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Baile

23 de febrero de 16.30 a 20h en el IVAM

Boris Charmatz / Terrain

20 Bailarines para el siglo XX presenta un archivo vivo. Veinte artistas de diferentes generaciones interpretan, recuerdan, se apropian y transmiten obras en solitario, aclamadas pero olvidadas, del siglo pasado que fueron concebidas o interpretadas originalmente por algunos de los más significativos bailarines, coreógrafos y artistas de performance, modernistas y posmodernistas, más relevantes de la escena.

Cada artista presenta su propio museo, donde el cuerpo es el espacio definitivo para el museo de la danza. Por lo tanto, no hay ni un escenario ni una demarcación del espacio de actuación, sino todo lo contrario, los artistas circulan libremente entre las diferentes salas del museo y los espacios. Así, entre obras de la colección del IVAM, 20 bailarines interpretarán piezas de Merce Cunningham, Sanja Iveković, Michael Jackson o Pina Bausch entre otras.

Con la participación de: Djino Alolo Sabin, Boris Charmatz, Ashley Chen, Olga Dukhovnaya, Jacquelyn Elder, Tim Etchells, João Fiadeiro, Letizia Galloni, Nestor García Díaz, Laurence Laffon, Filipe Lourenço, Mackenzy, Fabrice Mazliah, Vera Mantero, Julien Monty, Sonja Pregrad, Marlène Saldana, Sonia Sánchez, Asha Thomas, Javier Vaquero Ollero.

Proyecto: Boris Charmatz / Terrain

Producción : Terrain – con  el apoyo del Ministerio de Cultura y la Région Hauts-de-France.Culturesfrance contribuye en la gira internacional de la compañía. Musée de la danse / Centre chorégraphique national de Rennes y de Bretañadirigido por Boris Charmatz.

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Amalia Fernández

17, 18 y 19 de enero en los Teatros del Canal

Amalia Fernández es toda una personalidad en la escena experimental. Aparte de sus proyectos personales, en el que destacan En construcción 2 (que también forma parte de la programación de Teatros del Canal esta temporada) y El resistente y delicado hilo musical, ha colaborado con los proyectos de creadores como Cuqui Jerez o Mónica Valenciano, para quien ha bailado muchas de
sus obras de la serie Disparates.

Amalia Fernández fue invitada como performer por el comisario Mathieu Copeland en la experiencia Una exposición coreografiada, que la mantuvo bailando durante todo el mes de septiembre de 2017 en el CA2M de Móstoles. La propuesta exploraba cómo se comportaban los conceptos de coreografía y dramaturgia en el contexto de un museo. La experiencia, que le resultó fascinante, abrió una línea de investigación personal que devino en la propuesta Expografía, un término que cruza los conceptos de exposición y coreografía, haciéndolos coincidir en un mismo espacio-tiempo. La danza en los museos ha sido una práctica habitual de la danza posmoderna norteamericana, que albergó en los espacios expositivos de los sesenta desde los happenings de Merce Cunningham hasta las performances de Yvonne Reiner.

Desde entonces y hasta ahora, es habitual la presencia de la danza en los museos y la idea ha sido investigada a fondo por creadores de nuestro tiempo como el francés Boris Charmatz. Para Amalia Fernández supone la oportunidad de dar respuesta a los interrogantes ¿cómo afecta a la obra viva la temporalidad del museo?, ¿hasta qué punto se convierte en una mezcla de coreografía y reality show?, ¿cómo afecta al performer un marco diseñado para objetos inanimados?, ¿cómo se comporta el público cuando se da  ese choque de formatos?, ¿qué se espera de él? o ¿cuál es la convención a la que debe responder? El proyecto se concreta en dos formatos: el que aquí presentamos en la Sala Negra y otro que se podrá ver en el CA2M, el sábado 12 de enero, jugando con la temporalidad museística, por lo que se pide a cada espectador el compromiso de permanecer en la sala durante las ocho horas consecutivas que dura la performance.

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19 de enero a las 20h en Azkuna Zentroa

‘The Big Game’ propone una versión coreográfica libre y desplazada de un Ajedrez Viviente. 32 intérpretes en escena habitan el número de piezas del juego.

Una obra que se apoya en la coreografía espacial, la convivencia de muchos cuerpos y la construcción de un sistema colectivo que se mueve orquestando mil y un movimientos posibles. Una representación de la representación.

El proceso de creación se ha desarrollado con un grupo núcleo de bailarinas y en la fase final se ha completado con un grupo de alumnos/as de Dantzerti (Escuela Superior de Arte Dramático y Danza de Euskadi) para su próximo estreno en Azkuna Zentroa.

Este trabajo es una continuación a la búsqueda iniciada con la pieza ‘The Endgame’ que recibió el apoyo del programa Amphitryon de Azkuna Zentroa en 2016.

Además, el 17 de enero habrá un pase para centros escolares.

Ficha artística
Dirección y coreografía: Olatz de Andrés
Asistente de dirección y coreografía: Robert Jackson
Creación e interpretación: Pilar Andrés, Natalia G. Muro, Isabel Álvarez, Aiala Etxegarai
Intérpretes de Dantzerti: Unai Álvarez, Pilar Blanco, Elene Carreto, Dairi Martínez, Maddi Argote, Sara Calderón, Zoemar Marínez, Marta Ortega, Iratxe Bilbao, Amaia Cabero, Laura Morán, Graciela Orio, Iligo Rementeria, Leire Sanjurjo, Nahia Corrihons, Alejandro Gibaja, Paula Gereñu, Iñigo Gerrico, Nagore Andrés, Gaël Sacanell, Aitor Vildosola, Aitzol Villahoz, Marina Yañez, Sofía María Zallio
Iluminación: Octavio Más
Sonido: Marc Cano
Vestuario: Xabier Mujika
Producción: Vanessa Fuentes
Diseño de comunicación y fotografía: Ainara Ipiña
Distribución: Lŏkke
Proyecto subvencionado por el Departamento de Cultura del Gobierno Vasco. Con el apoyo de Azkuna Zentroa y Dantzerti.
Colaboradores: La Fundición, Punto de Fuga, Arropaineko Arragua, Kurtzio Kultur Etxea, Arriola Antzokia, UPV Bizkaia.

Después de un recorrido como bailarina y coreógrafa, Olatz de Andrés crea la compañia Lŏkke, una estructura para el desarrollo coreográfico. Lŏkke es un lugar imaginario donde habitan los posibles. La búsqueda en sus propuestas artísticas se focaliza en crear situaciones coreográficas no cotidianas, relacionar la quietud con el movimiento y jugar con la tensión que existe entre lo individual y lo colectivo.

Algunas de sus creaciones son: ‘The Big Game’ (2019), ‘Eu Sou Passageiro’ (2018), ‘The Endgame’ (2016), ‘The Game’ (2015), ‘Bardo’ (2015), ‘Esfera’ (2015), ‘El Cielo Ahora’ (2014), ‘Privolva Landing’ (2013), ‘Privolva’ (2011), ‘dA CAPO’ (2009), ‘Yo soy una cosa que dura’ (2007). Estos trabajos se han presentado en Euskadi, España, Francia, Inglaterra, Alemania e Italia.

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Sandra Gómez 

28 y 29 de noviembre en Carme Teatre (Valencia)

Apartar el cuerpo,
desplazarlo a un lado,
pasar el testigo de su protagonismo.
El sonido y la luz como objetos centrales de la escena,
ya no el cuerpo.
El espacio, su reverberancia y los elementos que están en él en primer plano,
y el cuerpo
a un segundo plano.
La temporalidad suspendida de los acontecimientos como ama de la escena
y el cuerpo ya no en el centro,
el cuerpo a un lado.

>Artículo de Óscar Cornago sobre la obra

>Entradas.

 

 

 

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Nazario Díaz

29 de noviembre a las 20h en Azkuna Zentroa

‘Háblame, cuerpo’ es parte de ‘Looking for Pepe’, un estudio iniciado por Nazario Díaz en 2016. ‘Looking for Pepe’ parte de la figura del artista cordobés Pepe Espaliú (1955-1993) para desplegar una serie de investigaciones en torno al cuerpo, al lenguaje y al territorio. ‘Háblame, cuerpo’ es una fase del proyecto en la que el cuerpo es el detonante de un estado aún por descubrir. Toma su título del texto que Juan Vicente Aliaga escribió con motivo de la exposición realizada en el Pabellón Mudéjar de Sevilla en homenaje a Espaliú en 1994, un año después de su fallecimiento a causa del virus del SIDA.

En ‘Háblame, cuerpo’ Nazario Díaz se sitúa ante un lugar clásico de intérprete que, con su cuerpo, trata de habitar distintos estados y calidades de presencia. El estudio en torno a Espaliú y a cómo él desarrolló vínculos entre su obra y su circunstancia, marcada por la enfermedad, en un momento social y político en plena transformación, inspira un trabajo en torno a la materia que muta o desaparece, y a la idea de desgaste y de sujeción de un cuerpo entendido como existencia física y social.

“Propongo un acto de resistencia que vincula aspectos como la transformación fonética de mi flujo vocal, la noción de circularidad o la idea del borrado a través de la insistencia; colocando mi cuerpo en colisión con el lenguaje y con cierta voluntad de oscilación geográfica e identitaria” (Nazario Díaz).

‘Háblame, cuerpo’ se presenta como una acción de una duración específica ante un público interesado, pero pervive como un estudio, un lugar de presencias que albergan presencias, una zona de encuentro en constante cambio, que busca hacer hablar al cuerpo, aunque no sea este cuerpo el que habla sino más bien su lugar de resonancia.

Nazario Díaz (Linares, Jaén) desarrolla un trabajo escénico centrado en los conceptos de cuerpo, mirada y escritura. Forma parte del colectivo ‘Vértebro’ junto a Juan Diego Calzada y Ángela López, con quienes comisaría el festival ‘Beautiful Movers’ en Córdoba. Su paso por el Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual organizado por Artea en el Museo Reina Sofía de Madrid, le permite un contexto crítico en el que desarrollar el proyecto ‘Looking for Pepe’, que reúne intereses previos en torno a las ideas de presencia y resistencia. Como intérprete ha trabajo, entre otros, junto a Jorge Gallardo y a Societat Doctor Alonso (Sofía Asencio y Tomás Aragay).

Ficha artística
Háblame, cuerpo (Looking for Pepe)
Creación e interpretación: Nazario Díaz
En colaboración con Jorge Gallardo y en conversaciones con Jesús Alcaide.

>+ info

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25 de noviembre a las 20h en La Mutant (Valencia)

Self Unfinished (Autoinacabat) porta a l’audiència a un viatge de metamorfosi. En este sol, creat el 1998, Xavier Le Roy es transforma en una criatura híbrida extraordinària, part màquina, part alien, part humana. Utilitzant tot tipus d’aparells físics, el coreògraf francès crea un món d’il·lusió que és inquietant perquè és, al mateix temps, asfixiant.

Desplaçant-se cap per avall, el cos del ballarí es transforma en temps real en una sèrie d’aberracions morfològiques al·lucinògenes que representen imatges d’un cos que es reconfigura segons lleis desconegudes i un ritme inquietant i inhumà. Una exploració del moviment a través de la metamorfosi cap a diverses possibilitats, acaparant constantment l’atenció.

Projecte en col.laboració amb La Fundación Per Amor a L’Art i Bombas Gens.

>Más info

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8 de noviembre a las 20h en Azkuna Zentroa

En ‘Loie Fuller: Research’, la coreógrafa Ola Maciejewska se apropia críticamente del “vestido danzante” inventado por Loie Fuller (Illinois, 1862-París, 1928), una de las artistas de la danza más innovadoras y reconocidas del modernismo.

‘Loie Fuller: Research’ juega a organizar formas y estados en constante transformación. Consiste en una sucesión de ejercicios que se despliegan ante el público, poniendo en relación lo escultórico (el vestido) con la persona que lo esculpe. No busca reforzar la relación física con las cosas, sino más bien facilitar formas que hagan esa relación visible. Se trata de una práctica corporal para estimular el movimiento de la materia que recibe la forma, un movimiento que emerge como resultado de la relación entre el cuerpo humano y el objeto: el “vestido danzante”.

Nacida en Polonia y residente en París, Ola Maciejewska es coreógrafa. En 2012 obtiene el máster en Teatro Contemporáneo y Danza de la Universidad de Utrecht. Además de varias investigaciones académicas, Maciejewska ha realizado las piezas ‘Loie Fuller: Research’ (2011), presentada en Francia –como en la Bienal de Lyon en otoño de 2017–, Suiza, Canadá, Polonia, Holanda o Portugal, y ‘Bombyx Mory’ (2015) estrenada en La Menagerie de Verre en París, en el marco del Festival Les Inaccoutumés, y realizada también en espacios y contextos como Kaaitheatre en Bruselas, Museo Serralves en Oporto, ImPulsTanz en Viena, o Mercat de les Flors en Barcelona, entre otros. De 2016 a 2018 Maciejewska figura como artista asociada al Centro Coreográfico Nacional de Caen en Normandía (Francia). Su nuevo trabajo, ‘Dance Concert’ se ha estrenado recientemente en el Teatro Nacional Taichung de Taiwan y en otoño de 2018 se mostrará en el Centro Pompidou de París en el marco del Festival de Otoño.

Ficha artística
Creación e interpretación: Ola Maciejewska
Colaboración artística: Judith Schoneveld
Por encargo de: TENT Rotterdam (Holanda)
Con el apoyo de: Zeebelt Theatre (Holanda)

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IVAM | Sábado 10 de noviembre a las 18h.

RADICANTES. DANZA Y OTRAS ESPECIES
Ciclo de danza, práctica y pensamiento en el museo

Radicantes. Danza y otras especies pretende consolidar un espacio de Investigación, experimentación y reflexión en torno al cuerpo; un campo semántico abierto en el cual la acción y el movimiento adquieren todo protagonismo. Un dispositivo diseñado para compartir el acto creativo en vivo. El ciclo lo conforman distintas prácticas con carácter procesual que derivarán en un diálogo abierto con el público, en formato de veladas.

En su segundo año de existencia el ciclo Radicantes continúa ofreciendo entornos relacionales alejados de las convenciones teatrales y/o artísticas para establecer un espacio de experimentación, práctica y reflexión. Un encuentro con la mirada y el cuerpo del otro, en el que la danza, como un campo semántico abierto, generoso e interdisciplinar con otras manifestaciones artísticas, adquiere pleno protagonismo.

En esta Cuarta Edición mostraremos prácticas relacionadas con el tema: PIEL

Equipo Radicantes: Tatiana Clavel, Mireia Ferrer y Rocío Pérez.

Participan:

  • Aitana Cordero, “mover”, creadora/coreógrafa, directora.
  • Beatriz Fernández, bailarina, coreógrafa y curadora.
  • María Cabeza de Vaca, bailarina y coreógrafa
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Del 12 al 14 de octubre en Teatros del Canal

Amalia Fernández ostenta una larguísima trayectoria, en la que destacan numerosas investigaciones y proyectos escénicos, entre los que cabría destacar En construcción, nunca antes presentada en Madrid, Matrioshka (2005), Maya (2006), Shichimi Togarashi (2007), Las Perras (2008), Kratimosha (2009), Souvenir(2010) y Perrita China (2014).

Amalia Fernández (Granada, 1970) pertenece por derecho a una generación de artistas nacionales que entienden la danza como un territorio de investigación, experimentación y cuestionamiento que no necesariamente responde a las convenciones de la representación, por lo que cada propuesta supone un reto no solamente para la creadora, sino para los artistas que la acompañan y el público que viene a verla. Sus obras se mueven por la periferia de los esquemas preestablecidos y conducen al espectador por rutas cuyo destino final muchas veces es una incógnita para todos.

En construcción es un ejemplo representativo de estas búsquedas. El proyecto tiene su origen en un encargo del colectivo La Porta para la quinta edición del encuentro Nits Salvatges en el CCCB de Barcelona, en el que diez espectadores emprendían un viaje escénico, físico y temporal, siempre cambiante. Cuatro años más tarde, la coreógrafa emprendió, con otras directrices y 12 artistas convocados a vivir el proceso, En construcción 2, una prolongación independiente de aquella
primera investigación que toma como punto de partida una suerte de vodevil que era el final de la primera parte. A fuerza de construir, reconstruir, deconstruir e intervenir la escena los intérpretes reinventan este gag teatral típico de comedia de enredo forzándolo hasta convertirlo en coreografía, música o estímulo visual.

+ información y entradas

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5 y 6 de octubre a las 19h en Teatros del Canal

“Mercedes máis eu” es producto de la colaboración entre la artista Janet Novás y la compositora Mercedes Peón. Tras varios encuentros de improvisación en contextos y espacios muy heterogéneos, donde las dos artistas exploran las relaciones particulares que existen y que se establecen entre “su danza y su música”, surge la necesidad y el deseo de profundizar, entender, organizar o escribir y dedicarle un tiempo de “estudio” a dicha relación. De esta forma, entre instrumentos, recuerdos, canciones y bailes comienzan a aflorar conceptos del bagaje de ambas y en diferentes estados de latencia. Algunos de ellos de gran contenido socio-político: identidad, pertenencia, sororidad, creación colectiva, genero… y subyacen en la mayor parte de los materiales, desde los “objetos” musicales a los danzísticos o biográficos. Otros, conceptos somáticos o experiencias cuánticas: trance, energía, vibración… y aparecen en los pulsos, los ritmos y los tonos, en las voces y en las dinámicas, en los silencios, en las formas. El trabajo es además una propuesta sutil sobre lo común sensible, y una apuesta por el hacer/saber artístico.
Aunque esta segunda etapa del proceso, haya venido determinada por la oscuridad de la sala y el espacio escénico, “Mercedes máis eu” también/todavía nos reclama regresar a sus orígenes, aquellos encuentros de diferentes duraciones donde no había distancia con el espectador. Esta plasticidad que queremos permitirnos, esta facilidad que pensamos que tiene para adquirir diferentes formas o habitar diferentes arquitecturas, es una libertad que nos ayuda a seguir pensándola y a nosotras in-formándonos.

Dirección / Janet Novás / Creación e interpretación: Mercedes Peón y Janet Novás / Acompañamiento artístico: Ricardo Santana y Pablo Esbert / Composición musical, concepto y letras: Mercedes Peón / Coreografía: Janet Novás y Victoria P. Miranda / Diseño de Iluminación: Cristina Bolívar / Sonido: Ezequiel Orol / Producción: Adriana Reyes / Agradecimientos: Jorge Rúa, Virginia Rota,Eduardo Bonito,Celso Giménez, BeatrizCalatrava, Lipi Herández y Laura Kumin / Coproductores: Comunidad de Madrid / Con el apoyo de: Centro Danza Canal y Sede Losdedae, compañía residente en Alcalá de Henares / Agradecimiento especial: A mis padres

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