— MuroTRON

Del 22 al 24 de noviembre en La Mercè, Girona.

El spin off de LA PLAZA (Premio de la Crítica 2018) desmonta convenciones teatrales con la firma de uno de los colectivos más innovadores de la escena catalana.

A un proyecto de El Conde de Torrefiel se debe ir abierto a la sorpresa y la curiosidad. Su obstinación con el derribo de fronteras y etiquetas continúa con KULTUR, spinoff de LA PLAZA, montaje que flirteaba con la instalación museística y que fue galardonado con el Premio de la Crítica 2018. Esta idea de la performance también domina esta nueva propuesta que enfrenta al espectador a una escena en apariencia realista (un casting que exige una escena de sexo explícito) para crear una experiencia íntima y subjetiva, para que adopte, ayudado por la oscuridad y unos auriculares, la posición de un voyeur que espía una situación que crece en intensidad.

Más información: https://temporada-alta.com/es/event/kultur/

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Teatros del Canal, Sala Negra
Del 19 al 22 de noviembre, de 18.00 a 20.30h
Día 23, de 12.00 a 13.30h y de 18.00 a 20.30h
Día 24, de 12.00 a 13.30h y de 17.00 a 19.30h

En el centro del escenario, un gran bloque de archivadores parece flotar en la oscuridad. Alrededor, los archiveros abren y cierran cajones, absortos en su pulsión clasificatoria. El sentido común nos dice que, para resolver un problema complejo, el primer paso es segmentarlo y categorizarlo. Pero no podemos dividir la realidad en cajitas o compartimentos estancos que no se ven afectados por los demás. Cerrar un cajón es abrir otro en algún otro lugar.

“ La insostenibilidad no surge de la ignorancia, la irracionalidad o la avaricia. Es, en gran medida, consecuencia colectiva de decisiones racionales y bien intencionadas tomadas por personas atrapadas en sistemas -que van desde familias y comunidades hasta corporaciones, gobiernos y economías- lo que hace que sea difícil o imposible actuar de manera totalmente responsable ante todos aquellos afectados, en el presente o en el futuro.

Lo que rara vez se nos dice es que las soluciones están tan interconectadas como los problemas que una acción a favor del medio ambiente puede enviar oleadas de efectos positivos tan determinantes como la cadena de catástrofes que resulta de un desastre ambiental”.
Dana Meadows

El teatro inmersivo hace su aparición en el 37º Festival de Otoño de la mano de la compañía Serrucho, que nos habla de los límites del planeta, el solucionismo tecnológico, la teoría de juegos, la bachata o el romanticismo biológico.

ARCHIVO es una experiencia emocional que permite al espectador vivir los efectos inesperados que tienen nuestras acciones, para los demás, para el planeta y para nosotros mismos.

Una creación que sitúa al público en el centro de la propuesta escénica y que transforma a los espectadores en archiveros que manipulan los cajones de la instalación.

“La primera imagen en color de la Tierra desde el espacio la tomaron los astronautas del Apollo 8 hace solo 50 años. Fue como mirarnos al espejo por primera vez. Vimos algo que ya conocíamos, pero que no entendíamos del todo: que la Tierra es única y muy pequeña. Que, realmente, flotamos en el espacio todos juntos, sobre una canica azul. Comprendimos que nuestros problemas son los de la humanidad entera y que nuestros desafíos tienen escala planetaria.

Si un problema es demasiado grande, lo dividimos, lo clasificamos y lo guardamos en cajones. Alguien antes que tú ha metido este problema aquí y ha querido dejarlo para más adelante. No le habrá parecido urgente, o habrá pensado que no es un problema.
Será mejor que lo dejemos ahí; seguro que viene alguien más tarde que quizás pueda ocuparse de ello”.

Así comienza este viaje guiado alrededor de un monolito opaco, una “caja negra” de la que solo conocemos sus intputs y outputs. Manipulando sus cajones, los participantes descubrirán historias grandes y pequeñas, hasta darse cuenta de que cada acción que ejecutan no es aislada: cada decisión individual influye directamente en la experiencia de los otros. Su historia condiciona la de los demás, así como la de sus compañeros la suya.

Serrucho son: Ana Cortés, Raúl Alaejos y Paadín
Creación, realización y construcción: Serrucho
Maqueta: Llorenç Pérez
Tres en raya: Guillén Bayo y Abelardo Gil-Fournier
Diseño de luces: Antoine Forgeron
Agradecimientos: Luis Alaejos, Catalina Álvarez Zarate, Sofía Asencio, Tomàs Aragay, Nikita Bashmakov, Rafael Carvajal, Norka Cosamalón, Ricardo Cortés, Gavina Ligas, Iván Pérez, Peet Kelly, Carmen Segovia y Taller 57
Coproducción: Serrucho y Fundación COTEC

Más información: http://www.madrid.org/fo/2019/archivo.html

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21 de noviembre, Azkuna Zentroa

La compañía escénica La Tristura presenta su último montaje, Future Lovers. Una reflexión en torno a la juventud, los sueños y las expectativas que se cumplieron y las que no, a través de los ojos y el pensamiento de un grupo de millennials.

En Future Lovers seis jóvenes nacidos en torno al año 2000 hablan entre ellos y ellas y hacia el mundo. Es una noche de verano a las afueras de una gran ciudad, en la que un grupo de amigos, quizás en el paso del instituto a la universidad, han quedado para beber, bailar, hablar y besarse.

Viéndoles simplemente estar y comportarse, como si nadie les estuviese mirando. El objetivo es «crear una burbuja, un nido, que al ser visto desde fuera nos apele directamente, nos obligue a volver a ese momento de nuestra vida», explican desde la compañía. La pieza invita a cada persona observadora a encontrar las siete diferencias con respecto a su adolescencia, a su juventud, para que decida cómo relacionarse con una cuestión siempre compleja: ¿Cuáles eran las expectativas que tenía de mi propia vida? ¿Se cumplieron? ¿Estaba equivocado entonces o quizás lo estoy ahora?

La Tristura trabaja alrededor de las artes escénicas contemporáneas, tratando de generar “situaciones” dentro y fuera del escenario, desde hace más de 10 años. «Entendemos la escena como un lugar de investigación desde el que amplificar las posibilidades de la vida», explican. Future Lovers responde a este interés. «Si no resulta sencillo encontrar una situación para relacionarnos de forma libre y profunda con los adolescentes, con los futuros líderes y los futuros amantes, queremos hacerlo en escena, intentando generar una experiencia común que, con suerte, nos revele algo de nuestro pasado y de nuestro futuro».

Más información: https://www.azkunazentroa.eus/az/cast/inicio/agenda-4/la-tristura-future-lovers-/al_evento_fa

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Basado en Entrevistas breves con Hombres repulsivos del escritor americano David Foster Wallace.

Acercarse a la vida, la obra y el pensamiento de David Foster Wallace, el escritor que captó como pocos el malestar y la hipocresía de los Estados Unidos. Este es el hilo conductor del nuevo montaje de creación libre de Juan Navarro y Gonzalo Cunill. La inspiración llega alimentada por algunos relatos de Entrevistes breus amb homes repulsius. Un puñetazo —cómo prácticamente todos sus escritos— y sin embargo la puerta o umbral para entrar a su universo sensible, desde el cual el autor intentaba sobrevivir día tras día. Los umbrales pueden aterrorizar o amedrentar, pero también pueden estimular la imaginación para crear fantasías inesperadas.

Temporada Alta
Sala La Planeta, Girona
viernes, 15 – 20:30
sábado, 16 – 18:00
20€

Más información: https://temporada-alta.com/es/event/en-lo-alto-para-siempre-basat-en-entrevistes-breus-amb-homes-repulsius-de-david-foster-wallace/

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Del 6 al 17 de noviembre
De martes a sábado, 20:30 h
Domingo, 19:30 h

Del 6 al 17 de noviembre el Teatro de La Abadía A.K.A. (Also Known As). La pieza, escrita por Daniel J. Meyer, dirigida por Montse Rodríguez Clusella e interpretada por Albert Salazar, se presenta como un monólogo narrativo que reflexiona sobre los problemas de un chico de 15 años, sensible y solitario, que mira directamente a los ojos y al corazón de su historia. El relato de un adolescente repleto de preguntas sobre su identidad.

LA VIDA DE CARLOS

Carlos es un buen alumno, se aburre, está enfadado, está bien, sale con sus colegas al parque, baila hip-hop. Es una persona feliz y un día conoce a Claudia. Y… ¡magia!

Escrito de un tirón por Daniel J. Meyer, A.K.A. nos habla de un periodo de la adolescencia de Carlos del que nosotros formamos parte. Nos relata su día a día a los 15 años: el instituto, la terapia, el rechazo, la rabia y el miedo, los amigos, el amor y el deseo, la relación con sus padres… Un momento en el que la experiencia más traumática de su vida hace temblar sus cimientos, sus raíces, su identidad. Y es que Carlos es adoptado… Este monólogo habla sobre la identidad, pero también sobre la diferencia entre lo que sientes que eres y lo que deter­mina la sociedad que eres. Del dentro y el fuera. De cómo la mirada externa a veces cuestiona nuestra propia individualidad.

Entran en escena temas como la xenofobia, la amistad, el primer amor, las redes sociales, el clasismo y los prejuicios que practicamos a diario. El joven protagonista lleva a los espectadores de la mano, sin cuarta pared, contagiando su vitalidad y haciendo al público testigo, juez y cómplice del rechazo que sufre, de la injusticia que le ha apartado de su vida normal y, en general, de una sociedad que mantiene un discurso de rechazo constante hacia lo que es y lo que hace.

¿Somos los que los demás ven? ¿Lo que quieren ver? ¿Lo que mostramos? ¿Lo que ocultamos? ¿Lo que emerge cuando estamos solos?

“Hemos desarrollado la ansiedad compulsiva del juicio social ligado a las redes sociales. Estas son maravillosas, pero no sabemos hacer un buen uso de ellas todavía. Estamos esperando a los likes y los retuits, el juicio ajeno. Este es un siglo en el que nos gusta mucho gustar. Y todo ello puede afectar mucho a alguien cuya identidad se está formando aún, como es el caso de los adolescentes”, nos cuenta Daniel J. Meyer.

Una propuesta honesta, valiente y comprometida con el lenguaje y las inquietudes de los adolescentes, que en raras ocasiones tienen oportunidad de ver y sentir reflejado su propio universo generacional, dirigida de manera sensible y enérgica por Montse Rodríguez Clusella: “Carlos es un personaje entrañable que ha tenido, en los últimos cuatro años (los que abarca la obra), una historia bonita, a la par que dura. La cuenta desde una sensibilidad, una vulnerabilidad y una apertura tan grande que no puedes hacer otra cosa sino entenderlo y quererlo”.

Más información: https://www.teatroabadia.com/es/temporada/560/a.k.a.-also-known-as/

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IVAM, 9 de noviembre, 18:00.
Gratuito hasta completar aforo.

Radicantes pretende consolidar un espacio de investigación, experimentación y reflexión en torno al cuerpo, un campo semántico abierto en el que la acción y el movimiento adquieren todo protagonismo. Un dispositivo diseñado para compartir el acto creativo en vivo.

La sesión del 9 de noviembre está consagrada a la temática Homo ludens. Con ello pretendemos explorar las dimensiones de la esfera lúdica del ser humano y su capacidad para conformar subjetividades y experiencias.

“Sin cierto desarrollo de una actitud lúdica, ninguna cultura es posible”
Johan Huizinga

Un proyecto de Rocío Pérez, Tatiana Clavel y Mireia Ferrer Álvarez.

Participantes: Idoia Zabaleta, Macarena Recuerda, Amalia Fernández.

Idoia Zabaleta. Coreógrafa. En la Facultad de Biología se especializó en ecosistemas y dinámica de poblaciones. Estudia nueva danza e improvisación en los años noventa. Trabaja con la compañía Mal Pelo entre 1995 y 1999. Desde el año 2000 crea su propio trabajo colaborando con otras artistas e investigadoras como Isabel de Naverán, Filipa Francisco, Antonio Tagliarini, Ixiar Rozas, Sofia Asencio entre otras.  Su trabajo ha podido verse en festivales y encuentros de ámbito internacional. Desde 2008, construye y gobierna junto con Juan González, el espacio de creación y residencias artísticas AZALA, situado en el mismo pueblo donde vive.

Macarena Recuerda Shepherd. Me formo en artes escénicas y audiovisuales.  Aunque estoy licenciada por el Institut del Teatre, lo que realmente me interesa son los proyectos participativos que tienen como objetivo crear nuevas formas de encuentro con el arte.  Desde el año 2012 mi investigación gira en torno al rol del espectador. Invento nuevos espacios para jugar, crear y pensar en compañía.   He realizado los siguientes proyectos:  2011 That’s the story of my life. Película en directo.  2012 Greenwich Art Show. Documental en directo.  2013 Whose are those eyes? Site specific.  2015 Experimento Ganzfeld. Experiencia

Amalia Fernández. Vivo y trabajo en Madrid desde hace casi 30 años. Me formé inicialmente en danza clásica, y luego en danza contemporanea con distintas coreógrafas (Ana Buitrago, Olga Mesa, Monica Valenciano etc). Mi trayectoria profesional ha ido de la interpretación (como miembro de la Cia. “El Bailadero-Mónica Valenciano”, durante 10 años) a la creación independiente a partir del 2005. En esta fase,  he creado piezas en solitario (Matrioshka, Kratimosha, En Construcción 1 y 2,El resistente y delicado hilo musical, Expografía y la recien estrenada Monstruos Musicales etc) y en colaboración (Shichimi Togarashi con Juan Domínguez, perrita china con Nilo Gallego etc). También he participado en procesos de otros artistas (Cuqui Jerez, Odd Enginears, Sonia Gómez, Oscar Bueno etc) como intérprete, coach, coreógrafa, colaboradora puntual…

Otra parte importante de mi trabajo está relacionado con la docencia en diversos contextos académicos y extraacadémicos, con el apoyo de instituciones públicas o privadas, y tanto para profesionales de las artes escénicas como para personas aficionadas. En este sentido, uno de los proyectos más bonitos, ha sido «ser o no ser un cuerpo», en colaboración con Santiago Alba Rico, y con el apoyo intermitente con el MPECV y el Museo Reina Sofía.

Canto en un coro desde el 2004, lo cual ha influido mucho en mis piezas de los últimos años.

También soy profesora de yoga Iyengar, y esta relación desde hace 24 años con el yoga, ha contaminado mi visión de las prácticas artísticas y su metodología de transmisión.

Me interesan mucho los procesos colectivos de estudio y creación.

Más información: https://www.ivam.es/es/actividades/radicantes-danza-y-otras-especies-noviembre-2019/

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5 y 6 de Noviembre en el Teatro Central de Sevilla.

«VÁRVARA»propone un acercamiento feminista al arquetipo cristiano de María Magdalena. Partiendo de lugares aparentemente tan dispares como la cultura valenciana del bacalao y la idea mística del éxtasis, Bárbara Sánchez encarna la figura de La Gran Amante. Como en toda práctica mística, el objetivo aquí es la unión, la disolución definitiva de la distancia. No queda espacio ya para la ironía, el sarcasmo y mucho menos para lo autorreferencial. María Magdalena es la loca ejemplar, capaz de vaciarse para encarnar al Amado, capaz de destrozar cualquier institución patriarcal para afirmar su Amor Infinito. Ella habla directamente con su Dueño, elegido libremente. No hay ni distancias ni intermediarios que valgan. Frente a la imposición capitalista de un modelo de mujer privilegiada blanca que se puede permitir dedicar sus esfuerzos a observarse a sí misma, Ella lleva a cabo un desalojo radical, una bajada consciente y deseada a los escombros del mundo, a ese lugar desde donde reina su Cristo. // Jaime Conde Salazar

Más información: https://www.mesdedanza.es/programacion/2019/varvara/

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Macarena Recuerda Shepherd 

30 y 31 de octubre en La Casa Encendida

¡AY! ¡YA! es una ilusión que nos lleva a percibir la realidad de diferentes formas sugeridas por la imaginación o causadas por el engaño de la vista. Un efecto que pone de manifiesto que nuestros ojos no son cámaras de vídeo que graban todo lo que ocurre, sino que nuestro cerebro interpreta y reelabora la información que nos proporcionan nuestros sentidos.

¡AY! ¡YA! es un ejercicio sobre la mirada. Esa ilusión que se produce cuando la imagen que tenemos ante nosotros se transforma en otra, se multiplica o toma formas imposibles. Cuerpos con varias extremidades, incompletos, transformables y moldeables.

¡AY! ¡YA! es un ejercicio de la mirada hacia el cuerpo. Un obra que a través de la ilusión óptica genera un universo donde todos los cuerpos son posibles. Es una pieza compuesta por poemas visuales abiertos que puede evocar diferentes significados e invita a estimular la imaginación y el pensamiento, apta para todos los públicos. No es una pieza infantil, no es una pieza únicamente para público adulto, no es una pieza de entretenimiento ni educativa (que es donde se suelen instalar las piezas de público familiar), es una pieza de teatro contemporáneo que enfrenta al público a una experiencia estética e imaginativa, y nos preguntamos por qué no ofrecer este tipo de experiencias desde temprana edad.

¡AY! ¡YA! es un simple juego que muestra todo el tiempo ambos planos. El plano real donde vemos a los performers accionar, y el plano ficcional donde el espectador decide componer las imágenes que se les sugiere. ¡AY! ¡YA! son doce poemas visuales que sin contexto genera discursos sobre el cuerpo. Una pieza vacía que el público ha de completar.

Macarena Recuerda Shepherd es un seudónimo de la artista Lidia Zoilo González con la que lleva un recorrido de casi diez años. Macarena Recuerda se presenta como una artista visual y escénica que ha creado piezas muy diferentes.

Idea: Macarena Recuerda Shepherd.

Interpretación: Idurre Azkue y Macarena Recuerda.

Creación: Macarena Recuerda Shepherd, Idurre Azkue, Alberto de la Hoz y la

colaboración de Sofía Asencio.

Banda sonora: Alberto de la Hoz.

Vestuario: H-intercalada.

Iluminación: Conrado Parodi.

Ilustración: Josunene.

Una producción de Antic Teatre.

Colabora el Gobierno vasco, Festival Grec y Festival BAD, El Graner, Sala Baratza, La Fundición Bilbao e Histeriak.

Espectáculo beneficiario del proyecto de cooperación transfronteriza PYRENART, como parte del programa Interreg V-A España-Francia-Andorra POCTEFA 2014-2020. Fondo Europeo de Desarrollo Regional (FEDER).

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Festival BAD 

Del 17 al 27 de octubre en Bilbao

Con Vértebro, Agnès Mateus y Quim Tarrida o María Salgado y Fran MM Cabeza de Vaca entre otras.

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d’Amalia Fernández

27 de octubre en Teatre  L’Artesà

És resistent perquè aguanta fred, calor, set, dejunis perllongats, dinars i sopars d’empresa, èxits, fracassos, operacions a cor obert, pluja de meteorits, 1.500 kg de pes, amors apassionats, parts de bessons, pujades i baixades a altes muntanyes a bon ritme i sense bastons, tempestes tropicals, solitud, suaus brises, espai, temps infinit…

És delicat perquè si passes el dit pel seu damunt amb els ulls tancats no saps si és real o t’ho estàs imaginant.

És fil perquè puguem tornar a casa sense perdre’ns, sans i estalvis.

És musical perquè tots els fenòmens poden arribar a ser percebuts com una forma de música. No és que qualsevol pugui sentir així, però només que hi hagi algú que ho faci, ja n’hi ha prou.

El resistente y delicado hilo musical és una partitura coreogràfica, amb elements teatrals, corals, performatius i poètics.

Cinc intèrprets en escena sostenen l’acció, que està basada en la continuïtat, en el flux i en les transformacions que se’n deriven, tal com funciona la natura.

Atecnològica, artesanal, matemàtica, popular i surrealista, El resistente y delicado hilo musical es manifesta com a fet teatral finit, però alhora, apunta a l’eternitat: a tots els fils que eternament estan sent traçats, tibats, nuats, ignorats, desembolicats, tallats i units, dins i fora nostre.

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