— MuroTRON

29 y 30 de diciembre en Azkuna Zentroa

Macarena Recuerda Shepherd presenta “¡AY! ¡YA!”, obra de danza performativa pensada para el público familiar. Una ilusión que lleva a percibir la realidad de diferentes maneras sugeridas por la imaginación o causadas por el engaño del sentido de la vista.

“¡AY! ¡YA!” es un ejercicio sobre la mirada. Esa ilusión que se produce cuando la imagen que se tiene cada persona de sí misma se transforma en otra, se multiplica o toma formas imposibles. Cuerpos con varias extremidades, incompletos, transformables y moldeables.

Según explica la artista, «la ilusión, se trata de un efecto que pone de manifiesto que nuestros ojos no son cámaras de vídeo que graban todo lo que ocurre, sino que nuestro cerebro interpreta y reelabora la información que nos proporcionan nuestros sentidos».

MACARENA RECUERDA SHEPHERD. Artista visual y bailarina. Ha realizado diferentes proyectos en colaboración con los artistas Txalo Toloza, Amalia Fernández, Amanda Pola y Vicente Arlandis. En el 2008 funda el Colectivo Estraperlo plataforma de nuevos creadores. Estos son sus trabajos: Sus piezas: Thatʼs the story of my life (2010), Greenwich Art Show (2012), Whose are those eyes (2013), El Experimento Ganzfeld (2015), Collage y Acción (2016), ¡AY! ¡YA! (2018).

FICHA ARTÍSTICA

Intérpretes: Idurre Azkue y Macarena Recuerda Shepherd
Autoría: Idurre Azkue, Alberto de la Hoz, Macarena Recuerda Shepherd y la colaboración de Sofía Asencio
Dirección: Macarena Recuerda Shepherd
Escenografía: Macarena Recuerda Shepherd
Vestuario: H-intercalada
Música (Banda Sonora): Alberto de la Hoz
Iluminación: Conrado Parodi
Una producción de: ANTIC TEATRE.
Con el apoyo de: Gobierno Vasco y el Departament De Cultura de la Generalitat de Catalunya
Colabora: GREC Festival de Barcelona, Festival BAD de Bilbao, El Graner – Mercat de les Flors, Sala Baratza, La Fundición Bilbao e Histeriak
Proyecto beneficiario del Proyecto de cooperación transfronteriza PYRENART, dentro del marco del Programa INTERREG V-A España-Francia-Andorra, POCTEFA 2014-2020 – Fondo Europeo de Desarrollo Regional (FEDER)

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15 de diciembre en la Sala Carme (Valencia)
Inscripción en dormirjunts@gmail.com

 

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Dos manos inquietas intentan encontrar los huecos entre otras manos. La piel arrugada contacta con la piel seca. El agua, que espera, que espesa y hace palpable la conexión sin contacto. La isla suena, resuena y se transforma en vocablo. Ninguna mano es una isla es una apología del tacto. Una performance sobre las potencialidades de lo háptico. Un concierto que acontece cuando las manos se estrechan y se presionan con fuerza. Una palpitación de la sangre en la yema de los dedos. Una conducción de lo sonoro a través de lo húmedo y mojado.

Con aforo limitado. Inscripciones previas en info@blueprojectfoundation.org.

Laura Llaneli (Granada, 1986) cursó estudios musicales y una diplomatura en Diseño Gráfico. Licenciada en Bellas Artes y con un Máster en Arte Sonoro por la Universidad de Barcelona, es miembro de Sons de Barcelona, del colectivo Nenazas y de la banda de música Pradera. Entre sus premios destacan Art For Change 2019 (”la Caixa”), Premi Miquel Casablancas 2018, Premi Embarrat 2017 y Barcelona Producció 2014. Ha expuesto en Casaplan (Valparaíso, Chile), Swinton & Grant (Madrid), ADN Platform – ADN Galería (Sant Cugat del Vallès), galeria àngels barcelona, MMSU (Croacia), Art3 (Francia), Lo Pati (Amposta) y Fundació Antoni Tàpies (Barcelona), entre otros. Además ha hecho residencias en Casa de Velázquez, Art3 Valence, Lo Pati, Balada, MMSU Rijeka, Estruch Sabadell y Hangar Barcelona. Actualmente trabaja en el espacio Salamina.

Julián Pacomio (Mérida, 1986) indaga en la idea de copia, remake, traducción y apropiación de materiales ajenos con sus proyectos escénicos. Ha colaborado con la coreógrafa Ángela Millano en el proyecto de investigación Asleep Images, del que forman parte las piezas Make It, Don’t Fake It (2019) y PSYCHO (2020), con residencias en Tabakalera (San Sebastián), La Caldera (Barcelona), Atelier Real (Lisboa), Desfoga (Cambados) y S’ALA (Sassari). Ha presentado El mundo bajo el mundo (2017) y Espacio hacedor (2016) en colaboración con el arquitecto Miguel del Amo y dentro del programa de artistas en residencia de La Casa Encendida/CA2M, en Leal.Lav (Tenerife) y en el Festival Frinje Madrid, y My Turin Horse (2012) en Matadero Madrid. Desde 2017 trabaja en Lisboa con el coreógrafo João Fiadeiro en From Afar It Was an IslandDe perto, uma pedra y O Que Fazer Daqui Para Trás. Colabora con coreógrafos como Luis Garay (Colombia), Daniel Pizamiglio (Brasil-Portugal), Annika Pannitto (Italia) y Carolina Campos (Brasil), entre otros. En 2020 formó parte de Forum Dança PACAP (Performing Arts Advanced Program), comisariado por João dos Santos Martins, en Lisboa. Y es comisario de NO NO NO SOLO SOLO NO, un ciclo de performances para la Sala Amadís de INJUVE (Madrid). En 2021 presentará la exposición Contemplar una superficie inestable, comisariada junto con Ignacio de Antonio Antón, ganadora de la convocatoria Inéditos 2021. Actualmente desarrolla la pieza Apocalipsis entre amigos o el día simplemente, que se presentará en 2021 en La Capella. Reside entre Madrid y Lisboa.

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Edición extraordinaria en formato presencial y online del Observatorio de Vídeo No Identificado (OVNI). Esta nueva edición propone un recorrido videográfico entre el sueño y la vigilia, la deriva en momentos de máxima volatilidad y el recuerdo. Presenta además una lectura particular del extenso fondo de los Archivos del Observatorio, una programación de autoría colectiva acompañada de la obra y la mirada del desaparecido Toni Serra – Abu Ali.

«Finales de invierno», sin estar centrado en una temática muy dibujada, plantea en cierto modo consideraciones acerca de la deriva en momentos marcados por la pérdida. OVNI 2020 propone un espacio de tiempo videográfico atento, sutil y de baja velocidad, y desde una voluntad de volver a una relación de intimidad con la imagen.

«Finales de invierno» se hace en recuerdo de Toni Serra – Abu Ali, cofundador del proyecto y autor de una muy importante y extensa obra videográfica. La programación de este OVNI 2020 está guiada por algunos de sus trabajos, e incluye algunos de sus títulos más desconocidos, anónimos o firmados con seudónimo.

«Finales de invierno» es un recorrido por cuatro sesiones videográficas en clave de ensoñación. El título habla de algo evocador y al mismo tiempo de lo concreto: los días finales del invierno y el tránsito hacia la luz.

Viernes, 18 diciembre | 18.00 – 21.30

Intuyendo la luz del crepúsculo

Sábado, 19 diciembre | 18.00 – 21.30

Cruzando espejismos

Domingo, 20 diciembre | 17.00 – 21.00

Llegando al recuerdo

 Sesiones online

Del 18 al 27 de diciembre, toda la programación se puede seguir en www.desorg.org.

Esta actividad forma parte de OVNI

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>Más información sobre el proceso de trabajo en el blog de La Praga en Teatron

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12 de diciembre a las 17h en Tabakalera (Donostia)

Gure burmuinak irudiak gordetzen ditu eta bilatzaile moduan funtzionatzen du, zer gertatzen den ulertzeko estekak bilatzen ditu, Youtube mental mota bat eragiten duten estekak. Irudiak lotzeko eta buruko filmak eraikitzeko gaitasun horri “Kopfkino” deitzen diogu. Kontzeptu hori oinarritzat hartuta, Los detectives-eko kideek galdera bat egiten diote beren buruari: kontsumitzen ditugun fikzioek zenbateraino eragiten dute munduari eta geure buruari buruzko ikuspegian?

Hori da Kopfkinoren motorra, fikzioa eta errealitatea elkartzen direnean sortzen diren marjinetan sakontzeko gorputza ezinbesteko tresna gisa erabiltzen duen pieza.

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Venres 11 de decembro, 20h

Lugar: Sala de Exposicións de NORMAL (Paseo de Ronda, 47, 15011 A Coruña)

Inscrición: Aforo limitado. A asistencia presencial deberá ser confirmada enchendo o seguinte FORMULARIO.

Technocracia é unha peza de artes vivas no seu segundo estadio de creación que aborda a festa como lugar de comuñón, como mecanismo de reprogramación mental, de ruptura co cotiá, de hedonismo físico e emocional, e tamén como unha metodoloxía de creación a partir do corpo en movemento e a masa, onde expandir a nosa experiencia escénica ao incluir ó publico como parte esencial da peza a través das accións que se xeneren. Trátase de deixar de crear ficcións para deixarnos crear polos feitos intentando preservar o noso calor interno, a nosa frescura e bondade humana contra a tiranía da orde.

Dirección: Cristina Balboa | Autoría e interpretación: Cristina Balboa, Félix Fernández y Manuel Parra | Diseño iluminación: Afonso Castro | Diseño espacio escénico: Mauro Trastoy | Espacio audiovisual: Félix Fernández | Música original: Cristina Balboa, Félix Fernández | Producción: Manu Lago | Foto y vídeo: Ángel Sousa | Diseño gráfico: Félix Fernández y Mauro Trastoy | Produce: Funboa | Ayuda en producción: Agadic · Xacobeo 2021 · Xunta de Galicia | Colabora: Galicia Danza Contemporánea

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5 y 6 de diciembre en Temporada Alta

El Conde de Torrefiel invita al espectador a un ejercicio escénico para una sola persona. El individuo que entra en este bosque simbólico, que se parece mucho al artificio del teatro, ocupa el rol de intérprete y el de público, consecutivamente. Habrá momentos para mirar en silencio y otros para una coreografía de movimientos. Mirar y actuar, las dos acciones básicas del acto teatral. Una reflexión sobre la convención teatral y sobre cómo entendemos la realidad. Una de las compañías catalanas más inclasificables, rompedoras y con más proyección internacional ofrece un experimento sobre el deseo de mirar aquellos mundos artificiales que hemos creado. 

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Del 10 de julio de 2020 al 7 de febrero de 2021 en el MACBA

Si la década de 1980 representó en Europa una vuelta al orden, a la reivindicación de cierta formalidad en el arte, a los formatos convencionales de la pintura y la escultura ampliamente aceptados por el mercado, la de 1990 retomó gran parte de las experiencias conceptuales de décadas anteriores. De esta manera, se recuperaron prácticas relacionadas con el cuerpo humano a las que conjuntamente denominamos arte de acción. En España adquirieron aún mayor relevancia, con iniciativas múltiples que han ejercido un inmenso impacto en el arte desde entonces hasta la actualidad. Ese arte de acción se expresó frecuentemente en forma de performances –que acostumbraban a circular en ámbitos muy restringidos, en festivales o encuentros‒ y su expresión más heterogénea, que se ha venido a denominar performatividad.

Es el momento de revisarlas en su conjunto y entender su gran importancia: no solo porque la historia de esos años está aún por escribir, sino porque un buen número de artistas jóvenes beben directamente de ellas, a menudo sin saberlo. También es una ocasión para un replanteamiento de la institución, analizando cada una de las tareas habituales del museo, desde el acto de comisariar hasta la forma de comunicar. La interacción con la audiencia vive una renovación fundamental: el rol del visitante pasa de observador a activador. Todo ello en el marco de una era –prefigurada en la biopolítica de Michel Foucault, en el deconstructivismo de Jacques Derrida o en el pragmatismo de John L. Austin‒ en la que el cuerpo humano se establece otra vez como el lugar por el que transitan un buen número de tensiones emocionales y se reclama la condición política del ser. Somos porque ocupamos un espacio, porque actuamos y somos reconocidos en él.

A través de distintos nodos, Acción recorrerá esta época rastreando algunas de sus obras fundamentales. Además, incluirá documentación y material audiovisual mayoritariamente inédito que recupera aquellas experiencias. El resultado es una exposición densa, con múltiples extensiones históricas y contemporáneas, que ayudará a interpretar de forma mucho más precisa el arte de nuestro tiempo.

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17 de diciembre en Azkuna Zentroa

La artista Janet Novás y la compositora Mercedes Peón, colaboran en esta propuesta escénica sutil sobre lo común sensible. Juntas exploran las relaciones particulares que existen y se establecen entre “su danza y su música”.

Entre instrumentos, recuerdos, canciones y bailes afloran conceptos en diferentes estados de latencia. Algunos de ellos, de gran contenido socio-político, están presentes en los materiales, desde los “objetos” musicales a los dancísticos o biográficos; otros, conceptos somáticos o experiencias cuánticas, aparecen en los pulsos, los ritmos y los tonos, en las voces y en las dinámicas, en los silencios, en las formas. Mercedes máis eu mira hacia lo colectivo y lo hace desde perspectivas y sensibilidades nada arquetípicas. La pieza, en femenino, es un híbrido dancístico musical plagado de imágenes evocadoras y seccionadas por cuadros, lo que le permite habitar en diferentes arquitecturas o marcos, desde contextos más escénicos a otros más museísticos.

Según las creadoras, «para definir Mercedes máis eu es inevitable hablar de deseo. Ese deseo que encuentra razones para proyectarse más allá del primer encuentro, y devenir re-encuentro, conversación, experiencia, afecto… Persistir en ese deseo, que se actualiza atravesando el proyecto, es incidir en aquello que nos acontece en cada encuentro. Pero también es indagar en lo que nos es propio y en lo que nos es común, que está más allá del sujeto y del territorio. Esa memoria o archivo vivo que se actualiza con el deseo, sustrayéndonos de nuestra propia inmanencia.»

Janet Novás: Bailarina, performer, coreógrafa y docente. Formada en danza contemporánea entre Madrid, Bruselas y Berlín, su obra se construye desde la observación, la experiencia y el diálogo con su cuerpo como principal herramienta de trabajo, apostando por un lenguaje propio, moldeando el contenido emocional y la sencillez estética que caracterizan sus trabajos. Actualmente colabora con diferentes artistas como Pablo Esbert, Mercedes Peón y las diseñadores Zap&Buj, con las que creó su última obra “Imaginé cinco cuerpos y ninguno era el mío”.

Mercedes Peón: Compositora, vocalista e instrumentista gallega, trabaja la música tradicional con múltiples herramientas tecnológicas. Tras profundizar durante 25 años en la tradición gallega, Peón grabó en el año 2000 su primer Álbum como solista, Isué. Le siguieron los trabajos Ajrú (2003), Sihá (2007), Sós (2011), Deixaas (2018), ganando varios premios por sus trabajos. Esta trayectoria hace de ella una de las artistas gallegas más destacadas de principios del siglo XXI.

Ficha artística: Dirección: Janet Novás / Creación e interpretación: Mercedes Peón y Janet Novás / Acompañamiento artístico: Ricardo Santana y Pablo Esbert / Composición musical, concepto y letras: Mercedes Peón / Asistencia en el movimiento: Victoria P. Miranda / Diseño de Iluminación: Cristina Bolívar / Sonido: Ezequiel Orol / Vestuario: Juanita Rodríguez / Producción: Adriana Reyes / Coproductores: Comunidad de Madrid / Con el apoyo: Centro Danza Canal, Graner Centro de Creació, Sede Losdedae

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