— MuroTRON

© Víctor Pueyo

La noche justo antes de los bosques, versión de Fernando Renjifo

Del 20 de septiembre al 12 de octubre, jueves y viernes a las 21.30h, en Conde Duque

La noche justo antes de los bosques es un texto fundamental de la dramaturgia francesa contemporánea, pero no tan conocido ni representado en España. Koltès, en 1977, pone en boca de un extranjero que da vueltas por la ciudad un discurso que cuarenta años después y en un contexto diferente sigue sorprendiendo por su vigencia y potencia literaria. Haciéndose heredero del mejor Genet, en un monólogo a veces incómodo, transparente y opaco a la vez, logra poner el dedo en la llaga del sentimiento de otredad y de diferencia. Fernando Renjifo propone una puesta en escena minimalista, respetuosa con el texto, presentando una nueva versión en español, de traducción propia.

Bernard-Marie Koltès (1948-1989) empieza a escribir muy joven textos para la escena y monta también su propia compañía como director. Sin embargo, en vida de él, quien más da a conocer sus textos mientras está vivo es el director Patrice Chéreau. Muere tempranamente a los 41 años a causa del sida. Es uno de los autores franceses contemporáneos más representados en el mundo.

Fernando Renjifo es autor y director de escena. Ha trabajado en España y en varios países de Latinoamérica, generalmente dirigiendo sus propios textos o en la creación de proyectos escénicos multidisciplinares. Ésta es la primera vez que pone en escena un texto ajeno. Juan Ceacero, el intérprete sobre la escena, es natural de Úbeda (Jaén), Licenciado en Arte Dramático (Interpretación textual) por la RESAD y completa su formación en Estados Unidos. Ha trabajado en teatro, cine y televisión.

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Texto: Bernard-Marie Koltès
Traducción y dirección: Fernando Renjifo
Interpretación: Juan Ceacero
Espacio sonoro: Óscar Villegas
Iluminación: Isaac Torres, Fernando Renjifo

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La Ronda, de Edurne Rubio

19, 20, 21, 26, 27 y 28 septiembre a las 21.30h / 23.30h en Conde Duque

Cuando cae la noche, un vigilante cierra el portón de la entrada principal del Conde Duque. A partir de ese momento, nadie puede entrar. Bibliotecas, archivos, teatros, oficinas, salas de exposiciones, pasillos, sótanos… descansan indolentes, silenciosos. Mientras los murciélagos se divierten volando en los patios cazando mosquitos, el vigilante hace su ronda…

Durante seis noches, en pequeños grupos, el público conocerá la intimidad nocturna del edificio y de sus guardianes. Sin luces, el viejo Conde Duque aparece discreto, sin pretensiones…

Entre realidad y ficción, entre visita turística y espectáculo, La Ronda es una propuesta artística que toma la forma de recorrido. Un paseo que cruza el teatro y el museo, el vestíbulo y el patio, pero sin detenerse ahí, sin demorarse más de lo imprescindible, porque para llegar a un lugar siempre hay que atravesar otro… Y quizás, sea en ese atravesar, cuando la noche nos muestre aquello que se esconde invisible a la luz del día.

Edurne Rubio

Artista visual, su práctica transita entre diferentes formatos y contextos: performances, vídeos y proyectos sonoros. Edurne Rubio crea situaciones en las que se produce una tensión entre lo que vemos y lo que oímos, entre el presente y la memoria o la imaginación de posibles. Con una obra cercana al estudio antropológico, Edurne utiliza la entrevista como método de trabajo, recoge historias individuales para construir una narración colectiva que trascienda la anécdota y con ello, cuestiona una lectura lineal de la Historia, proponiendo una lectura subjetiva, dependiente de los afectos y en continua transformación. 

Sus proyectos se han presentado en diferentes países europeos, en teatros, centros de arte y en espacios públicos, tanto en ciudades como en zonas rurales.

www.edurnerubio.org

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© Almudena Ávalos

Quorum, de Rui Horta

21, 22 y 23 de septiembre a las 20.30h en Naves Matadero

A través de una convocatoria pública, Horta pidió “personas que sepan cantar, bailar, recitar, tocar un instrumento o simplemente que tengan muchas ganas y vocación para estar en un escenario, aunque no tengan ninguna experiencia previa, para participar, voluntariamente, en un proyecto creativo con  una dinámica comunitaria muy fuerte”. Fueron seleccionadas 41. Cuarenta y un individuos que componen paisajes sonoros de voces y cuerpos en una pieza que es, en palabras de Rui, “un ejercicio de humanidad”. 

A Horta siempre le ha fascinado el sentimiento de comunidad que emerge de un grupo de personas que canta en conjunto, como un pulmón. “Me gustan los coros: personas que se encuentran para cantar fuera del trabajo. De ahí nacen mis ganas de hacer una obra sobre una comunidad que respete la diversidad. Hacerlo en Madrid le añade un desafío de inmersión en una cultura que siempre me ha apasionado. Busco una experiencia intensa porque no soy músico y me surgen muchas preguntas al respecto: ¿Qué es una pieza vocal? ¿Cómo voy a abordar esta obra? ¿Cuáles son los límites de una performance con voces y cuerpos “normales”? ¿Qué es lo “normal”? ¿Hasta dónde puede llegar un cuerpo o una voz sin formación? ¿Qué es lo auténtico y qué es algo diseñado o construido?¿Cómo expandir las fronteras de cada uno, sabiendo que el grupo es heterogéneo en términos de experiencia performativa, sin perder ese pulmón que respira al unísono? Entonces aparece otro trazo de unión: el cuerpo. Como dice el filósofo portugués José Gil: ‘el cuerpo es todo lo que tenemos’ ”, Rui Horta.

Hace un año, en la última pieza que Horta creó con una comunidad de personas, el crítico Afonso Becerra dijo de ella: “No hay poses, no se detecta falsedad ni en los movimientos ni en las actitudes ni en las expresiones. Me impresiona el sentido de verdad artística y de autenticidad que se percibe en el ambiente, sobre el escenario. Esa ausencia de pompa y de grandilocuencia, esa humanidad trascendida que se puede sentir cercana, esa sensación de piel, esa sensación de que la acción ocurre a flor de piel y, sin embargo, viene de lejos, de lo íntimo, de lo profundo, de lo divino”.

RUI HORTA

Rui Horta es un veterano salvaje cargado de futuro. Su trabajo como coreógrafo es considerado una referencia en la creación europea. Horta ha sido el impulsor de una nueva generación de bailarines y coreógrafos portugueses. En los años 90 dirigió la S.O.A.P. Dance Theatre de Frankfurt, que giró por los teatros más importantes del mundo. Y en el 2000 regresó a Portugal para fundar O Espaço do Tempo, un centro multidisciplinar de experimentación artística en un monasterio del s. XVI. En paralelo ha sido artista invitado para un amplio número de compañías de renombre como Ballet Gulbenkian, Grand Ballet de l’Opera de Génova, Ópera de Marsella, Netherlands Dance Theatre, Ópera de Gotemburgo, Icelandic Ballet, Scottish Dance Theatre, Random Dance, etc. Ha sido nombrado Caballero de la Orden de las Artes y las Letras de Francia y tiene en su haber galardones internacionales como el gran premio de Rencontres Choréographiques Internationales de Bagnolet (Francia).

Su trabajo creativo se desborda de la coreografía y se extiende al teatro, la ópera, la música experimental, al diseño de luces y a la investigación multimedia, universo que utiliza frecuentemente en sus obras.

Ficha artística

Dirección artística, textos y diseño de luces: Rui Horta
Dirección musical: Guillermo Bautista
Texto adicional: Tiago Rodrigues 
Dirección técnica: Tiago Coelho
Intérpretes: Adrián Sepiurca Zukin, Nadal Bin, Alba Moreno, Álvaro Caboalles, Álvaro Manzano Olano, Ana Martín, Andrea Rus, Candela Caballero, Carlos Laguna Alonso, Carlos Indriago Ledesma, Carmen Colino, Claudio Gómez, Concha Contreras Iniesta, Corina Bustamante Márquez, Dan Cuadrado Martínez, Elias Miguez, Eugenio López Del Pino, Frances Ribes Renshaw, Gonzalo Figari Camino, Guille Pavón Gray, Jaime Cano, Jorge Padilla, Juan Antonio Rodríguez, Juan Bautista Alcalde, Juan Luis Peñaranda Acera, Laura Calero, Lucía Marceli, Natalia Katrina Serra Pineda, Nixón Martínez Salcedo, Olga Redondo, Pablo Velasco, Patricia Jorge, Paula Mendizábal Palacios, Roberto Bezos, Rosa García Camarillo, Chari Gutiérrez, Sandra Bermúdez, Sergio Salvador, Thalia Casher, Victoria Diéguez, Virginia Gallego

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Lo que muda no muere, instalación interactiva de Elena Córdoba, David Benito y Ada Salas

Del 20 de septiembre al 7 de octubre en Tabacalera Madrid dentro del Festival Proyector de Videoarte

*Inauguración del 20 de septiembre

Lo que muda no muere abre una mirada microscópica al paso del tiempo como agente constructor de la materia. Esta pieza plantea un juego de escalas haciendo perceptible aquello que es inaccesible al ojo y al oído, el flujo constante del cambio.

Lo que muda no muere parte del estudio de materia orgánica en descomposición. Un proceso controlado metódicamente con la intención de convertirlo en imagen y sonido. Un microscopio electrónico y un pequeño set de iluminación, crearán paisajes vivos que se acompasarán con los sonidos que produce la descomposición de la materia. Se construye así, una arquitectura espacial y sonora que proviene de la mirada a  un pequeño mundo en descomposición.

Los dispositivos en los que se fundamenta Lo que muda no muere forman parte de la obra escénica El nacimiento de la bailarina vieja.
El verso que da título a la pieza es un fragmento de Aprender de Ada Salas.

David Benito (Madrid en 1979)
Es Licenciado en Historia del arte y Bellas artes, y Master universitario en Investigación en arte y creación por la Facultad de Bellas Artes de la UCM, donde ha sido colaborador del Departamento de Dibujo y Artes de la Imagen en el área de fotografía. Se dedica al teatro desde que se hace cargo de la jefatura técnica de la sala El canto de la cabra en 2006. Desde entonces trabaja como diseñador de iluminación con diversas compañías de Madrid, como coordinador técnico para compañías y festivales, y ha conseguido mezclar todo ello con las artes visuales en su trabajo con la coreógrafa Elena Córdoba.

Elena Córdoba (Madrid, 1961)
Bailarina y coreógrafa Su obra se construye a partir de la observación detallada del cuerpo, eje y materia de su trabajo. Hace años inicia Anatomía poética un ciclo de creación sobre el interior del cuerpo vinculado al estudio de la anatomía médica. Le atrae especialmente el estudio de los fundamentos físicos y sociales del acto de bailar.

Ada Salas (Cáceres, 1965)
Ha publicado, entre otros, los siguientes libros de poesía: Variaciones en blanco, La sed, Lugar de la derrota, Esto no es el silencio, Limbo y otros poemas y, junto con el pintor Jesús Placencia­­, Ashes to ashes y Diez mandamientos Cuenta también con dos libros de reflexión sobre la escritura poética: Alguien aquí y El margen, el error, la tachadura. Recientemente ha visto la luz una antología de toda su obra: Escribir y borrar

Sonido: María José Pire, Pepón Prades, Luz Prado y Nilo Gallego
Edición sonora Nilo Gallego

Con el apoyo del Programa de ayudas a la creación del Ayuntamiento de Madrid.
Comunidad de Madrid y Citemor (Montemor-o-Velho)

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27 y 28 de septiembre a las 22h en La Casa Encendida

Una investigación coreográfica sobre la censura y su relación con los cuerpos y las cosas. Una investigación sobre la participación del encuentro de lo oculto, desaparecido o eliminado. La potencialidad y la hipervisiblidad de lo que ha sido apartado del régimen de lo visible, de lo censurado y lo autocensurado.

¿Cómo podemos movernos en los márgenes, los límites, de lo visible? ¿Sería posible la percepción de lo que ya no está? ¿Cómo liberarnos de la necesidad de ver y reconocer las cosas para provocar movimientos? Se trata de una búsqueda en la historia reciente de la coreografía contemporánea, cómo se lleva a cabo la construcción de un archivo volátil. Una búsqueda a través de estímulos que no corresponden a lo visible, pensando desde las vibraciones, el desplazamiento, el flujo mismo de las cosas.

Trabajar con las capacidades políticas y emocionales de las cosas que ya no están. La agencia y potencialidad que tiene la no visibilidad, la ausencia, generan coreografías concretas. Cómo son los procesos y mecanismos de selección de materiales que deben ser mostrados. Qué movimientos provocan y se relacionan con materiales expurgados / censurados —textos, cuerpos, objetos, imágenes— arroja la pregunta: ¿es posible la eliminación total de las cosas?

Ignacio de Antonio Antón es creador escénico y arquitecto. Actualmente vive en Madrid después de hacerlo en Alicante, São Paulo y Nueva York. Su trabajo parte de la investigación a través de la práctica artística, abarcando la coreografía y la performance como una práctica espacial crítica. Su recorrido se centra en estas prácticas entendidas como dispositivos donde se ponen en crisis y en valor los mecanismos de consenso y disenso, indagando sobre los modos de producción y la relación entre las cosas. En el año 2016 estudió en la New York University en el departamento de Performance Studies con una beca Fulbright. Actualmente desarrolla su doctorado en este ámbito en el Grupo de Investigación ARTEA.

Un proyecto de: Ignacio de Antonio Antón.

En escena: Óscar Hernández, Roberto García e Ignacio de Antonio.

Vestuario y espacio escénico: Álvaro Borrajo.

Iluminación: Antón Ferreiro.

Colaboran: Espacio en residencia Azala Espazio, La Casa Encendida, Arqueologías del Futuro y Red de artes vivas.

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Weird Space es un ciclo de talleres que explora la ciudad a través de la producción de cenas urbanas en espacios raros de la Comunidad de Madrid. El equipo Weird Space junto con el Área de Creación del INJUVE ha seleccionado tres propuestas de diseño e implementación de talleres que utilizan la cena como elemento de activación de procesos creativos y de exploración del espacio urbano. La realización de estos talleres tendrá lugar en la Sala Amadís y sus resultados materiales se expondrán en la misma desde octubre hasta noviembre de 2018.

Weird Space entiende la cena como un método experimental y performativo que genera espacialidades afectivas y relacionales. El botellón o el picnic son formatos asociados a la cena que, según el contexto en el que se desarrollen, pueden generar formas de apropiación o disidencia en la ciudad.

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Taller Lesboanimitas

Fechas: 02/10 – 06/10

Espacio raro: Plaza de Peñuelas

Sinopsis: Lesboanimitas es un ejercicio de cuerpo, memoria y ficción. Un velatorio al deseo lesbiano vivido en la España de entre 1930 y 1980. Una ruptura de espacios y temporalidades a partir de lo performativo, lo objetual y el pensar colectivo. [+]

nucbeade

& 10 participantes

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Taller C.I.S.C.O.

Fechas: 10/10 – 13/10

Espacio raro: NASA MDSCC

Sinopsis: Confluencia intergaláctica de subjetividades colectivas ociosas o C.I.S.C.O. es un ritual colectivo desde el parking de la Deep Space Communications Complex de la NASA donde crear mensajes desde la subjetividad y la diferencia para enviar al espacio. [+]

Pablo Durango

& 15 participantes

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Taller Sobremesa

Fechas: 15/10 – 18/10

Espacio raro: Casa Airbnb

Sinopsis: Taller Sobremesa es una nueva tipología de reunión en la que se tiene la ocasión de ejercer de arquitectos del espacio-tiempo, para así artificializar y reconstruir la sobremesa sin dependencia de una comida que le preceda. Es un acto estético en el contexto de un Airbnb. [+]

Ceci Cameo & David Macho

& 12 participantes

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Presentación de La humana perfecta. 13 min. 2018.
Última película del colectivo La Rara Troupe.

Viernes 21 de septiembre 2018, 19:00h.
Salón de actos del MUSAC

Con diálogo posterior en el que intervendrán Ariana Celorio, (Representante de la asociación Rebelión Feminista), Ana Paramio Requejo y La rara troupe.

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Entre octubre 2017 y junio 2018, La rara troupe ha estado trabajando alrededor de los conceptos de cuerpo y diversidad afectivo-sexual y sobre los múltiples entrecruzamientos que se dan con la salud mental.

Durante el proceso de creación de la película el colectivo ha participado en un taller de escritura erótica con la activista y docente Val Flores (enero 2018) y ha visionado y analizado películas como Encuesta sobre el amor (1965) de P. P. Pasolini, El amor natural (1996) de Heddy Honigmann, Yes, We Fuck! (2015) de Antonio Centeno, Raúl de la Morena o El humano perfecto, (1967) de Jorgen Leth. Precisamente esta última, un clásico del cine de culto, ha sido reconstruida plano a plano, en una versión pasada por la mirada de La rara troupe para dar lugar a la película que ahora se presenta, “La humana perfecta”, y que contiene muchas de las reflexiones desarrolladas por el colectivo este último año.

Durante esta temporada La rara troupe además ha organizado por primera vez en León el Día del Orgullo Loco (mayo 2018) y ha sido invitada en el Congreso Diversario en Huesca (mayo 2018), sobre creatividad y discapacidad, y en el Grupo de lectura y Programa público Una fuerza posible celebrado en el Museo Reina Sofía de Madrid (junio-julio 2018).

Tras la proyección de la película, La rara troupe dialogará con Ariana Celorio y Ana Paramio, que aportarán sus particulares lecturas del trabajo.

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La rara troupe: Un grupo de creación audiovisual y pensamiento crítico en torno al malestar psicosocial. Desde el año 2012 se reúne periódicamente en el DEAC del MUSAC. El grupo está abierto a nuevas incorporaciones todos los años entre septiembre y octubre.

* Rebelión Feminista: Organización de feminismo radical, interseccional y anticapitalista.

* Ana Paramio Requejo: Psicóloga Sanitaria Psico-oncóloga. Especialista en Hipnosis Clínica.

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Del 4 al 22 de septiembre en la galería Bombon Projects.

Opening: Martes 04.09 / 17:30h – 21:00h

“Al principio,”

La creación del mundo según la génesis bíblica empieza con un principio en que dios creó la Luz. Las dos primeras palabras de ese inicio (“Al principio,”) han visto como a lo largo del tiempo las predecían diferentes cosas: Luz, verbos, ruido…En el pasaje de John 1:1-14 de la versión de la Biblia de King James, por ejemplo, encontramos la frase “In the beginning was the Word”, mientras que en la pagina 24 de Art as a Social System (2000), Niklas Luhmann nos dice que “In the beginning, there is a difference”. Igualmente, unos años antes, en el 1980, Michael Serres afirmó que “In the beginning was the noise”; un poco más tarde, en el 1996, Julia Kristeva aseveró que “Al comienzo era el amor”; y hace unos pocos años Rosi Braidotti escribió que “Al principio de todo está Él”. Quién sabe que debía haber exactamente al principio?

Deseando descubrir algún método para poder responder a esa pregunta, la exposición “Al principio,” utiliza el espacio de Bombon como laboratorio de una investigación arqueológica experimental. El proyecto parte de la observación de las marcas visibles e invisibles del pasado que hay en el espacio de la galería para tratarlas como pistas de otros tiempos que nos permitan imaginar y reconstruir un posible escenario del principio de este sitio.

Más info: https://bombonprojects.com/exhibition/al-principi/

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Hasta el 14 de octubre en La Virreina Centre de la imatge.

Visitas guiadas gratuitas: martes a las 18 h, sábado y domingo a las 12 h

Desde sus inicios en TV Clot y BTV, a mediados de los noventa, hasta sus últimas producciones, como la pentalogía sobre el punk en España, Kikol Grau (Barcelona, 1971) ha desarrollado un imaginario perturbador e irreverente que compone una cierta radiografía de la historia televisiva, política y musical desde los ochenta hasta hoy, con un énfasis particular en el panorama audiovisual alternativo e independiente de Barcelona.

Dame pank y dime tonto es la primera muestra antológica acerca de la trayectoria del realizador audiovisual Kikol Grau (Barcelona, 1971). Abarca desde sus inicios en TV Clot y BTV, a mediados de los noventa, hasta sus producciones más recientes, y constituye una cierta radiografía de la historia política, televisiva y musical del Estado español, con un énfasis específico en el contexto de Barcelona entre los años ochenta y el presente.

La exposición se articula en tres apartados. El primero reúne una serie de cortometrajes, como Impenetreibol escroto (1992), K-fre! Desde Plutón con Amor! (1994-1995), The final fight IV (1998),Zool. Acto de purgar los caracoles (2000) y Docutrola: Cómo convertirse en un pirata de la televisión (2001-2002); varios montajes audiovisuales que Kikol Grau realizó en los inicios de su andadura, entre los cuales podemos destacar Jason total massacre 1 / 2 (2008-2010), Las hostias de Bourne (2009) y El señor de los gramillos (2010), y, finalmente, un conjunto de videoclips experimentales para los grupos de música Tu Madre, Tarántula, Salvaje Montoya, Flamaradas, La Otra Gloria y Ktulu.

El segundo ámbito compila su producción televisiva a partir de programas absolutamente emblemáticos, como Por la Kara TV (1994-1998), con Jorge Rodríguez, Pol Turrents y Juan Antonio Bayona; Gabinete de crisis, semanario audiovisual de humor satírico junto a Félix Pérez-Hita y Arturo Bastón, por encargo de Andrés Hispano, entre 2001 y 2007; Si te he visto no te aguanto TV, un canal de televisión por Internet que compilaba emisiones independientes y alternativas de interés cultural; los programas sobre música y cine desarrollados para Metrópolis, de TVE (2006-2012); K-POW! (2005), trece episodios cortos sobre el mundo del cómic realizados para el Denominació d’Origen de la Red de Televisiones Locales de Cataluña (2005), así como 3 minutos para el fin del mundo (2017), miniprograma creado para la web de O Estudio Creativo, por encargo de Joan Pons.

El tercer apartado recorre la filmografía de Kikol Grau, desde Objetivo Gadafi (2013) hasta la pentalogía sobre el punk en España, con Las más macabras de las vidas (2014), que explica la Transición a través del grupo musical Eskorbuto, Inadaptados (2015), sobre Cicatriz, y No somos nada (2016), acerca de La Polla Records. También se exhiben Magnicidios españoles y Poe (2017) y Moctezuma-Grau. Descendencia mortal (2017). Además, en La Virreina Centre de la Imatge se estrenarán las películas Histeria de Catalunya, de autoría colectiva, y Los demenciales chicos acelerados. Barcelona y alrededores. Simultáneamente a Dame pank y dime tonto, la plataforma Filmin presentará un amplio recorrido por su trayectoria.

Uno de los aspectos significativos para entender el imaginario perturbador e irreverente de Kikol Grau son sus dibujos, que aparecen en pósters, fanzines, guiones o en cuadernos preparatorios, y que constituyen un episodio autónomo respecto a sus proyectos audiovisuales. Cabe destacar la importancia que tienen en el universo iconográfico del autor «los monos locos que destruyen la Tierra», como él mismo los ha llamado.

La muestra se completa con numerosos materiales extraídos del archivo personal de Kikol Grau: carteles, fotografías, cintas de vídeo, máquinas de videojuegos vintage, portadas de discos de época, cómics que le sirvieron de referencia, etc.

Más información: http://ajuntament.barcelona.cat/lavirreina/es/exposiciones/dame-pank-y-dime-tonto/233

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ÍDEM 2018. Festival Internacional de Artes Escénicas

Del 12 al 22 septiembre en La Casa Encendida

Del 12 al 22 de septiembre, ÍDEM 2018 celebra su sexta edición. En su cita anual, ofrecerá diferentes propuestas artísticas que giran en torno a la diversidad (de lenguajes, formatos, disciplinas, cuerpos, temas, etc.) para establecer durante dos semanas un diálogo permanente con la ciudadanía que ayude a crear nuevos modos de ver, de pensar y de sentir.

Desde su apertura, La Casa Encendida ha mantenido un fuerte compromiso con la visibilización de la diversidad y la eliminación de barreras a través de su programación. Durante diez ediciones el Festival de Artes Escénicas y Discapacidad contribuyó a la expansión y la profesionalización de artistas y creadores con diversidad funcional. La evolución de la propia sociedad y las demandas de una ciudadanía cada vez más concienciada, exigente y comprometida, hicieron necesarios nuevos matices y la apertura a nuevas disciplinas y a otros ámbitos de exclusión social. Así nació ÍDEM, Festival Internacional de Artes Escénicas.

ÍDEM actúa como un campo de líneas de fuerza que se extienden y conectan entre sí y que funciona más allá de su sentido espectacular. En el programa de este año confluyen artistas de Argentina, Cuba, España, Francia, Portugal, Siria y Suiza, con muy diversas propuestas que atraviesan de lleno realidades, a veces dolorosas, a veces llenas de humor y esperanza, pero todas importantes de visibilizar: la enfermedad mental, las personas refugiadas, la discapacidad, la memoria o la igualdad de género.

El festival arranca con el estreno en España de la última pieza de La Ribot, Happy Island, realizada en colaboración con el colectivo de danza inclusiva portugués Dançando com a diferença. Una pieza de danza y cine con cinco bailarines profesionales con discapacidad física e intelectual.

También del ámbito de los artistas con discapacidad llega la pieza de danza No@menos de Yanel Barbeito y Omar Gómez y la película de Maxime Seugé, L’artiste des mots, protagonizada por François Daujon, actor que durante 13 años formó parte de la compañía francesa de teatro de l’Oiseau-Mouche.

La enfermedad mental estará presente en el festival gracias al documental de Javier Álvaro, ¿Y si te dijeran que puedes?, que nos adentra en la realidad de cinco personas que sufren de esquizofrenia y que se plantean escalar la cara sur del mítico Naranjo de Bulnes acompañados por el creador de Al filo de lo imposible, Sebastián Álvaro.

Desde muy diferentes miradas y lenguajes, nos llegan dos propuestas que hablan de emigración y personas refugiadas: Sous la plage, de los artistas Marc Villanueva y Gerard Valverde, en colaboración con el intérprete sirio Mohammad Bitari, plantea interrogantes sobre los discursos y las paradojas generados alrededor de las revueltas en los países árabes y su actualización en la actual crisis migratoria. En Anguilas, el actor argentino descendiente de europeos, Andrés Cavallini, ofrece al espectador un recorrido autobiográfico en el que plantea una reflexión en torno a la identidad, la búsqueda de las raíces y la emigración de ida y vuelta.

Dos propuestas muy diferentes, creadas y dirigidas por mujeres, plantean reflexiones en torno al concepto de memoria y la mirada del otro, como Louisa Merino en The course of memory, o a la precariedad laboral y el oficio de actriz, tal y como nos muestra la compañía El pollo camperocomida para llevar en su mordaz montaje La actrices siempre mienten.

La música, y la cara más joven del festival, estará presente en las voces de Diversity Youth Choir, un coro juvenil con participación internacional y vocación integradora, dirigido por José María Álvarez Muñoz.

Un año más, el objetivo de ÍDEM es incidir en la comunidad, provocar cambios encaminados a la conquista de una sociedad más igualitaria y a la total aceptación de nuestra diversidad.

Directora artística: Paz Santa Cecilia.

(*)Fiel a su vocación inclusiva, el festival continúa ofreciendo propuestas artísticas para personas con diversidad funcional severa, cuya especial manera de percibir y expresarse les impide asumir un código de comportamiento impuesto por razones de accesibilidad. A partir de este año esta sección se llamará Disten(se)sion, con el fin de que sea fácilmente identificada en el programa.

Más información: https://www.lacasaencendida.es/escenicas/idem-2018-festival-internacional-artes-escenicas-9111

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