— MuroTRON

Eszter Salamon

19 de febrero a las 19h en el Museo Reina Sofía

Las relaciones humanas son espacios radicales de resistencia. Muchos de mis trabajos se centran en subjetividades femeninas, genealogías feministas y relaciones multi-generacionales.

 M/Others explora la relación madre-hija. A través de modalidades de acción, sensación y percepción, la pieza abre una temporalidad inter-subjetiva, dando paso a un espacio singular de huellas y estados para juntarse.

 Es la segunda vez que le pido a mi madre que actúe conmigo. El dueto entre mi madre y yo produce empatía, cuidado y compasión, y, a través de la atención sensorial y sensual, permite experimentar ondulaciones poéticas de significados oscilantes. Esta co-habitación y constante reconfiguración del fraseo de nuestros cuerpos deviene en un proceso que hace y deshace la identidad, formulado un instante de co-emergencia: siendo y siendo-con, convirtiéndonos en testigos del espacio-tiempo más allá de la identidad.

 Mi plan es desarrollar M/Others con otras parejas de madres-hijas.

 Eszter Salamon

En diálogo con la exposición Musas insumisas. Delphine Seyrig y los colectivos de vídeo feminista en Francia en los 70 y 80, comisariada por Nataša Petrešin-Bachelez y Giovanna Zapperi, el Museo Reina Sofía presenta Monument 0.7: M/Others (2019), de la coreógrafa Eszter Salamon.

En 2018, la plataforma curatorial y editorial If I Can’t Dance I Don’t Want To Be Part Of Your Revolution, de Ámsterdam, junto a la investigadora y comisaria Nataša Petrešin-Bachelez invitaron a Salamon a imaginar una performance que conversara con el proyecto inacabado de la actriz, vídeo-artista y activista feminista Delphine Seyrig (1932-1990): una película muda en blanco y negro iniciada en la década de 1980 que, bajo el título Calamity, se basaba en las cartas que Calamity Jane (1852-1902), conocida exploradora y pionera del lejano oeste americano, escribió a su hija Jean McCormick (1873-1951).

La respuesta a dicha invitación es Monument 0.7: M/Others, que es, a su vez, el séptimo gesto de la serie Monuments, iniciada por Salamon en 2014. Concebida como un proyecto a largo plazo que abarca una pluralidad de formatos y duraciones, esta serie se aproxima a distintas figuras de la historia de la danza y el arte, como la bailarina, artista y actriz Valeska Gert (1892-1978) o la también bailarina y actriz Valda Setterfield (1934). Su propósito no es tanto servir de homenaje como plantear distintos modos de aproximarse a la historia del movimiento para traerla al presente incorporando cuestiones relativas a la identidad, la memoria o la autenticidad.

Tras la pieza, tendrá lugar una conversación con la artista, presentada y moderada por Isabel de Naverán

 

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Bárbara Bañuelos

22 de febrero a las 20.30 en el Teatro de la Abadía

Un cuerpo atravesando una experiencia.
Y la narración en formato escénico de esa experiencia.
A partir de un punto de partida: el descubrimiento de un secreto familiar y la necesidad de reconstrucción de la historia de mi abuela paterna.
Un proyecto de Investigación personal y social.
Una reflexión sobre el cuerpo y el sufrimiento mental. (Cuerpo físico, mental, social, sanitario, afectivo, político,etc…)
Y cómo estos cuerpos y estas voces con sufrimiento mental se encuentran con una sociedad que estigmatiza otras realidades, otras formas de estar en el mundo.
Una experiencia individual y subjetiva, que en el acto de compartirla se convierte en social.

Esta pieza ha sido mostrada en distintos espacios y festivales de artes vivas: Festival BAD, La Fundición, Festival Sâlmon, Mercat de les Flors, Festival IDEM, La Casa Encendida, Museo Arte Contemporáneo ARTIUM, Teatro L`Artesà.

Web: https://cargocollective.com/barbarabanuelos

Mas sobre la pieza: https://cargocollective.com/barbarabanuelos/Mi-padre-no-era-un-famoso-escritor-ruso-_-2018

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12 de marzo en Azkuna Zentroa

El artista Ion Munduate presenta la pieza Goldberg Versions en el marco de la exposición Steve Paxton. Drafting Interior Techniques. Goldberg Versions es la exposición de un proceso de trabajo basado en la original de Steve Paxton que desarrolló a partir de improvisaciones bailadas entre los años 1985 y 1992.

Ion Munduate trabaja en torno al video que graba Patxon ese último año junto a Walter Berdin, en colaboración con la coreógrafa Ana Buitrago. Esta artista debe su formación a la escuela Movement Research de Amsterdam, vinculada al trabajo de Paxton y que asistió a la presentación de las Variaciones de Paxton en 1992, cuando las ejecutó y las filmó dejándolas archivadas.

Tal y como describe el artista, «en Goldberg Versions hay una serie de elementos comunes con mi anterior proyecto Translation, que forman la base de esta nueva pieza: la idea de la anotación del movimiento y de las indicaciones concretas para llegar a producir lo que se persigue y, por último, la de apoyarme en una pieza pre-existente para elaborar el material coreográfico».

La música de las Variaciones Goldberg de Bach, la pieza de movimiento de Steve Paxton sobre las Variaciones y la interpretación al piano por Glend Gould son, según añade, los tres elementos principales de reflexión y búsqueda. «Entre esos tres momentos se desata algo, entre lo extremadamente técnico en la manera de entender la música de Bach, en el caso de Gould y la manera de entender el movimiento, la improvisación y la música en el caso de Paxton, con una sencillez, una ligereza y una fluidez que ambos hacen que parezca que estuvieran saltando la dificultad de su ejecución», detalla.

Ion Munduate (Donostia, 1969). Artista formado en San Sebastián, Madrid y París. Junto a Blanca Calvo inicia en 1994 una intensa colaboración artística de la que surgen diversas obras. En paralelo, conciben Mugatxoan en 1998, un proyecto de formación dedicado a la investigación y creación. Sus performances y vídeos se han presentado en diversos espacios europeos y son: GoGo, Caja Roja y lucía con zeta (1998), Flyball, Boj de largo (2000), ASTRA TOUR (2003-2004), Extras de artificio (2005), BAT, Beautiful Animals Trying (2006), y Sin título, en colores (2010), Translation (2013-2016) Las plumas (2017) Alfabeto Móvil (2017). En 2015 reciben por Mugatxoan el premio Gure Artea como reconocimiento a la actividad realizada en el ámbito de las artes visuales. Ha impartido numerosos talleres y seminarios y ha sido tutor de diversas piezas de jóvenes artistas.

Ficha artística:
Con Ion Munduate
Asistente de movimiento: Ana Buitrago
Asistencia artística y producción: Blanca Calvo

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21 de febrero en Azkuna Zentroa

En el marco de la exposición Steve Paxton. Drafting Interior Techniques, presentamos tres obras históricas del artista, retomadas por el coreógrafo y bailarín esloveno Jurij Konjar.

Las dos primeras pertenecen a sus años iniciales en el mítico Judson Dance Theatre y se centran en una de las preguntas principales planteadas por este colectivo: ¿qué es el baile? En este breve solo, Flat (1964), Steve Paxton explora acciones sencillas como andar, sentarse, adquirir posturas o centrar la atención. Satisfyin Lover (1967) continúa dicha exploración mediante la invitación a 42 personas a caminar de un lado a otro del escenario siguiendo una serie de pautas sencillas.

La obra Goldberg Variations surge de un periodo posterior, tras el desarrollo de la famosa Improvisación de Contacto. En esta obra improvisada, Paxton incorpora algunas de las principales preocupaciones del baile posterior a Cunningham, en un diálogo en movimiento con la composición homónima de Bach interpretada por Glenn Gould.

En 2007, Jurij Konjar descubrió el video de Walter Verdin, Goldberg Variations, basado en la actuación de Steve Paxton “The Goldberg Variations de J.S. Bach, interpretado por Glen Gould, improvisado por Steve Paxton”. En 2009, a través de una cadena de hechos y elecciones, comenzó a ensayar regularmente; bailó la pieza completa, durante  todos los días del año siguiente. El estreno oficial de Goldberg Variations fue en Viena, en octubre 2010.

Jurij Konjar retoma la obra original a partir de sus observaciones, de las grabaciones de vídeo y una práctica diaria prolongada, parcialmente acompañada por Steve Paxton y Lisa Nelson. En sintonía con el legado de Paxton, la obra se recrea cada vez que se presenta, como un encuentro entre el intérprete, la música y el público.

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Del 20 de marzo al 10 de mayo en Azkuna Zentroa

«Al igual que el famoso árbol que no sabía si haría ruido en caso de caer al suelo en un bosque sin gente, existe un modo de observar las cosas que las confiere la posibilidad de ser interpretadas». (Steve Paxton, 1967)

Azkuna Zentroa – Alhóndiga Bilbao presenta la exposición Steve Paxton: Drafting Interior Techniquesen colaboración con Culturgest Lisboa y comisariada por João Fiadeiro y Romain Bigé. Se trata de la primera retrospectiva dedicada a la obra y legado del coreógrafo norteamericano, creador de la técnica Contact Improvisation.

La exposición tiene como objetivo transmitir la idea de las prácticas, intuiciones y sensaciones de Paxton y está estructurada en ocho ‘estudios’, cada uno de los cuales responde a una ‘técnica interior’ aplicada al cuerpo en movimiento que improvisa. Gira en torno a una pregunta que Paxton se planteaba constantemente a sí mismo en su estudio: ¿Qué hace mi cuerpo cuando no soy consciente de él?

Así, centrándose en la danza como práctica y como representación, la exposición transforma los espacios de la sala de exposiciones de Azkuna Zentroa en estudios de danza contemporánea, donde se invita a público y profesionales a preguntarse acerca de sus propios movimientos. Steve Paxton: Drafting Interior Techniques se plantea como una muestra de imágenes en movimiento a través de piezas audiovisuales, entrevistas e instalaciones que presentan los cuestionamientos que el coreógrafo ha hecho a lo largo de su carrera.

Rindiendo homenaje a las múltiples facetas del coreógrafo, la exposición se completa con un programa público compuesto por un ciclo de representaciones, conferencias y seminarios dirigidos por artistas locales e internacionales, además de sesiones de Contact Improvisation impartidas por profesionales del sector.

Steve Paxton: Drafting Interior Techniques es una idea original de Culturgest Lisboa, donde se presentó por primera vez entre marzo y julio de 2019.

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Actividades paralelas

>Jurij Konjar: Flat + Satisfyin Lover (Steve Paxton) & Goldberg Variations, 21 de febrero

>Ion Munduate: Goldberg Versions, 18 de marzo

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29 de febrero, y 7 y 28 de marzo en el MACBA

El programa de los sábados de fin de mes del primer trimestre del año está dedicado a la danza. Porque la historia del arte y el museo no están solamente conformados por objetos y porque la danza y la coreografía forman parte indisociable de las experimentaciones más radicales del arte. En el caso del minimalismo, la importancia de la relación entre objeto, espacio y cuerpo hizo que fuese considerado como un nuevo género de lo teatral, y artistas como Charlotte Posenenske introdujeron elementos coreográficos en sus obras.

Por ello Danza a fin de mes se abrirá el último sábado de enero con Carmelo Salazar en las salas de Charlotte Posenenske: Work in Progress. El coreógrafo y bailarín canario ha explorado de manera intensa los límites de la danza desde diversos experimentos físicos en los que ha desbordado los límites de lo escénico. En esta ocasión, Salazar entrará en diálogo con la obra de Posenenske, su variabilidad y la crítica social que plantea.

En febrero la comisaria de performance Catherine Wood abrirá la sesión con una conferencia sobre la obra de Posenenske y su carácter transicional, comparándola con conductores o nodos que actúan como puntos de transición de un estado a otro. La conferencia irá seguida de Invisible labor de Paz Rojo, quien desde hace más de una década se interroga sobre la potencia del cuerpo, sobre la danza más allá del mercado, el anonimato y las posibilidades de una producción cultural más allá del marco de la producción de valor.

Para cerrar el trimestre, el museo participa de la Quinzena Metropolitana de la Dansa con la pieza Soliloquios de Jon Maya, Cesc Gelabert y Andrés Marín.

PROGRAMA

Catherine Wood, Charlotte Posenenske. La escultura en las redes sociales, 29 de febrero a las 19.30h

La comisaria de performance Catherine Wood abrirá la sesión con una conferencia sobre la obra de Posenenske y su carácter transicional, comparándola con conductores o nodos que actúan como puntos de transición de un estado a otro.

“En esta conferencia hablaré de la forma en que Charlotte Posenenske emplazaba, escenificaba y ejecutaba sus esculturas de la Serie D tanto en las redes humanas como de infraestructuras. Su singular concepción de la coreografía de sus esculturas minimalistas tenía elementos en común con el minimalismo americano, pero Posenenske ponía de manifiesto más explícitamente cómo la escultura podía incidir en la realidad del lugar donde estaba situada, y cómo el arte podía intervenir en la realidad social y operar dentro de un contexto industrial. La elección de aeropuertos, carreteras y zonas peatonales en las calles para situar sus obras, además de las galerías de arte, demuestra, en mi opinión, que las esculturas interactivas de fabricación en serie que realizó en los años sesenta no deben entenderse como un punto final, sino como una puerta de acceso al trabajo social que desarrolló posteriormente.”

Catherine Wood es conservadora de arte internacional (performance) en la Tate Modern. Recientemente ha comisariado, junto con Anne Imhof, el proyecto Sex para The Tanks en la Tate Modern, así como la muestra de 2018-2019 realizada por la artista cubana Tania Bruguera en The Turbine Hall, en el marco de la serie de instalaciones anuales patrocinada por Hyundai. En 2017 co-comisarió la retrospectiva de Robert Rauschenberg en la Tate Modern e inició el ciclo anual Live Exhibition en The Tanks, donde se han presentado trabajos de Fujiko Nakaya e Isabel Lewis (2017) y Joan Jonas y Jumana Emil Abboud (2018). Anteriormente comisarió A Bigger Splash: Painting after Performance (2012) y The World as a Stage (Tate Modern, 2007). Desde 2003 ha encargado trabajos a artistas como Mark Leckey, Joan Jonas, Otobong Nkanga, Sturtevant y también If Tate Modern was Musée de la danse? de Boris Charmatz. En 2011 inició el proyecto de emisora online BMW Tate Live: Performance Room. Aparte de la Tate, ha comisariado Yvonne Rainer Dance Works para Raven Row de Londres en 2013 y es autora de Yvonne Rainer: The Mind is a Muscle (2007, Afterall/MIT Press) y de Performance in Contemporary Art (Tate Publishing, 2018).

Paz Rojo, Invisible Labor, 29 de febrero a las 20.30h

Después de la conferencia de Catherine Wood, Danza a fin de mes presentará Invisible labor de Paz Rojo, quien desde hace más de una década se interroga sobre la potencia del cuerpo, sobre la danza más allá del mercado, el anonimato y las posibilidades de una producción cultural más allá del marco de la producción de valor.

En inglés, el sentido del sustantivo labor significa «cuerpo de trabajadores como clase» (1839). También incluye el sentido de los «esfuerzos físicos del parto», atestiguado desde la década de 1590 como abreviatura de «trabajo de parto» (dar a luz). El verbo «trabajar» está ligado también a poner en orden; arreglar el futuro con un fin predeterminado. Por otro lado, el adjetivo «invisible» se refiere a aquello que es imposible de ver. Lo que no puede percibirse con la vista o lo que no puede percibirse pues ha sido invisibilizado por aquellos dispositivos que legitiman lo visible frente a lo invisible. «Invisible» aparece también como sinónimo de «inmaterial». La expresión «trabajo inmaterial» describe –entre otras– las condiciones alienantes y las labores asociadas al trabajo de cuidado y el trabajo doméstico, las cuales mantienen un componente afectivo y materializado. «Invisible» es también sinónimo de oculto, latente, escondido. A veces el trabajo invisible incluye la resistencia a la inactividad y al paso del tiempo, mirar cara a cara al silencio y al aburrimiento.

En 1968, la coreógrafa Yvonne Rainer afirmaba: «mi cuerpo sigue siendo una realidad duradera.» Hoy, tal realidad incluye el desarreglo del futuro (o el no-futuro). Después de todo, la afirmación «no hay alternativa» de Margaret Thatcher resultó ser dolorosamente cierta. Una profunda derrota cuya realidad corpórea ha de ser atravesada desde dentro. Se trata de un momento decisivo, de una insolvencia semiótica tal, que la cuarta pared de este teatro de lo invisible no mostraría nada más que lo que está sucediendo, lo que está trabajando, lo que está coreografiando, lo que está acechando, lo que ya está pasando. «Decisivo», sí; aunque decidir sea siempre, de una forma u otra, no saber qué va a suceder.

Una intervención concebida por Paz Rojo (concepto y danza); Emilio Tomé (texto y trailer); Lola Manzano (voz y presencia).

Paz Rojo (1974, Madrid) es coreógrafa, bailarina e investigadora. Su actividad se desarrolla en el cruce entre las prácticas artísticas, la coreografía y la filosofía, punto de encuentro a través del cual investigar la danza como una práctica disidente y transformadora. Actualmente ultima su proyecto doctoral de investigación artística llamado The decline of choreography and its movement: a body’s (path)way en la Stockholm University of the Arts, Estocolmo, Suecia. Acaba de publicar el libro To Dance in the Age of No-Future con Circadian (editorial sin fines de lucro), Berlín, 2019.

Más información en circadian y researchcatalogue.net.

Carmelo Salazar, Non Show Work in Minimal Ground, 7 de marzo a las 19.30h

Danza a fin de mes abrirá el último sábado de enero con Carmelo Salazar en las salas de Charlotte Posenenske: Work in Progress. El coreógrafo y bailarín canario ha explorado de manera intensa los límites de la danza desde diversos experimentos físicos en los que ha desbordado los límites de lo escénico. En esta ocasión, Salazar entrará en diálogo con la obra de Posenenske, su variabilidad y la crítica social que plantea.

“Este otoño pasado recibí una invitación del MACBA y el Festival SÂLMON< para poner en juego mi trabajo coreográfico, en el marco de la exposición de la artista minimalista Charlotte Posenenske. Después de darle muchas vueltas, decidí que lo que iba a presentar eran dos de mis coreografías anteriores: concretamente, uno de mis primeros trabajos grupales, El salón dorado (2003), y mi última creación, Fin del mundo beauty (2019). De alguna manera, me sentí obligado a escoger estas dos piezas porque, aunque no fueron construidas desde una conciencia o paraguas minimalista, ambas parten de una subversión formal y conceptual, son del todo minimalistas y, nota importante, pueden hacer suyas la mayoría de reflexiones, éticas y estéticas, que hace la propia Posenenske sobre su trabajo. Todo tiene que ver con la materia y el material de las cosas. La forma pura. No voy a reponer ninguna coreografía de manera literal; voy a soltar los materiales de trabajo en el paisaje que ofrecen las esculturas expuestas, e introducir, sobre la mezcla de los cuerpos de las dos coreografías, algunas derivas generadas específicamente para este superevento minimal.”

Coreografía: Carmelo Salazar

Intérpretes: Teresa Lorenzo, Sergi Faustino, Bea Fernández, Oscar Dasí, Rosa Muñoz, Carmelo Salazar.

Carmelo Salazar vive y trabaja en Barcelona. Es coreógrafo desde 1992, y desde esa fecha ha llevado a cabo gran número de proyectos principalmente centrados en la investigación y revolución de la danza. Durante más de 15 años ha sido codirector de La Porta, donde su labor como comisario ha obtenido, entre otros, el Premio Nacional de Danza y el Premi Ciutat de Barcelona. Codirector del festival de danza LP en sus tres ediciones y fundador de Teatron, comunidad online de artes vivas. Desde 2001 desarrolla una profunda investigación pedagógica y trabaja en herramientas de escritura y prácticas de creación. Ha realizado varios trabajos de videodanza y videoarte. Actualmente combina su actividad como coreógrafo con la pedagogía y la creación de películas de estudio.

Soliloquios, 28 de marzo a las 19.30h

Danza a fin de mes cierra el trimestre con la participación del museo en la Quinzena Metropolitana de la Dansa con la pieza Soliloquios de Jon MayaCesc Gelabert y Andrés Marín. Tres bailarines dispersos por tres salas del museo mientras el público realiza un viaje por ellas. Tres trayectorias personales y tres miradas hacia el arte convergen en un mismo espacio y tiempo, salpicado por la instalación sonora de Luis Miguel Cobo, que propone una contaminación acústica constante y simultánea.

Idea original: Jon Maya
Concepción coreográfica: Cesc Gelabert
Bailarines: Cesc Gelabert, Jon Maya, Andrés Marín
Creación musical: Luis Miguel Cobo
Diseño de iluminación: David Bernués
Producción: Kukai Dantza (Jon Maya, Doltza Oararteta, Nagore Martínez)

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15 de febrero a partir de las 19.30h en la Sala Vol

Tornen a Vol, el primer local que va apostar per Cabaret Internet, quan no sabia ningú que era. Seguim totes sense saber que és.
Tornen amb 8 hores de Cabaret Internet.
La Marató.
Llista de participants no disponible fins un dia abans.
Al límit.
3€

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De Rodrigo García
Del 21 al 23 de febrero en Naves Matadero
La Wikipedia dice de Rodrigo García que es un escritor, director de escena de teatro contemporáneo, dramaturgo y escenógrafo hispano-argentino. También dice que vive en España desde 1986, donde comenzó su carrera teatral. Que fundó la compañía La Carnicería Teatro en 1989 en Madrid. Que ha colaborado con el Centro Dramático Nacional (España), el Festival de Aviñón o la Bienal de Venecia, entre otros. Que en 2009 recibió el Premio Europa Nueva Realidad Teatral. Y que entre 2014 y 2017 dirigió el Centre Dramatique National de Montpellier (Francia), y lo rebautizó con el nombre de Humain trop humain (Humano demasiado humano). Lo que no dice es la capacidad que tienen sus obras de transformar la mirada del espectador, como PS/WAM creada en residencia en Naves Matadero y Festival Citemor Montemor-o-Velho (Portugal). Así la presenta el propio Rodrigo García:
“Y al principio fue Mozart.
Este proyecto no empezó como manifiesto político, ni como una historia que gritar y mucho menos es fruto de la necesidad de denunciar injusticias. Porque todo es mentira.
Todo es mentira. No hay compromiso posible en el arrogante y barullero siglo XXI, donde el pensamiento individual ha sido borrado del mapa y está hasta mal visto, dando paso a ideales ajenos a la realidad convertidos, aunque parezca mentira, en modas que provocan admiración. Esos ideales no me pertenecen, son barbaridades provenientes de las redes, es decir, de la nada y quienes los defienden lo hacen para no quedarse vacíos.
Todo es mentira. He visto a convencidos partidarios de la izquierda entregar su voto al candidato de la élite de centro-derecha y de paso negarse a comprar nada que venga en envases de plástico y encargar por medio de una web la compra orgánica para toda la semana. Todo es mentira.
No todo.
Es cierto que la frustración de una clase social cada vez más baja -que se cree clase media gracias a Primark, Mercadona y Burger King- genera este papanatismo escalofriante y toneladas de candidez. No son más que un tropel urbano despegado de la realidad de la tierra y del mar. Nada saben -salvo por contados días de vacaciones- de las pequeñas aldeas junto al océano o talladas en la montaña, aldeas siempre sucias, gritonas, lloronas de nacimientos y muertes de animales, de montes incendiados y vides y olivos tozudos.
Se erige en defensor de la naturaleza precisamente el personaje de ciudad que nunca vio una vaca.
Ante tanta estupidez, cómo no voy a proponer las sonatas para piano de Mozart.
Notas musicales.
Contra las mentiras.
Solo las notas musicales.
Ni siquiera la biografía de Mozart.
Solo las propias sonatas.
Y aparece un actor, Juan Loriente, vestido como Mozart , solo que vestido como si se le hubiera caído encima el armario. Con la peluca del XVIII lleva un pantalón de deporte, luce un zapato de ejecutivo en el pie derecho y agita una chancla hawaiana en el izquierdo.
Por momentos es Mozart y a ratos es un pobre hombre loco que se arroja encima de las notas de piano que flotan en el aire. Un Mozart que se afana en rituales inexorables, a partir de un alfabeto y una simbología masónica en constante mutación.
Y acompañando a este falso Mozart, otro impostor, Daniel Romero, vestido mitad dama de la corte, mitad jugador de hockey sobre hielo.
Pocos se aventuran a cruzar el viejo puente que les conduce desde la orilla de la vida cotidiana, esa vida que sin ruborizarse llaman útil (la mentiramovimiento) hacia la otra orilla, la de su propia oscuridad muda, quieta e inservible económicamente.
Incluso llegan a creer que el viejo puente, con los años y falta de uso, estará intransitable. Y nada más lejos de la verdad. La ligazón con la arcana verdad de cada uno, el puente sobre nuestro abismo, permanece intacto o acaso más fuerte que otrora y hasta me atrevo a afirmar que nos sigue esperando, que cree en nosotros.
Dicho a lo bestia y para que nos entendamos: aunque tú le des la espalda, la trascendencia no te olvida”.
Ficha artística
Con: Juan Loriente y Daniel Romero
Espacio escénico, dirección: Rodrigo García
Asistente de dirección: Sarah Reis
Vídeos: Rodrigo García , Daniel Romero, Jesús Santos, David Rodríguez Muñiz
Diseño de luz: Jesús Santos y Roberto Cafaggini
Vestuario y maquillaje: Deva Gayol
Música: Sonatas para piano de Mozart interpretadas por Glenn Gould
Música adicional: Daniel Romero
Textos: Rodrigo García y extractos seleccionados de la correspondencia de Mozart con su padre, traducción Miguel Sáenz
Traducción y interpretación Guaraní: Nadia Cazal
Dirección de arte: Arturo Iturbe
Dirección técnica: Roberto Cafaggini
Responsable de producción: Sarah Reis
Producción: La Carnicería Teatro
Co-producción: Festival Citemor Montemor -o-Velho ( Portugal), Naves del Matadero Madrid – Centro Internacional de Artes Vivas (España) , Rodrigo García y Boucherie Théâtre (Francia)
Colaboración: OSPA – Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias y l’Académie de France à Rome – Villa Médicis.
Rodrigo García y Boucherie Théâtre cuenta con el apoyo del Ministerio da Cultura e da Comunicación de Francia – DRAC
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De Julián Pacomio y Ángela Millano

14 y 15 de febrero en La Casa Encendida

PSYCHO es una pieza sobre dos secuencias cinematográficas casi iguales (la película “Psycho” de Alfred Hitchcock y el remake homónimo de Gus Van Sant realizado en 1998). ¿Qué es lo que aparece cuando se ven simultáneamente dos cosas diferentes entre sí pero prácticamente idénticas?

PSYCHO es una pieza sobre la anatomía de dos imágenes y su desollado. PSYCHO es una manera de dilatar el tiempo de cada cuerpo y hacer presente su peso. PSYCHO es pausar el flujo del tiempo y observar con rigor los instantes y los detalles de lo que acontece dentro. PSYCHO es un juego de espejos. PSYCHO va sobre los dobles. PSYCHO es una copia más su original. PSYCHO es mucho más que un remake. PSYCHO es una gota de sangre cayendo sobre un charco de sangre. PSYCHO son líneas verdes y grises horizontales. PSYCHO tiene que ver con el tercer hombre. PSYCHO es un tercer cuerpo.

PSYCHO forma parte del proyecto de investigación Asleep Images, del que también forma parte la pieza Make It, Don’t Fake It (2019) y que se pregunta: ¿puede una persona en sí almacenar, ser, representar y reproducir contenidos cinematográficos?

Ficha artística:

  • Creación y performers: Julián Pacomio y Ángela Millano.
  • Acompañamiento dramatúrgico: Carolina Campos.
  • Dirección técnica: Leticia Skrycky.
  • Asistencia técnica: Leonardo Mouramateus.

Apoyos: Ayudas a Artistas Visuales (Junta de Extremadura). Tabakalera-Centro Internacional de Cultura Contemporánea (San Sebastián).

Residencies: La Caldera (Barcelona): Tabakalera (San Sebastián), Atelier Real (Lisboa), Desfoga (Cambados) y S’ALA (Sassari).

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