— MuroTRON

Festival Dansa València, del 9 al 14 de abril, con las actuaciones de Alberto Cortés, Poliana Lima y Núria Guiu, entre otros.

Dansa València emprendió su andadura en 1988 y desde entonces ha sido un referente de la danza contemporánea en España. En Fes Cultura, el plan estratégico cultural de la Conselleria d’Educació, Investigacio, Cultura i Esports, contemplamos la recuperación de este festival como una de las medidas estratégicas. Después de recuperar su formato original en 2017, l’Institut Valencià de Cultura le da un nuevo impulso al festival en el inicio de su tercera década de existencia.

La XXXII edición, que se celebrará del 9 al 14 de abril de 2019 en varios espacios de la ciudad, emerge impulsando la actualidad de la danza tanto nacional como valenciana. En esta edición, con el lema ‘Sona Dansa’, la música y el sonido se convierten en el eje temático de una intensa semana que ofrecerá algunos de los espectáculos más destacados del panorama actual de la danza.

Se trata, sin duda, de un acontecimiento que propiciará el encuentro entre creadoras, creadores y profesionales de todo el mundo, para el que proponemos una programación pensada para todas y todos, que sea una celebración pero, al mismo tiempo, una oportunidad para la reflexión y la transformación colectiva. Y, muy especialmente, que permita a un público intergeneracional  acercarse y disfrutar de la danza, de sus múltiples formatos y de sus diversas miradas.

CATÁLOGO ONLINE

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>Programación completa

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Ania Nowak amb Max Göran
Dijous 11 d’abril, 20h a La Capella 

Treball de performance que se centra en formes no familiars de practicar la cura en el marc dels sistemes emocionals i polítics existents. Ens acostem als ritmes de tendresa i ràbia en el capitalisme tardà usant el tacte, el llenguatge i el petó com a mitjans de comunicació.

Activitat inclosa dins de l’Escena 4 de
Les escenes: 25 anys després

 

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Jorge Dutor, Cris Blanco y Guillem Mont de Palol

6 (18h) y 7 (12h) de abril en el Mercat de les Flors

Estás en un lugar, no sabes cómo es y no hay muchas pistas para descubrirlo:
tres telas, goma espuma y unos palos. Suena el timbre. Entra el naranja.

Cuidado con el perro. A mitad de la función cae el principio del espectáculo del techo: mira eso. Saldré. Suena el timbre. Fuera parece que llueve.
¿Cantamos la canción?
Un juego de mentiras, de acciones mínimas, de mini espectáculos.

El encuentro de estos tres creadores, Jorge Dutor, Cris Blanco y Guillem Mont de Palol, ha dado lugar a la realización de una obra para todos los públicos. Hacer de lo real una ficción y de lo ficticio una realidad, convertirse en casi cualquier cosa y cruzar dimensiones espacio temporales.

Lo mínimo es un espacio de extrañezas atravesado por el humor, un lugar en el sublimar lo cotidiano, el pequeño y el mínimo.

Cris Blanco desarrolla proyectos escénicos desde 2003 y trabaja en performance, música, teatro y cine; la mezcla de géneros escénicos, los trucos a la vista, cambiar el significado de signos y objetos, la ciencia y la ficción tienen que ver con su trabajo. Guillem Mont de Palol y Jorge Dutor colaboran juntos desde 2008 y han realizado numerosas piezas, una muestra de las cuales las hemos visto en el Mercat en la constelación que les hemos dedicado. Trabajan sobre el lenguaje, lo absurdo y lo cotidiano.

Creación e interpretación Jorge Dutor, Guillem Mont de Palol, Cris Blanco / Diseño sonidoCarlos Parra / Diseño luces Jorge Dutor y Marco Mattarucchi / Espacio y objetos Jorge Dutor, Guillem Mont de Palol, Cris Blanco / Dioramas Oriol Corral / Producción y managementElclimamola / Imágenes teaser video Luis Urcúlo
Coproducción Mercat de les Flors, Teatros del Canal de Madrid, le Phénix scène nationale Pôle européen de création à Valenciennes /coopération internationale, La Pedrera-Barcelona / Con la colaboración  Escuela Municipal de teatro de Madrid y la Den Danske Scenekunstskole en Copenhague / Con el apoyo Departament de Cultura- Generalitat de Catalunya.

>Más info y entradas

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Israel Galván. Una tirada de dados… Biblioteca de la Universidad de Lovaina. Playground 2016. Foto © Joeri Thiry / Stuk

 

Israel Galván, Pedro G. Romero y Filiep Tacq

Sábado 6 de abril, 2019 – 19:00 h / Edificio Nouvel, Biblioteca y Centro de Documentación

Entrada gratuita previa retirada de entradas en las taquillas y web del Museo a partir del 5 de abril. Máximo 2 por persona.

 

Los pícaros romanos

La túnica del Señor

Se la jugaron a los dados

Latines nos dejaron

Romanas, leyes y caminos,

Los soldados romanos.

Saeta Cuartelera de Puente Genil

 

El Museo Reina Sofía presenta, en el espacio de la Biblioteca y Centro de Documentación, Una tirada de dados…una conversación a tres bandas y en dos partes entre el bailaor Israel Galván, el artista Pedro G. Romero y el diseñador gráfico Filiep Tacq.

Una tirada de dados… responde a la invitación por parte de Filiep Tacq y de Pedro G. Romero a Israel Galván para “traducir a danza” el conocido poema de Stéphane Mallarmé (1842-1898) Un coup de dés jamais n’abolira le hasard [Una tirada de dados jamás abolirá el azar] publicado como libro por la editorial Gallimard en 1914, tras la muerte del poeta. En él, Mallarmé alteraba las convenciones tipográficas fijadas por los márgenes de la página para desbordarlos imaginando nuevas disposiciones gráficas y rítmicas, en un intento de convocar la poesía más allá del espacio textual. En 1969, Marcel Broodthaers (1924-1976) con un ánimo afín realizó una reinterpretación de este poema traduciendo las palabras a franjas negras de distintos grosores sobre el blanco del papel, de modo que lo escrito deviene pura imagen y ritmo. Este diálogo entre el impacto del poema original y la intervención posterior del artista belga sirve de premisa para la pieza que se presenta.

La conversación comienza con Filiep Tacq, que propone una mirada hacia cómo Marcel Broodthaers produjo sus libros de artista teniendo en cuenta el interior de estos, su construcción formal y su articulación al sostenerse entre las manos, y Pedro G. Romero, que continúa y establece un vínculo entre el desbordamiento de la página operado por Mallarmé y la posterior intervención realizada por Broodthaers al tachar con manchas negras las palabras del poeta francés, generando una serie de ritmos, casi musicales, que entran en diálogo con el baile flamenco. A este intercambio se incorpora la danza de Galván en una traducción rítmica y corpórea, rebasando el soporte literal de la página, en este caso el tablao flamenco, para expandirlo al espacio de estudio, lectura y búsqueda que es la biblioteca. La biblioteca se convierte así en el lugar donde las páginas de Mallarmé y Broodthaers se tocan a través del baile de Galván.

Así, en palabras del propio Pedro G. Romero: Se considera a Stéphane Mallarmé como el poeta que inventa el espacio del arte moderno, al liberar por primera vez al poema –la escritura– de la rigidez de los márgenes de la página, dejando planear las palabras sobre la página con una pauta abierta, si acaso una pauta musical, contemporánea al nacimiento de la cinematografía. Al mismo tiempo, rompe con el orden de la lectura lineal, aumentando así el nivel de abstracción, proponiendo nuevas interrelaciones entre frases y palabras y devolviendo al lenguaje una autonomía que va más allá, incluso, de las intenciones del autor, el contexto social y las condiciones de su época.

Marcel Broodthaers (MB), con su lectura del paso, da un paso mas allá. Su operación consiste en tapar todas las líneas de texto con barras o rectángulos negros, haciendo ilegible el texto, reduciéndolo a una imagen, una construcción de llenos y vacíos. Un ritmo de barras negras paralelas, como una partitura musical pero también como una arquitectura constructivista pero también como un film abstracto pero también como un archivo censurado pero también como un impreso cibernético pero también… MB imprime en la cubierta su nombre en el lugar del nombre de Mallarmé y cambia la palabra “poem” (poesía) por “image” (imagen).

En el trabajo del bailaor flamenco Israel Galván están el silencio y el movimiento en suspensión; las cesuras musicales; los gestos precisos e irreconocibles a la vez; el siseo; la música interna; la continua exposición y ocultamiento del cuerpo y sus partes; los chasquidos de la lengua; la fragmentación, continuamente reordenada, de secuencias; el fraseo tartamudo; los sonidos que escapan de la cabeza, la boca, los dedos, el torso, los pies; el acontecimiento convertido en texto.

No es solo casualidad que un bailaor como Israel Galván pueda emparentarse con formas de hacer que recorren el mismo camino desde Mallarmé a Broodthaers. Al menos podremos señalar tres tradiciones que han concurrido para imprimir al flamenco este carácter. Por un lado, la relación de algunos poetas “flamencos” con el propio Mallarmé, especialmente Antonio Machado y su heterónimo Juan de Mairena; por otro, la temprana relación del baile con el cinematógrafo, con el que convivía en el espacio de variedades, y la mímesis de sus formas en el desarrollo artístico del género; finalmente, la relación del bailaor Vicente Escudero con las vanguardias cubista y dadaísta desde las que inventó las tradiciones más radicales, “primitivas” y auténticas del propio baile flamenco”.

Una tirada de dados… fue gestada en 2017 en el marco del proyecto El libro por venir, iniciado por la oficina de arte y conocimiento Bulegoa z/b (Bilbao) en 2015, en torno a la performatividad del libro de artista y que tiene como punto de partida cinco libros de Marcel Broodthaers. Hasta el momento, se ha mostrado en el marco del Festival Playground en Lovaina (Bélgica) y en el Festival Escenas do Cambio en Cidade da Cultura (Santiago de Compostela).

 

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Antonio Menchen en Bulegoa z/b

Inauguración: miércoles 3 de abril, 19:30.
Abierta del 3 al 12 de abril.
Lunes a viernes de 11:00 a 14:00 y 16:00 a 19:00.
Sábado de 11:00 a 14:00.

Inauguración de la exposición de Antonio Menchen al cierre de su residencia en Bulegoa z/b. Su propuesta negro fondo ultraterreno fue seleccionada junto a Espigadoras / Gleaners de Claudia Pagès en la convocatoria de residencias de 2018. El jurado estuvo compuesto por José Ramón Ais (artista), Beatriz Herráez (historiadora del arte y comisaria y actual directora del Museo-Centro Vasco de Arte Artium) y las integrantes de Bulegoa z/b.

negro fondo ultraterreno
Un objeto, una historia a la que se le dibuja un contorno temporal, a la que se intenta delimitar la sombra que aún proyecta. Así, desde su interior, poner en juego elementos, ejemplos, cosas distintas que confluyen, se solapan o reescriben para desembocar en una experiencia de una simple relación de semejanza entre no iguales.

negro fondo ultraterreno supone la continuación de un trabajo, de un hacer, que piensa un tránsito de la imagen; de un mundo mecánico a otro digital y cómo este paso actúa sobre un procedimiento, cómo afecta a un saber o recurso. Un agujero desde el que todavía asoman siluetas, papeles o voces que transfieren una experiencia, una realidad aún perceptible de un pasado analgésico, mítico, espectral.

Cambia así la forma en que consideramos el material, en tanto por acumulación y conversión, en tanto que necesidad y hábito. A partir de un archivo de imágenes en continua construcción, en continua edición, trataremos de ocupar ese marco para pensar en revertir la cancelación de lo proyectado, de lo aún posible, de lo imaginado para traer a la memoria la conformación de una predicción.

Antonio Menchen (Toledo, 1983), terminó sus estudios de Bellas Artes en Madrid en 2007, fue estudiante visitante del departamento de cine de la Akademie der Bildenden Künste Wien (Viena, 2012-2013) y realizó el máster en Aural and Visual Cultures en el Goldsmiths College, (Londres, 2013-2014), junto con los tutores Mark Fisher y Kodwo Eshun. Ha participado de las exposiciones Distancias elásticas (Centro Párraga, Murcia 2019); Querer parecer noche (CA2M, Móstoles, 2018); Circuitos 2017 (Sala de Arte Joven, Madrid; Sala Borrón, Oviedo; Laboral, Gijón, 2017–2018); Alimentación 30. Archivo 2014-2015 (Espacio Cruce, Madrid, 2015); 10 VC (The Showroom, Londres, 2015); MUMOK Kino(Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig, Viena 2013); Rundgang (Akademie der Bildenden Künste Wien, Viena, 2012) o Sala de lectura(Espacio F, Madrid, 2005). Programó junto a Raúl Liarte el ciclo de cine Uno casualmente se acerca, siente algo y se queda (CA2M, Móstoles, 2016) y dirigió junto a Paulina Chamorro el programa de voz y performance El imitador de voces (Teatro Pradillo, Madrid, 2016).

 

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Del 27 al 30 de marzo en el Mercat de les Flors

Con Achterland quería volver a un lenguaje de danza pura, un lenguaje que se relacionara con la música virtuosa de Ligeti y Ysaÿe. La presencia de los músicos en el escenario permite una relación aún más estrecha entre la música y la coreografía.» Anne Teresa De Keersmaeker

Rosas presenta Achterland, coreografía capital en la obra de Anne Teresa De Keersmaeker de 1990 e interpretada por última vez en 1998. Con esta obra la coreógrafa, por primera vez, da a los músicos una posición central y activa en el escenario, y la inusual combinación de las composiciones de György Ligeti y Eugène Ysaÿe inspiró a De Keersmaeker y sus bailarines en la creación de una obra con un equilibrio delicado entre el virtuosismo enérgico y la desaceleración. También por primera vez la coreógrafa incorpora hombres a una compañía hasta entonces formada sólo por mujeres.

Anne Teresa De Keersmaeker fundó la compañía Rosas en 1983 y se ha involucrado en una rigurosa exploración y articulación del movimiento. La relación entre movimiento y música es esencial para el concepto de danza de la coreógrafa. La compañía ha extendido el arte de la danza como un acto de escribir movimientos en el tiempo y el espacio, explorando la coreografía en relación a la música, la geometría, las artes visuales o el lenguaje.

Aunque el Mercat ha programado numerosas piezas de Rosas en diferentes ocasiones, ahora presenta Achterland como oportunidad única de disfrutar de esta obra de referencia que ha girado por el mundo durante 8 años y que aún no habíamos podido ver en Barcelona.

Coreografía Anne Teresa De Keersmaeker / Puesta en escena Jean Luc Ducourt / Bailarines Laura Bachman, Anika Edström Kawaji, Frank Gizycki, Robin Haghi, Yuika Hashimoto, Laura Maria Poletti, Soa Ratsifandrihana, Luka Švajda / Música – György Ligeti, 8 Etudes for solo piano; – Eugène Ysaÿe, Sonatas 1, 3 & 4 for solo violin Músicos Piano: Joonas Ahonen, Violín: Juan María Braceras / Escenografía Herman Sorgeloos / Diseño iluminación Jean Luc Ducourt / Vestuario Ann Weckx / Directora ensayos Fumiyo Ikeda / Asistentes para el revival Nordine Benchorf, Johanne Saunier, Fumiyo Ikeda, Vincent Dunoyer / Coordinación artística y planificación Anne Van Aerschot / Director técnico Joris De Bolle / Sonido Alexandre Fostier / Coordinadora vestuario Heide Vanderieck / Costura Charles Gysèle / Armario Emma Zune / Técnicos Jonathan Maes, Quentin Maes, Sari-Lynn Kerkhofs, Arno Truyens / Agradecimientos especiales Bruce Campbell
Producción Rosas / Coproducción 1990 De Munt; La Monnaie (Bruselas), Stichting Van Gogh 1990, Rotterdamse Schouwburg, Théâtre de la Ville (Paris)
Rosas recibe el apoyo de la Comunidad Flamenca y BNP Paribas Foundation.

>Viernes a las 18h, visionado comentado a cargo de Óscar Dasí de películas en torno a Rosas.

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Del 29 al 31 de marzo en Naves Matadero

María Jerez, una de las artistas contemporáneas españolas más innovadoras y, por lo tanto, necesarias, desarrolla su trabajo artístico entre el arte en vivo, el cine, la coreografía, la arquitectura y las artes visuales. Por eso, es habitual ver su obra en los festivales y espacios internacionales de creación y exhibición contemporánea como Tanzfabrik (Berlin), Fondation Cartier pour l’Art Contemporain (Paris), Humain Trop Humain CDN (Montpellier) o el Southbank Centre, (Londres) y en los españoles MACBA, Mercat de les Flors, Festival Salmon, Tabakalera o Veranos de la Villa, entre otros muchos.

Desde 2004, ha creado piezas que exploran la relación con el espectador como el espacio donde los modos de representación se ponen en crisis. Desde El Caso del Espectador a sus últimas piezas Blob y Yabba esta relación ha mutado de un lugar de “entendimiento” de las convenciones teatrales y cinematográficas, a la pérdida intencional de referencias donde la artista, la pieza y el espectador se comportan entre ellos como extraños.

A partir de 2010 compagina la creación artística con la organización de Living Room Festival (Madrid) junto a Juan Domínguez, Luis Úrculo y Cuqui Jerez; el comisariado de PICNIC SESSIONS 2017 en CA2M de Móstoles y la docencia en el Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual  UCLM.

Gracias a la iniciativa Terreno Común, de la fundación Siemens Stiftung en co-producción con Naves Matadero que proporciona un espacio de trabajo para que artistas latinoamericanos confronten e intercambien perspectivas con artistas locales, durante el proceso de creación de la pieza The Stain,  María Jerez ha invitado a un carpintero, a un músico, a un pintor, a un panadero y a un diseñador de luces a trabajar con ella y ha puesto a convivir cosas que no están destinadas a estar juntas. Un espacio donde desaparecen las clasificaciones firmes de la modernidad, que tienden a separar el conocimiento en campos segregados. Un espacio inestable donde entidades de diferentes naturalezas coexisten y coevolucionan en una coreografía de constantes encuentros con la otredadThe Stain es parte del proyecto de investigación La paradoja con los pelos mezclados.

La construcción de esta coreografía inestable, se centra en la idea de diseminación, colonización, invasión, coevolución y convivencia como un marco de pensamiento desde el cual relacionar “cuerpos” o fragmentos de “cuerpos” que no están pensados para estar juntos. Entendiendo “cuerpos” como objetos, personas, textos, sonidos, materias, colores, atmósferas, espacios, tiempo, espectadores, artistas … La relación establecida entre estos “cuerpos” dispares no se basa en una relación “inteligente” que busca coherencia, sino por el contrario, busca la experiencia de un parentesco extraño.

Todas esas cosas extrañas, ajenas, pertenecientes al exterior, comienzan a entrar en lo conocido, en lo propio, en el interior, haciendo que lo que conocido deje de serlo. Insistiendo, a su vez, en trabajar la diferencia dentro de la diferencia, distinguiendo la diferencia de la identidad; es decir, no en la idea de identificación, sino en la idea de la diferencia que coloca al “otro” dentro de uno mismo, permaneciendo así siempre en el terreno de lo desconocido.

María Jerez reflexiona sobre su pieza The Stain: “Cuerpos que entran en otros cuerpos, esta mañana, cuerpos que no están pensados para estar juntos, estuve en la radio, seres de diferente naturaleza que cohabitan en un mismo espacio y me pregunté, coexistencia de la diferencia que crea fricción entre las distintas materias, si en la cocina de la persona que escucha la radio, cuerpos dentro de cuerpos, habría, trozos de cuerpos que salen de cuerpos, una planta, lógicas fuera de contexto, dicen, presencias fuera de lugar, que cuando, espacios invadidos por otras sustancias, las plantas, espacios de negociación, escuchan frecuencias bajas, espacios fronterizos, éstas, espacios de co-evolución, favorecen la germinación, espacios de cocción, el crecimiento, espacios de indiferencia y la salud de las raíces. Las altas, por el contrario, parecen tener un efecto inhibidor”.

Ficha artística

Una pieza de: María Jerez
En colaboración con: Óscar Bueno, Anto Rodríguez, Javier Cruz, Carlos Granados, Javier Mansilla, Antonio Peñuelas, Gilles Gentner, Arantxa Martínez y Andrea Spaziani, entre otros
Co-producción: Buda Kunstencentrum (Kortrijk), Tanzfabrik Berlin y Terreno Común, una iniciativa de la Siemens Stiftung Foundation en co-producción con Naves Matadero – Centro Internacional de Artes Vivas
Con el apoyo de: NAVE (Santiago de Chile)
Proyecto financiado por: Apap-performing Europe 2020
Con la ayuda de: “Creative Europe” – Programa de la Unión Europea
Estrenada en febrero de 2019, Buda Kunstencentrum, The end of winter festival de Bélgica

ESTRENO EN ESPAÑA

Colabora
Siemens Stiftung
Creative Europe Programme
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Jan Lauwers / Needcompany

28 y 29 de marzo de 2019 en Teatros del Canal

Uno de los espectáculos más aplaudidos durante la pasada temporada en los Teatros del Canal fue, sin duda,The blind poet, así que volver a tener a Jan Lauwers con la Needcompany este año con nosotros nos colma de satisfacción, sobre todo sabiendo que viene con una pieza basada en la epopeya de Stefan Hertmans, todo un fenómeno editorial que se ha traducido ya a 24 lenguas y  en el que el propio Lauwers –amigo personal de Hertmans– encontró una historia muy cercana a su propia vida.

Alabada por la crítica literaria en todo el mundo, War and Turpentine (2013) parte de unos cuadernos que encontró el propio autor donde su abuelo, que era copista y quiso dedicarse a las bellas artes, cuenta su experiencia en la Primera Guerra Mundial. El abuelo de Lauwers también fue copista y también luchó en la primera gran contienda europea del siglo XX, pero en su caso, el tema era un tabú intocable para la familia. Vuelve así Lauwers, tras el éxito de La habitación de Isabella (2004), a contar Europa a partir de la historia de una familia. Entonces fue la suya; ahora, la de Hertmans.

La alteración principal de la novela en la pieza teatral es el cambio en la narración, que es en primera persona y en la voz de una mujer, interpretada por la fantástica Viviane De Muynck, habitual en los montajes de Lauwers. Pero como vimos en The blind poet, también hay danza y música en escena. “Es una performance muy física”, explica el creador belga, “incluso en algún momento se llega a situaciones incómodas, a una sintaxis del cuerpo y la violencia”. Un espectáculo lleno de riesgos, sin duda, pero nada firmado por Jan Lauwers está exento de riesgos. Y, como espectador, se agradece, aunque te rompa los esquemas… o precisamente por ello.

>Programa de mano

 

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Annika Pannitto y Julián Pacomio

DT Espacio escénico, 28, 29 y 30 de marzo a las 20.30

The third table es un objeto coreográfico, cuyo propósito, es exceder cualquier significado específico. Un objeto, existente, autónomo, como “algo” en sí mismo. El proyecto pone el acento sobre la performance como un encuentro entre la obra y el público, jugando con la pluralidad de significados y experiencias que se generan durante un encuentro en vivo, donde todos los puntos de vista son reales y verdaderos.

Idea: Annika Pannitto
Creacion y danza: Annika Pannitto y Julián Pacomio
Diseño de Luz: Victor Colmenero Mir

Gracias a: Ca La Praga y DT Espacio Escenico
Y a Susanne, Paula, Blanca, Angela por sus preciosas observaciones.

>Entrevista a Julián Pacomio y Annika Pannitto

>Entradas

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