— MuroTRON

21, 22 y 23 de febrero en la Nave 11 de Naves Matadero

El proyecto CARMEN // SHAKESPEARE nace en 2012 y se extiende hasta hoy, tomando formas artísticas plurales como piezas coreográficas autónomas (Los Actos), conferencias performativas para espacios no escénicos (Los Entreactos y Los Tablaos), un conjunto importante de instalaciones audiovisuales, trabajo de investigación a través de internet y laboratorios de creación (los LAB_REC).

Olga Mesa y Francisco Ruiz de Infante no cuentan Carmen, ni Shakespeare sino que apoyándose en el encuentro anacrónico de un mito y un inventor de mitos, proponen una reflexión sobre los cuerpos, los papeles y el juego de los sexos en la relación amorosa. CARMEN // SHAKESPEARE es el encuentro anacrónico entre la figura de Carmen y un autor que ha hecho de sus personajes arquetipos. Un diálogo improbable entre una musa indómita y un poeta.

CARMEN // SHAKESPEARE es una escritura viva, una dramaturgia del campo minado del amor. El escenario, lleno de ruidos y de luces, recorrido de cabo a cabo por una red de cables orgánicos, se transforma en la metáfora del desorden de las relaciones humanas.

En escena, Mesa y Ruiz de Infante son a la vez directores y protagonistas del espectáculo. Enredados en las imágenes que proyectan sus cámaras (grabadas o en tiempo real), se pelean por el territorio escénico y por el control del dispositivo tecnológico que arman creando imágenes, bandas sonoras complejas, cambios de escala, confusiones de espacios y tiempos. “En cada instante y en cada movimiento, la performance es la manera en que el cuerpo puede volver a afirmar su singularidad y su libertad, y negarse a ser tan solo un objeto”, explican.

Como en la ópera de Bizet, este último acto de la tetralogía CARMEN // SHAKESPEARE es el que nos confronta cara a cara con la muerte como desenlace del amor. Aquí, toda la dramaturgia será heredera de la fiesta de la muerte, la corrida. Una serie de episodios cortos performativos, coreográficos, fílmicos y sonoros van a inscribirse dentro de un protocolo de apariciones de varios artistas invitados: los matadores, que han sido convocados para hacer lo que nadie quiere hacer: matar y morir. Como dijo Carmen: “Estaré lista cuando llegue el gran día”. ¿O esto lo dijo Shakespeare?

“En CARMEN // SHAKESPEARE mostramos de manera caleidoscópica cómo nuestra época es atravesada por tecnologías que controlan nuestros cuerpos y nuestras imágenes. Aquí mostramos también cómo esas mismas tecnologías (trampa, oportunidad y barrera) autorizan nuevas relaciones de poder, seducción, miedo, deseo, fascinación, incomprensión, complicidad, celos, pasión… ¿El amor?”, dicen los creadores Olga Mesa y Francisco Ruiz de Infante.

HORS CHAMP // FUERA DE CAMPO

La coreógrafa y artista visual Olga Mesa (Avilés, 1962), afincada en Francia desde hace más de una década, es una de las figuras claves de la danza contemporánea española. Su trabajo, de carácter experimental, se sitúa en los límites de la danza, la performance y las artes visuales. En los años noventa, en su labor creativa de coreógrafa y de bailarina, se decanta por la cámara, dando a la imagen un lugar central en sus piezas. Su obra, representada en centros tan importantes como el Théâtre de la Ville (Paris, Francia), el Théâtre de la Bastille (Paris, Francia), el Festival la Bâtie (Ginebra, Suiza) o el Festival Culturgest (Lisboa, Portugal), es una indagación sensible y poética sobre las relaciones entre el cuerpo, la imagen y el espacio.

En 2005 se instala en Estrasburgo donde conoce al artista vasco Francisco Ruiz de Infante (Vitoria-Gasteiz, 1966) cuyo inquietante universo, creado por frágiles construcciones, dispositivos, recorridos de instalaciones, imágenes fijas, films, sonidos, dibujos, textos, performances o espectáculos, sumerge al espectador en una intensa experiencia física y mental. Ruiz de Infante pertenece a una generación de artistas marcados por el descubrimiento de las tecnologías de lo audiovisual. Y expuesto su trabajo en lugares como el Museo de Arte Moderno de París y el Museo Reina Sofía (Madrid), el Museo Guggenheim (Bilbao).

Mesa y Ruiz de Infante trabajan juntos impulsando la compañía Hors Champ // Fuera de Campo desde 2011 y despliegan un universo artístico donde dialogan sus respectivos lenguajes, preocupaciones y experiencias. Echan mano de las herramientas tecnológicas audiovisuales, de las interfaces de imágenes corrientes de la vida cotidiana y examinan la relación de los humanos con la tecnología (que viene a ser una relación con una gigantesca máquina y un entorno “conectado”).

Juntos crean obras coreográficas para el escenario, obras performativas para espacios no escénicos, exposiciones y sesiones de investigación. Su proyecto es totalmente transversal y más que generar ‘objetos artísticos’, destinados a integrarse en un escenario cultural (a menudo muy sometido a normas), crean contextos artísticos singulares, para todo tipo de público, de duración variable, adaptables a cualquier entorno, para ampliar las prácticas artísticas y pensarlas como territorios por compartir.

Ficha artística

Concepción: Olga Mesa y Francisco Ruiz de Infante
En el escenario: Olga Mesa y Francisco Ruiz de Infante + artistas invitados : “Matadores” (en directo o diferido) Monica Valenciano, Vidal Bini y Loïc Touzé
Dramaturgia: Roberto Fratini Serafide
Técnica y luz: Xulia Rey Ramos
Sonido: Frédéric Apffel
Producción: Hors Champ // Fuera de Campo – Pierre Kiener
Administración: Machette Productions – Mathias Gauthier-Lafaye
Coproducción: CCAM, Scène Nationale de Vandoeuvre-lès-Nancy (Francia), CDCN Pôle Sud (Francia), CCN Ballet de l’Opéra National du Rhin (Francia), Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo
Apoyos: Artium Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, Centro Párraga de Murcia, Nave de Santiago (Chile), Théâtre de Bouxviller (Francia)
Colaboradores: Ministère de la Culture (DRAC Grand Est – conventionnement), Région Grand Est (ayuda a la creación), Ville et Eurométropole de Strasbourg (conventionnement)
Idioma: español y francés, con subtítulos en español

Estrenado en diciembre de 2018 en la Scène Nationale de Vandoeuvre-lès-Nancy (Francia)

ESTRENO EN ESPAÑA

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Olga Mesa y Francisco Ruiz Infante

15 de febrero a las 18.30h en la Nave 11 de Naves Matadero

¿Qué ocurre en 2019 en la taberna de los contrabandistas que Carmen visita cada noche?
Como siempre, en ese lugar sin ley, soldados, gitanos y traficantes encenderán sus máquinas destripadas para inventarse una fiesta juntos.

El viaje –a veces vertiginoso- a través de las imágenes, los sonidos, los objetos y los cuerpos, construirá una entrada cautelosa en la franja resbaladiza que separa la realidad de la ficción. Como un diálogo desordos es el titulo genérico que Mesa y Ruiz de Infante dan a sus textos a cuatro manos, a sus montajes fílmicos y a sus conferencias performativas. En este tiempo de contacto muy directo con la audiencia, Olga y Francisco se dan el gustazo de experimentar una puesta en escena ligera y específica concebida para la ocasión. “El cruce de referencias gracias a formas más o menos ortodoxas del ‘género’ performance conferenciera, permite la proposición de diálogos ilustrados, de exquisitos malentendidos y el frotamiento chisposo de lenguajes”, explican.

HORS CHAMP // FUERA DE CAMPO

La coreógrafa y artista visual Olga Mesa (Avilés, 1962), afincada en Francia desde hace más de una década, es una de las figuras claves de la danza contemporánea española. Su trabajo, de carácter experimental, se sitúa en los límites de la danza, la performance y las artes visuales. En los años noventa, en su labor creativa de coreógrafa y de bailarina, se decanta por la cámara, dando a la imagen un lugar central en sus piezas. Su obra, representada en centros tan importantes como el Théâtre de la Ville (Paris, Francia), el Théâtre de la Bastille (Paris, Francia), el Festival la Bâtie (Ginebra, Suiza) o el Festival Culturgest (Lisboa, Portugal), es una indagación sensible y poética sobre las relaciones entre el cuerpo, la imagen y el espacio.

En 2005 se instala en Estrasburgo donde conoce al artista vasco Francisco Ruiz de Infante (Vitoria-Gasteiz, 1966) cuyo inquietante universo, creado por frágiles construcciones, dispositivos, recorridos de instalaciones, imágenes fijas, films, sonidos, dibujos, textos, performances o espectáculos, sumerge al espectador en una intensa experiencia física y mental. Ruiz de Infante pertenece a una generación de artistas marcados por el descubrimiento de las tecnologías de lo audiovisual. Y expuesto su trabajo en lugares como el Museo de Arte Moderno de París y el Museo Reina Sofía (Madrid), el Museo Guggenheim (Bilbao).

Mesa y Ruiz de Infante trabajan juntos impulsando la compañía Hors Champ // Fuera de Campo desde 2011 y despliegan un universo artístico donde dialogan sus respectivos lenguajes, preocupaciones y experiencias. Echan mano de las herramientas tecnológicas audiovisuales, de las interfaces de imágenes corrientes de la vida cotidiana y examinan la relación de los humanos con la tecnología (que viene a ser una relación con una gigantesca máquina y un entorno “conectado”).

Juntos crean obras coreográficas para el escenario, obras performativas para espacios no escénicos, exposiciones y sesiones de investigación. Su proyecto es totalmente transversal y más que generar ‘objetos artísticos’, destinados a integrarse en un escenario cultural (a menudo muy sometido a normas), crean contextos artísticos singulares, para todo tipo de público, de duración variable, adaptables a cualquier entorno, para ampliar las prácticas artísticas y pensarlas como territorios por compartir.

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Del 7 al 16 de febrero en Santiago de Compostela

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Edurne Rubio

7, 8 y 9 de febrero a las 20h en Conde Duque

Durante los años 50 y 70, mi padre y sus dos hermanos formaron parte del Grupo de Espeleología Edelweiss. En 1956 Edelweiss inició en el norte de Burgos la exploración de Ojo Guareña, una de las cuevas más grandes de Europa. 

Guiada por espeleólogos, LIGHT YEARS AWAY es una visita a través de la oscuridad del teatro, un recorrido en el que todo lo que aparece al paso sorprende, ya sea orgánico o inanimado, cronológico o anacrónico, visible o invisible. 

Se trata de una película fuera de la pantalla, un documental sin rostros, un espectáculo iluminado con linternas. 

https://www.edurnerubio.org

– Concepto y performance: Edurne Rubio

– Sonido: David Elchardus

– Cámara: Alvaro Alonso de Armiño, Gregorio Méndez y Sergi Gras.

– Edición: Edurne Rubio

– Con la colaboración artística:  Jan De Coster, Didier Demorcy, María Jerez, Loreto Martinez Troncoso.

– Técnica: Gregor Van Mulders y David Elchardus

– Espeléologos: Grupo de Espeleología Edelweiss

>Más información y entradas.

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1-2-3 febrero 20h30
Carme Teatre, València
Más información y entradas: https://www.atrapalo.com/entradas/lp_e4827070/

Nos emocionamos con canciones que decimos detestar. Lloramos con temas que nos transportan a otras vivencias. Cantamos a solas, a todo volumen, y nos dejamos llevar sin importarnos el tono, la afinación o la melodía.

LP es una propuesta escénica que trata de jugar con los límites de lo musical. A partir del objeto “canción” la pieza trabaja la descomposición y recomposición de esos pequeños universos sonoros para adentrarse en todas sus posibilidades dramatúrgicas y escénicas. Partiendo de conceptos en ocasiones más técnicos y otras veces más emocionales o biográficos la pieza viaja de una canción a la siguiente tejiendo un hilo musical íntimo a compartir.

Paula Miralles. Licenciada en Comunicación Audiovisual por la Universidad de Valencia y en Arte Dramático por la ESAD de Valencia. Ha realizado una intensa trayectoria como actriz de teatro. En 2016 crea la compañía Colectivo Mortero junto a David Alarcón, Esther Vidal y Pilar Parreño. Con esta formación pone el acento en la relación entre música y lenguaje, sonido, texto y palabra. Actualmente participa en el proyecto colectivo Taller Placer junto a Vicente Arlandis, Miguel Ángel Martínez, Violeta Ros y Aina Vidal y combina su faceta artística y creativa con la de gestión y producción de proyectos escénicos, tanto propios como ajenos. “LP” es su primer solo con el que inicia su propia línea de creación.

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Luz Broto, Dar paso a lo desconocido, intervención site-specific en La Capella, 2011.

Del 27 de enero al 23 de junio en La Capella. 

Equipo curatorial: David Armengol, Sonia Fernández Pan, Eloy Fernández Porta, Sabel Gavaldon y Anna Manubens.

ESCENA 1
27.01 – 10.02.2019
Lucía Egaña / Laia Estruch / Gustavo Marrone / Marc O’Callaghan / Julia Spínola / Marc Vives

ESCENA 2
12.02-10.03.2019
David Bestué / Carles Congost / Lucía Egaña / Daniel Jacoby / Gustavo Marrone / PLOM / Alex Reynolds / Julia Spínola / Marc Vives

ESCENA 3
12.03-07.04.2019
Benzo / Carles Congost / June Crespo / Lucía Egaña / Laia Estruch / Pol Gorezje / Daniel Jacoby / Rasmus Nilausen / Alex Reynolds / Julia Spínola / Jon Uriarte / Marc Vives

ESCENA 4
09.04-05.05.2019
Yu Araki / Benzo / Anna Dot / Pol Gorezje / Marla Jacarilla / Rasmus Nilausen / Ania Nowak / Quim Pujol / Francesc Ruiz / Julia Spínola / Jon Uriarte

ESCENA 5
07.05-26.05.2019
June Crespo / Anna Dot / Antoni Hervàs / Marla Jacarilla / Rasmus Nilausen / Francesc Ruiz / Carlos Sáez / Julia Spínola / Marc Vives

ESCENA 6
28.05-23.06.2019
Luz Broto / Black Tulip / June Crespo / Ariadna Guiteras / Antoni Hervàs / Ocaña / Tere Recarens / Jara Rocha / Carlos Sáez / Julia Spínola / Y€$Si Perse+La Plebeya+Mar Pons

El 27 de enero de 1994 se iniciaron los programas de artes visuales de La Capella. Veinticinco años más tarde, un equipo formado por cinco personas que, de un modo u otro, han transitado por la organización –cuatro comisarios y un crítico cultural– se reúne para revisar sus contenidos. Así, el intercambio de expectativas y deseos, el baile de obras y de temáticas posibles se prolonga durante algunos meses, con entusiasmos, hallazgos, redescubrimientos y dudas creativas.

La Capella ha dado forma al objeto no identificado al que nos referimos cuando hablamos de una “escena” artística en la ciudad de Barcelona. Observada desde una perspectiva de veinticinco años, la noción de escena se desdibuja en favor de una sucesión de momentos de intensidad imposibles de delimitar o fijar dentro de unas determinadas genealogías. Son escenas sucesivas, pero que también conviven en paralelo. Son escenas dentro de escenas: algunas parecen descartadas; otras son vecinas; algunas tienen buena iluminación, y algunas, en la penumbra, tienen la dudosa luz de la incertidumbre.

Todo empezó con una obra que formó parte de la primera exposición de La Capella. Entonces se incorporó otra que cuestionaba el hecho de un inicio. Eso dio pie a otra obra que ofrecía claves para poder seguir… Las obras se fueron encabalgando, y los movimientos generaban su propio ritmo interno… Sobre la marcha, sin haber fijado un rumbo, obras y artistas de distintas generaciones y procedencias, y con distintas intenciones, fueron entrando en escena.

Las escenas. 25 años después responde a una voluntad de hacer y deshacer según un presente inmediato. Un tiempo presente que entrelaza el pasado y el futuro de La Capella, que son también los del arte contemporáneo y emergente en nuestra ciudad. 

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Del 23 al 25 de enero entre el CA2M y La Casa Encendida

Acento es un festival vinculado a Artistas en residencia, la convocatoria compartida por La Casa Encendida y el CA2M cuyo fin es apoyar la creación y la investigación centradas en el cuerpo desde lo performativo. 

Durante tres jornadas se realizarán presentaciones de algunos de los proyectos llevados a cabo durante las estancias de 2018 y se generará un espacio de encuentro con los artistas del 2019. En estos días ambas instituciones quieren poner el acento en la reflexión que parte de la propia investigación artística a través del cuerpo, entendiendo este como cuerpo social, como una construcción política productora de saberes desde lo sensible. 

Los artistas seleccionados en 2018 fueron: María Salgado y Fran MM Cabeza de Vaca; Esther Rodríguez-Barbero; David Benito, Irene Cantero y Víctor Colmenero; Javier Marquerie Thomas; Oihana Altube y Javier Vaquero; Twins Experiment y Aniara Rodado y Óscar Martín. Además, Agua de borrajas, junto con las residentes de Acento, han producido una publicación que se unirá al final de los tres días de la muestra. Cada parte se presentará con su pieza y juntas conformarán Manual de instrucciones que quiere proponer probar el cuerpo de las acciones en casa.

Agua de borrajas es un proyecto editorial que parte del Departamento de Educación de CA2M junto con la imprenta Roma.

_Programación_

_23 de enero

>Guided Tour” de Esther Rodríguez Barbero.

>Notación y transmisión del movimiento de una Ruda” de Aniara Rodado.

>”Extraoceanic” de Javier Marquerie Thomas.

24 enero

>Rojo pandereta” de Oihana Altube y Javier Vaquero Bueno.

25 de enero_

>everlasting softness” de Twins Experiment.

 

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Del 22 de enero al 9 de febrero en Barcelona

>Programación escénica

>Programación expandida

>salmon-dance.com

Cada cuerpo, con sus maravillosas singularidades, es una puerta abierta al conocimiento del mundo. Nuestros cuerpos vivos y vivientes son fuente de experiencias ilimitadas: gracias a que tenemos un cuerpo nos pasan cosas. Y gracias a que nos pasan cosas somos capaces de entender, percibir, intuir, imaginar y, en definitiva, conocer. Por eso quizás, cada vez se hace más difícil y absurdo distinguir y separar el saber del hacer. 

¿Y si nos atrevemos a bajar barreras y a dejar que los fenómenos del mundo migren libremente? 

¿Y si dejamos de tratar las prácticas artísticas como un hecho aislado y cerrado sobre sí mismo, y reconocemos su poder de crear realidad? 

¿Y si reconocemos que el sentido último de la creación es producir experiencia, y por tanto, conocimiento? 

El Festival SÂLMON<, en esta nueva etapa, está concebido como una celebración del cuerpo como lugar de aprendizaje y fuente de conocimiento. Más allá de las disciplinas y los géneros, más allá de las aulas, los teatros y los museus, más allá de los estilos, las escuelas y la historia, las artes vivas son experiència, es decir: son una oportunidad de ampliar los límites de lo que conocemos. 

Por eso, si la cuestión de la que nos vamos a ocupar es la fascinante labor de aprender, no tiene sentido restringir este festival a la exhibición convencional de obras escénicas. Entre otras cosas porque eso, nos condena a ser merxs consumidorxs de cultura, o lo que es lo mismo, de entretenimiento más o menos sofisticado. El conocimiento solo es posible como resultado de una colaboración entre personas que deciden compartir un tiempo y un espacio. Por eso, lo que Salmon reclama de vosotrxs es complicidad. 

Sois mucho más que merxs receptores de espectáculos. Vuestros cuerpos, vuestras capacidades de pensar, sentir, hacer, imaginar y entender son el corazón de este festival. Queremos que el SÂLMON< sea una oportunidad de aprender y de generar conocimiento libremente entre personas. Por eso, nos gustaría presentar aquí las propuestas de lxs artistas como invitaciones a poner en juego vuestros cuerpos, con todas sus habilidades e incertidumbres, con todas sus sensibilidades y fascinantes especificidades. En definitiva, lo que deseamos es que todo lo que nos suceda mientras permanezcamos juntxs participando de todo lo que hemos preparado, amplíe nuestra imaginación de lo que es posible.

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De Rimini Protokoll, del 19 de enero al 1 de febrero en los Teatros del Canal 

Un periodista cultural de The Guardian dijo, después de vivir Situation Rooms, que no estaba seguro de cómo categorizar una experiencia tan impresionante. Es teatro inmersivo, donde los espectadores son a la vez actores, donde las fronteras entre lo individual y lo colectivo se difuminan y se consume periodismo, política y economía global en tiempo real.

Situémonos. El colectivo alemán Rimini Protokoll, fundado en los años noventa del siglo pasado por Helgard Haug, Stefan Kaegi y Daniel Wetzel, lleva desde entonces estirando los límites de lo teatral experimentando con el verbatim theatre, el teatro documento, el site specific, el teatro inmersivo, el teatro itinerante y la tecnología aplicada al viejo arte de contar historias. En definitiva, llevan décadas a vueltas con la relación entre realidad y ficción, intentando quebrar el complejo entramado de nuestra realidad y mostrarlo en sus distintas facetas para poder cuestionarlo.

En este caso, la guerra y su herramienta principal, las armas, son el detonante de Situation Rooms, una videopieza para múltiples “jugadores”, porque es casi como un videojuego que se vive de forma individual, pero en relación con el resto de espectadores. El público accede en grupos de 20 personas, cada uno con unos auriculares y una tablet en la mano. Y cada uno vivirá la experiencia de otras 10 personas a través de los vídeos previamente grabados que se ven en las tablets, biografías de distintos lugares del mundo relacionadas de una u otra forma con las guerras. Cada espectador vive la historia de “sus” personajes, interactuando en un espacio laberíntico con los otros actores/ personajes, solapándose distintos planos de realidad y ficción en una vivencia absorbente que te saca completamente de tu vida durante más de una hora. Pura empatía.

IMPORTANTE DE CARA A LA COMPRA DE ENTRADAS

El diseño de esta videopieza requiere la participación de un total de 20 personas. Por esta razón, a la hora de adquirir las localidades, os pediremos vuestros datos de contacto para poder confirmar vuestra asistencia.

Habrá cuatro pases al día: 12h, 16h, 18h y 20h.

Recomendado para mayores de 16 años.

 

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Juan Navarro junto a Chico Trópico, Cristian Wise, Mónica Carvallo, Ferdy Esparza, Juan Loriente, Semolina Tomic, Gonzalo Cunill, entre otros.

Más información: http://www.aytoburgos.es/cultura/ciclos-teatro-musica-danza/festival-escena-abierta/festival-escena-abierta-burgos-2019

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