— MuroTRON

Heredarás el cosmos de Anómico Teatro | Del 19 al 21 de mayo en el Teatro Ensalle de Vigo

Un día me planté en mitad de la calle y dije: ¿podríamos parar, por favor?
Lo dije en voz alta, como si al alzar la voz pudiera compartir mis palabras
con el grupo.
¿Pero qué grupo?
No había grupo, solo personas luchando por abrirse camino.
Cuando las ovejas pasan mucho tiempo dentro de un redil, comienzan a dar vueltas,
es como si perdieran la cabeza, dan vueltas todas a la vez, de manera ordenada, y en sentido
inverso a las agujas de un reloj, como tratando de regresar al lugar donde se perdieron.
Lo recuerdo como si fuera ahora mismo, y se me pone la carne de gallina.
Me planté en mitad de la calle y dije: ¿podríamos parar, por favor?
Y entonces el mundo a comenzó a dar vueltas, y vueltas,
sentí un vértigo espantoso,
aunque en aquel momento no lo sabía. Era mi primer vértigo en la vida
y lo que yo veía no era el mareo sino las casas moviéndose
las nubes girando alrededor de un punto.
El vértigo me venía por desear que parara el mundo
pero yo entonces no lo sabía. Era mi primer vértigo en la vida.

No sé exactamente cuándo comenzó realmente la explosión del capitalismo contemporáneo, ese que en poco tiempo ha logrado esquilmar prácticamente todo el planeta, sé que no hace tanto, y que todo lo que sucede a nivel global es fruto o consecuencia de la única ley que reina en el mundo y que no es otra que el crecimiento exponencial de la riqueza en manos de las élites. Miro las fotos de mi infancia y creo entenderlo.
En esa foto, al fondo, las eras estaban llenas de medas, esas montañas de centeno y trigo que todavía entonces eran el centro de un mundo rural que segaba a hoz y majaba a golpes. Justo en la mitad de la foto, a la derecha, unas mujeres lavando en el arroyo, un arroyo que ya no existe y que de existir tampoco llevaría agua. Y en mi mano derecha un bidón de combustible. Por entonces, ya había un camión en la comarca, un “pegaso” o un “barreiros”, no lo recuerdo bien, pero no había gasolineras, por lo que el combustible se almacenaba en bidones. Era el despertar de un mundo nuevo, un mundo de grandes oportunidades pero también de residuos y de agotamiento. El fotógrafo, un tío mío que había comprado una máquina de fotos con sus primeros ahorros, seguramente me dijo que pusiera la mano en el bidón porque ya a los niños entonces se nos nombraba futuros herederos de todo lo que estaba por hacer. Y yo obedecí, aunque llorando por dentro, porque ya desde niño me sentía desubicado, como si todo lo que sucedía y estaba a punto de suceder no fuera conmigo.

Ficha artística
Texto y creación escénica: Julio Fernández Peláez
Música: Roberto García de Mesa
Canción: Sandra Moya
Colaboración documental: Myriam López Domínguez
Voces en off: Carlos Sarrió y Ángel Encinas
Con la colaboración de Diario El Salto, TV France 24 y Canal ARTE
Dirección técnica: Jaume Blai

Más información: Teatro Ensalle

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No hay acto creativo de Norberto Llopis Segarra | 24 de mayo en los Dimecres de so i cos del Santa Mònica de Barcelona

No hay acto creativo es una conferencia-perfomance. En ella, al hilo de diversos materiales de archivo de sus trabajos anteriores, y a través de acciones, frases, del uso de objetos y discursos, Norberto Llopis Segarra intenta caracterizar la práctica artística desde la noción de Operación, no ya desde la noción de Acción, operación llevada a cabo por uno o múltilples operadores, sino por uno o diversos actores. Operación como procedimiento o improcedencia reiterativa a través de la cual intervenimos un territorio, operación desencadenante que siempre pone un pequeño soberano en desequilibrio y precipita la deconstrucción de un medio.

Con la participación de Norberto Llopis

Norberto Llopis Segarra, coreógrafo y performer, trabaja en el límite entre la danza y el pensamiento. Titulado en Danza y Coreografía por el Institut del Teatre; Máster en Artes performativas por DasArts, AHK Amsterdam; Grado en Filosofía por la UNED; Máster en Estudios avanzados en filosofía por la Universidad Complutense y actualmente desarrolla su tesis doctoral sobre la estética en el pensamiento de Derrida y Deleuze en la Universidad de Barcelona. Ha desarrolado su trabajo entre Barcelona, Bruselas y los Paises Bajos. Su práctica artística va desde el trabajo con y sobre el cuerpo hasta el uso de objetos y materiales para la construcción y reflexión sobre el espacio. En su acercamiento a la filosofía, intenta desarrollar una práctica de pensamiento y escritura sobre el cuerpo, el movimiento y la performatividad. Así, su práctica oscila entre el ensayo, la coreografía, la conferencia performativa, la instalación o las acciones duracionales.

Más información: Arts Santa Mònica

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Cristo está en Tinder de Rodrigo García | Del 25 de mayo al 11 de junio en el Teatro de la Abadía de Madrid

La naturaleza es una cagada ¿Cómo vas a comparar los montes, los lagos, las playas, con una capital a tope de garitos de toda clase? La naturaleza es un funeral, la metrópoli está viva.

¿A quién te vas a encontrar, a quién te vas a ligar y a follar una noche loca en medio de un robledal?

En las ciudades se puede perder todo el dinero en vicio, en un monte ¿Quién te va a robar, quién te va a dar un susto de muerte si ya no quedan ni osos?

19/02/2030

¡Ah! ¡Cuánto le debemos a los narcotraficantes! Gracias a ellos soportamos las desdichas y los infortunios de este mundo cruel. Y los persiguen y encarcelan en vez de hacerles monumentos en las plazas. Le hacen una estatua a Colón y no se la hacen a un capo de la droga, con todo lo que ha hecho por nosotros, nos ha sacado tantas veces del atolladero, nos ha librado tantas veces de nuestra angustia, nos ha subido momentáneamente al cielo. Cada camello debería tener… No sé… Al menos su nombre en una calle.

23/02/2030

Sí que soy un robot. Marque dónde aparecen semáforos. Sí que es un robot. Usted es un robot. ¿Cuáles de estas fotos tienen cables de alta tensión? No soy un robot. Captcha. Marque las fotos donde aparecen barcos. No soy un robot. Sí que es un robot. Usted es un robot. Seleccione todos los cuadrados de prohibido fumar. Quiero ser un robot. Captcha. ¡Recórcholis! Quiero ser un robot. Seleccione todos los cuadrados donde aparecen chochos. No soy un robot. Sí que no soy un robot. Captcha. ¡Córcholis! Sí que es un robot. Usted es un robot. Seleccione todos los cuadrados que contengan montañas o colinas. ¡Recórcholis! Lo confieso: soy un robot. Sí que es un robot. Usted no es un robot. Seleccione todas las imágenes que contengan: cocaína. Kaptcha. Soy un ser humano que ruega encarecidamente a Dios ser un robot. No soy un robot. Sí que es un robot. Soy medio robot. En cuáles de estas imágenes aparecen: gacelas. Sí soy robot, pero soy bueno, joder. Seleccione las fotos donde aparecen: escupitajos. Soy buen robot. No soy un robot.

Más información y entradas: Teatro de la Abadía

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Desert de Atresbandes | Del 24 de mayo al 4 de junio en el Teatre Lliure de Gràcia

La compañía residente de esta temporada es la formación Atresbandes (La guerra dels mons), nacida del encuentro artístico y personal de Mònica Almirall, Miquel Segovia y Albert Pérez Hidalgo. Su proyecto tratará del inconsciente.

Imagina un desierto. Con esta frase empieza un popular ejercicio de psicología destinado a conocer la personalidad del otro. Siguiendo las indicaciones, la persona que lo realiza acaba imaginando un paisaje con diferentes elementos que más tarde serán interpretados. El ejercicio tiene la apariencia de un juego inocente y al mismo tiempo esconde la ambición de husmear en su inconsciente.

La palabra desierto esconde detrás un gran imaginario. Es una palabra fundamental de muchos textos religiosos y filosóficos. Para Hannah Arendt, es una metáfora para entender el lugar del ser humano al mundo (‘el mundo es siempre un desierto’). En la Biblia, representa el lugar donde se pone a prueba la fe en Dios, y el islam es una religión nacida de las travesías del desierto en busca de la presencia divina. Es, en definitiva, una palabra muy cargada de significados: es casi un símbolo. Pero un símbolo que contiene una gran paradoja: nos alejamos de él porque representa un espacio vacío de vida y, a su vez, buscamos su vacío para conseguir distinguir las señales que la vida no nos deja ver.

Esta mezcla de psicología, filosofía y misticismo es el punto de partida de este nuevo proyecto.

En el entorno de formación del Institut del Teatre de Barcelona, los miembros de la compañía decidieron empezar un proyecto común. Desde 2011, el grupo se caracteriza por llevar a cabo un teatro laboratorio en el que es fundamental el proceso de creación. Poniendo en cuestión todo lo que les rodea, son autores de La guerra dels mons (2021), It don’t worry me (2020, con Bertrand Lesca y Nasi Voutsas), Ultima Thule (2019, con Hotel – Col·lectiu Escènic), Coda (2019), All in (2017), Locus Amoenus (2014) y Solfatara (2012).

Más información y entradas: Teatre Lliure

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Picnic Sessions | Del 25 de mayo al 29 de junio en el CA2M de Móstoles

Chachachá al alba al alba chachachá
Chachachá las nalgas las nalgas chachachá
Chachachá playa hamaca haragán
Haragán hamaca playa chachachá
Chachachá manzana naranja ananás
Ananás naranja manzana chachachá
Chachachá plaza palmas tralalá
Tralalá palmas plaza chachachá
Chachachá barca alambrada catacrac
Catacrac alambrada barca chachachá
Chachachá al habla al habla chachachá
Chacha-chachá palabra
Palabra chachachá

En poco más de una década, el cuerpo ha pasado de los márgenes a una posición central en la cultura contemporánea. Para que este desplazamiento despliegue su potencial por completo, es necesario prestar atención a las articulaciones de nuestra materialidad con lo que nos rodea. “Palabra chachachá” se aproxima a esas inflexiones donde el mundo conforma los cuerpos y viceversa a través del paradigma del lenguaje expandido. De manera ambivalente, ese lenguaje de límites difusos es tanto generador como resultado de movimiento, sonido, imágenes, automatismos, afectos, economía y modos de organización social. Este programa propone una serie de presentaciones que atestiguan de manera parcial la complejidad con la que estos elementos se imbrican y se afectan entre sí.

El lenguaje ya no pertenece tan sólo a los humanos sino que, en una especie de regreso a la fábula, animales, objetos y elementos naturales nos murmuran al oído. Por otro lado, la certeza de los significantes se desvanece al confrontarse a la infinita variabilidad de los referentes y la multiplicidad de interpretaciones posibles. En este ámbito donde reina la indeterminación, cada frase que pronunciamos es un hechizo, una puerta que abrimos sin saber adónde conduce. Al cuestionar los modos de nombrar y su relación con las cosas, se interfiere también con dinámicas establecidas y emergen posibilidades que van más allá de lo que podemos imaginar.

Transitando por coreografías, poemas, canciones, susurros, gritos, rumores, sortilegios, películas sin imágenes, el repiquetear de las castañuelas, idiomas próximos, lenguas distantes, traducciones insólitas, libros y periódicos encarnados, el lenguaje de los pájaros y el de los ordenadores, quizás perdamos el habla de forma pasajera y nos veamos forzadas a buscar las palabras. Quién sabe si encontraremos modos distintos de articular el pensamiento a, ante, antes, bajo, cabe, con, contra, de, desde, después, durante, en, entre, hacia, hasta, mediante, para, por, según, sin, so, sobre, tras, versus, vía la silueta de las nubes, el fondo de los bolsillos o los posos del café.

Comisariado por Quim Pujol

A comienzos del siglo XIX nació en Londres The Picnic Society, una asociación que se reunía con asiduidad al aire libre y en cuyos encuentros se esperaba que cada miembro aportara parte del entretenimiento y los refrescos sin que hubiera un anfitrión en concreto. Partiendo de este concepto, y a modo de Picnic Society, el Museo Centro de Arte Dos de Mayo invita cada año a varios comisarios a diseñar una programación para la terraza del Museo.

Todos los jueves desde finales de mayo y hasta finales de junio nuestra terraza se convierte en un espacio en el que desarrollamos un programa de actividades en las que se mezclan lo corporal y lo sonoro con lo educativo y participativo.

PROGRAMA

J 25/05 I Llorenç Barber. ACTUM REENACTMENT. | Javi Álvarez.SECUENCIA, CAUSÉ CINE, SU CINE CAE 2.
J 01/06 I Juf (Leticia Ybarra + Bea Ortega Botas).103 FOCOS DE SOL. | Pol Jiménez. LO FAUNAL. | Matthieu Blond. MERCURIO RETRÓGADO.
J 08/06 I Park Keito (Kotomi Nishiwaki + Miquel Casaponsa). NEW(A) DAYS. | Joris Lacoste. EN TU NOMBRE. | Noela Covelo. QSIPTI.
J 15/06 I Paula Miralles. MI VOZ ES UN JARRÓN. | Josep Xortó & The Congosound. NOVA ESPLENDOR.
J 22/06 I Alix Eynaudi. DE BOCA EN BOCA. | Clara Amaral. ¿RECUERDAS AQUELLA VEZ QUE ESTUVIMOS JUNTOS Y BAILAMOS ESTA O AQUELLA DANZA? | Simon Asencio. EL LIBRO DE LOS RUMORES.
J 29/06 I María Jerez + Élan d’Orphium. RECLAMO EN LA TERRAZA. | Laura Llaneli. LOVELACE. | Venecia Flúor. DONDE VAN ELLAS.
HORARIO: 21:00 A 23:00H EXCEPTO LA SESIÓN DEL DÍA 29/06 QUE EMPEZARÁ A LAS 20:30H

APERTURA PUERTAS: 20:30H. SE RUEGA PUNTUALIDAD.

MESAS AUTOEDICIÓN

J 25/05 I CAJA NEGRA
J 01/06 I CANICHE
J 08/06 I LA UÑA ROTA
J 15/06 I CONTINTA ME TIENES
J 22/06 I LIBROS DE ARTISTAS
J 29/06 I VARAMO PRESS

Más información: CA2M

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Festival Moujuïc | 20 i 21 de maig al Castell de Montjuïc de Barcelona

Les prèvies “Moujuïc al Barri”, els dies 7 i 13 de maig, busquen sortir dels murs de l’equipament per anar allà on són els públics del festival: als carrers i les places dels barris de la muntanya. Diumenge 7, davant de la seu del districte de Sants- Montjuïc, i en el marc del programa Obrim Carrers, els espectales “ESO” (Los Informalls) i “Scotoma” (Clémentine Télesfort & Lisard Tranis) donaran el tret de sortida a la programació. Així mateix, dissabte 13 es traslladarà a la plaça de la Marina de Sants, on el veïnat podrà gaudir de les peces “Blue Monday” (Agnés Sales i Héctor Plaza) i “WIWBAK, When I Will Be A Kid” (Cia. Kiko López). Peces de, i per al carrer, que funcionaran com a introducció a allò que es podrà veure, i sentir, al Castell de Montjuïc els dies 20 i 21, des de l’humor i fins a la poètica del moviment, sempre amb el cos com a eina de creació.

La diversitat d’espais del Castell serà l’escenari del gruix de la programació, que s’inaugurarà dissabte 20 amb la peça “Fight”, de la companyia basca LaSala, a la terrassa del pati d’armes. Posteriorment, l’acció es trasllada a l’hornabec, amb “Aperitivo”, de Los Informalls, per retornar a la terrassa amb Joan Català i el seu “Pelat”. La jornada es clourà amb el “Metaplec”, una improvisació coral, amb voluntat de permanència, on artistes de diferents trajectòries (Glòria Ros, David Climent, Marina Pravkina, Adriano Galante i Hoss Benítez) coindiciran els dies previs per preparar un tancament a l’alçada, i en diàleg, amb el públic.

Així mateix, les entranyes de l’equipament són també el seu nucli creador, acollint les peces de les residents d’enguany. Dissabte serà el torn de “Yukedo Yukedo”, de Park Keito, i diumenge de “Bailar o lo salvaje”, de Lara Brown.

Diumenge 21 s’inicia amb una jornada matinal, que transcorrerà entre “Maña”, de la cia. Manolo Alcántara, i la peça “Moving!”, de María Ferrer, una col·laboració amb el Centre Cívic del Sortidor amb participació de joves acabades d’arribar al Poble- sec, que posa en valor el doble vessant comunitari i territorial. El tercer, el de la creació, estarà representat amb l’oberturà de procés del “Projecte K amb K de kol·lectivitat”, de Sputniks Cia, una proposta conjunta entre l’Ateneu Popular 9 Barris i el propi Castell, en el marc de Creació i Museus.

La tarda acollirà “Otempodiz” (“Diueltemps”), de la cia. Ertza, i “Meohadim”, de la cia. Jacob Gómez, ambdues a la terrassa, mentre que “Molar”, de Quim Bigas, es podrà gaudir al pati d’armes. En paral·lel, a la capella, es podrà veure un documental sobre el procés de creació d’Otempodiz, “Vosotros tenéis los relojes, nosotros tenemos el Tiempo…”. Prèviament, al matí, els ballarins Deissane Machava i Fenias Nhumai, d’Ertza, oferiran el taller de danses moçambiqueses “Marrabenta i Machawona” per a la canalla de 9 a 12 anys.

La jornada, i el festival, es clourà amb la represa de “Castells a l’aire”, de Raquel Klen i Raquel Gualtero, el projecte de Creació i Museus 2021 entre la Caldera i el Castell. Una peça pensada, viscuda i executada a l’equipament, que el posa en valor i hi tornarà per posar punt i final a aquesta edició del Moujuïc.

Més informació: Festival Moujuïc

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Gala de Jérôme Bel | 20 y 21 de mayo en el Centro de Arte Condeduque de Madrid

Hay en Jérôme Bel (París, 1965) una preocupación que ha estado presente a lo largo de toda su carrera como coreógrafo, que abarca poco más de lo que va de siglo. La democratización del escenario ha sido y sigue siendo una práctica constante, que le ha alejado de las grandes estrellas pero también, poco a poco, del bailarín profesional común. Si la danza es inherente al hombre desde los tiempos ancestrales, si bailar y ver bailar supone un placer (aún inexplicable) propio de los humanos, entonces el derecho a danzar sobre un escenario lo tenemos todos. No existe en su universo el cuerpo viable, la perfección técnica ni la pirueta de infarto. La suya, desde hace mucho tiempo, es una danza hecha por gente que baila. Gala, exitosa pieza que viene presentando desde 2015, lejos de ser excepción, es ejemplar de esta filosofía.

En cada lugar donde se presenta se escoge un variopinto y heterogéneo grupo de ciudadanos sin experiencia escénica previa que, tras un entrenamiento que no requiere técnica ni estudios previos, va a reclamar su derecho como ser humano de bailar para ser visto. Mujeres y hombres, negros y blancos, obesos y delgados, discapacitados y capacitados, torpes y listos, pobres y ricos, bellos y feos, jóvenes, niños, mayores… gente, simplemente gente. Esos son los protagonistas de esta propuesta que se representa, irónicamente, como si fuera una gala, la más glamurosa forma y fórmula de la representación escénica.

Al inicio de Gala, Bel nos presenta una serie larga de diapositivas que nos muestran escenarios vacíos. Desde abigarrados escenarios de grandes casas de ópera a sencillos tablaos de teatros de barrio. La insistencia en presentarlos vacíos nos empuja de forma automática a lo que quiere, que es que nos hagamos la gran pregunta. ¿Quién puede habitarlos? ¿Quién tiene permiso para acceder y quién no? ¿Qué significa la representación escénica? ¿Qué es lo distintivo que tiene un artista: la técnica, la belleza, el peso, el color?…

Toda esta investigación tuvo su punto de arranque en 2001 cuando estrenó The Show Must Go On, que sorprendió y deleitó a las audiencias con su espontaneidad y al mismo tiempo, calculada sencillez. Bel ponía en valor el potencial de lo popular y, como Isadora, parecía querer volver a los orígenes, a ese momento en que la danza era espontánea, salía del cuerpo y no se había sofisticado, cuando no existía la técnica ni el rigor escénico. Quería regresarnos a ese momento en el que solo había disfrute. Del que baila, por supuesto, pero también del que se queda quieto a ver bailar. Desde entonces y hasta ahora, explorando diversos caminos y probando diversas maneras, la obra de Jérôme Bel ha permanecido preocupada siempre por una idea fija: la democratización del escenario.

Más información y entradas: Condeduque

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Cosa, The Watching Machine y ¡Ay! ¡Ya! de Macarena Recuerda Shepherd | 18, 19 y 20 de mayo en La Mutant de València

Trilogia completa composta per les peces: !AY! YA!, “The Watching Machine” i “COSA. Intervindre un cos”.

“Cosa” és la peça que tanca la meua trilogia sobre l’Il·lusionisme, investigació que m’ha portat a pensar com la il·lusió connecta amb l’essència teatral, exposant sobre l’escena la convenció i la màgia, la realitat i el seu doble, l’acció i la ficció. Aquesta investigació que va començar en el 2017 ha portat amb si les peces! AY! YA! (2018) investigació sobre les imatges perceptives pensades des del cos i “The Watching Machine” (2020) investigació sobre les imatges perceptives pensades des de la llum, ombra i reflex. En aquesta ocasió, en “COSA. Intervenir un cos”, investiguem les imatges perceptives des de l’escenogràfic. Per a això hem pensat el cos com un material més, cosificant fins a convertir-ho en atrezzo.”Cosa” és una peça de dansa composta per un cos de ball objectual. La coreografia de les coses.

Más información y entradas: La Mutant

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Save the last dance for me de Alessandro Sciarroni | 17 de mayo en el Espai la Granja de València dentro del Festival 10 Sentidos

Alessandro Sciarroni es un artista italiano activo en el campo de las artes escénicas con varios años de experiencia en artes visuales e investigación teatral. Sus obras se presentan en todo el mundo e involucran a profesionales de diferentes disciplinas. En 2019 fue galardonado con el León de Oro a la Trayectoria en danza por la Bienal de Venecia.

En Save the last dance for me, trabaja con los bailarines Gianmaria Borzillo y Giovanfrancesco Giannini sobre los pasos de Polka Chinata, una danza de cortejo boloñesa interpretada originalmente solo por hombres y que data de principios del siglo XX. Sciarroni descubrió esta danza en diciembre de 2018, cuando en Italia solo la practicaban cinco personas. Por ello, el proyecto consiste en una actuación y una serie de talleres para difundir y revivir esta tradición popular en peligro de extinción.

Más información y entradas: Festival 10 Sentidos

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Festival Tara | Del 12 al 28 de mayo en Las Palmas de Gran Canaria

El teatro es lo mismo que la guerra, sólo que carga sus balas con belleza

Festival Tara es un escaparate de nuevos lenguajes artísticos que busca la renovación de las formas y el lenguaje escénico, asociados a planteamientos sociales reivindicativos y, en suma, a descentralizar el fenómeno cultural. Un intercambio entre artistas locales, nacionales e internacionales que, bajo una misma corriente, dan un nuevo sentido a la cultura de la ciudad de Las Palmas de Gran Canaria. Para ello albergamos propuestas artísticas de diversos estilos encuadradas en espacios no convencionales, que dan valor al acto artístico vivo más allá del lugar donde se encuentre, potenciando así el fuerte valor cultural que nos ofrecen los rincones de esta ciudad y acercando la cultura a un público poco habitual.

​El festival pretende crear una iniciativa única y alternativa para Las Palmas de Gran Canaria, generando un espacio de visibilidad a la creación contemporánea y una oportunidad de establecer nuevos modelos de intercambio, reflexión y pensamiento, donde convergen la tradición y la vanguardia.

​Festival Tara es un proyecto que evoluciona día a día, sin olvidar que la cultura es y debe ser accesible para cualquier colectivo, independientemente de sus condiciones económicas, culturales o sociales. Asimismo, ponemos en valor el esfuerzo de todas aquellas personas que nos dedicamos a generar, crear y sostener la cultura de una región.

​Aprovecho para recordar lo que apuntaba Peter Brook en El espacio vacío: “Puedo tomar cualquier espacio vacío y llamarlo un escenario desnudo. Un hombre camina por este espacio vacío mientras otro le observa, y esto es todo lo que se necesita para realizar un acto teatral.” Esto es lo que hemos venido hacer.

Más información: Festival Tara

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