— MuroTRON

SALA DE ARMAS DE LA CIUDADELA. 18 de abril, a las 12:00, 17:30 y 19:00AT AT AT: PROGRAMA DE ARTES VIVAS EN CIUDADELA.

En esta segunda edición, el programa constará de tres propuestas artísticas que se llevarán a cabo en la Sala de Armas de la Ciudadela, bajo la dirección artística de la artista y curadora Maia Villot de Diego.

AT AT AT es un ciclo de performance, un encuentro en el cual os invitamos a pasar una jornada en la Ciudadela, donde podremos ver tres piezas, Fasting Girls de Marta Azparren; saturbo- barra-bás de dpvillanueva en colaboración con Oihana Vesga y Apuntes para una investigación Julay: cancioneros, travestis, vedetes y otras ancestras de Anto Rodríguez.

Tres trabajos que hablan de cuerpos: cuerpos que desaparecen, cuerpos que bailan, cuerpos que hablan, cuerpos que cantan; cuerpos que aparecen, se hacen presentes, se nombran, se recuerdan y se invocan.

12h. Fasting Girls de Marta Azparren. 

17.30h. saturbo-barra-bás de dpvillanueva. 

19h. Apuntes para una investigación Julay: cancioneros, travestis, vedetes y otras ancestras de Anto Rodríguez. 

Más información (entrada libre).

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11 de abril en la Fundació Joan Miró de Barcelona

El primer encuentro del programa de mediación performativa será la ocasión para inaugurar la grada y plataforma creadas por La Cuarta Piel y de descubrir varias piezas sonoras: una pieza que quedará disponible en el espacio y dos obras presentadas únicamente ese día.

En conjunto esta primera sesión está pensada como un calentamiento. Las obras hablan de cómo arrancar y de cómo permanecer en los albores de la búsqueda, insistiendo, repitiendo e inventando sistemas para ponerse en disposición de crear.

La pieza sonora que permanecerá en las salas de exposición es de Silvia Zayas, una artista que trabaja meticulosamente el sonido para que sea somático y se adentre en el cuerpo. Una infiltración colectiva de cine son unas piezas de audio creadas para producir imágenes mentales individual y colectivamente. Es una especie de calentamiento del cuerpo con resultados en la imaginación. Los audios combinan con humor el formato de la meditación guiada, el entrenamiento físico, la voz y la sucesión rápida de flashes narrativos para que se abran paso imágenes que se infiltran de repente como fantasmas o visiones.

Instalada por un día en el espacio estará Til I get it right (2005) de Ceal Floyer. La obra consiste en un bucle sonoro construido a partir de la canción del mismo título interpretada por Tammy Wynette. Floyer extrae únicamente dos fragmentos y suprime de la canción original la alusión al amor. Esta operación crea una banda sonora repetitiva, donde el sentido romántico desaparece y se transforma en una pieza meditativa sobre la perseverancia y el deseo. El resultado es una sensación agridulce de encantamiento.

Por último, se podrán escuchar los primeros minutos de Calentamiento, la última producción de la coreógrafa Rocío Molina. En ellos explica que antes de empezar con el calentamiento hará un calentamiento previo al calentamiento, para empezar a calentarse antes de empezar. Se trata de lo que en flamenco se conoce como una “tabla de pies” durante la cual afirma “yo no voy a dejar de empezar nunca”; una estrategia para no terminar jamás.

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Consulta el ciclo Un ensayo permanente.

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Laura Llaneli – 18 de abril en el Museu Tàpies 

Con Murmullo mudo, Laura Llaneli sitúa el sonido en un espacio de posibilidad inesperada. A través de una acción mínima pero sostenida, la artista desplaza la escucha hacia el terreno de la imaginación y nos invita a considerar hasta qué punto un sonido puede existir sin llegar a sonar. En un contexto cultural fuertemente dominado por la visualidad, esta propuesta de escucha imaginada se plantea como una práctica capaz de alterar, aunque sea provisionalmente, el frenesí perceptivo que atraviesa la vida contemporánea.

Fruto de una investigación continuada en torno a la percepción y la transmisión sonora, la performance adopta la forma de una partitura sin sonidos, abierta a la resonancia singular y a la vez colectiva de cada espectadorx. Entre la evocación de los sonidos que configuran la cotidianidad institucional del museo, los del tejido urbano y los de los entornos naturales, emergen fricciones y expectativas que a menudo quedan en un segundo plano, pero que modelan de forma decisiva nuestra experiencia sensible.

De este modo, la terraza del museo se vuelve especialmente permeable a estas tensiones. Situada al mismo tiempo dentro y fuera de la institución, en un lugar aparentemente resguardado pero expuesto a los ruidos cambiantes de la ciudad que se filtran en él, se configura como un escenario privilegiado para una escucha atenta de los murmullos (mudos) que a menudo pasan inadvertidos y que, sin estridencias, modelan sutilmente nuestra percepción colectiva.

Actividad realizada en el marco de la edición 2026 del ciclo “Seguint el sol” del Museu Tàpies, que porta per títol “Destapar la mirada” i està comissariat per Carolina Ciuti.

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La obra de Laura Llaneli (Granada, 1986) explora la relación entre la producción sonora y la experiencia, el lenguaje y las prácticas de las artes visuales contemporáneas. Sus trabajos hacen hincapié en el impacto de las variaciones sobre patrones y estructuras estables en determinados productos culturales; al mismo tiempo, ponen a prueba la resistencia del lenguaje como código y del sonido como icono social.

Llaneli está representada por ADN Galeria y, entre sus premios, destacan Art for Change 2019, el Premio Miquel Casablancas 2018 y el Premio Embarrat 2017. Ha realizado exposiciones individuales en espacios nacionales e internacionales, como el Centre de les Arts Lliures de la Fundació Joan Brossa (Barcelona), La Capella (Barcelona), Casal Solleric (Palma), ADN Galeria (Barcelona), Fundació Joan Miró (Barcelona), Casaplan (Valparaíso, Chile), Swinton&Grant (Madrid) y Art3 (Valence, Francia). También ha participado en exposiciones colectivas en Lo Pati (Amposta), The Clemente’s (Nueva York), el Palacio Condes de Gabia (Granada), el Centro Rafael Botí (Córdoba), Tecla Sala (L’Hospitalet de Llobregat) y la Casa de Velázquez (Madrid), entre otros. Ha presentado sus performances en festivales como Asistir 2022 (México), Signal Reload (Cerdeña), Intermediale (Polonia), Mixtur (Barcelona), POESIA i + (Caldes d’Estrac), CAAMsonora (Gran Canaria), LEM (Barcelona), Tsonami IX (Chile) y Eufònic (Terres de l’Ebre).

Actualmente vive y trabaja en Barcelona. Cursó estudios musicales y se diplomó en Diseño Gráfico. Es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona y tiene un máster en Arte Sonoro y un máster en formación del profesorado por la misma universidad.

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Carles Congost – 9 de abril en el Museu Tàpies 

Carles Congost nos presenta El gris se declina, una intervención performática que prioriza el papel del texto y del sonido. La notable influencia de los escritos de Antoni Tàpies se evoca a través de varias pistas musicales y sonoras elaboradas previamente por el artista.

Congost adopta el rol de DJ y convierte una sesión de clubbing en una performance de naturaleza híbrida y reflexiva. Hibridación que no solo se debe a les diversas formas de intervención sobre las pistas, sino que también se expresa en la variedad de procesos creativos que Congost emplea.

En ocasiones, Congost improvisa sobre bases instrumentales preexistentes, incorporando nuevos efectos y voces generadas por inteligencia artificial, con el objetivo de organizar los mensajes dentro de la economía particular del formato canción. Otras veces, recrea pasajes ambientales en los que el texto aparece de forma abstracta y sugerente.

Pese a las evidentes diferencias formales entre el trabajo de Congost y el de Tàpies, esta performance quiere subrayar las ideas esenciales compartidas que tienen que ver con el hecho creativo, y que merecen ser celebradas y puestas en común. Los textos de Tàpies que sirven como material de base para esta exploración resaltan la libre asociación de ideas como forma de operar válida. Congost reelabora y retuerce los textos originales, que nunca aparecen de forma literal, con el objetivo de evidenciar la transversalidad, la vigencia y la universalidad de las ideas del pintor Antoni Tàpies.

Actividad realizada en el marco de la tercera edición del ciclo “Las sillas de Tàpies“, comisariado por Judith Barnés.

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Carles Congost utiliza diferentes procedimientos visuales y sonoros, como el vídeo, la fotografía, el dibujo o la instalación, para construir relatos que reflexionan, de forma irónica y sensual, sobre la forja de la identidad, los hábitos de consumo y la propia creación artística.  En sus obras analiza los códigos de la cultura popular como vehículos de construcciones diferenciales y como formas hegemónicas de la subjetividad.

Ha participado en numerosas exposiciones, tanto nacionales como internacionales, como Music as a Foreign Language (Museu Es Baluard, Palma, 2023), ¿Para qué sirven las canciones? (La Casa Encendida, Madrid, 2020), A Sense of Wonder (Centre d’Art Contemporani Fabra i Coats, Barcelona, 2018), X Bienal de Nicaragua (2016), Manifesta 11 (Zúrich, 2016), The Real Royal Trip (PS1/MOMA, Nueva York, 2003), Popcorn Love (Espacio Uno – Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 2001) y Country Girls (Espai 13 – Fundació Miró, Barcelona, 2000), entre otros.

 

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Las Huecas – 24 d’abril al Teatre Municipal de Girona dins del festival Això al poble no li agradarà

Riure caníbal és una peça en què conflueixen la comèdia, el thriller de terror psicològic i la sàtira política. L’acció se situa en un escenari que esdevé una plausible i precària sala d’espera d’una convenció internacional de l’extrema dreta. En aquesta mena de no lloc, els personatges, sotmesos a les seves pròpies escenificacions, narracions i performativitats, es veuran conduïts al ridícul, al deliri i, finalment, a la seva pròpia autodestrucció.

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Chuso Ordi y BELA | 9 de abril a las 18:30h en La Capella de Barcelona

Esta actividad propone una nueva activación de Como un viejo enemigo a través de una intervención sonora y visual en directo de Kike Bela y Chuso Ordi. El trabajo de Bela, situado entre la composición instrumental y la investigación tímbrica, despliega una escritura basada en la tensión contenida, el gesto mínimo y la atención al sonido como materia. Su práctica, vinculada históricamente al tejido experimental de Barcelona, articula un diálogo entre lo orgánico y lo electrónico, donde el error deviene posibilidad y apertura. En este contexto, el dibujo se activa como acción, en continuidad con la práctica que articula la exposición.

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Jefta van Dinther – 25 y 26 de abril en el MACBA

El Mercat y el MACBA Museu d’Art Contemporani de Barcelona vuelven a colaborar para presentar en el espacio del museo esta pieza, en que diez bailarines interpretan una audaz y sencilla coreografía de cuerpo y voz. En el característico estilo interdisciplinario, que cataloga su extenso repertorio sobre el comportamiento humano y las ecologías relacionadas, Van Dinther analiza nuestro impulso a sentir una y otra vez y pone al descubierto la ilimitada capacidad mental y física del cuerpo. Unearth profundiza en el cuerpo como material, a la vez que expone las construcciones sociales y espirituales del parentesco, la finalidad y la mortalidad.

Jefta van Dinther (SE/DE) es coreógrafo y bailarín. Con un extenso repertorio, su trabajo se caracteriza por un enfoque físico rigoroso y siempre implica una investigación escénica del propio movimiento. El cuerpo en acción es el núcleo de la práctica, pero pertenece e interactúa con un cuerpo de luz, sonido y materiales. Las actuaciones de Van Dinther se sumergen en ámbitos metafísicos o de otro mundo y abordan nociones como la ilusión, lo visible y lo invisible, la sinestesia, la oscuridad, el trabajo, el sexo, lo insólito, el afecto, la voz y la imagen.

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Cherish Menzo – 24 y 25 de abril en el Mercat de les Flors 

En Darkmatter, Cherish Menzo y su compañero de escenario Camilo Mejía Cortés buscan formas de desligar sus cuerpos de la manera en la que son percibidos y de la realidad cotidiana en la que se mueven. Entre otras cosas, contemplan el cielo, la materia oscura y los agujeros negros que se encuentran y chocan entre sí para dar luz a un nuevo cuerpo (afro)futurista y enigmático. Darkmatter quiere acabar con la manera sesgada de observar el cuerpo propio y el de los otros, así como las historias que les atribuimos.

Nacida en los Países Bajos, Cherish Menzo ha trabajado con Lisbeth Gruwez, Jan Martens y Nicole Beutler y ha colaborado con artistas como Akram Khan, Ula Sickle, Olivier Dubois y Eszter Salamon. Su poderoso lenguaje de movimiento también se manifiesta en su propia obra. Cherish ha recibido diversos prestigiosos premios. Se interesa por la transformación del cuerpo y por la «encarnación» de diferentes imágenes físicas. Mediante la distorsión, la decadencia y la disonancia, intenta separar los cuerpos de las percepciones forzadas y de las realidades corporales cotidianas, subrayando la complejidad y la naturaleza contradictoria de les imágenes que parecen reconocibles a primera vista.

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Luz Arcas – La Pharmaco | Del 16 al 18 de abril en el Mercat de les Flors

Tierras raras es una obra sobre la corteza terrestre, donde residen los muertos del mundo, sus pertenencias, las ciudades sepultadas por los desastres naturales y que es la principal fuente del progreso tecnológico, suministro de nuestros esperanzadores y temerarios sueños prometeicos.  Tierras raras es una ceremonia tóxica, una danza alquímica en la que se transforma la materia, del óxido de cerio a la chispa de los mecheros, las pantallas táctiles y las turbinas impulsadas por el viento para la transición verde.

Luz Arcas es bailarina, coreógrafa y directora escénica. Funda la compañía La Phármaco en 2009. Recoge sus últimos trabajos en dos proyectos: Bekristen / Tríptico de la prosperidad (2019-2023), formado por las piezas La domesticaciónSomos la guerra y La buena obra, y el Ciclo de los milagros (2020-2022), compuesto por TonáTrilla y Mariana. Ha coreografiado para el Víctor Ullate Ballet, la Compañía Nacional de Danza de El Salvador, el IPCNA de Lima (Perú), el Teatro Real de Madrid (Rigoletto, 2023) y la FIL de Guadalajara, México (Bordo Poniente, 2024). Es autora del libro Pensé que bailar me salvaría (Continta me tienes, 2022). Entre otros muchos reconocimientos, Luz Arcas recibió el Premio Nacional de Danza en 2024.

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Els estunmen  de Nao Albet y Marcel Borràs | Del 15 de abril al 3 de mayo en el Teatre Lliure de Barcelona

Nao Albet y Marcel Borràs saltan a la ópera con una reflexión sobre el amor y la violencia a través de la figura de los especialistas de cine: los stunts. Una pieza con música del compositor Fernando Velázquez que trata de una figura fundamental de nuestro imaginario colectivo: el héroe.

Tras la trágica muerte de su hijo, la protagonista de Els Estunmen iniciará un viaje sin retorno. Un grupo de héroes le
proporcionará las claves necesarias para llevar a cabo su venganza.

Más información: Teatre Lliure

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