— MuroTRON

27 de junio en La Casa Encendida

Exotourisme es una banda sonora retro-futurista para replicantes transitorios y renegados nocturnos.

Tomando como referencia la película Blade Runner, Dominique Gonzalez-Foerster recurre a la new wave francesa de Lizzy Mercier Descloux y Serge Gainsbourg para producir un sonido seductor inspirado por las luces de neón, que evoca al underground de los años ochenta en París.

La práctica artística de Dominique Gonzalez-Foerster (Estrasburgo, Francia, 1965) transita entre el cine, la literatura, la arquitectura, la filosofía y la teoría crítica. Utiliza la performance y las proyecciones holográficas en su obra para relacionar personajes de la historia, la literatura y el cine con sus fuentes sociológicas. Gonzalez-Foerster ha presentado exposiciones individuales en Centre Pompidou (2002 y 2015); Kunsthalle Zürich (2004); Musée d’art Moderne de la Ville de Paris (2007); Tate Modern (2008); Dia Art Foundation (2009); Guggenheim Museum (2011) y el Palacio de Cristal, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (2014).

  • Canciones escritas e interpretadas por Dominique Gonzalez-Foerster.

  • Música compuesta por Dominique Gonzalez-Foerster y Perez.

  • Música producida y mezclada por Perez.

> Más info y entradas

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26 jun | 19h | Can Felipa

«Fa uns anys vaig estar en una residència artística molt particular, érem cinc artistes vivint en un parc natural a Conneticut (EUA). Un dia estava fent una passejada pel bosc i alguna cosa va fer que em girés, sense saber què… Em vaig girar i ¡bam! tenia un cérvol davant meu mirant-me fixament als ulls. Ens vam quedar així, mirant-nos, no sé quanta estona. La durada de la mirada és el que em va impactar, i quan es va acabar, em vaig trobar en estat de xoc. I és que durant aquest temps va ser com si hagués pogut tocar amb els ulls un món que no em pertanyia. Com si aquest animal s’hagués transformat en algú familiar i desconegut al mateix temps, fent de la situació aquest “entre” que permet l’accés a un altre món.

No es pot ser diferent, però sí relacionar-se amb alguna cosa diferent per crear coses noves: la necessitat d’un “entre” com a espai de relació, sense determinar, que a manera d’obertura fa que tot sigui possible. El que és decisiu no es troba en les coses que es relacionen, sinó en la relació pròpiament dita. L’obertura com a oportunitat de noves formes de ser, per descobrir noves formes d’estar al món. Si hi ha una obertura, alguna cosa pot emergir. Quan l’obertura es mou, una superfície és imaginada.»

Activitat en el marc de “Una exposició com un conjur“, a cura de Caterina Almirall, que es pot visitar a la sala d’exposicions de Can Felipa fins al 14 de Juliol. En aquesta activitat hi haurà una performance d’Alejandra Pombo en relació a la pel·lícula Glade, part de l’exposició, i de la qual farem un visionat.
L’activitat tindrà lloc a la Sala de conferències de Can Felipa (quarta planta). Es prega puntualitat.

Agraïments a Silvia Zayas, amb qui es va originar el text de la performance amb el projecte Jumping Scales. La pel·lícula Glade ha estat realitzada amb el suport de Mugatxoan, I-Park Foundation, ACA (Atlantic Center for the Arts).

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Galería Heinrich Ehrhardt | Del 9 de junio al 25 de julio | Inauguración 9 de junio de 11 a 15h

Y escucho tu pasos venir. Un verso y una visión. Una ilusión sonora que permite imaginar y escuchar aquello que se acerca. En los ecos de esa cartografía líquida se desarrollan, desde la invisibilidad y desde la alucinación, los fenómenos escultóricos de Lucía C. Pino, June Crespo, Anna Dot y Rosa Tharrats. Por primera vez, la Galería Heinrich Ehrhardt muestra el trabajo de estas cuatro artistas a partir de un título que proviene de un poema de Leopoldo María Panero. El éxtasis del poeta poseído como pretexto expositivo.

Tratándose de una propuesta quebrada desde el principio, discontinua pero uida, los trabajos de C.Pino, Crespo, Dot y Tharrats transforman la materia, la atraviesan, la desmontan y la diluyen. Pero se da una singular paradoja entre lo etéreo y lo rme; entre la apariencia y la realidad. Las obras de todas ellas plantean un nuevo imaginario de tensiones, en las que lo cercano está también lejos y lo blando parece duro y robusto. En ese ensamblaje escultórico, de ondas en el caso de Lucía C. Pino, de canalizaciones en el de June Crespo, de fragmentos monosilábicos en Anna Dot y telepáticos en el de Rosa Tharrats, se genera una ruta psicodélica en el que las ideas se escurren líquidas entre los dedos de las manos y los registros formales y discursivos se transforman en percepciones caleidoscópicas.

La reunión de estos trabajos supone en último término la conexión y la intermediación con otros lenguajes y otros mundos. Se concibe la escultura y la instalación como metamorfosis. Como catalizador o como médium. Donde todo sucede. Un trayecto donde se da el hecho escultórico; donde se hace la escultura (hacer haciéndose o como diría Josep María Esquirol, la vida viviéndose) despojada de un signi cado único en lo que se re ere a lo material para construir contenidos dinámicos.

Hay algo en lo fragmentario de los cuerpos y las palabras presentadas por estas artistas que se aproxima a la parataxis de Allen Ginsberg y su Aullido. Y se produce cierta contradicción en el encadenamiento fragmentado y roto. Como si todas las piezas de la muestra fueran al mismo tiempo las dos caras de una misma moneda que siempre cae de canto. Parece que las piezas, aunque desarrolladas con independencia unas de otras, propongan cierta reacción en cadena. La visión como nueva forma de hacer. Desquebrajando la continuidad de ese relato como la mano que entra y sale del chorro de agua o “la mano que sostiene un puñado de lluvia”. Es ahí, justo ahí, donde tiene lugar el trabajo de C. Pino, Crespo, Dot y Tharrats. Lava blanda que cubre los cuerpos y los volúmenes dispuestos en el espacio de la galería; que se arrastra y que repta como aquel desnudo bajando una escalera de Marcel Duchamp, aquel que precisamente en su continuidad rota abandonaba parte de su ser a su paso.

A esa corriente quebrada, discontinuidad del uido, aluden las piezas de todas las artistas: Lucía C. Pino lo explica en proyectos anteriores al referirse a un sistema circulatorio que pone en funcionamiento otra materia; June Crespo lo cuenta al hablar en algunos textos de formas cerradas pero rotas (es decir, abiertas nalmente); Anna Dot lo expone al disolver y fracturar el lenguaje en ruinas; y Rosa Tharrats al desa ar la otabilidad de los tejidos frente al hieratismo de vastas estructuras naturales y grandes piedras.

De ahí que lo psicodélico de la propuesta provenga de los efectos profundos sobre la naturaleza de la experiencia consciente. La alteración de la percepción del tiempo y del sentido que desactiva la lógica establecida de las piezas. El fenómeno, y su materialización, o como diría Karen Barad, “agencias enredadas” que indican ahora una nueva trayectoria.

La viscosidad de los materiales de Lucía C. Pino, sus metacrilatos enredados en las columnas de la sala de exposición, y sus piezas de asfalto como resistencia a un ciclo inmóvil; los cuerpos fragmentados y las estructura y módulos de aluminio en forma de mandíbula de June Crespo en la que las piezas se presentan como dientes y sus respectivos huecos; la articulación de Anna Dot mediante monosílabos, letras tiradas por el suelo convertidas en sonidos inconexos, y ruinas lingüísticas de la legendaria caída de la Torre de Babel; las composiciones lisérgicas de Tharrats y su “telepatía como forma de la nueva escultura” que eluden los códigos conocidos creando afecciones paradójicas entre extraños.

De esta manera, sin complejidades arti ciosas pero sin escabullirse de los interrogantes y cuestiones que la propia escultura, el sonido y la acción artística conlleva, a veces desde lo material, otras desde lo losó co y otras desde lo lúdico, la obra de C. Pino, Crespo, Dot y Tharrats se mani esta como auténticas “identidades nómadas”.

…………………………..

Lucía C. Pino (Valencia, 1977), vive y trabaja en Barcelona. Su práctica artística estudia la escultura a través de la observación de materiales industriales y su contexto espacial, sus piezas se expanden causando una interacción entre el espacio y la persona que lo experimenta como si se tartase de una especie de conversación sobre la subjetividad y el vitalismo de las cosas. C. Pino ha mostrado su trabajo en distintos lugares como la Fundació Miró, el Macba, la galería Ana Mas Projects o el Coac de Barcelona.

June Crespo (Pamplona, 1982), vive y trabaja en Bilbao. A medio camino entre el object trouvé surrealista y la lógica del bricoleur que describe Lévi-Strauss, su trabajo parte de un gesto afectivo-asociativo sobre materiales recopilados y extraídos del sistema de producción y consumo. La unión o ensamblaje de éstos crea nuevas relaciones que dan lugar a diversas formas de extrañamiento, apropiación y re-contextualización. En su trayectoria cuenta con exposiciones individuales en el MARCO de Vigo o las galerías Carreras Múgica (Bilbao), etHALL (Barcelona) y P420 (Bologna) así como residencias y exposiciones colectivas como De Ateliers (Amsterdam) y Generaciones 2017 (La Casa Encendida, Madrid).

Anna Dot (Vic, 1991) Sus proyectos parten de investigaciones teóricas alrededor del lenguaje y la escritura que plasma en instalaciones conceptuales que han sido expuestas en distintos espacios artísticos como la Sala d’Art Jove, la Fundació Antoni Tàpies, Can Felipa Arts Visuals, la Blueproject Foundation o NauEstruch en Sabadell. También ha presentado su trabajo a escala internacional en la Galería Tiro al Blanco de Guadalajara (México) y en la Kunsthalle Mainz (Alemania).

Rosa Tharrats (Barcelona, 1983) centra su trabajo en prendas y tejidos a través de un enfoque interdisciplinar que abarca desde la moda a las artes visuales como una forma de narrar sensaciones. En el campo de las artes plásticas, ha expuesto de manera individual en la Galería Cadaqués en 2015, donde también ha participado en la exposición colectiva A Joseph Beuys en 2016 con su instalación textil Space for the 22nd Century. Recientemente ha colaborado con artistas como Jordi Colomer, Donna Huanca, Albert Serra o Gabriel Ventura y entre sus últimos trabajos se incluye el diseño del vestuario de las últimas piezas del Volksbühne de Berlín.

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Naves Matadero presenta Habitar el aire, un proyecto del arquitecto Santiago Cirugeda pensado especialmente para intervenir un espacio escénico. Una casa que, suspendida en el aire, albergará distintas propuestas artísticas. En su construcción han intervenido estudiantes, voluntarios y asociaciones de mujeres.

Tras su uso en Naves Matadero, la casa será desmontada y reconstruida en otro barrio de Madrid donde se convertirá en la sede itinerante de los colectivos de mujeres participantes en su construcción.

Las intervenciones que acogerá la casa y el espacio de la Nave 11 que la alojará vendrán de la mano del artista sonoro Llorenç Barber, cuyas campanas, cencerros y otros materiales poblarán la casa, y con ellas ofrecerá un recital de sol a sol; el pianista Ignacio Marín Bocanegra interpretará a grandes clásicos; el colectivo Vértebro propondrá una Madrugá, 12 horas de performance ininterrumpida y Los Bárbaros impartirán talleres para jóvenes y un club de lectura.

PRESENTACIÓN HABITAR EL AIRE
Jueves 7 de junio a las 11 h.
Nave 11
Naves Matadero – Centro Internacional de Artes Vivas
Paseo de la Chopera, 14

Más información: https://naves.mataderomadrid.org/es/actividades/habitar-el-aire

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Por segundo año el Teatro Español apuesta por dar visibilidad a aquellos/as artistas que con sus prácticas luchan contra el envejecimiento del lenguaje convencional, investigan en la expansión de los límites de las disciplinas teatrales y en las prácticas de la creación contemporánea.

El ZIP quiere ser una cita anual con los nuevos lenguajes escénicos, además de una oportunidad de impulsar nuevas y distintas relaciones entre el Teatro Español,  la ciudad, el público y los profesionales.

– LA TRAVIATAde Anto Rodríguez. 
12 de junio – 19h30 / 13 de junio – 19h30
Sala Margarita Xirgu

– 1000 PREGUNTAS ANTES DE CANTAR UNA CANCIÓN, de Poderío Vital. 
12 de junio – 21h30 / 13 de junio – 21h30
Sala Margarita Xirgu

– DRAPETOMANIA, de Filastine & Nova
12 de junio – 22h30
Plaza de Santa Ana. (Espectáculo gratuito)

– REBOTA, REBOTA Y EN TU CARA EXPLOTA, de Agnès Mateus y Quim Tarrida
13, 14 y 15 de junio – 21h.
Sala Principal

 LA RIÑAde Los Bárbaros
13 y 15 de junio – 19h. / 17 de junio –  12h30
Espacio Andrea D’Odorico

– CASASde Xesca Salvà
14 y 15 de junio – 19h, 20h y 22h. / 16 y 17 de junio – 12h., 13h., 18h., 19h. y 20h
Espacio 4ª Planta

 EVROS WALK WATERde Rimini Protokoll
14 de junio – 20h30 / 15 de junio – 18h., 20h. y 22h / 16 de junio – 17h., 19h. y 22h / 17 de junio – 13h., 17h. y 19h.
Sala Ensayo Planta -2

– MI NOMBRE ES HORde Psirc 
16 y 17 de junio – 21h30
Sala Principal

– JARDINES EFÍMEROS, JARDINES PINTADOSde Calamar Teatro
16 y 17 de junio – de 11h a 14h y de 17h a 20h
Plaza de Santa Ana. (Espectáculo gratuito)

– MATRIAde Carla Rovira
16 y 17 de junio – 20h30
Sala Margarita Xirgu

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MASA es la cantidad de materia que posee un cuerpo

necesaria para producir movimiento en un tiempo dado.

Del 14 al 17 de junio entre Teatro Pradillo y el CA2M

Siempre nos hemos desplazado a través de territorios diversos para hacer cosas, conocer personas o ser parte de experiencias. Nos gusta atraernos, mezclarnos y ver qué sucede si nos movemos así durante un tiempo indeterminado. Dejarnos llevar hacia lo que no sabemos acompañadas por una multitud de desconocidos y probar la riqueza de la diferencia. Por eso levantamos una casa o habilitamos un trozo de tierra para reunirnos y celebrar que nos encontramos, para disfrutar con lo que tenemos en común o fascinarnos con la extrañeza y la heterogeneidad de los modos de hacer.

Proyecto MASA nace de algo que está pasando hace tiempo, de creadores que viajan e intercambian mundos. Su objetivo es añadir un centro de gravedad en el mapa que facilite el encuentro recíproco entre artistas Iberoamericanos, un punto fijo o móvil, ya sea acá o en cualquier otro sito…

…porque quizás somos una masa indisciplinada que considera relevante que la materia estética dialogue con su forma expresiva asumiendo su fragilidad, incluso su vacío, esperando que emerja una experiencia crítica que excite lo escénico. Quizás, lo que nos atrae hacia esta masa es la cantidad de materia que podemos producir para mover cuerpos y objetos cuyos lenguajes agitan, recuperan o diluyen las ideas territoriales del arte, sus límites disciplinares ¡o mejor! para alcanzar eso que está vivo.

MASA genera atracción.

MASA es un Festival de Artes Escénicas Vivas Iberoamericanas que se realizará desde el 14 al 17 de junio de 2018 en Teatro Pradillo y en CA2M Centro de Arte Dos de Mayo, comisariado por Paulina Chamorro.

Con el apoyo de IBERESCENA.

La colaboración de Teatro Pradillo y CA2M Centro de Arte Dos de Mayo.

La participación de Florencia Martinelli ha sido apoyada por INAE Uruguay.

La participación de Magdalena Leite y Aníbal Conde ha sido apoyada por FONCA México.

Dirección y coordinación: Paulina Chamorro

Diseño Imagen: Aníbal Conde

Acompañamiento logístico: Magdalena Leite, Aníbal Conde, Luis Moreno.

Agradecemos con cariño el compromiso afectivo, profesional y económico de Vera Garat, Leticia Skrycky, Santiago Turenne, Alina Ruiz Folini, Luciana Chieregati, Florencia Martinelli, Daniela Marini, Vicente Yáñez, Magdalena Leite, Aníbal Conde y Luis Moreno.

Y también la generosidad y entusiasmo de Cristina Balboa, Alexandría Cinque, Ana Luiza Fortes, Ainhoa Hernández, Daniel Lozano y Natasha Padilha…esta lista crece todos los días.

Web / masafestival.com

ENTRADAS

General 12(da derecho a ver la programación del día)

Descuento 10

PROGRAMACIÓN

Jueves 14 // CA2M_Centro de Arte Dos de Mayo_Picnic Session

Entre, Uruguay // 21:00h

Viernes 15 // Teatro Pradillo

Táctil, Argentina // 21:00h

Bordeando lo imposible, Uruguay // 22:30h

Sábado 16 // Teatro Pradillo

Audios Coreográficos, Chile // 21:00h

Flicker, México // 22.30

Domingo 17 // Teatro Pradillo

Encuentro con Entre, Uruguay // 18:30h

Erosión, Chile // 21:00h

Residencias

 Dos creadores, la coreógrafa y bailarina uruguaya Florencia Martinelli y el creador y performer chileno Luis Moreno, compartirán el código de sus investigaciones en dos residencias artísticas. De ellas resultarán los elencos locales de las piezas Bordeando lo Imposible y Erosión que ambos artistas presentarán durante el festival. Las dos residencias se realizarán entre el 4 y el 13 de junio en los espacios del Centro Cultural Daoiz y Velarde y La Casa Encendida. Estas actividades son cerradas para facilitar un tiempo lento y concentrado de trabajo.

Encuentro con Entre

El domingo 17 a las 18:30 horas realizaremos un encuentro con Santiago Turenne, Vera Garat y Leticia Skrycky para aproximarnos a sus metodologías de creación y juguetear en torno a la pieza ENTRE. Será una ocasión especial para conocer a los tres creadores Uruguayos.

(Actividad gratuita)

y al finalizar MASA, levantaremos campamento para continuar moviéndonos hacia otras coordenadas y otros cuerpos. Siempre ha sido así, nos movemos, nos encontramos y volvemos a movernos para hacer cosas juntas.

 

PROGRAMA

 

ENTRE

Uruguay

Fecha: 14 de junio

Hora: 21:00 (20:30 apertura de puertas)

Lugar:  CA2M. Centro de Arte Dos de Mayo

Performance Site Specific

Dirección y Realización: Vera Garat, Leticia Skrycky y Santiago Turenne.

Año de estreno 2017 Sala Zavala Muniz. Teatro Solís. Montevideo. Uruguay.

Duración: 55 minutos aprox.

Descripción

El estar no es una idea, sino una instalación de las cosas, indiferente a toda racionalidad, que sin ser generada, genera. Decir generación supone racionalmente el esquema casual, la existencia de una trayectoria desde algo a otro. Pero lo táctico es que se da algo y se da otro, como instalaciones sucesivas () Lo que está no se encuentra en relación con lo esperado, ni lo enunciado, ni se cualifica como Unidad. Todo está, pero no es determinable, ya que no se puede decir de lo instalado que es.

Una metafísica en castellano de Eduardo Del Estal.

Entre, explora de formas diversas los conceptos de opacidad, liminalidad y transposición, para deslizarse a otro territorio poético y estético -quizás un nuevo territorio-. Lo opaco determina la diferencia y la otredad, en oposición a los conceptos de transparencia y homogeneidad. Toda opacidad asume una disfunción de lenguaje ya que no puede nombrar aquello que se encuentra en el fondo y es invisible a la simple mirada. Por otra parte, la exploración de lo ambiguo y abierto permite explorar estados o planos de incertidumbre en el que las relaciones entre todas las capas composicionales no están fijas aún. Finalmente, la transposición nos lleva a la simultaneidad de la acción, el gesto y elemento escénico, volviendo difusa las jerarquías compositivas.

Es así que la escena y lo escénico deviene viva, abierta a lo que pasa, dejando emerger algo nuevo, un entre.

Garat, Skkrycky y Turenne son creadores escénicos residentes en Montevideo, Uruguay y Madrid. Trabajan en la búsqueda de una linea común estética como ética. Investigan modos de producción escénica y lógicas colaborativas a partir de relaciones posibles entre diferentes lenguajes artísticos. Actualmente continúan desarrollando la línea de investigación planteada desde primer trabajo de co-creación, PARDO.

 

TÁCTIL 

Argentina

Fecha: 15 de junio

Hora: 21:00

Lugar: Teatro Pradillo

Danza – Performance

Creación y Performance: Alina Ruiz Folini, Leticia Skrycky, Luciana Chieregati

Año de estreno: 2018

Duración: 60 minutos aprox.

proyecto TÁCTIL se desarrolla en residencia durante 2018 en Leal Lav / Teatro Leal – Tenerife; La Caldera – Barcelona; NAVE – Santiago de Chile; Centro de Danza Canal / Residencias Intermitentes – Madrid; Azala – País vasco.

Agradecimientos: Javier Olivera.

Descripción

proyecto TÁCTIL es un proceso de investigación y creación en Artes Vivas, que se encuentra en etapa de desarrollo y se manifiesta en distintos formatos.

Surge a partir del encuentro entre las creadoras Alina Ruiz Folini, Leticia Skrycky, y de la invitación que hacen a Luciana Chieregati, formando así un equipo de tres mujeres, que comparten cuestiones en relación a maneras de operar en el mundo desde una perspectiva feminista.

En esta investigación, entendemos a la tactilidad no solamente como condición para el sentido del tacto, sino también como la posibilidad de dar protagonismo a lógicas de afecto y contagio, que se informan tanto de las relaciones que activamos en nuestras zonas de actuación en el mundo como en los espacios íntimos que habitamos. En este sentido, la pregunta por la tactilidad o por la posibilidad de traer a la superficie relaciones que estén subordinadas a lógicas normativas sobre los sentidos, es una estrategia que dialoga directamente con el devenir mujeres creadoras en la contemporaneidad.

A través de una metodología que se enfoca en el hacer / conocer generamos materiales con los cuales activamos este proceso de creación de una pieza escénica coreográfica. Movilizamos inquietudes en “materializaciones” y co-habitamos allí dialogando con las “cosas” que cada materialización propone. Estas relaciones nos informan, nos interpelan en nuevos posibles y nos piden la tarea de re-formular mecanismos en dirección a estos afectos.

La apertura dentro del contexto del Festival MASA funcionará como hábitat apropiado donde movilizar algunas cuestiones en las que estamos revolcadas en colectivo:

¿Es posible performar la tactilidad? ¿Qué campos de deseo permite el hecho de traer a la superficie afectos táctiles?

Entonces, ¿cómo volver compatible esta experiencia individual y construir una intimidad en común? ¿Y cuáles son las dimensiones posibles que se abren en los materiales y desde los materiales, en comunicación con el observador?

Alina Ruiz Folini – Argentina

Es artista del movimiento: coreógrafa, bailarina, investigadora. Actualmente reside en Madrid. Es directora artística y creadora de ARQUEOLOGIAS DEL FUTURO_ Festival Internacional de Danza Contemporánea, Performance y Conocimiento, que lleva su cuarta edición anual en Buenos Aires – Argentina.

Estudió Licenciatura en Filosofía (UBA) y Licenciatura en Composición Coreográfica (IUNA). Realiza el Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual 2017/2018 por la Universidad Castilla La Mancha en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.

Se interesa por incidir en contextos de investigación. Concibe la coreografía como marco desde el cual activar nuevos posibles, así como desnaturalizar hábitos y provocar transformaciones.

Ha presentado su trabajo en distintos espacios y festivales como Center for Performance Research y Judson Church (New York), JUNTA Festival Internacional do Dança (Brasil), NAVE (Chile), CCK (Argentina), entre otros. Es bailarina en Trilogía Antropofágica dirigida por Tamara Cubas & Perro Rabioso (Uruguay).

Web / cargocollective.com/alinaruizfolini

Leticia Skrycky – Uruguay

Diseñadora y creadora escénica. Ha desarrollado su trabajo fundamentalmente en el ámbito de la performance y danza contemporánea. Tomando como punto de partida la iluminación, investiga prácticas de co-creación y relación entre humanos, no-humanos, disciplinas y lenguajes en la escena. Interesada en la colaboración como principio, en los últimos años ha comenzado a realizar sus propios trabajos de creación en diálogo con diferentes colegas: PARDO (2015) y ENTRE (2017) con Santiago Turenne y Vera Garat; HORMIGONERA (2017) con Santiago Rodríguez, Juan Manuel Ruétalo, Erika del Pino y Fabrizio Rossi; PROYECTO TÁCTIL (2018-2019) junto Alina Folini y Luciana Chieregati. Trabaja como diseñadora y directora técnica con João Fiadeiro, Perro Rabioso / Tamara Cubas, y en la coordinación del festival internacional FIDCU (Uy). Actualmente vive en Madrid y se encuentra realizando el Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual coordinado por ARTEA, en el Museo Nacional Reina Sofía.

Web / skrycky.com

Luciana Chieregati – Brasil

Es coreógrafa y performer. Desarrolla su trabajo en el ámbito de las artes escénicas elaborando piezas limítrofes que dialogan con el cotidiano, incidiendo, sobre todo en la creación de lenguajes desde la coreografía. Es licenciada en Danza y Movimiento por la Universidad Anhembi Morumbi (São Paulo, Brasil) y Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual por la Universidad Castilla la Mancha en colaboración con el Museo Reina Sofía. En 2008 crea junto con Ibon Salvador el Coletivo Qualquer que tiene como principales preocupaciones la investigación del movimiento, de la coreografía y de la creación de piezas danza. Ha dirigido el espacio de residencias artísticas Seu Vicente en Lisboa (2011-2013) y ha presentado sus trabajos en Portugal, Brasil, México, Argentina, Uruguay, España y País Vasco.

Durante los dos últimos años desarrolla los proyectos coreográficos PLAYA, OVER, Huts Artean, GAG, e It was a large room. También investiga maneras de colaborar en la creación artística con las herramientas desplegadas en el laboratorio Maquinas de Colaboración. Actualmente se afinca en Bilbao desde donde mantiene colaboraciones y piensa contextos (y más cosas) con Alina Folini (Arqueologías del Futuro, Buenos Aires), Carolina Campos (Re.al, Lisboa) e Idoia Zabaleta (AZALA, Lasierra).

 

BORDEANDO LO IMPOSIBLE

Uruguay

Fecha: 15 de junio

Hora: 22:30

Lugar: Teatro Pradillo

Danza – Performance

 Concepto y Dirección de Florencia Martinelli

Creación: Cristina Balboa, Alexandría Cinque, Aníbal Conde, Ana Luiza Fortes, Ainhoa Hernández, Magdalena Leite, Daniel Lozano, Florencia Martinelli, Natasha Padilha.

Año de estreno 2016

Duración: 70 minutos.

Descripción

Una comunidad apasionada permanece en el intento.

Siempre en el intento.

Agarra la silla y la sube. Con su barriga la aprieta contra la pared, en una de sus piernas la rodilla avanza, el pie va hacia atrás.

En las manos: la cinta, primero colocada en la pared, atraviesa la silla y nuevamente la pared.

La pierna y la barriga siguen ahí, sostienen la silla.

Otra vez la cinta adhesiva que suena. La corta. Vuelve a repetir la acción de pegar con la cinta la silla a la pared.

Una vez y otra y otra y otra.

Cada tanto se separa de la silla, la suelta.

Ésta cae, y entonces todo vuelve a comenzar.

 Desenrolla la cinta. Suena. La corta.
Agarra la silla y la sube. Con su barriga la aprieta contra la pared, en una de sus piernas la rodilla avanza, el pie va hacia atrás.
En las manos: la cinta que es colocada en la pared atraviesa la silla y nuevamente la pared.
La pierna y la barriga siguen ahí, sostienen a la silla.Esta vez arquea un poco más el torso para llegar también a atravesar con la cinta la parte baja de la silla.
Otra vez Natasha despliega la cinta que suena, la corta y vuelve a repetir la acción de pegar con la cinta la silla a la pared.
Una vez y otra y otra y otra.
Cada tanto Natasha se separa de la silla , la suelta.
É
sta cae, y entonces todo vuelve a comenzar.

Florencia Martinelli. Trabaja en el campo de la danza contemporánea.Últimamente investiga sobre el permanecer en la insistencia, propone un tiempo donde persistir hasta que lo inesperado acontezca. Sus creaciones recientes son: Llenarlo Todo/ Bordeando lo imposible, instalación ( 2017),  Bordeando lo imposible ( 2016), Otra maraña insistente ( 2015), Maraña ( 2014 ) LCSR/ Las cosas se rompen ( 2013), Amorfo ( 2010).  Recibe el premio FEFCA  de Uruguay. Cursa el Master en Práctica Escénica y Cultura Visual en la Universidad de Castilla-La Mancha.

Web / www.florenciamartinelli.com

 

 AUDIOS COREOGRÁFICOS

Chile

Fecha: 16 de junio

Hora: 21:00

Lugar: Teatro Pradillo

Danza – Performance

Dirección e interpretación: Daniela Marini

Sonido: Vicente Yáñez

Año de estreno 2017

Duración: 43 minutos

Descripción

Audios de un minuto de duración, recolectados durante un año, completando 52 Audios Coreográficos.

Proyecto de investigación y creación artística que explora material y disciplinarmente la danza contemporánea desde la pregunta por la posibilidad de crear una obra desde 52 audios coreografiables que den cuenta de múltiples perspectivas de aquello que llamamos “coreográfico”.

Se propone como un campo de experimentación de la relación entre coreografía, narración e imaginación. Expone una diversidad de formas con las que se puede acceder a lo coreográfico cuestionando el uso convencional mientras se deja espacio a la posibilidad de imaginar la propia escena, trasladando la acción desde el intérprete hacia el espectador/oyente. Con este desplazamiento se pretende hacer ver que lo coreográfico es un dispositivo siempre abierto a nosotros, no solo una herramienta capaz de establecer pautas ineludibles y someter a los cuerpos a su obediencia.

Daniela Marini. Creadora y docente, Licenciada en Artes con mención en Danza y Profesora Especializada en Danza de la Facultad de Artes, Universidad de Chile. Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual, de la Universidad de Alcalá, programa realizado por el grupo de investigación escénica Arte-a y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, estudio cursado en calidad de becaria de BECAS CHILE, CONICYT. Como intérprete y creadora, ha presentado su trabajo en Argentina, México, Brasil, Francia, España y Chile. Actualmente es académica del Departamento de Danza de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile. Entre sus trabajos coreográficos están: (silencio) (2016), UNA IMAGEN (2015), Persistencia de Material (2013), Lo que recuerdo (2012), Trío C (2011), Geográfica (2007), Alto Contraste (2000), entre otras.

Web / audioscoreograficosblog.wordpress.com

 

FLICKER 

México

Fecha: 16 de junio

Hora: 22:30

Lugar: Teatro Pradillo

Acción Escénica

Idea y realización de Aníbal Conde & Magdalena Leite

Año de estreno 2018

Duración: 50 minutos

 

Descripción

Acción escénica inspirada en la noción de flicker o parpadeo proveniente del cine estructural.

Flicker se desprende del proyecto LOS40 desarrollado en el programa Artistas en Residencia de La Casa Encendida y el CA2M 2017.

Este trabajo continúa la investigación Videoclip que indaga sobre la influencia de las imágenes de los vídeos musicales provenientes de MTV y sus versiones locales, como Los 40 Principales en España, en las maneras de bailar y de moverse de las generaciones que crecieron bajo su influjo. Hasta el momento llevamos más de 100 entrevistados entre México, Uruguay, Argentina y España.

El análisis de los videoclips recordados por los entrevistados enfocado en los recursos visuales que se utilizan para estimular al cuerpo, nos llevó al cine estructural y a sus principios fundamentales como el flicker o parpadeo y el loop o bucle, recursos que surgen en los años 60 y que son retomados por los videoclips desde los años 80.

Atraídos por la simpleza, lo concreto y lo alejado de la interpretación que proponen los estructuralistas, surge Flicker, en un intento de traducción de estos elementos a la escena, de hacerlos cuerpo, voz y movimiento.

Magdalena Leite es coreógrafa, bailarina y docente. MA en Práctica Escénica y Cultura Visual por la Universidad de Castilla La Mancha. Es comisaria invitada de las Picnic Sessions 2018 del CA2M en Madrid, España. Ha recibido la beca danceWEB del Festival ImpulsTanz; el apoyo de IBERESCENA para la creación en dos ocasiones y de la Fundación Prince Claus para la presentación de Jack Taste la suerte está echada; su pieza Cover fue seleccionada para formar parte de la exposición The life of others en el Akbank Center en Estambul, Turquía. Su obra se ha presentado en América Latina, EEUU y Europa.

Aníbal Conde es artista en video y performer. MA en Práctica Escénica y Cultura Visual por la Universidad de Castilla La Mancha. Su proyecto Patrones fue seleccionado para una residencia en el Espacio de Arte Contemporánea EAC en Montevideo. Su pieza No Way Out fue seleccionada por el Festival Internacional Ultracinema de México; El Jardín de las Virtudes se programó en el 11ème Festival des Cinémas Différents en París; su documental Condensación se presentó en el Festival Creative Commons de la Ciudad de México y su pieza “Queda tanto por hacer” fue exhibida en MTV Brasil.

Juntos han realizado las obras Flicker creada en las Residencias 2017 de La Casa Encendida y el CA2M dentro del proyecto LOS40, estrenada en el ciclo Montevideo Danza en diciembre de 2017; en el CA2M Madrid en la muestra Acento en enero de 2018 y en México dentro del Ciclo Otras Corporalidades en febrero de 2018; DANCE DANCE DANCE con 53 presentaciones al público en lugares como la Judson Church en Nueva York, el Museo Universitario de Arte Contemporáneo MUAC, la Sala Hiroshima en Barcelona y el Teatro Pradillo en Madrid; VIDEOCLIP, investigación presentada Arqueologías del Futuro en Buenos Aires; en el Museo de Arte Contemporáneo MUAC en México; en el Teatro Pradillo y la Sala DT en Madrid; en el Centro Cultural de España en Montevideo y en el Espacio de Arte Contemporáneo dentro del FIDCU 2015, realizada con el apoyo de IBERESCENA 2014 y del FONCA 2016-17; Experimento X5, obra finalista del Premio de Coreografía Guillermo Arriaga 2014; y varios ejercicios creativos tanto escénicos como de acción performática y de imagen. Han participado en Para la Réplica Infiel de Scarlet Yu y Xavier Le Roy en el CA2M en Madrid; en Bordeando lo Imposible de Florencia Martinelli; en Erosión de Luis Alberto Moreno Zamorano y en Cosas que suceden en México de Magdalena Brezzo. Los dos artistas son miembros del Colectivo AM

 

EROSIÓN  

Chile

Fecha: 17 de junio

Hora: 21:00

Lugar: Teatro Pradillo

Danza – Performance

Concepto y Dirección de Luis Moreno

Elenco: 15-20 performers

Año de estreno 2017

Duración: 1 hora 15 minutos.

Descripción

Erosión emerge del proyecto de residencia e intercambio entre PAR de Montevideo en Uruguay y NAVE  de Santiago, apoyados por INAE del Uruguay y el CNCA en Chile. Esta muestra en FIDCU 2018 es la apertura a ese proceso.

Erosión

(Del lat. erosio, onis < erodere, corroer.)

  1. f. Desgaste que se produce en un cuerpo por el roce continuo o violento de otro. desgaste, rozamiento
  2. Conjunto de procesos que causan el desgaste de la corteza terrestre, por efecto de los agentes naturales externos, en especial el agua y el viento la erosión antrópica es la llevada a cabo por el hombre.
  3. Herida superficial producida en la piel por alguna causa externa. excoriación
  4. Deterioro del prestigio o la influencia de una persona o institución.
  5. Degradación del ánima de una boca de fuego.

La pieza expone cuerpos movilizados por un incesante gesto que se repite hasta el agotamiento. Son cuerpos invadidos por un deseo irrefrenable y vacío. A veces llano, a veces a sobresaltos, pero en general sin que pase mucho, casi nada. Del control al vacío, de la propiedad al silencio, de lo tembloroso a lo que sudando muere.

En la escena, cuerpos que bailan incesantes. Se entregan, se sostienen, se someten, se repiten. Bailan todo el tiempo que dura la escena. Se consumen, se tocan, tiemblan. Bailan. Se perrean.

Luis Alberto Moreno. Intérprete, creador y docente. Actor egresado de la Escuela Tea11tro Imagen. Estudió la Licenciatura en Teatro en el programa especial de titulación de la Universidad Bolivariana. Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual de la Universidad Castilla La Mancha en colaboración con Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y ARTEA. Impartió el taller El infinito devenir del cuerpo, en diversos espacios culturales. Actualmente es profesor en el área de movimiento en la Universidad de Valparaíso, Teatro Imagen y Universidad de las Américas. Fue integrante del colectivo de arte La Vitrina. Es co-creador de la pieza Algunos mitos sobre el cuerpo y otras siutiquerías, pieza con la que ha participado en los festivales StgoOff, Vertientes, Danza en Emergencia, Findantz en Stgo y Regiones. Ha colaborado con Pablo Zamorano en las obras Deuday Crónicas.

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EL TOQUE CURTIS: EL SAQUEO POP COMO HERRAMIENTA POLÍTICA

1 jun 2018 / 15:00 – 16:00 / CCCB (Sala Raval)

Buceando en cantidades ingentes de archivos audiovisuales (provenientes, en gran medida, de la BBC), Adam Curtis ha perfeccionado el arte de la resignificación de imágenes y sonidos, ofreciéndonos ensayos fílmicos tan lúcidos como Century of the SelfBitter Lake e HyperNormalisation. La música juega un papel fundamental en el método de Curtis, ya que el director fragmenta todo tipo de canciones contemporáneas (del trash pop a Burial o Nine Inch Nails) para crear una nueva clase de periodismo político, que a su vez ha servido de inspiración para muchos nombres del mundo de la música. Uno de estos artistas es Josh Tillman, el hombre detrás de Father John Misty, que entrevistará a Curtis en Primavera Pro On-Screen. Será un encuentro único entre dos personalidades que comparten una agilidad mental extraordinaria y un discurso verdaderamente afilado.

Ponente:Adam Curtis (BBC)

Moderador: Father John Misty (Artist)

Más información: https://pro.primaverasound.com/event/view/id/1088

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Del 1 al 3 de junio.

IV edición del festival de La Casa Encendida que se sirve del humor y la cultura de guerrilla para hablar de feminismos. Contaremos con Jessa Crispin, Puto Chino Maricón y Tríbade, talleres drag y de autodefensa feminista, Victoria Sin y los stand-ups de Ana Carolina y Jelen Morales, además de HJ Darger y Silvia Cruz en Vermú, prensa y blablablá.

Este año el festival Princesas y Darthvaders quiere explorar los desafíos a los que se enfrenta el feminismo contemporáneo: la verdadera inclusión y los peligros del capitalismo. Para ello incorpora el debate a partir del trabajo de Jessa Crispin, muy crítica con el feminismo light, en entrevista con la escritora María Fernanda Ampuero. Puto Chino Maricón, el artista más corrosivo del panorama madrileño, pura ironía pop y crítica contemporánea, que actuará en directo. Exploraremos los límites de la identidad con Victoria Sin, la artista canadiense y hacker del género que a través del draginvestiga cuáles son los espacios sociales que ocupamos, y recuperaremos la seña del festival, la stand-up, con la humorista argentina Ana Carolina y la madrileña Jelen Morales. Tendremos por primera vez en concierto en Madrid a las explosivas Tríbade, la sesión-aperitivo de Vermú, prensa y blablablá y los talleres drag de Victoria Sin y de autodefensa feminista en las redes a cargo del colectivo Donestech.

Comisariado por: Lucía Lijtmaer.

Más información: https://www.lacasaencendida.es/encuentros/princesas-darthvaders-2018-8788

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Domingo 3 de junio a las 18:00 en la Sala Negra de Teatros del Canal.

Cinco intérpretes sostienen una acción de flujo continuo que va derivando y transformándose, tal y como ocurre en la naturaleza.

Atecnológica y artesanal, esta pieza es un hecho teatral finito, pero apunta a la eternidad: compone un hilo de sonido que va siendo trazado, tensado y cortado dentro y fuera de nosotros. Un hilo que, de alguna forma, nos ayudará a regresar a casa sanos y salvos.

Amalia Fernández fusiona aquí todos los oficios que desearía para ella: es cantante, científica, estilista, mística, matemática y, finalmente, espectadora.

Concepto y dirección: Amalia Fernández
Interpretación: Catherine Sardella, Pablo Herranz, Óscar Bueno, Cristina Arias, Amalia Fernández

Más información: http://www.teatroscanal.com/espectaculo/amalia-fernandez-el-resistente-y-delicado-hijo-musical/

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CA2M

PICNIC SESSIONS. INTERNATURALTECNOWAVES
PROGRAMACIÓN DE LA TERRAZA
31 MAYO — 12 JULIO
TODOS LOS JUEVES 21:00
APERTURA PUERTAS 20:30

Acceso libre hasta completar aforo

Las Picnic Sessions cumplen 10 años y, como cada primavera, ocuparemos la terraza todos los jueves desde el 31 de mayo hasta el 12 de julio. Un espacio donde mezclar lo corporal y lo sonoro; donde encontrase, bailar, cantar y ver atardecer.

«A ver… INTERNATURALTECNOWAVES, que estamos todos interconectados por ondas tecno, ¿algo así? Hace referencia sí, a algo de lo electrónico pero más reciente. Pero también a esta interconexión que se genera entre todos los que nos congregamos en las Picnic. Que se conforman como comunidades itinerantes de sentido. Música electrónica sin instrumentos electrónicos me gusta también. Para mí estas Picnic tienen ese toque digital, sensible, pero no nostálgico, ¿no? Porque… Ah! Otra cosa que nos gustaba era esta idea de que si bien es trash-tecno, igual hay mucha luz en la programación en sí, se apuesta a eso. Tiene que haber algo medio hipnótico. Sí, sí, y color».

«¿Quieren que empecemos a grabar? Sí, ya estoy grabando. Mode on. Todo sucede así, en un desierto de internaturaltecnowaves, electrónico y reciente, donde todo lo que tiene sonidos negros tiene duende, repleto de destellos, magnetismos, aullidos metálicos, carreteras fluorescentes con canciones irreverentes, soft material machine, un collage tecno trash de potencia luminosa. Hipnótico, y sí, con mucho color o muchos colores. Muy Móstoles y muy sureño. Con un par de capuchas rosas en la cabeza y alguna marca en el cuerpo. Un pacto de permanencia en una foto polaroid. Una mezcla de cuerpos que vibran al son de sus cánticos y sudan hormonas entre tubos luminosos que alumbran una noche sin luna pero repleta de estrellas, bailando en la libertad de lo bien arraigado. “Entre flores primaverales, los búfalos negros se acuestan, entre pinos erguidos, las grullas blancas reposan. Con nuestras voces, el crepúsculo cae sobre la terraza”. ¿Vosotras os animáis a algo así?».


Comisarias: Aníbal Conde, Magdalena Leite y Magui Dávila. Programación diseñada junto con el departamento de Actividades Públicas del CA2M (Gisela Serrano y María Euguizabal).

PROGRAMACIÓN
 

31 MAYO JULIM ROSA /ÓSCAR BUENO Y ANTO RODRÍGUEZ/ LINN DA QUEBRADA
7 JUNIO CUADRO FLAMENCO CUIR
14 JUNIO RITA INDIANA/ GARAT – SKRYCKY – TURENNE
21 JUNIO ANABELLA PAREJA/ LARISSA VÉLEZ-JACKSON Y YACKEZ (LVJ)
28 JUNIO BABA/ JOÃO DOS SANTOS MARTINS & CYRIAQUE VILLEMAUX
5 JULIO PABLO ESBERT/ #VIVAS / DANI UMPI
12 JULIO BOLO BLAS/ NINOS DU BRASIL/ RIOBAMBA

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