Un nuevo lugar en la ciudad de México: La Pista

Instalarse
limpiar verificar probar cambiar acondicionar firmar esperar imaginar inventar invertir decidir ceder doblar curvar enfundar equipar desnudar partir enrollar volver golpear refunfuñar sombrear modelar centrar proteger entoldar amasar arranzar conectar esconcer soltar accionar instalar…..
Especies de espacio, PEREC, Georges

 

Recuerdo cuando Bárbara Foulkes, bailarina y coreógrafa argentina residente en México, me contó que se había animado a entrar a un espacio que tenía mucho potencial para ser un gran nuevo espacio de danza en la ciudad de México. Un día la acompañé a ver lo que había encontrado y me sorprendió, arriba de un restaurante en la Colonia Roma, en la calle de Yucatán 141: La Casa de Cantera, se encontró con metros y metros de un terreno semiabandonado, con un techo alto y grandes vigas, que con la persistencia de Bárbara, ojeras y callos en las manos de por medio, un año después de haberlo descubierto, ahora se ha convertido en un espacio para bailar, investigar, experienciar, soltar, inventar, imaginar, caminar, proponer, compartir….

La Pista, anunciada por Bárbara como un  espacio enfocado al cuerpo, la coreografía, diálogos indisciplinados y demás mezclas. Como un estudio con clases permanentes de danza con arnés, danza contemporánea para todo tipo de cuerpos y cursos de experimentación escénica, fue inaugurado este pasado 8 de abril y más allá de cualquier enunciación puedo decirles que es un lugar maravilloso; no deja de srprenderme en lo que se ha convertido.

Arrancó abril con algunos talleres, por ahora pocos, pues también hace falta que la gente en México se acostumbre a acercarse a la danza aunque no sean bailarines y que los bailarines se animen a acercarse a espacios más informales y no institucionales.

Será bueno que se aproveche y que algo bueno suceda ahí: Lo posible se define a partir del encuentro de dos o más personas. Estamos en eso, en la ampliación del campo de batalla.

+ info por ahora:

@paramoverse

@_lapista_

o escribiendo a: pistaparabailar@gmail.com

 

 

Posted in Ciudad de Mèxico, México | Tagged , , , , | 2 Comments

Otra corporalidad: Si arde, es que es verdadera

El Arte es el medio más seguro de aislarse del mundo así como de penetrar en él.
Goethe

Estos dos últimos fines de semana, del día 9 al 19 de febrero, tuvo lugar en la Ciudad de México, la segunda edición del ciclo Otras Corporalidades curado por  la coreógrafa Nadia Lartigue.

Este ciclo es un espacio para presentar obras de experimentación coreográfica y debido a la escasez de festivales o encuentros de artes vivas en esta ciudad es muy grato que algo así suceda. Este año se presentaron piezas de Mauricio Ascencio, Stéphanie Janaina, Julia Barrios de la Mora, Romina Soriano y Luciana Matilda, Melissa Cisneros y el aregntino Nicolás Poggi.

Resulta muy lindo que dentro de su trabajo como curadora Nadia se permita mezclar el trabajo de coreógrafos emergentes con coreógrafos con mayor experiencia, no sólo por dar ese espacio a los jóvenes sino porque como espectador es muy refrescante encontrarte con  nuevos nombres, nuevas propuestas; pero también registro una sensación muy bella en esa experiencia de presenciar algo desde sus inicios.

Esta vez el ciclo se realizó en dos foros, el ya mítico Teatro de la Danza y un espacio nuevo al que llaman La Caja que se encuentra en una de las colonias más antiguas y populares de la ciudad. Este espacio es una caja negra para piezas con un formato de poca profundidad.

Además de las piezas que se presentaron en el foro, se instaló la B.I.C., Biblioteca Itinerante de Coreografía que hace menos de un año viene apareciendo en diferentes espacios y situaciones; en esta ocasión se hacían pequeñas intervenciones que acompañaban la presentación de la Biblioteca y de los libros con los que cuenta.

Recuerdo que el año pasado me había propuesto escribir sobre este ciclo pero algo sucedió que no lo hice y este año desde que comenzó me obligué a hacer el ejercicio de ver las piezas sabiendo que escribiría algo sobre ellas o sobre el ciclo o lo que fuera. Me perdí las dos primeras piezas que son la de Mauricio Ascencio, “Hombre mirando al cielo estrellado” que compartió función con “Open Close Solo” de Julia Barrios, desafortunadamente las funciones en México a veces son muy temprano, lo que se puede convertir en una complicación para quienes tenemos horarios de oficina; pero sí logré llegar al resto del ciclo.

Comencé con la obra de Melissa Cisneros, “Juego de las Micro-acciones” que compartió función con “G.I.F.” de Romina Soriano y Luciana Matilda; esta sesión se llevó a cabo en La Caja. Salí de la función con la misma sensación que el ciclo anterior y seguí sin poder articular o nombrar que era lo que pasaba. Una semana después, en el Teatro de la Danza fui a ver la obra de Stéphanie Janaina, “Piéce de Resistance”, una pieza que ha recibido mucho reconocimiento y que no había tenido oportunidad de ver. La sensación se repitió una vez más pero mientras regresaba en el autobús a casa comencé a entender qué era lo que me sacaba de lugar con este ciclo y entendí que tiene que ver con que las piezas que me está mostrando me hacen sentir que la otra corporalidad se resume en la imagen, a veces imágenes potentes y bellas, esto no lo podría poner en cuestión, pero las obras descansan ahí, en el 2D; como si estuvieran impresas: ¿Y entonces dónde está la coreografía, el tiempo, el espacio, la interpretación? Añoraba hasta el cuerpo a pesar de que estaba presente. Descansé al entender lo que estaba sucediendo pues lo considero un tema que merece una reflexión más profunda para entender cómo relacionarnos con nuestro trabajo.

Las últimas piezas que se presentaron en este ciclo fueron “El Bobo” de Nicolás Poggi que compartió función con “G.I.F.” Ambas piezas las conocía, G.I.F. la había visto hacía una semana y con esa pieza comenzó la función, sabía lo que iba a ver pero esta vez me sorprendió, era otra versión, con cambios mínimos probablemente, pero la obra tenía volumen y me di cuenta de cuánto lo echaba en falta. El Bobo una pieza de puro cuerpo, música e iluminación también lo consiguió: ese día vi líneas, diagonales, espacios nuevos, cuerpos trabajando, observe el tiempo, me aburrí, me reí, me inquieté. En el autobús de regreso a casa entendí que tal vez la otra corporalidad tendría que insistir en involucrarlo todo, aunque se equivoque, aunque no sea tan bello…. tal vez sólo así, como espectador me puedo involucrar, me puedo sentir tocado. La coreografía debe penetrar en el mundo.

 

 

 

Posted in Ciudad de Mèxico, México | 1 Comment

Ya desde ningún lugar es suficiente: Después del VIII Festival Internacional Cuatro X Cuatro

Screen Shot 2016-06-14 at 5.00.33 PM

 
 
Aquí no es Bruselas, cada día muere alguien en nuestro país por la estupidez capital; ahora en México se promulga una ley de excepción, ya nada me sorprende de este país. ¡Cuán urgentes son los espacios en donde uno pueda habitar con libertad en este país! / En el Festival4x4 estamos imaginando que quiere decir construyendo, accionando, convocando un espacio que procure libertad (pensando en ustedes Durazna y Limón, convocando su imaginación, su pensamiento)/ Este espacio aspira a que la procuración de carnalerías detonen una multitud de direcciones de pensamientos, cuerpos, lenguajes e imaginaciones. Un espacio dialogante con nuestro contexto / Un espacio también para bailar salsa, para bailar salsa, para bailar salsa, por que como vos dijiste Jacarandita: “la salsa es el lenguaje”.
Extracto de un texto de Shantí Vera dirigido a Nadia Vera y a Rubén Espinosa.

La semana pasada tuve la suerte de presenciar una parte del Festival Cuatro X Cuatro, sí, ese festival de artes escénicas que antes se llevaba a cabo en Xalapa, Veracruz y en el que estaban involucrados Nadia Vera y Rubén Espinosa; desafortunadamente este año se hizo en su memoria y no se hizo en Xalapa, por la situación de violencia e impunidad que se vive en ese estado. Esta vez el festival se refugió en San Cristóbal de las Casas, Chiapas y en la Ciudad de México. (Lo que, aclaro, no quiere decir que éstos sean estados en paz.)

La primer semana del festival se llevó a cabo en San Cristóbal de las Casas. Entiendo que la familia de Shantí y Nadia son de ahí, y por estar cerca de ellos se eligió como sede. Yo no estuve ahí pero sé que fue muy emotivo.

La segunda semana el festival se trasladó a la Ciudad de México, por fortuna mía, así tuve la oportunidad de ver el trabajo de Alma Quintana (Aparición), de conocer a gente de Chiapas que viajó por primera vez a la Ciudad de México y que confesaban su sensación de vulnerabilidad en una lugar tan grande; de presenciar mesas de discusión, de conocer el trabajo de la madrileña Paz Rojo a través de un taller que impartió y su obra Dancismo. Y desafortunadamente me perdí algunas cosas.

Mi cabeza sigue dando vueltas entre conceptos muy cerrados y conceptos como los que manejó Paz Rojo que me permitieron fugas. Entre éstos: la mirada oblicua de las cosas, la materalización del cuerpo, el miedo, el dolor, cuerpear, la coreografía como problema, la vida como problema, capitalismo, capitalismo (una y otra vez), producto, especulación, peso, poner el cuerpo, articulaciones, piel, textura, dejar de ser, dejar ser, artista, ciudadano, lenguaje….

Mientras veo mis apuntes, decido detener aquí la lista. En una mesa se habló respecto al lenguaje que le podía dar forma al dolor. No se profundizó, sólo se mencionó, quedó ahí en el aire, pero recuerdo que pensé en lo importante que debería ser que ese lenguaje, además de ser el adecuado para expresar el dolor, fuera un lenguaje incluyente, que no dejara fuera a aquél que tal vez puede sentir que los hechos le duelen menos o que este dolor o reflexión le llega con cierto retraso. No sé muy bien cómo articularlo aún (articularlo: una palabra recurrente del festival), pero esto me llevó también a pensar en la visibilidad y la invisibilidad. En una de las clases de Paz se pusieron en cuestión estos conceptos: ¿Será que en América Latina se puede tratar con la invisibilidad cuando todo parece invisible y en realidad hay que hacerlo visible, a diferencia de Europa? La pregunta no fue resuelta y sigue haciendo ruido. Tal vez Marina Garcés o Santiago López Petit me ayuden a entender un poco más al respecto.

Me perdí, desafortunadamente, del trabajo de Lucía Náser, coreógrafa uruguaya, y el de Sakil Tsek’ / Snak’Obal Jnak’Obal, de San Cristóbal de las Casas.

El último día, después de la mesa final de discusión en la que algunos integrantes del equipo del Festival se preguntaban cómo abordar todo aquello que estaba sucediendo desde las artes escénicas, (yo veía que ahí estaba Paz Rojo, con sus prácticas como propuesta, y al resto de ellos que dándole forma a ese Festival), y me atreví a pensar que tal vez ya no es necesario darle tantas vueltas desde la cabeza, que ellos tenían las respuestas ahí desde la práctica, desde todo lo que habían organizado, en medio de la gente que habían invitado a participar. ¡Sí!, sigamos hablando, conviviendo, haciendo comunidad, pero no dejemos de mirar los resultados de eso, no nos ceguemos.

Sigo con los apuntes y leo: El desierto como potencia, donde aún se pueden hacer cosas, no sé que relación tenga con todo lo demás, tal vez demasiada. El único lugar en el que se puede propiciarse la danza hoy es en el desierto… siguen los apuntes.

Después de esta mesa se presentó el proyecto B.I.C., una biblioteca itinerante de coreografía y por último El Bobo de Nicolas Poggi. Al terminar esta pieza subió Shantí Vera y leyó un texto, uno más, 10 meses después dirigido a su hermana. A la mitad de su lectura comenzó a llover, el techo de aluminio resonaba y las palabras de Shantí se comenzaron a desvanecer… no importó que no se escucharan más las palabras exactas, fue inevitable no pensar que ella y él estaban ahí. Todavía se me eriza la piel y así será….

Posted in Ciudad de Mèxico, México | 1 Comment

SOBRE .EL ARTICULO DIAS DE FESTIVAL EN BOLIVIA, FITAZ 2016

Por Alfred Villegas Lazo

¡Yo, no!, no, no puedo dejar de aclarar que en mi artículo DIAS DE FESTIVAL EN BOLIVIA, FITAZ 2016 por error señale que el grupo teatral carne de cañón presento en el FITAZ 2016 la obra ¡Yo, No! que realmente se llama “No, yo”, en la que actúa el rol protagónico mi amiga Mariana Bredow, que me hizo notar este error, y aprovecho la ocasión para aclarar que no supe incluir los pies de página del artículo, que en el primer párrafo usé partes de un artículo de Crítica sobre la obra “El Duende Andaluz”, que publiqué en el periódico Página Siete, Bolivia, del 22 de abril de 2016, cité a Maritza Wilde, Directora del FITAZ 2016, por declaraciones en el catálogo grilla del FITAz 2016 y durante presentaciones en el mismo; y en los aspectos que pueden mejorar en el FITAZ se basaron en parte en mi investigación y vivencias directas, y en partes al artículo “Críticos y Directores identifican lo positivo y lo negativo del Festival (X FITAZ 2016)”, publicado en el periódico Página Siete, Bolivia, 26 de abril de 2016 y en el análisis realizado en la Escuela de Espectadores (de Teatro de La Paz), que coordina el literato y teatrista Omar Rocha Velasco, y de la que formo parte. Misión cumplida, yo no podía dejarlo ¡No, yo!

Posted in Uncategorized | Leave a comment

DIAS DE FESTIVAL EN BOLIVIA, FITAZ 2016

DIAS DE FESTIVAL EN BOLIVIA, FITAZ 2016
Por Alfred Villegas Lazo

FITAZ

Este 24 de abril pasado se cerró el Festival de Teatro de La Paz 2016 (Ciudad de La Paz-Bolivia), en once días de intensa actividad teatral con más de cuarenta obras teatrales, estuvieron presentándose obras de Latinoamérica toda, grupos teatrales de Argentina, Chile, México, Paraguay, Perú y Bolivia -por supuesto-; estuvieron obras representativas de grupos europeos, de España, Francia e Italia, y hubo talleres, cursos, presentaciones de libros, foros, concurso de crítica amateur y mucha interacción entre los directores, actores y el público aficionado al teatro de todas las edades, porque ha tenido también un ciclo de Teatro infantil internacional; en más de quince espacios culturales tradicionales, alternativos y teatros en un entretejido de teatro europeo, latinoamericano y boliviano que mostró nuestra interculturalidad, en un acontecimiento vital, imperdible y definitivamente inolvidable.

Este FITAZ creado el año 1999 por Maritza Wilde, directora y actriz de teatro y una de las mayores maestras en el teatro boliviano, en esta su décima edición bienal, ha logrado trasuntar ese crecimiento interno y externo en la presencia lograda en otras ciudades de Bolivia con muestras representativas de teatro, en nuevas propuestas de los jóvenes teatristas y en las iniciativas y sinergias creadas; y ha logrado su sostenibilidad, en el tiempo con el apoyo del público y de diferentes instituciones, “logrando que el teatro sea reflexión y testimonio de su tiempo y coadyuve a lograr esa paz entre las personas, y esa unión entre los pueblos, que son tan urgentes para nuestro convulsionado planeta”.

Resultan inolvidables las visitas de Carlos Gil Zamora (España) y su taller sobre crítica teatral en el Espacio Patiño, de José Padilla (España) y su taller de Dramaturgia en el Centro Cultural de España, la Reunión con Directores y Programadores en el Círculo de la Unión en la que se analizó el papel y rol del espectador en el Teatro, de Jerry Galarreta (Perú) y su dirección en el foro en la Cinemateca Boliviana debatiendo que se dice en el teatro para la infancia y la presentación de “Hamlet” una producción fílmica del National Theatre Live (Reino Unido de Gran Bretaña) en la Cinemateca Boliviana.

Entre las puestas en escena de grupos internacionales impactaron la Compañía Berardi-Casolari con “Io Provo a Volare” que abrió el festival, Teatro El Arlequín (Paraguay) con “El Final Juicio”, la Compañía Jose Padilla con “Perra Vida”, Maguey Grupo Teatral con “Dúik Múun” (Perú) y el monólogo de Amanda Schmelz (México) con “Rose”; en el teatro infantil la Compagnie Du Petit Monsieur con “2 secondes” (Francia) y la Musa del Trasgo (Bolivia) con “Pinocho”. De los grupos bolivianos quedan grabados en la memoria El Teatro de Los Andes con “Mar” y “Te duele”, Pirai Vaca y Marcos Malavia con “El Duende Andaluz”, Textos que Migran con “Tamayo”, Enkuentro Escénico con “Desde que mamá murió, yo soy mamá”, 5 Palmas Teatro con “El Conserje”, El Altoteatro unido con el Teatro Grito en “Dime que me amas”, Teatro Bogatir con “Paradisiaco”, El Masticadero con “Princesas”, Carne de Cañon con “Yo, no” y Mondacca Teatro con su “Delirio de Lara”, con la que se cerró el festival, en cuyo acto de clausura se hizo un homenaje a la familia del desaparecido pintor Raúl Lara, el pintor del realismo mágico boliviano, ese transitar artístico pictórico entre lo real y lo maravilloso (1940-2011), sobre quien versó la obra del cierre, ocasión que el actor premiado por el FITAZ en la categoría nacional , Luis Bredow, pidió al Ministro de Culturas, Marko Machicao, que se había dirigido antes al público clausurando el evento que se realicen los acuerdos necesarios para que Bolivia participe en el programa Iberescena, por sus grandes ventajas para el desarrollo cultural, en la categoría internacional de este FITAZ fue premiado el español Luis Molina López, fundador del Centro Latinoamericano de Creación e Investigación Teatral (CELCIT), cerrando el evento una emocionada Maritza Wilde que agradeció a todos porque todos hacemos el teatro.

Mediante estos recorridos por el mundo, el tuyo, el mío, el nuestro y el de ellos que refleja el teatro, de lecturas diversas y hasta contradictorias de obras, según el género del espectador, según su perspectiva filosófica de la vida, según las vivencias por las que ha pasado o la falta de ellas, según la entrañabilidad del tema o completando la fantasía que necesita cada uno en su vida, deja huella la propuesta dramatúrgica de este musical FITAZ 2016, en el que se ha podido apreciar la revalorización de importantes elementos escénicos como la música, la danza y la iluminación que han enriquecido y profundizado las propuestas estéticas y dramatúrgicas, e inclusive han llegado a ser casi actores de algunas de las mejores tramas presentadas, dejándonos una profunda huella y con más sed de teatro y cultura.

Claro que hubo aspectos que mejorar, siempre los hay, es la característica de la impronta humana, una mayor difusión de los eventos especiales y como acceder a estos, problemas técnicos en algunos espacios , superar ciertos retrasos en el inicio de algunas obras que no permitió ver integras otras en otros espacios en ese tour artístico de espectador que es un festival y una mejor preventa de entradas mediante abonos y medios tecnológicos, pero eso es parte de la magia del teatro, lo humano que es.

Así con muchas más luces que sombras y una profunda nostalgia terminó este inolvidable Festival Internacional de Teatro de La Paz 2016, en este convivio de ideas, emociones, estéticas, corporeidad y arte único que es el teatro y que ha sido este teatro por la paz en el mundo FITAZ, hasta la próxima edición.

Posted in Uncategorized | Tagged , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , | Leave a comment

Resistencia en silencio

resistencia1

Foto: Rodrigo Valero-Puertas

“Silence is sexy”

He decidido romper el silencio de este espacio justo con esta pieza: Resistencia en silencio de Anais Bouts, Tania Solomonoff y Rodrigo Valero-Puertas. Y también he decidido escribir esta nota escuchando esta canción: https://www.youtube.com/watch?v=hex6IErt9do.

Busco información sobre la obra para poderles dar un mejor informe, lo que me resulta un poco complejo, pues veo fotos de escenas que yo no vi, fechas lejanas, números que acompañan al título y descubro que en realidad la investigación se ha llevado a cabo en diferentes formatos, etapas y espacios, por lo que considero que es mejor hablar sólo de la versión que me tocó experienciar.

Rodrigo es fotógrafo y es muy claro que la escena la trabaja desde ese lugar y junto con Anais y Tania, (sólo ellas están en escena), han coseguido profundizar en ello. La sensación es que la danza está empapada de otra disciplina y me imagino que los conceptos imagen, composición, fuera de campo, quietud, lentitud, detalles, luz; resuenan en su cabeza mientras la están desarrollando.

La obra se presentó en el Foro A poco no, uno de los foros del Sistema de teatros de la Ciudad de México. El espacio es una caja negra con poca profundidad, funcional pero pequeño. Mientras caminaba para llegar a la función pensaba que era muy probable que les quedara chico para lo que me imaginaba estarían trabajando. Ha de ser una pieza muy distinta en un espacio más amplio pero lo resolvieron bien reduciendo los lugares de los espectadores.

El espacio está vacío, iluminado con los tubos de neón del techo. Disfruto mucho de la decisión que tomaron de iluminar la caja de metal de luces que queda en el escenario en vez de intentar taparla. El audio es un paisaje sonoro, se escuchan entre pájaros, pasos y  sonidos de ensayos en los que utilizaron objetos y materiales, que ahora no están presentes. El sonido es constante, un loop y comienza antes de que las intérpretes entren a escena.

Después de darle el tiempo necesario a la construcción de esta situación entran ellas vestidas de gris y con el pelo pintado del mismo color: un rojo medio morado, medio cereza. Son dos chicas altas y esbeltas; me resulta casi imposible mientras la pieza se desarrolla, no mirarlas a ellas, a sus manos, su cintura, su precisión, su manera de andar, su belleza. Si bien por momentos consiguen, gracias a las tensiones temporales, espaciales y corporales generadas, que contemple la coreografía, por algún extraño motivo mi mirada se va a los cuerpos pero me esfuerzo todo el tiempo a salirme de ellos y ver el todo, porque siento que es eso lo que ellas me proponen que mire y no me resisto.

Pienso en un cable negro grueso que estaba en escena, pegado a la pared y al piso,  con el que Tania compuso casi al principio de la pieza, y que al tocarlo lo dejó despegado unos milimetros de la pared y unos centímetros del suelo. Una imagen que para mí resume la pieza y a la que recurría cada vez que me distraía: Miraba el cable, para luego mirar los cuerpos y luego obligarme a mirar la composición espacio-temporal generada entre los mismos. Algún momento de la pieza me llevó a recordar que en las composiciones se puede ver el pasado, el presente y el futuro de las mismas o por lo menos a eso jugábamos en las clases de composición instantánea, y justo en ese momento la persona que estaba sentada a mi lado me dice: Ella va a ir a tocar esa pared y yo pienso: Ojalá que no, ojalá que se quede unos milímetros antes de tocarla. Para él la tocó pues me miró con cara de que adivinó la escena pero para mí se quedó como el cable, a unos milímetros de la pared y volví a ver otro momento que me maravilló.

 

Posted in México | 24 Comments

LA ESCENA TEATRAL BOLIVIANA DEL 2015

Por Alfred Villegas Lazo

Este año que se va, ha dejado gratos recuerdos en el espectador teatral boliviano, en un año en el que un constante crecimiento económico del país parece influir positivamente en el desarrollo de una mayor actividad teatral al permitir un consumo societal mayor de los bienes y productos culturales, algunos de los cuales se han vuelto ya productos de exportación; dentro de estas obras, quizás las más importantes, destacan:
Tamayo, Apolíticas consideraciones sobre el nacionalismo Vol III, obra que pone en escena un periodo de la vida de Franz Tamayo (político, literato y estadista boliviano de la primera mitad del siglo XX) en sus reacciones e interpretación de la realidad sociopolítica boliviana al producirse en 1944 los asesinatos de líderes opositores al régimen de gobierno, en su condición de sentirse parte de ambos mundos en conflicto, lo cual pone en tensión su tiempo histórico, que permite a la vez vivir el vértigo del presente y la distancia reflexiva del pasado, bajo la dirección de Percy Jiménez y las actuaciones de Miguel Estellano, mejor actor Premio Nacional de Teatro Peter Travesí 2016 quien protagoniza la pieza, junto a Freddy Chipana, Mauricio Toledo y Bernardo Rosado, permitió una vibrante puesta en escena con la más novedosa escenografía de las vistas en este año, obra además ganadora del premio Nacional de Teatro Peter Travesí 2016 mejor obra teatral.
Morales, cuenta la historia de los Morales, una familia del altiplano boliviano, que en sus interacciones y contradicciones en un trasfondo histórico de un país en un constante proceso de cambio, ¿el actual?, ¿otro?, nos sugiere un mundo de contrastes y simbolismos que permiten diversas lecturas; cuenta con la actuación de Jorge Alaniz, Camila Rocha y Winner Zeballos, bajo la dirección de Diego Aramburo que con esta obra nos interroga y nos cuestiona sobre la realidad, la verdadera, con una estética que con el apoyo visual de diferentes manifestaciones artísticas permite lograr una obra de gran valor artístico.
La santa cruz de Sade, basada en la “Filosofía en el tocador” del Marqués de Sade, tras la historia de la iniciación de una joven en las artes del libertinaje; nos muestra una realidad social y cultural del oriente boliviano, totalmente muy diferente al occidente boliviano representado en la obra Morales; bajo la dirección del mismo Aramburo, cuenta con las actuaciones de Gabriela Sandóval, Hugo Francisquini, Nancy Cronen, Winner Zeballos, Adriana Lea Plaza y Gisely Ayub.
Los diarios de Adan y Eva, la obra con probablemente la dramaturgia mejor lograda y más clara del año en una adaptación y dirección dramatúrgica del texto homónimo de Mark Twain, bajo la codirección y muy buenas actuaciones de Maritza Wilde y Luis Bedrow; es la historia de Eva y Adán en la creación del mundo, sus encuentros, desencuentros y reunión, en un texto en el cual es muy fácil tomar parte y autodentificarse, nos habla sobre el amor, la vida, la muerte, el poder y las relaciones porque este –el amor- siempre se impone ya que como dice Eva “El paraìso está donde tú te encuentres”.
Filomena y Domingo, basada en la obra teatral “Filomena Marturano” de Eduardo De Filippo, nos trae la historia de un hombre – a punto de morir – y su compañera de toda la vida, con quien finalmente se une indisolublemente en un final inesperado; un clásico del teatro universal, en la que la dirección de Maritza Wilde lleva adelante la trama y a los personajes interpretados por Marta Monzón, Cacho Mendieta, Agar Delos, Raúl Gómez y Daniela Lema, en una puesta en escena clásica y bien lograda.
El duende andaluz, basada en textos de Federico García Lorca sobre los misterios de la creación artística, adaptada por el dramaturgo, director y actor boliviano Marcos Malavia, quien se unió al eximio guitarrista Piraí Vaca en las tablas para dar vida a la historia de un payaso y un gitano guitarrista que juntos van de pueblo en pueblo visitando tabernas y teatros buscando al duende, esa criatura que lo sabe todo y puede hacer realidad el sueño de todo artista, capturar el alma de su público, al poseerlo y dar a través de él forma a su arte, en una propuesta performática músico-teatral, que logró una innovadora obra de alto valor estético.
Ollantay, es una adaptación del drama homónimo incaico del siglo XIV que escenifica la historia de amor de Cusi Coyllu hija del emperador Inca Pachacuti con el general plebeyo Ollantay, amor prohibido por la diferencia de clase, que constituye el mejor ejemplo conservado del drama incaico; en esta puesta en escena de la Escuela Nacional de Teatro de Santa Cruz del oriente boliviano, dirigida por Marcos Malavia, nos habla de las relaciones entre el poder y el amor, y de la esperanza que nunca nos abandona, plasmados en un escenario, una feria que es a la vez espacio físico y cultural de intercambio, mestizaje y alegoría, y que intercala la presentación teatral con títeres, música, máscaras y vestimentas de diferentes latitudes del país en una puesta en escena bien lograda por las actuaciones de Javier Amblo, Susy Arduz, Selma Baldiviezo Cassís, Antonio Peredo y Marcelo Sosa.
REC, una adaptación de la obra teatral ¨TAPE¨ del estadounidense Stephen Belber de 1999, ambientada en un dormitorio común – donde el espectador sentado a los lados de la escena se siente un espectador privilegiado-; nos habla del reencuentro de tres amigos de colegio relacionados entre sí por un secreto que marcó sus vidas, el climax se alcanza cuando Sara llega a la reunión en la que se revela el secreto que los une, lo que pasó en la fiesta de graduación, parte del cual se encuentra registrado en una grabación, que dispara el epílogo; la obra dirigida por Fernando Arze, presentó un formato de producción y promoción cinematográfico que generó expectativa en el público sobre la obra, en una innovación refrescante en nuestro medio, y contó con las actuaciones de Mauricio Toledo, Leonel Fransezze y Mariana Vargas.
Destacó también el retorno a las tablas de David Santalla – luego de un problema de salud, que conmovió y movió a la sociedad boliviana toda hacia la creación del seguro del artista – con su obra Los cuernos de Toribius el Imperio Romano a la boliviana, un gran exponente de ese otro teatro, que rehuye ese acercamiento a los cánones teóricos modernos por un manejo más popular del lenguaje y de las situaciones, el teatro popular.
Arriba El Alto, es la puesta en escena de una obra nacida de la propia raigambre de la identidad boliviana en la que un colectivo de actores bajo la dirección de Iván Nogales plasman en escena la representación histórica de la guerra del gas – y la lucha por el ejercicio de su soberanía por el pueblo – en un telón cotidiano de la vida en la ciudad boliviana de El Alto, ciudad de inmigrantes, de conflictos, de quereres y de desenlaces, en un teatro “el Trono” diseñado especialmente para la puesta en escena vivencial de esta forma de teatro del oprimido, que constituye una de las mejores obras del año por su propuesta escénica heterodoxa y diferente.
Gula, basada en la obra ”La visita de la vieja dama”, una obra clásica de Friedrich Durrenmatt, con un elenco de muy buenas actuaciones conformado por David Mondacca, Patricia García, Cristian Mercado, Bernardo Arancibia, Carlos Ureña y Percy Jiménez, recrea la historia del arruinado pueblo de Gula que recibe la noticia que Clara, una mujer nacida en el lugar muchos años atrás y ahora multimillonaria, ha decidido visitar su ciudad natal. Todos complotan para pedirle una donación que permita a Gula salir de su postración, pero no cuentan con que el motivo de su visita no es simplemente el recuerdo, o quizás si, pero un mal recuerdo que todos ya olvidaron, y a través de esta historia el Director Eduardo Calla cuestiona la justicia, la moral, el interés y el precio que cada quien tiene, una de las mejores obras del año, destacando la lograda propuesta escenográfica de Gonzalo Callejas dinámica y atrapante en la que todos los movimientos de la escenografía se hacen en escena y en congruencia con el texto, en una obra que debería recorrer otros escenarios y es sin lugar a dudas una de las mejores del año.
Pero la obra del año, escogida como la mejor por la escuela de espectadores (de teatro) de La Paz conformada por espectadores críticos de teatro –de la que formo parte hace ya un tiempo precioso- ha sido Mar, que pone en escena la historia de tres hermanos que para cumplir el último deseo de su madre moribunda, ser abandonada en las olas del mar, un mar que no conoce; deciden emprender un viaje en su busca, alternando este hilo argumental con otros planos alternativos de la realidad, personajes que bailan morenada, una marcha militar que interrumpe el baile, discusiones bizantinas sin un sentido de solución y otras que dicen de un país dividido en diferentes actitudes frente al mar, quien lo recuerda, quien lo vindica pero solo en palabras, quien se resigna a su pérdida, quien lucha por él, quien duda, y así en este collage se tamizan los sentimientos de todo un pueblo para dejarnos con ese sentimiento de vacío y ausencia melancólica que “generan toda una cultura donde lo histórico se cruza y se alimenta con el sentimiento nacional que paradójicamente encuentra sentido de nación en la ausencia, en el mar perdido” como explica Arístides Vargas, en una creación dramatúrgica colectiva del Teatro de los Andes y de Aristides Vargas, quien dirige la obra, con muy buenas actuaciones en los roles principales de Lucas Achirico, Gonzalo Callejas y Alice Guimaraes y la participación del Teatro de Los Andes en las diferentes actuaciones del elenco; con una escenografía novedosa e inquietante, otra vez de Gonzalo Callejas, y un texto que toca un tema de alta relevancia temática y simbólica – la añoranza de ese sueño que tanto anhela una sociedad, en el caso boliviano el mar-; elementos todos que la constituyen en la mejor obra del año, al nivel que ya tiene acostumbrado al público el Teatro de Los Andes, si, ese aquel de las nunca olvidadas y emblemáticas obras del teatro boliviano Iliada y Odisea.
Claro que hubo algunas otras obras que no conquistaron al espectador, incluso algunos decepcionaron, pero de esas, de esas es mejor no hablar.

Posted in Uncategorized | Leave a comment

LA NUEVA MIRADA DEL TEATRO BOLIVIANO

LA NUEVA MIRADA DEL TEATRO BOLIVIANO
Por Alfred Villegas Lazo
A esa hora en que todavía no empieza la rutina de viernes por la noche, este 6 de noviembre en la biblioteca central de la Universidad Católica de La Paz Bolivia, se presentó el libro ANTOLOGIA DEL TEATRO BOLIVIANO CONTEMPORANEO de Willy O. Muñoz, premiado ensayista y escritor reconocido como uno de los más destacados críticos bolivianos de las artes escénicas, quien compila en esta obra la selección de la producción dramatúrgica boliviana entre los años 1995 a 2014.
“Una obra para ser leída y revivida en tablas por quienes ven y hacen teatro y conviven con él”, como señalo en la presentación del libro Lupe Cajias, presentación que fue alternada con la puesta en escena de alguna de las obras publicadas, trazo de lectura de otras, y comentarios de algunos de los autores, que conformaron una amena presentación; la que fue muy reída, aplaudida y meditada; resultando premiados los asistentes con un ejemplar del libro, el cual yo hice autografiar para el eterno, por esos queridos amigos, los autores.
Willy O. Muñoz que en 1992 expresaba “El teatro como literatura y como arte escénico es un género poco cultivado en Bolivia… Puesto que en Bolivia no se lee teatro, no sorprende que este país carezca de dramaturgos que escriban continuamente, ni que las producciones teatrales sean cada vez más esporádicas” (1), encontrando ahora quizás la más moderna expresión teatral que impulsa su constante búsqueda, diez años después de su “Antología selecta del Teatro Boliviano Contemporáneo” del 2005 (2), reúne en esta antología obras de quince autores, representativos de todas las latitudes geográficas y teatrales bolivianas de los últimos veinte años.
En la obra encontramos obras premiadas, de registro necesario, de quince de los más destacados dramaturgos de Bolivia, título que algunos prefieren eludir porque dada su condición de también actores ven primordialmente el teatro no desde la teoría sino desde la acción, o porque desde la óptica de ese otro teatro – el teatro popular – rehuyen ese acercamiento a los cánones teóricos modernos por un manejo más popular del lenguaje y de las situaciones.
Como señala Muñoz, en el texto se identifica dos aspectos. El primero es que en el año dos mil en Bolivia se produce una clara ruptura temática, un cambio en el ideologema del signo teatral, los dramas estrenados antes de ese año tenían un claro sentido político enfocado hacia la realidad nacional, esos dramaturgos habían vivido las consecuencias políticas de la historia boliviana de ese tiempo – traumática por la represión politica – . En cambio, la mayoría de los autores que nacieron en los años 70 – producto de su experiencia personal de convivencia social posterior – en sus dramas actuales tratan cuestiones más abstractas, personales e introspectivas como la incomunicación y la alienación con un lenguaje fragmentado resultado de esa búsqueda, incluso social, de respuestas a temáticas más individuales y, el segundo aspecto resaltante, es que no había mujeres dramaturgas en la anterior antología y ahora figuran dos autoras, Camila Urioste y Claudia Eid , muestra del cambio hacia una mayor participación femenina en los diferentes ámbitos societales que se va produciendo en la realidad boliviana general y teatral (3).
Gonzalo de Córdova con “Huelga de amor de un hombre desesperado” plasma mediante personajes anónimos y un mensaje de amor que es desvirtualizado y tergiversado, el descontento social ante un estado insensible y una clase política manipuladora; Marcos Malavia con “La muerte del general” dramatiza los momentos finales de la vida de un dictador que te llevan a sentir y repensar el inexorable tránsito hacia la muerte; César Brie con “La Iliada” adapta el texto homérico para protestar contra la violencia y represión estatal de cierto periodo histórico latinoamericano contra sus ciudadanos a quienes mata o esconde bajo el rótulo oficial de desaparecidos; Ubaldo Nallar con “Nueve y Treinta de la noche” imbrica tiempos, espacios, personajes y alternativas sexuales en la situación de una familia que está a punto de fragmentarse; Elías Serrano con “Edipo y Su mamacita ¡Que complejo!” Mediante el juego de la seducción genera una solución y reacción sorprendentes ante la homosexualidad y el drama edípico; René Hohenstein con “El dia que cayó Goni … y Shirley” escenifica en el ambiente de una difícil realidad política local el espejismo de riqueza del migrante y sus conflictos personales; Claudia Eid con “Desaparecidos” nos muestra con el lamento de los hijos ante la ausencia del padre el desconcierto emocional que la ruptura generacional produce; Diego Aramburo con “Ffragmentos líquidos” exalta mediante la transgresión y la fragmentación del lenguaje la misoginia del hombre que alienado y alejado de su hogar deviene en un ser incomunicado y solitario; Eduardo Calla con “Dí cosas bien” muestra con un estilo transgresor de escritura una sociedad desquiciada, compuesta por seres solitarios regidos por la misoginia, xenofobia y marcados por la discriminación; José Enrique Escóbar con “Anecdotario de la Nada” muestra como dos jóvenes, partiendo de encuentros pasajeros y vacíos se encuentran, para luego a través del sexo llegar a … la nada; David Mondacca con “El Santo del Cuerno” muestra la cotidianeidad, marginalidad y sufrimientos de la existencia de los lustrabotas; Óscar Barbery con “En cuatro” nos permite con una mirada divertida a la infidelidad en la vida de dos parejas de ex esposos, analizar los falsos paradigmas sociales que la sostienen; Antonio Torres con “For Export” visualiza la calcinante realidad que constituye el tráfico de órganos humanos, en un lenguaje que ironiza su comercialización como mercancía; Fernando Arze con “El Perdón” hace que su personaje monologue sobre el tiempo, su tiempo, sus pasados y su culpa, y Camila Urioste con “El Pacto” dramatiza la convivencia de una pareja que crea sus propias reglas y restricciones, y se cuestiona si la libertad y el amor son excluyentes y si tienen límites definidos (4), cuestionando todas diferentes problemáticas de nuestra realidad.
Estos son los dramaturgos y obras a los que Muñoz dedica el texto, y cuyas obras esperan ser leídas, apropiadas por la población y representadas en diferentes ámbitos y lugares, para marcar este continuar contemporáneo del teatro boliviano.
(1) El teatro boliviano en la década de los 80, Willy Muñoz, 1992.
(2) Antología selecta del Teatro Boliviano Contemporáneo, Muñoz Willy O, 2005.
(3) La Razón 3 de noviembre de 2015.
(4) Antología del Teatro Boliviano Contemporáneo, Willy O. Muñoz, 2015.

Posted in Uncategorized | 1 Comment

Resumen y traspaso de poderes

projeto_corrida_p1-126

 

Bueno, he sido un chico malo y no he escrito nada desde hace siglos…. Vaya mierda de reportero limeño que estoy hecho.

La verdad es que ni siquiera ando en Lima ya.
Por cierto, se me olvidó decir que quien escribe ahorita, es Javier Vaquero.
Ahora resido en Colombia con lo cual debería de cambiar de reportería e iniciar mi intermitente comunicación desde aquí (nuevo mundo) a allá (viejo mundo) desde la redacción colombiana.

Pero antes de cambiar de país y de corresponsal super latino me gustaría hacer un último post para pasar el relevo a otra persona que seguro que lo va a hacer mucho mejor que yo.

La persona que va a seguir como Lima Limón para informaros de lo que va sucediendo en Lima es Carla Coronado. Ella, una maravillosa creadora, bailarina y gestora, ha estado colaborando conmigo en los últimos meses que estuve en Lima.
Ella también forma parte de la plataforma de Danzón Nuclear y estoy seguro que podrá contaros muchas cosas de las que van haciendo y que van sucediendo por la ciudad.
DANZON NUCLEAR

Por una parte para este ultimo post me gustaría hablar marcar varios puntos, que durante el año que no he estado escribiendo, pensé que seria bueno comunicar:

– Me gustaría presentaros a La Libre de Barranco. Una librería maravillosa gestionada por otros dos españoles inmigrantes. Esta librería además de ser una maravilla por sus contenidos de contracultura, política, genero, y todas esas maravillas, es casi un centro cultural a día de hoy. Ellos en un año han conseguido aglutinar gente maravillosamente chévere e interesante, generar encuentros, talleres, exposiciones y mil cosas mas desde la autogestión.
Bravo por la Libre! Síganles en Facebook, de verdad que es la librería del amor.
LA LIBRE DE BARRANCO

– Otra cosa que quería comentar hace mucho mucho tiempo es el cambio de gobierno que hubo en la ciudad y denunciar los muchos recortes en cultura que esta nueva administración ha hecho. El único festival institucional en artes escénicas que contenía la ciudad (FAEL) en principio a desaparecido. Este festival durante los últimos años hizo una súper labor de difusión y producción en escénicas. Programando artistas locales y trayendo de fuera. Yo por ejemplo el año pasado pude ver a Gilles Jobin con la pieza “Quantum” que fue traído con la ayuda de la PUCP. Por cierto aprovechar para decir que me pareció un súper buen trabajo, acompañado por la conferencia que dio en la universidad.
Aun así, a día de hoy en Octubre suena “meaningless” (no encuentro el sinónimo) hablar de estos recortes, porque parecen que forman parte del pasado. Y aunque que me sorprende muy gratamente la capacidad de adaptación del medio peruano, reinventando formas de hacer sin parar de producir. No deberíamos de resistirnos al olvido de dichas políticas aniquiladoras y resignarnos a una realidad producida por parte de la administración y que es un poco desoladora.
En cualquier caso seria bueno resaltar otro festival como fue Andanzas, sucedido hace menos de un mes en la PUCP como un lugar alternativo a la administración central y que ha dado un soplo de aire fresco a la danza de la ciudad. Y quizás invitar a Carla en su primer post a que nos hable de cómo fue, ya que ella estuvo bastante involucrada.

– Por otra parte y hablando de lo que se viene en la ciudad, resaltar el ciclo Indisciplinados bajo la dirección artística de Karin Elmore. Este nuevo ciclo va a estrenarse trayendo a Cuqui Jerez y Michele Di Estefano durante los siguientes meses.
Y además, y gestionado también por Karin Elmore, se aproxima una maestría mas que interesante en artes escénicas que tiene un futuro prometedor.
Os mantendré al tanto.
INDISCIPLINADOS

– Por ultimo y aprovechando este último post me gustaría compartir con vosotros un ciclo de conferencias que realizamos en Lima el pasado Julio en el CCE. Este ciclo se titulaba “Charlas sobre danza contemporánea y cuerpos en movimiento”. De alguna forma fue un intento de generar contexto para reunir a gente del mundo de la danza e interesados, para poder conversar sobre nuestras practicas artísticas en relación con distintos ejes de debate.
Este ciclo fue gestionado por un servidor, Javier Vaquero, con la ayuda del Centro Cultural de España (Lima) y con la gran colaboración de Pachi Valle-Riestra, Ana Bustinduy (La Libre de Barranco) y Carla Coronado (Danzón Nuclear).
Quiero dejar aquí los videos de las cuatro charlas para que tanto ustedes como los lectores no tan familiarizaos con teatron puedan consultarlas. Intentando con esto catalizar el encuentro de lectores teatroneros y no tan teatroneros.
Obviamente podría poner estas charlas en mi perfil de teatron pero prefiero pensar en este proyecto como algo mas colectivo y parte del tejido peruano.

CHARLAS SOBRE DANZA Y CUERPOS EN MOVIMIENTO:

Danza Contemporánea y Feminismos from Javier Vaquero on Vimeo.

Historia de la danza contemporánea peruana from Javier Vaquero on Vimeo.

Danza posmoderna y conceptual from Javier Vaquero on Vimeo.

Discursos del Cuerpo Occidental from Javier Vaquero on Vimeo.

Salud a todos y paso el relevo a Carla Coronado!!

Posted in Lima Limon | Leave a comment

Adhesión a la carta abierta de la Red de Festivales de Danza y comunidad dancística de México por el asesinato de Nadia Vera

Como muchas ya sabréis hace pocos días la violencia y la barbarie en que está sumido el pueblo mexicano desde hace ya muchos años, demasiados ya, ha golpeado con fuerza a la comunidad artística de ese país, otra vez. Y esta vez lo ha hecho directamente a la comunidad escénica. La tarde del 1 de agosto nos enteramos con gran dolor que cuatro mujeres y un hombre habían sido vilmente asesinados en un piso de la Colonia Narvarte de México DF. Entre ellas se encontraba Nadia Dominique Vera Pérez, nuestra Nadia.

Nadia, de tan sólo 34 años, además de ser una comprometida activista por la defensa de los derechos humanos y la libertad de expresión, miembro de #YoSoy132Xalapa, era una conocida gestora y productora escénica, miembro activa de la comunidad de la danza contemporánea mexicana. Hermana del coreógrafo y bailarín Shantí Vera, Nadia se encargaba de la producción de su compañía de danza, que en esos momentos se encontraba de gira por Europa, y de la gestión del Festival Internacional de Artes Escénicas “Cuatro x Cuatro”, uno de los pilares de la difusión de la creación contemporánea en México.

Todo apunta que esa tarde iban a por Nadia y a por Rubén Espinoza, conocido fotoperiodista comprometido como ella con todas las luchas sociales del país. Rubén había salido huyendo hace pocos días del estado de Veracruz luego de recibir varias amenazas de muerte con la sensación de que si se quedaba ahí al final lo acabarían matando. Para ellos el DF era un refugio, pero no fue tal. Las garras del estado asesino eran mucho más largas de lo que ellas pensaban. Porque hay que decirlo fuerte y claro, esta vez como tantas otras #FueElEstado.

Esa tarde fueron torturadas y ajusticiadas con un tiro en la cabeza. A Nadia además la violaron.

Ya veis, esta vez la barbarie nos golpeó de lleno. Y lo peor es la sensación de que no será la última vez que lo haga. Porque no son pocas nuestras colegas mexicanas que no callan ni callarán frente a la violencia que inunda de sangre el estado Mexicano.

Desde varias agrupaciones y redes de todo México se está distribuyendo una carta para que sea firmada por los miembros de la comunidad artística internacional para pedir Justicia e investigación rigurosa. Desde el Festival Transversales se está preparado una acción para presentar públicamente los apoyos dentro del festival que está a punto de comenzar. Nos dicen que la fecha limite para firmar es el 29 de agosto.

Os dejamos los links a la Carta abierta de la red de danza mexicana desde dónde podéis adheridos al manifiesto y de paso sumaros a la lucha y a la carta que ha escrito la familia de Nadia para explicar lo sucedido.

Os pedimos además que hagáis circular el link de adhesión entre vuestros contactos para sumar la mayor cantidad de gente posible.

Carta de la familia de Nadia: http://es.scribd.com/doc/274102512/Nuestra-Nadia#

Carta abierta para sumar adhesiones: http://revistafluir.com.mx/carta-al-mundo/mexico/carta-abierta-de-la-red-de-festivales-de-danza-y-comunidad-dancistica.html

Que por una vez nuestros mailings sirvan para algo más que para hacer promoción de nuestros trabajos y nuestros festivales.

Sabemos que es un gesto y nada más que eso, que tal vez no cambie nada, pero hemos de ser claros en nuestro apoyo y en nuestra posición. Ni Nadia ni nadie será olvidada. #JusticiaParaLxs5.

Por favor ¡copia y pasa!

Nadia Vera

CARTA ABIERTA A SHANTÍ VERA, SÉNDIC VAZQUÉZ, MIRTHA LUZ PÉREZ ROBLEDO, FAMILIA PÉREZ ROBLEDO DE COMITÁN, CHIAPAS, Y AL FESTIVAL INTERNACIONAL DE ARTES ESCÉNICAS “CUATRO X CUATRO” DE XALAPA, VERACRUZ.

No te rindas, por favor no cedas,
Aunque el frío queme,
Aunque el miedo muerda,
Aunque el sol se ponga y se calle el viento,
Aún hay fuego en tu alma,
Aún hay vida en tus sueños
Porque cada día es un comienzo nuevo,
Porque esta es la hora y el mejor momento.
Porque no estás solo, porque yo te quiero.

Mario Benedetti

Nadia Vera, productora del Festival Internacional de Artes Escénicas “Cuatro x Cuatro” pertenecía a una generación de jóvenes conscientes, persistentes, inteligentes y activos, con claridad para hacer tangibles sus convicciones y sus anhelos profundos por una sociedad y un país más justo, equitativo y pacífico. A través de sus acciones contundentes marcaba su vida y la de todas y todos quienes la acompañaban y la conocían dentro de sus diferentes ámbitos: la antropología, la danza, la gestión cultural y el activismo social.

Los Festivales de Danza miembros de la Red Nacional de Festivales de Danza, a la que pertenece el Festival Internacional de Artes Escénicas “Cuatro x Cuatro”, integrada por festivales institucionales e independientes de la República Mexicana, exigimos a las autoridades responsables de la impartición de justicia y de Derechos Humanos, investigar, esclarecer y hacer justicia por el asesinato de Nadia Vera.

Así mismo realizaremos acciones para mantener la memoria viva de Nadia Vera y hacer visible este acto miserable y terrible contra el gremio de danza, los gestores culturales y los jóvenes de todo el país, Latinoamérica y el mundo.

Somos una comunidad en pro del movimiento, la danza y la vida y como tal rechazamos cualquier acto de violencia.

Familia Vera, familia del Festival Internacional de Artes Escénicas Cuatro x Cuatro, familia de la danza en México, no estamos solos. Somos más.

Adhesiones aquí.

Posted in Uncategorized | 1 Comment