— MuroTRON

Lagartijas tiradas al sol – 28 de mayo en Azkuna Zentroa 

Comenzamos pensando en una región del mundo que desconocíamos, una que nos queda muy cerca y muy lejos a la vez. Viajamos, leímos, preguntamos y escuchamos. Sabíamos que queríamos hacer un libro para compartir lo que fuimos aprendiendo y una obra de teatro sobre nuestro encuentro con ese territorio.
Pero todo tomó un rumbo inesperado cuando conocimos a M—— y nos pidió que le hiciéramos un favor dentro del país que la vio nacer, en el que vivió siempre y al cual ahora no puede volver.

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Centroamérica es un proyecto de investigación artística sobre la región de América Central, es una obra de teatro y una publicación.

Buscamos aproximarnos a una región a la que México históricamente ha dado la espalda.
La publicación será el resultado de nuestro acercamiento a la historia de esta parte del continente y la puesta en escena un acercamiento al presente de la región, a través de nuestra experiencia allá.

America Central es una región de la que en México sabemos poco, no forma parte de nuestro imaginario, ni de nuestras fantasías. Un conjunto de siete países, una denominación, una intención poética, un estigma. Somos vecinos distantes, porque en México miramos al norte, siempre al norte.

Si México ha sido visto como patio trasero del Imperio ¿cómo vemos desde México a Centroamérica? Ese territorio que se encuentra capturado entre dos fronteras complicadas: por un lado el tapón del Darién, selva densa y cerrada en los límites de Colombia y Panamá; por el otro, los márgenes de Belice y Guatemala que, por la presión de EUA sobre México, han sido militarizados y se han vuelto un violento obstáculo para las personas migrantes.

Centroamérica es un espejo que más allá de mostrarnos un reflejo exacto, se ha convertido en una premonición. En el istmo ha habido y sigue habiendo medidas que ensayan el futuro, como si de un campo de experimentación se tratara: el canal de Panamá, las intervenciones de EUA, los campos bananeros, el Bitcoin, los sueños de revolución, las dictaduras que regresan una y otra vez, la zonas especiales para el desarrollo industrial y empresarial, las maras, los éxodos y migraciones.

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Durante muchos años nuestro trabajo ha intentado pensar la realidad. Nuestros proyectos han abordado la política como una forma de poner sobre la mesa ciertos temas que nos parecen fundamentales. Hemos querido que el teatro devenga en toma de conciencia y hemos confiado en que eso podría transformar la realidad. Pero este proyecto nos obligó a ensayar algo distinto.

Este proyecto es una tentativa de cerrar la brecha entre el arte y la vida.

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Gemma Polo Bosch – 20 de mayo en Santa Mònica 

Una conferencia performativa que habita el colapso entre lo digital y lo físico. Desde el gesto mínimo hasta la exposición total, la pieza interroga cómo es la realidad que construimos en tiempos de scroll infinito.

A medio camino entre el manifiesto y el delirio, la pieza se activa como un directo de TikTok, un ritual de exposición mediática que juega con la ironía, la vulnerabilidad y el hastío. En escena, una única performer comparte un espacio híbrido en el que cuerpo, voz y avatar se confunden.

Esta investigación nace como un ejercicio de traducción entre lenguajes: el cuerpo, el texto, la pantalla y las redes sociales. Inspirada en metodologías de apropiación y repetición, la performance explora el transformismo digital como práctica artística y política:

cómo lo virtual produce ficciones corporales,

cómo lo ficticio emana de las cotidianidades,

cómo imaginar un cuerpo online que sigue siendo sensible, crítico y poético.

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Sara Manubens – 23 y 24 de mayo en Réplika Teatro

Estreno en Madrid de la última obra de la artista, coreógrafa y travesti Sara Manubens, a quien ya pudimos ver en Réplika Teatro en 2024 y que esta vez se acompaña de la artista travesti multidisciplinaria y activista por las disidencias sexuales y de género Norma Pérez (más conocida como Muerte a la norma). Tras su estreno el año pasado en la última edición del Festival TNT, llegan a Réplika Teatro para presentar Symphony of horror.

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“Pelucas, vampiros y travestismo. Sara Manubens se acompaña de la Norma Pérez (más conocida como Muerte a la norma) para escenificar una revisión en clave queer y trans-travesti del mito de Nosferatu, partiendo de cómo el cine de terror ha construido la figura de la vampiresa como un tipo de cuerpo LGTBIQ+. Chupa-sangre de uñas largas, transmisor de enfermedades, con rostro andrógino y un deseo insaciable y contranormativo: puede ser que las vampiresas que crecimos viendo en el cine o a las películas de mediodía se asemejen mucho más a nosotras de lo que pensábamos de pequeñas.” (Marc Villanueva Mir).

 

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Tomàs Aragay – Del 21 al 24 maig a la Fundació Joan Brossa

Es desperta, condueix, arriba a la feina en un centre cultural, perd el temps, passeja i prepara l’escenari per a un recital de poesia. Després plega, té una cita fallida, torna a casa i dorm.
Mentrestant, la veu en off del seu cap reflexiona sobre els mecanismes, la potència i la necessitat d’imaginar per poder visualitzar altres realitats que no són la que viu ara. A escena, el director de la pel·lícula, el protagonista i el sonidista —en aquest cas, un bateria que ha fet la banda sonora i posa la “veu en off” del protagonista— executen aquesta banda sonora en directe i remunten el film quan ho consideren necessari.

Mes informació i entrades | Entrevista a Tomàs Aragay

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16 de mayo en Pamplona 

La Ciudadela de Pamplona acoge el ciclo “Plazas y Performances” bajo el título Oficina de Turismo Las Nenas: free tour. Se trata de una propuesta escénica que transforma el formato de las rutas turísticas en una experiencia performativa e inmersiva para reflexionar sobre la memoria, el espacio y las formas de habitar lo colectivo.

Guiada por Las Nenas (Ane Sagües y Cristina Tomás), la pieza divide al público en dos itinerarios simultáneos: uno marcado por la norma, la censura y el control; y otro atravesado por la celebración, la liberación y el disfrute. A través del cuerpo, la música y la acción escénica, ambos recorridos construyen un relato no lineal que culmina en un encuentro final donde compartir lo vivido.

La performance cuenta con la participación de artistas de distintas generaciones y disciplinas como Maia Ros, Paula Puchalt, Maddi Muñoz, Amarga Teatro, Aurora Moneo Asun Abad. El cierre corre a cargo de plazeratu.klub, colectivo de DJs que explora la fiesta desde una perspectiva queer.

Creada por Las Nenas Theatre y producida por El Punto Gunea, la propuesta plantea una exploración sobre la transmisión intergeneracional, la necesidad de nombrar la memoria y la capacidad de lo performativo para imaginar nuevos futuros colectivos.

Ficha técnica: 
Dirección, creación e investigación: Las Nenas Theatre (Ane Sagüés y Cristina Tomás)
Producción: El Punto Gunea
Diseño y dirección artística: Adrián Romero
Teaser: Garazi San Martín
Comunicación: Garazi San Martín, Nerea Merino y Cristina Tomás
Mediación: Lara Molina
Participan: Aurora Moneo y Asun Abad, Maia Ros, Paula Puchalt y Maddi Muñoz, Amarga Teatro, el IES Alaitz BHI y plazeratu.klub

Más información: 50 años en libertad | Entrevista a Las Nenas

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Ikram Bouloum – 7 de mayo en el Museu Tàpies 

Con Poem/me xx1, la artista se reapropia del espacio de narración para presentar una sesión de escucha/lectura híbrida en forma de narración plurilingüe en la que se recogen diferentes memorias, poemas, canciones e imágenes. Este corpus le permitirá introducir, por un lado, la noción de grieta que atraviesa su álbum: la herida heredada. Y, por otro, el contexto que acompaña a este eje narrativo, yendo de lo íntimo a lo colectivo para trazar una línea hacia la diáspora.

Ikram Bouloum es una artista, selectora y comisaria catalanoamazigh. Tras unos años centrada principalmente en el comisariado musical y la dirección artística, actualmente retoma y sitúa en el centro su práctica artística y de investigación, reconectando con la voz, el storytelling y la música desde la multidisciplinariedad y la antidisciplinariedad.

En su música, mayoritariamente interpretada en su lengua materna, el amazigh del Rif, explora temas que a la diáspora norteafricana suele resultarle difícil afrontar, reimaginando sus legados a través de una mirada poética, política y experimental.

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Xcèntric | 28 de mayo en el CCCB de Barcelona

Cancionero reúne dieciocho películas de jóvenes artistas y cineastas que parten del esbozo como forma creativa privilegiada. La sesión propone abrir un espacio para mostrar películas que quedan fuera del circuito de proyecciones públicas y festivales: piezas pequeñas y frágiles, imperfectas o muy sencillas que, sin embargo, contienen una creatividad y una emoción muy vivas. Este programa las agrupa como un álbum de canciones.

Todas estas piezas atienden a lo menor para exaltar la vida desde una dimensión diarística e íntima, y exploran nuevos medios expresivos para filmar y montar imágenes con ligereza y sin pretensiones retóricas.

En canción, Alfonso Serrano compone, montando en cámara, un juego de ritmos y sonidos a partir de imágenes de los rincones de un parque. A closer winter tunel es una película colectiva filmada por Lucía Benavente, Carlos Iglesias, Nicolás Hernando y Alejandro Lozano, que forma parte de la serie FILM cuadros, de Master LAV, en la que se evoca, fotograma a fotograma, las texturas y los colores de un cuadro de David Hockney. En Batucada, Ariadna Essomba propone un remontaje enérgico y celebrativo de las películas en Súper 8 del cineasta José Val del Omar, trasladando el sonido de unos golpes de tambor a los propios cortes de montaje. Autodefinidos, de Lucía del Valle Ramírez, juega con la asociación entre imágenes cotidianas y palabras que aparecen en un cuaderno estival de autodefinidos. En Gay regular, una voz en off recita un texto de Gertrude Stein mientras vemos un diario de imágenes de la vida del autor Carlos Saldaña. Las películas de Imanol Expósito Delgado, Un corazón de tinta azulAndroide cansadoCigarettes 1 Cigarettes 2, de forma similar a un cover, hacen suya la música pop y evocan, con recursos rudimentarios de filmación, una nostalgia inexplicable. En poemas #4, de Ari Cardozo, un hipnótico zoom a los cables y aparatos de un concierto en vivo consigue expresar la intensidad de la música. tonight / forever juega con variaciones de velocidad para crear una coreografía de movimientos e inventar un videoclip a partir del remontaje de una batalla campal sobre patines de una película de serie B. No tengo Super 8, de Lucas Lagrange, muestra cómo el sensor roto de la cámara de un teléfono móvil agoniza y muere en el intento de hacer una película. En el punto de la noche donde empieza el día, Jara Roset utiliza el ralentí y la distorsión del sonido como gestos de edición para explorar temporalidades dilatadas. En las piezas de Daniel Galera Gonzalez una piedra, un niño, y en el aire conmovido, una coreografía de gestos recita un poema y un conjunto de diapositivas se suceden como recuerdos desde un ordenador. En Nightwish, Maite González Martínez filma por la noche desde el alféizar de su dormitorio, la floración de un Epiphyllum. Por último, Minila Café, de Amalia S-P de Nieves, reúne una serie de muñecos y figurines para crear un karaoke casero.

Programa:

Alfonso Serrano, canción (7’09”); Máster LAV, Film-cuadro: A closer winter tunnel (2’52”); Ariadna Essomba Garsaball, Batucada  (2’05”); Lucía del Valle Ramírez, Autodefinidos (3’17”); Carlos Saldaña, Gay regular (6’) Imanol Expósito Delgado, Un corazón de tinta azul (2’); Ari Cardozo, poemas #4  (9’14”); Lucas Lagrange, No tengo Super 8 (2′); Jara Roset, el punto de la noche donde empieza el día (23’41”); Ari Cardozo, tonight / forever (6’47”); Imanol Expósito Delgado, Androide cansado (2’58”), Cigarrettes 1 (2′), Cigarrettes 2 (4′), Daniel Galera Gonzalez, una piedra, un niño (5’11”), en el aire conmovido (2’59”), Maite González Martínez, Nightwish (4’); Amalia S-P de Nieves, Minila café (4’43”).

Un programa de Marina Miyar y Carmela Sesé.

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Edwin van der Heide – 21 de mayo en el MACBA

Durante casi dos años, el proyecto ha registrado de forma continua el paisaje sonoro de la Plaça dels Àngels, frente al Museu d’Art Contemporani de Barcelona. Micrófonos instalados capturan la densidad cotidiana de la plaza: conversaciones dispersas, movimientos, fricciones, ritmos urbanos y acontecimientos imprevistos que configuran su identidad en constante transformación.

Durante la performance, van der Heide navega este archivo en tiempo real. Mediante la selección, superposición y recombinación de grabaciones de distintos momentos, compone una nueva narrativa sonora de la plaza. Sonidos que originalmente ocurrieron con horas, días o meses de diferencia comienzan a coexistir, revelando patrones ocultos y conexiones inesperadas. A través de este proceso, la plaza se despliega como una composición viva en la que el tiempo se pliega y se superpone, permitiendo a los oyentes encontrarse con la identidad en evolución del lugar a través del sonido.

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Edurne Rubio – Del 30 de abril al 31 de mayo en el Centro Dramático Nacional 

Tinieblas es una colección de historias sobre personas que se pierden.

Una narración polifónica que recrea sucesos reales o bien situaciones que quizás solo hayan existido en la imaginación colectiva: leyendas, cuentos, rumores…

Vivimos en un continente completamente cartografiado. Los senderos del bosque están señalizados y las rutas detalladas en guías. Conectados a miles de satélites que orbitan el planeta, buscamos nuestro camino sin mirar el mundo que nos rodea.

¿Dónde y cómo podemos perdernos hoy? ¿En el teatro?

Tinieblas es un espectáculo donde el público se pierde, se encuentra y se vuelve a perder. El teatro es el centro de un territorio, un lugar con sus propias coordenadas geográficas y, al mismo tiempo, espectadoras y espectadores, unidos, forman un solo cuerpo que se pone en movimiento, como una bandada de estorninos.

Se trata de una experiencia sensorial que mantiene siempre la tensión entre el interior y el exterior, entre el lento caminar de un ser humano y la posibilidad de teletransportarse con la imaginación a tal velocidad que provoca vértigo.

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