna de la pieza es la búsqueda de placer y el esclarecimiento de las repercusiones que conlleva.

Ficha artística

Creación e interpretación: Iniciativa Sexual Femenina (Elisa Keisanen, Cristina Morales y Élise Moreau).

Textos: Cristina Morales e Iniciativa Sexual Femenina.
Música: Red Aunts (Live in the UK); Siniestro Total (Al fondo a la derecha, Bestialismo Preescolar); La UVI (Ley y Orden); La Badana (Romance de la Gallarda, Verdigallo, Fandango do Ratinho, Vira de seis); Extremoduro (Extremaydura); Joose Keskitalo (Muuttopäivä) e Iniciativa Sexual Femenina (Catalina y Broken Nipples).
Vestuario: Iniciativa Sexual Femenina.
Arreglos musicales: Élise Moreau y Elisa Keisanen.
Diseño de iluminación: Marc Augustin-Viguier
Técnico de luz y sonido: Andrea Forlanza
Catering: Bachini-Bachini
Fotografía: Joan Manrique, Laura Rubiot y Alessia Bombaci

Agradecimientos: Maider Lasa Santamaría, Laura Rubiot, Belén Agurto, Valentina Forconi y Alexa Moya Panksep.

Coproducción: Antic TeatreLa Caldera de Les Corts y Festival Salmon.

Con el apoyo de: Centro Social Autogestionado Can Vies, La Poderosa, Konvent Zero y Graner.

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De Annika Pannitto

31 de octubre en DT Espacio Escénico

Empiezo una práctica curiosa.

Entiendo los riesgos de entrenar la mente y la imaginación para ir a visitar la danza, para salir del camino conocido y encontrar lo inesperado.

Pedazos de espacio, pedazos de tiempo.

Ficha artística

Creación e interpretación: Annika Pannitto
Proyecto en residencia en el Centro de Artes La Praga
Gracias a Paula Cueto, Óscar Cornago, Javier Arbizu y Nazario Díaz

Las sesión se llevará a cabo en formato de jornada distendida para mostrar materiales, seguida de los consecuentes debates, cambios de impresiones, devoluciones y comentarios entre participantes.

Aforo reducido. Entrada libre previa reserva a reservas@dtespacioescenico.com

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