— MuroTRON

Sábado 15 de Junio a las 7pm con Txe Roimeser, Nina Wakeford y La Quiero Viva

Saliva (Dos de Maig 196, 08013 Barcelona)

Con mini-bar para la ocasión y estanterías con cositas nuevas. 

 

Read More

14 de junio en el Reina Sofía

El Museo Reina Sofía presenta Mix-en-scene (2015) de la coreógrafa y bailarina Amaranta Velarde, y la artista visual Alba G. Corral. Se trata de una pieza en la que Velarde despliega su faceta de DJ y articula la acción de poner la música con el acto de bailar, en una fusión de gestos entre el hacer y el representar, y también el placer de sentir cómo la música mueve su cuerpo. Simultáneamente, la artista visual Alba G. Corral genera imágenes digitales que se proyectan en directo, creando una escena múltiple de imagen, danza y sonido.

Ya en su título, la pieza remite al concepto de puesta en escena (mise-en-èscene), propio del ámbito del teatro y de la danza, para desplazarlo proponiendo la idea de una “mezcla en escena” de distintas referencias a ciertos hitos que han marcado la historia de la relación entre lo musical y lo dancístico. En este sentido, Mix-en-scene ofrece un viaje que experimenta además con la linealidad de la cronología y que juega a superponer estilos y principios artísticos, utilizando metodologías propias de la era de la posproducción y, en concreto, del espíritu dj de la apropiación, la manipulación y el versionado de materiales.

En este viaje de influencias encontramos, entre otras, claras referencias a Yvonne Rainer, Kraftwerk, los artistas futuristas, Erik Satie, Plastikman, György Ligeti, Pina Bausch, Tom Zé, Ryoji Ikeda, Fats Domino, William Forsythe, Meg Stuart, A Number Of Names, Aphex Twin, Vaslav Nijinsky, Daphne Oram, Igor Stravinsky, Mary Wigman o Laurie Anderson.

+ info

Read More

14 de junio a las 20.30h en Conde Duque

Si la curación es una opción entonces ¿por qué no curarnos de nuestros males en el teatro? ¿Por qué desperdiciar una hora en ‘cultura’ cuando podemos invertirla en estar más sanos?

Esta ‘performance’ está pensada para ‘sanar’ no sólo alguna dificultad física o psicológica particular, si no para tratarlas todas simultáneamente.

I cure puede sanar también a la gente que quieres y de la que te ocupas, todo depende de hacia dónde enfoques el poder sanador de I cure.

I cure no es una terapia individual, está pensada para curar a toda la audiencia al mismo tiempo. Tu implicación en el proceso tendrá un impacto en la sanación, mucho más incluso, que la performance en sí misma.

Ivo Dimchev es coreógrafo, artista visual, cantante y compositor búlgaro. Su trabajo es una colorida mezcla de performance, danza, teatro, música, dibujos y fotografía. Dimchev es autor de más de 30 performances. Ha recibido numerosos premios internacionales en danza y teatro y ha presentado su trabajo en Europa, Estados Unidos, Canadá y Latinoamérica.

Imparte clases magistrales en BudapestNational theater academy/Budapest, en el Royal  Conservatorium de Bélgica (Amberes), en la Hochschule der Künste en Berna, en DanceWeb en Viena, etc.

Junto a su faceta de coreógrafo, Ivo es un extraordinario cantante y compositor. Ha publicado sus dos primeros álbumes: Songs from my shows – live y Sculptures,  que presentará en vivo en el Auditorio de Conde Duque.

+info

Read More

21 de junio en Centro Párraga (Murcia)

“Mercedes máis eu” es producto de la colaboración entre la artista Janet Novas y la compositora Mercedes Peón. Tras varios encuentros de improvisación en contextos y espacios muy heterogéneos, donde las dos artistas exploran las relaciones particulares que existen y que se establecen entre “su danza y su música”, surge la necesidad y el deseo de profundizar, entender, organizar o escribir y dedicarle un tiempo de “estudio” a dicha relación.

De esta forma, entre instrumentos, recuerdos, canciones y bailes comienzan a aflorar conceptos del bagaje de ambas y en diferentes estados de latencia. Algunos de ellos de gran contenido socio-político: identidad, pertenencia, sonoridad, creación colectiva, género… y subyacen en la mayor parte de los materiales, desde los “objetos” musicales a los dancísticos o biográficos. Otros, conceptos somáticos o experiencias cuánticas: trance, energía, vibración… y aparecen en los pulsos, los ritmos y los tonos, en las voces y en las dinámicas, en los silencios, en las formas. El trabajo es además una propuesta sutil sobre lo común sensible, y una apuesta por el hacer/saber artístico.

+ info

 

Read More

14, 15 y 16 de junio en Naves Matadero

En 1999, doce artistas se reunieron bajo el nombre Circo Interior Bruto en un espacio autogestionado de Lavapiés para dedicarse en cuerpo y alma a la investigación creativa multidireccional, independiente y autónoma dentro del ámbito de la performance, el teatro experimental, la polipoesía, el happening y el arte de acción.

Eran Jesús Acevedo, Belén Cueto, Marta de Gonzalo, Rafael Lamata, Luis Naranjo, Eduardo Navarro, Kamen Nedev, Publio Pérez Prieto, Teresa del Pozo, Rafael Suárez, Jaime Vallaure, François Wimberg y arrancaron con un proyecto titulado La Creación del Mundo en 11 Funciones, que debería desarrollarse a lo largo de un año.

Lo primero que pensaron fue: “Lo mismo hacemos una función y somos más nosotros que los que vengan a vernos”. Pero no. Se quedó gente fuera del local y sus acciones performativas comenzaron a estar en boca de todos. Lo que sucedía allí no había sucedido antes. Eran vanguardia en estado puro.

El colectivo tenía una estructura horizontal y sin roles fijos asignados. Desarrolló múltiples actividades tanto en su propio espacio como fuera de él y presentaron sus inclasificables propuestas en Escena Contemporánea, CCCB de Barcelona o La Casa Encendida. Y estuvo en activo hasta 2005, año en que decidieron seguir cada uno su camino (aunque Rafael Lamata y Jaime Vallaure ya habían fundado Los Torreznos en el año 2000). “El CIB fue un lugar de disidencia personal, creativa y política, una red de afectos que existió en torno a una ficción sostenida por la pura voluntad de hacer y experimentar, de reinventarnos como seres sociales y de cambiar nuestra relación con el mundo”, explica Belén Cueto, miembro de CIB.

En 2018 se reunieron para crear una pieza performativa a partir del texto clásico de Esquilo Prometeo encadenado y mostrarla en Teatro Pradillo. Pero este año, 2019 cumplen 20 años de la primera vez que creó el colectivo y se han juntado de nuevo para proponer una pieza escénica basada en la lectura crítica de Así hablo Zaratustra de Friedrich Nietzsche y lo explican así:

“Cuando Friedrich Nietzsche escribió Así habló Zaratustra ¿Pretendía salvar a la humanidad? ¿Escribir una historia de terror? ¿Hablar sobre la soledad? ¿Hacer algo irrepetible? ¿O simplemente enseñarnos cómo era su cabeza por dentro?

Los sesenta discursos que componen la obra nos describen imágenes, a modo de fogonazos, de una realidad que solo él parecía percibir.

El camino, la montaña, el abismo, el puente, el ocaso, la tierra, el árbol, la isla… son los lugares por los que Dios, los sublimes, el niño, el caminante, los transmundanos, el mago, el amigo, los muchos, el camello… experimentan la pesadez, el saber, la transformación, la virtud, el cuerpo, el baile, la soledad, el desprecio, la nada…

Todo un viaje hacia la transformación definitiva, en la que los espíritus libres acaban con Dios para poder plantear su relación con el mundo, desde un nuevo orden en el que repensar el ser y el vivir. Arder en la propia llama para renovarse después de convertirse en cenizas. Un éxtasis del aquí y ahora en bucle, que nos anima a convertir cada instante en algo que se desee vivir eternamente, una afirmación rotunda y emancipadora de la vida a través de lo único, lo diferenciado, del “yo lo quiero así”.

El Circo Interior Bruto coincide con Nietzsche en entender la vida como un continuo experimento, en un vivir por vivir. No vamos a rendirnos ni a pasar de largo, tampoco vamos a permitir que nos roben el cuerpo. En eso andamos, considerando perdido el día en el que no se haya bailado, tanteando algo, que hasta el mismo día de la presentación estará cuestionando cuáles son las mejores acciones para ser vividas eternamente”.

Circo Interior Bruto está formado en la actualidad por Jesús Acevedo, Belén Cueto, Marta de Gonzalo, Rafael Lamata, Publio Pérez, Rafael Suárez, Jaime Vallaure y Fran Winberg

 

Read More

|| PROGRAMA || 

BOSQUE R.E.A.L. nace, en forma de festival, para visitar desde la contemporaneidad la historia y anécdotas de la Casa de Campo de Madrid.

Decir BOSQUE REAL es como decir BOSQUE FUERTE.

Nuestro BOSQUE es R.E.A.L. porque Revisa de manera Expandida, Aumentada y Literal algunos espacios e historias de la Casa de Campo. Es un festival, pues de algún modo hay que llamarlo, que nos cita en seguidas ocasiones durante los meses de mayo y junio y lo hace de la mano de varixs artistas alrededor de un Almacén de Cantería, del hallazgo de un delfín marino, de los sonidos de la Guerra desde el Cerro Garabitas y de las imágenes posibles de aquel día en el que, finalmente, se abrió la Puerta del Rey y 300.000 personas accedieron a UN NUEVO LUGAR.

1 DE MAYO

BOSQUE R.E.A.L. || ACTO DE APERTURA

Cuando el 1 de mayo de 1931 se abrió la Casa de Campo a quienes habían estado durante siglos imaginando un lugar lleno de lujos, bellos jardines y abundante caza, se encontraron con un lugar que, si bien no era un vergel, sí era un lugar para la posibilidad. El 1 de mayo de 2019 celebramos la apertura de las puertas y lo hacemos junto a la Asociación Musical Banda de Vallecas, el archivo Niceto Alcalá Zamora, la tahona La Abuelita  y una nueva pintura de Julio Linares que sirve de fondo para recrear la escena de la cesión del parque municipal más grande del mundo al pueblo de Madrid.

5 y 7 DE JUNIO

|| AGOTADO ||

Visita guiada al taller de cantería de la Casa de Campo || DAVID BESTUÉ & PATRICIA ESQUIVIAS.

Madrid deja de ser Madrid si le quitamos la piedra. En las instalaciones de La Casilla, como  se llama popularmente a las antiguas caballerizas de los monarcas, encontramos hoy almacenados elementos del espacio público que han sido retirados en algún momento: hay desde escombros de la Guerra Civil hasta monumentos franquistas así como adoquines, bolardos y fuentes que esperan a ser recolocados de nuevo en alguna vía de la ciudad. Patricia Esquivias y David Bestué proponen un recorrido por este lugar, que tiene algo de escarbar en la memoria de unos tiempos mezclados y un tanto revueltos.

14 y 15 DE JUNIO

12:00h y 19:00h || 12:00h y 20:00h

Fondo con delfín || SOFÍA MONTENEGRO

Los delfines tienen múltiples formas de nadar y comunicarse. Lo hacen en el mar, en el río y excepcionalmente en un lago, en un prado o en algún espacio expositivo. Fondo con delfín es un recorrido que nos llevará hacia los objetos hallados y los tesoros escondidos entre los surcos del delfín, tanto en aguas profundas como en superficies ocultas. Es un paisaje que comienza en el galeón San José, hundido en el Caribe en 1708 lleno de oro, y acaba en el delfín marino que encontró hace unos años César, un perro vecino en el corazón de la Casa de Campo; un delfín que aún nadie sabe cómo llegó hasta ahí.

Inscripciones: bosque.fondo@gmail.com, indicando fecha y pase en orden de preferencia.  Se pueden reservar un máximo de dos plazas por mail.

Los detalles de acceso se indicarán en el correo de confirmación.

22 Y 23 DE JUNIO

22:00h desde el Cerro Garabitas de la Casa de Campo

La espada me la ha regalado || MIRIAM MARTÍN

Desde el cerro de Garabitas se miró Madrid, de noviembre del 36 hasta el final de nuestra guerra civil, para bombardear a la población con artillería desparramada entre los árboles. Las noches del 22 y 23 de junio subiremos para mirar una película, que será corta y que casi seguro va a llamarse La espada me la ha regalado. En sus imágenes, el presente: el verde de la tierra que amarillea o las personas que cantan y bailan en el parking donde estuvo la pista de hielo; en sus sonidos, el pasado: zumbidos y explosiones, tableteos de ametralladora, restallar seco de fusiles o las palabras de quienes inventaron una revolución y un gusto por la vida buena en mitad de todo ese estruendo.

Inscripciones: bosque.espada@gmail.com, indicando fecha de preferencia. Se pueden reservar un máximo de dos plazas por mail.

Los detalles de acceso se indicarán en el correo de confirmación. 

27 DE JUNIO

22:00h Parking del Parque de Atracciones de Madrid

52 lados || BRBR FILMS

Han llegado hasta el presente muchos relatos que cuentan qué pasó aquel 1 de mayo de 1931. Entró el pueblo de Madrid, muchos conejos acabaron en las paellas, un hombre murió en el lago. En profunda asimetría, son pocas las imágenes que se produjeron aquel día. El colectivo BRBR se va a encargar de compensar ese vacío, construyendo imágenes posibles que retratan un momento sobre el que, no nos queda otra, aún tenemos que especular. La mirada sobre un fragmento de tiempo desconocido en un lugar, un fragmento de espacio acotado por una tapia de 52 lados, que hasta aquella fecha solo podíamos imaginar.

|| unos CRÉDITOS ||

BOSQUE R.E.A.L. es un proyecto coordinado por Jacobo Cayetano (Zuloark) y Javier Cruz,  desde la plataforma Zoohaus y con la ayuda a la producción de Oihane Ruíz y Luis De Prada (Zuloark). El diseño gráfico ha sido desarrollado por Andrea González y el sitio web por Sergio Gordo. Todas las actividades están acompañadas con el trabajo en fotografía de Bego Solís, Lourdes Cabrera, Antonio Xoubanova y Jorge Mirón.

BOSQUE R.E.A.L. se realiza con el apoyo del programa de Ayudas a Festivales y Congresos del Ayuntamiento de Madrid, en colaboración con el programa CiudaDistrito y la Junta de Distrito Moncloa-Aravaca. Queremos agradecerles su disposición y acompañamiento, así como a la Dirección y personal del parque de la Casa de Campo, a la Dirección General de Intervención en el Paisaje Urbano y Patrimonio Cultural, al Área de Gobierno de Cultura y Deportes, a la casilla municipal de cantería, al Archivo-Museo Niceto Alcalá Zamora, al Seprona, a la Dirección General de Gestión de Aguas, a la Plataforma Salvemos la Casa de Campo, a Ecologistas en Acción y su lucha incansable, a lxs usuarios, a lxs paisanxs.

A Amaia, a Garci y al perro César, de raza teckel, que encontró un delfín en Madrid y le pareció de lo más normal.

#bosquereal2019

Read More

6 de junio a las 19.30h en Azkuna Zentroa

Corps noir es una intensa inmersión en bruto en lo íntimo. Una puesta en escena del cuerpo en un delirio de accesorios y objetos de texturas diversas, de materias sonoras, de imágenes y de voz, como tantas otras metáforas identitarias transmitidas mediante tecnología punta que permite superponer, intercalar, fusionar. Este bazar del subconsciente y la memoria presenta las piezas, congregadas, disgregadas o desencajadas, de una ficción de uno mismo, entre sólidos y líquidos, pantallas cubiertas de escarcha, hielo y agua, calor y frío, opacidad y transparencia.

El cuerpo es atacado: mojado, manchado, absorbido… y toma partido: combate, penetra, oprime también. Irradia. En física, un cuerpo negro se define como un objeto que absorbe totalmente la luz en todas las longitudes de onda.

Stéphane Gladyszewski se convierte en la propia materia y crea un autorretrato fragmentado basado en la complejidad de una identidad estrellada y las construcciones de la psique.

STÉPHANE GLADYSZEWSKI (Montreal) estudió y trabajó en el ámbito de la fotografía antes de obtener su Licenciatura en Bellas Artes. Atraído por el movimiento, se abrió paso en la danza a través de la técnica ‘contact improvisation’. En 2008 crea un sistema de proyección de ‘vídeo termal’ que utilizó por primera vez en el proyecto Corps noir. Aplicando los mismos principios tecnológicos, dirige la coreografía del dúo Chaleur humaine, presentada como parte del proyecto Danse à 10. Con Tête à tête, Gladyszewski continúa investigando la identidad y la exploración de la intimidad a través de un espectáculo en vivo.

+ info

Read More

8 de junio a las 18h en Azkuna Zentroa

Sra. Polaroiska es artista asociada en Azkuna Zentroa. Esta nueva línea de apoyo a la creación acompaña a artistas cuyos trabajos suponen una inspiradora mirada sobre los lenguajes artísticos.

El colectivo Sra. Polaroiska nos invita a participar en la instalación No hay edad para el ritmo. En ella proyectará su última pieza audiovisual No hay nada más moderno que envejecer y propondrá un dispositivo en el que invita a personas de todas las edades a disfrutar de un baile colectivo, familiar e intergeneracional.

Se trata de una invitación a la contemplación de los cuerpos en movimiento. Cuerpos esculpidos o no por el paso del tiempo, cada uno totalmente diferente al otro, construyendo un baile que habla de amor, deseo, belleza, sexo, diversión y afectos. Cuerpos que se mueven sintiendo, vibrando y habitando el presente. Texturas, pieles y ritmos respirando el disfrute por derecho propio y por puro placer.

Con esta propuesta se quiere cuestionar la construcción de unos cánones con el fin de desmontar un imaginario social y cultural plagado de prejuicios y estereotipos. o hay edad para el ritmo, por ello disfrutemos de un momento único bailando por el puro placer de hacerlo.

SRA POLAROISKA está formado por Alaitz Arenzana y Maria Ibarretxe. Su obra gira en torno al cine experimental, el arte de acción, la creación escénica y la coreografía. Ganadoras del Premio Gure Artea 2017 por el reconocimiento a su actividad creativa. Sus piezas escénicas y audiovisuales han sido expuestas en numerosos Centros de Arte y Festivales Internacionales, Museo Artium, Museo Reina Sofía, Museo Guggenheim, Instituto Cervantes de Estocolmo, Manchester, Festival des Cinémas Différents de Paris, Casa Encendida, Fundación Bilbao Arte, entre otros.

+ info

Read More

6, 7 y 8 de junio de 11 a 19h en Azkuna Zentroa

Oscar Gómez Mata es artista asociado en Azkuna Zentroa. Esta nueva línea de apoyo a la creación acompaña a artistas cuyos trabajos suponen una inspiradora mirada sobre los lenguajes artísticos.

El artista Oscar Gómez Mata dirige el 6,7 y 8 de junio el Catálogo de derivas, actividad donde propone realizar diversas derivas con el fin de trabajar sobre la observación y la exploración de los paisajes urbanos cotidianos.

Una deriva es una práctica en la que a través del acto de caminar, se pretende establecer conexiones entre el paisaje urbano y la vida interior del participante. Despertar lo inesperado, reinventar y probar algo que todos sabemos y conocemos.

Estimular el azar, la sincronicidad y la serendipia. Ver cómo se genera un material personal a partir de esta experiencia. La idea de deriva concebida como desplazamiento o recorrido físico y mental a partir de instrucciones previas, intentando modificar el punto de vista del participante.

Realizando este ejercicio, la deriva se puede convertir también en una herramienta para generar material artístico. El desplazamiento físico y mental nos lleva a encontrar y recoger diferentes materiales: textos, reflexiones, pensamientos, imágenes, sonidos… siempre trabajando con el pensamiento: “voy a encontrar algo”.

OSCAR GÓMEZ MATA (Donostia, 1963) vive y trabaja en Suiza, en Ginebra. Actor, director y también autor y escenógrafo, empieza sus actividades teatrales en España donde, en 1987, es cofundador de la Compañía Legaleón-T, con la cual crea espectáculos hasta el 1996. En Ginebra en 1997, funda la Compañía L’Alakran por la cual firma la dirección, la concepción, la dramaturgia o los textos de varios espectáculos. Oscar Gómez Mata desarrolla también un trabajo pedagógico en la escuela de Teatro Serge Martin (Suiza), en Les Chantiers Nomades (Francia). Desde 2013, es profesor regular en la Manufacture – Escuela de teatro de Suiza francesa (HETSR). Premio nacional suizo de teatro en 2018.

+info

Read More

Programa:
Viernes, 7 de junio. 17:30-20:30. Sesión abierta al público.

Sábado, 8 de junio. 10:30-14:00. Sesión con participantes de Conversación abierta.

En Bulegoa z/b  (Solokoetxe 8 bajo, Bilbao)

El comisariado como escucha. A la invitación del grupo de investigación Conversación abierta, respondemos de manera literal. Un encuentro con Amaia Urra en el que escucharemos la voz de la artista, así como una selección de obras suyas de la última década. Hemen nago: lejos, urrun tiene como objeto desplegar una práctica que trabaja con los desplazamientos del cuerpo y el lenguaje, la palabra cantada y hablada, dicha y leída, y que se presenta a través de acciones en vivo, grabaciones sonoras y formalizaciones gráficas. Con este encuentro, articulado a través de la escucha colectiva de varias obras a lo largo de dos sesiones intensivas, pretendemos generar una situación de acumulación y densidad que permita estudiar una práctica que se presenta a sí misma como deliberadamente ligera y esquiva. Durante las dos sesiones, la artista no estará presente en cuerpo, pero sí en voz.

Amaia Urra (Donostia-San Sebastián, 1974) es artista. Licenciada en 1998 por la Universidad del País Vasco en la especialidad de Escultura, en 2002 presenta su primera performance, El eclipse de A., producida por Arteleku en el marco del programa Mugatxoan. Entre 1999 y 2009 vive entre París, Bruselas, Madrid y Berlín, donde trabaja con diferentes coreógrafos: Jérôme Bel, Cristina Blanco, Blanca Calvo, Juan Domínguez, María y Cuqui Jerez, Xavier Le Roy y Ion Munduate. Sus piezas se han representado en espacios, encuentros y festivales como Art nomade, encuentro internacional de performance de Saguenay (Quebec), Axeneo7 & SAW Gallery en Gatineau (Otawa), Líneas de acción en Casa Maauad (México DF), festival In-presentable de La Casa Encendida (Madrid), festival 2D2H (Hondarribia-Hendaia), Bulegoa z/b (Bilbao), la serie Ecolalias de RSS Radio del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), Zarata Fest (Bilbao), el centro de cultura contemporánea Azkuna Zentroa (Bilbao), la 15ª edición de las Picnic Sessions del Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M, Móstoles) o la sala Héctor Escandón (México DF). Actualmente, vive y trabaja en Donostia-San Sebastián, donde entre marzo de 2017 y febrero de 2018 dirigió el espacio Alkolea Beach, junto con Sandra Cuesta y Larraitz Torres.

Read More