Más información: http://www.fitdecadiz.org/
Read MoreDondequiera, cualquier sitio, seguimos bailando
Performance de Nacho de Antonio
6 de noviembre 2020, 19 h. Matadero Madrid
Una pieza de danza, que explora la potencia del baile en el momento incipiente, también en el ocaso; en la energía latente de los cuerpos deseosos y exhaustos, que producen el espacio (social) donde bailamos. Un movimiento que genera el lugar en su casi-no-hacer: la pista de baile. Los cuerpos danzantes se expanden, se organizan, evocan un lugar común, una posibilidad de bailar juntas, de sostener este espacio de excepción de la fiesta. El dance floor como esa comunidad que se conforma y posa vibrando sobre la misma superficie durante un tiempo concreto.
Dondequiera, cualquier sitio, seguimos bailando, es una pieza site-specific de Ignacio de Antonio, bailada con Carmen Aldama, Paula Cueto y Óscar Hernández. Sonido de Juanito Jones.
Ignacio de Antonio Antón es arquitecto y creador escénico. Formado en la New York University en el departamento de Performance Studies con una beca Fulbright. Hasta el año 2015 formó parte del colectivo de arquitectura Taller de Casquería. Ha presentado sus piezas en contextos como Emily Harvey Foundation, Leal Lav, Teatro Pradillo, Matadero Madrid, Hangar, La Casa Encendida o el Centro de Arte Dos de Mayo.
Más información: https://www.mataderomadrid.org/programacion/ciudad-bailar-exagerar-0
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14 y 15 de noviembre en La Casa Encendida
Esta pieza nos habla del impacto que tuvo la epidemia del sida en la comunidad de la danza en el contexto español y latinoamericano. Un trabajo sobre la memoria, sobre los bailarines que dejaron de bailar demasiado pronto y sobre el tacto y el contacto como herramienta de supervivencia. Pero sobre todo es un trabajo que habla del amor, del cambio y del miedo.
Apropiándose de la práctica del contact improvisation, este trabajo se construye como un diálogo con los fantasmas de aquellos que se fueron. Esta práctica de danza, iniciada por Steve Paxton, en la que el movimiento se improvisa a partir del contacto físico entre dos cuerpos, contrasta con las políticas de inmunidad que trajo el VIH.
The Touching Community es un trabajo íntimo y afectivo que aborda una época que aún a día de hoy debemos seguir dando visibilidad y afrontando con la sensibilidad que requiere. Un trabajo sobre la memoria, sobre los bailarines que dejaron de bailar demasiado pronto; sobre una comunidad que se construyó fuerte en un momento de gran debilidad; y sobre el tacto y el contacto como herramienta de supervivencia. Pero sobretodo es un trabajo que habla del amor, del cambio y del miedo.
Ficha artística:
- Idea y dirección: Aimar Pérez Galí.
- Danza: Óscar Dasí, Jesús Bravo, Jaime Conde-Salazar, Daniel Méndez y Aimar Pérez Galí.
- Dramaturgia: Aimar Pérez Galí en colaboración con Jaime Conde-Salazar.
- Espacio sonoro: Óscar G. Villegas.
- Textos: Aimar Pérez Galí y Jaime Conde-Salazar con citas a Estrella de Diego, Jon Greenberg, Chantall Maillard y André Lepecki.
- Voces: Aimar Pérez Galí, Claudia Faci, Óscar G. Villegas.
- Apoyo en la investigación: Aimar Arriola.
- Diseño espacial y de luces: Cube.bz.
- Producción: ANTES / Isabel Bassas.
- Ilustración: Jordi Surribas.
Esta pieza se ha desarrollado con el apoyo de las becas de investigación de la Generalitat de Catalunya, Graner – Centre de Creació del Cos i el Moviment (Barcelona), Programa de Ayudas IBERESCENA, CaixaForum Barcelona, Tabakalera (San Sebastián), L’animal a l’esquena (Celrà, Girona), PAR – Programa Artistas en Residencia (Montevideo), Centro Cultural de España en Montevideo, CEPRODAC (Ciudad de México) y Museo del Chopo (Ciudad de México), Yaxs (Ciudad de Guatemala), Espacio Práctico (Barcelona).
Biografías cruzadas de Jesús Bravo, Jaime Conde-Salazar, Óscar Dasí, Daniel Méndez y Aimar Pérez Galí:
En 1950 nace Jesús en Puigcerdá. Con 13 años, ya en Madrid, entra en un ataque místico espiritual y decide ser sacerdote. Al año siguiente nace Óscar en Alcoy, justo cuando Jesús empieza a fascinarse por los encantos de sus compañeros, abandonando la fe al año siguiente para cambiar la caridad por la generosidad. En 1974, un 23-F, anticipando un golpe de Estado, nace Jaime en Madrid, en el momento en que Jesús descubre a Genet, Passolini y Bowie. Ya en 1982, cuando se empieza a escuchar por primera vez sobre el sida, nace Aimar en Barcelona, y llega Óscar a la misma ciudad para estudiar danza contemporánea; mientras, Jesús vuelve a Madrid después de unos años en Tánger, donde entra en contacto con la Movida y trabaja como ejecutivo en una empresa multinacional. Cuando Aimar empieza la EGB, Óscar se muda a Bruselas para entrar en la compañía de danza Rosas y, a la vez, Jaime descubre su atracción por el análisis sintáctico. En 1989, Óscar pierde a su compañero por complicaciones relacionadas con el sida; Aimar empieza sus estudios de violín; Jesús hace de culero en Pakistán; y Jaime entra en el grupo de teatro del instituto. Un año más tarde nace Daniel en Caracas (Venezuela). Mientras Jaime, en 1994, está en medio de un arrebato místico que le dura seis años, Jesús consigue liberarse de la heroína y entra en el mundo del activismo con la Radical Gai de Madrid; Óscar, de vuelta a Barcelona, entra a formar parte de La Porta, fundada dos años antes. En ese mismo año Aimar empieza a bailar claqué, después de quedar fascinado por Gene Kelly. Daniel, con ocho años empieza su formación en gimnasia artística, que mantendrá hasta el 2002, año en que se traslada a Barcelona con su madre y su abuela.
Dos años antes, Aimar y Jaime se conocen en la Universidad Carlos III de Madrid. En 2006, cuando Jesús supera un cáncer de riñón, Jaime se muda a Tenerife con su hermana para dirigir una escuela infantil Waldorf. Invitado por La Porta, Aimar presenta un trabajo en el Festival LP 09 en Barcelona, justo cuando Jaime recibe la beca de la Real Academia de Roma, ciudad que verá nacer su alter ego Doris Sterling, y Daniel empieza su formación en danza contemporánea. El año siguiente, ilusionado por la actividad artística de la ciudad, Aimar decide volver a Barcelona y fundar Espacio Práctico. Es en este espacio donde en 2012 invita a Óscar a una Noche Retro, para conocer su trayectoria y, tocado por sus palabras, decidirá investigar la relación entre la epidemia del sida y la danza. Un año después Jesús descubre a Kazuo Ohno y pierde a su ex-pareja y gran amigo a causa del sida, mientras Daniel recibe una beca para formarse como bailarín en la escuela donde Aimar imparte clases, la misma beca que él recibió en el 2001, a la vez que queda en una situación ilegal por motivos laborales y políticos, que resuelve gracias al apellido portugués de su familia paterna. Cuando Jaime cumple sus 40 años, en 2014, Jesús es diagnosticado positivo de VIH, Hepatitis C y cáncer de colon. Al año siguiente, recuperado del cáncer y jubilado, recibe el premio al mejor bailarín en el concurso popular de Matadero Madrid y Jaime publica La danza del futuro. A lo largo del 2016 y 2017, los cinco se han ido cruzando en diferentes momentos y ciudades a raíz del amor, la amistad y el proyecto The Touching Community.
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Del 5 al 8 de noviembre en el Teatro del Barrio
Catalina no se va de fiesta: es una fiesta en sí misma. Antes de salir se prueba sus cuatro medias rotas a ver qué le queda mejor y mañana se descubre el pómulo morado, los pespuntes a dentadas, agujetas en los gemelos, la afonía. Catalina se revienta y consigue, a base de besos bien y mal dados, que las otras revienten. Frente el “Madame Bovary soy yo”, que no quiere ni en pintura, Catalina declara “La rumba soy yo”, como Andrés Caicedo a su novela “¡Que viva la música!”, el cual nos enseñó a chuparnos el cabello así como “Lectura fácil”, de nuestra compañera Cristina Morales (Premio Herralde 2018 y Premio Nacional de Narrativa 2019) nos enseñó a clavarnos el canto de la mesa. Catalina peca de danza y de literatura, pero expía su cultura con
poca vergüenza.
Las artistas Elise Moreau, Cristina Morales y Elisa Keisanen problematizan los modos en que dan y reciben placer en tanto que mujeres sistemáticamente asediadas por el civismo heterosexual y monógamo. Valiéndose de las herramientas propias de la danza contemporánea y de la escritura fanzinera, así como de la novela de Morales “Lectura fácil. Ni amo, ni dios, ni partido, ni de fútbol”, la consigna de la pieza es la búsqueda de placer y el esclarecimiento de las repercusiones que conlleva.
Ficha artística
Creación e interpretación: Iniciativa Sexual Femenina (Elisa Keisanen, Cristina Morales y Élise Moreau).
Textos: Cristina Morales e Iniciativa Sexual Femenina.
Música: Red Aunts (Live in the UK); Siniestro Total (Al fondo a la derecha, Bestialismo Preescolar); La UVI (Ley y Orden); La Badana (Romance de la Gallarda, Verdigallo, Fandango do Ratinho, Vira de seis); Extremoduro (Extremaydura); Joose Keskitalo (Muuttopäivä) e Iniciativa Sexual Femenina (Catalina y Broken Nipples).
Vestuario: Iniciativa Sexual Femenina.
Arreglos musicales: Élise Moreau y Elisa Keisanen.
Diseño de iluminación: Marc Augustin-Viguier
Técnico de luz y sonido: Andrea Forlanza
Catering: Bachini-Bachini
Fotografía: Joan Manrique, Laura Rubiot y Alessia Bombaci
Agradecimientos: Maider Lasa Santamaría, Laura Rubiot, Belén Agurto, Valentina Forconi y Alexa Moya Panksep.
Coproducción: Antic Teatre, La Caldera de Les Corts y Festival Salmon.
Con el apoyo de: Centro Social Autogestionado Can Vies, La Poderosa, Konvent Zero y Graner.
Del 5 al 7 de noviembre en Teatros del Canal
Ojo Último propone una dramatización cósmica. Un viaje multidimensional y extraterrestre en el que el tiempo se desmorona. Veneno Sexy (El Musical) es una ceremonia. Un estado de conciencia alterado y confuso. Un momento de hiperlucidez involuntario. Un ritual que se sirve tanto de emojis como de la historia del pensamiento para dar lugar a una inesperada mitología digital con una épica GIF.
Ojo Último es el alter ego musical del artista SEPA, una especie de poeta robot con ideas vertiginosas. En sus trabajos aúna música, pensamiento, videocreación y performance, dando siempre lugar a obras complejas, profundas y actuales.
Recorriendo espacios imaginarios que resuenan al mismo tiempo con la más delicada intimidad personal, con la realidad social inmediata y con dioses mitológicos. Su trabajo bebe de diversas disciplinas que se complementan en una propuesta única y unitaria. Un abordaje artístico que pretende conectar la tradición y la novedad. Lo humano y lo animal. Lo visible y lo invisible. Lo sagrado e internet. Lo experimental con la cultura popular. Lo interno con lo colectivo y con lo continuo.
Su música es una inmersión en una selva y una expedición al espacio. Una intoxicación. Un viaje hasta los límites de la realidad y de uno mismo. Hasta donde la percepción aguanta. Esto, y su correspondiente viaje de vuelta.
Ojo Último comete la tarea de hilar un tejido mental desde el que pensar, habitar e imaginar este momento histórico. Diseccionando la realidad y elaborando un enfoque a partir del cual estructurar la experiencia humana. Plantea una reflexión radical acerca de qué es ser individuos, miembros de una colectividad y, en última instancia, seres vivos en el siglo XXI. Se empecina en resolver la ecuación asumiendo esta tarea imposible como zanahoria a la que perseguir para llegar en esta búsqueda lo más lejos posible.
Ojo Último apareció en el panorama artístico publicando su trilogía (El Núcleo Duro) y un espectáculo (OULCH). Desconcertante y adictivo, suponía la puesta en escena de un universo complejo, paradójico y fascinante.
Ha sido considerado como: “la propuesta más singular e interesante de la escena alternativa nacional” por diversas publicaciones musicales.
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3 de noviembre a las 20.30h en Conde Duque
PoemRoom es un ciclo de lecturas performativas que no tiene lugar ni espacio fijo, pudiendo suceder en distintas ciudades, idiomas y comunidades lingüísticas. En cada evento de PoemRoom se presentan poetas y artistas locales e internacionales que trabajan con la voz y el lenguaje, y se dan tres instancias posibles de experiencia: en primer lugar, el público que está en el sitio viendo a los artistas en directo; en segundo lugar, los espectadores de cualquier parte del mundo que siguen la retransmisión a través del streaming; y en tercer lugar, quienes posteriormente acceden al archivo del registro audiovisual.
RODRIGO GARCÍA MARINA
Nació en Madrid en 1996, es médico y ha publicado los siguientes libros: La caricia de las amapolas Premio de Poesía Saulo Torón 2015, Aureus I Premio de Poesía Irreconciliables (BANDAÀPARTE Editores) y Edad I Premio Tino Barriuso (Ediciones Hiperión).
TACODERAYA
Tacoderaya son Alberto Jonás Murias (Asturias, 1989) y Paula Pérez-Rodríguez (Madrid, 1989), un colectivo de selección de voces y sonidos, de remezcla oral y rítmica. Se conocieron en los alrededores de Madrid y México D.F. en el año 2012. Como colectivo, han sido residentes en PHotoESPAÑA y realizado performances y sets en instituciones como el CA2M, la Sala de Arte Joven o Matadero Madrid.
JOVENDELAPERLA
Rubén Herranz Zúñiga (1996 – 2016) Perla Zúñiga (2016-actualidad). Es artista, dj y poeta españolx con residencia en Berlín. Es co-fundadorx del colectivo de fiestas CULPA y del ciclo de lecturas performativas Poem Room. Acaba de realizar su primera exposición individual en el espacio madrileño Yaby: Tranquila no vas a poder describir en este momento, este momento y, actualmente se encuentra preparando su primer EP, una exploración en torno a la poesía, el lenguaje y el universo club, trabajando con productores como Lechuga Zafiro.
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29, 30 y 31 de octubre en La Mutant
AHORA es un espacio para compartir tanto prácticas vinculadas a la investigación artística como investigaciones vinculadas a la práctica en el campo de las Artes Vivas. AHORA es un contexto de tres días de duración para aprender a través de los dispositivos, mecanismos, preguntas y demás herramientas que los artistas utilizan para llevar a cabo su trabajo. AHORA pone especial énfasis en el carácter comunitario y relacional que aportan las Artes Vivas. Este tipo de disciplinas donde el cuerpo y la presencia son esenciales para su desarrollo tienen hoy en día una vigencia extraordinaria y un papel fundamental para abrir preguntas sobre lo que nos está pasando. AHORA aborda los nuevos retos que nos marca una actualidad incierta y ultrarrápida donde los artistas pueden ayudarnos a entender mejor lo que sucede.
AHORA ARTES VIVAS, organizado por APDCV (Associació de Professionals de la Dansa de la Comunitat Valenciana), COMITÈ ESCÈNIQUES (Associació de Creadors i Creadores d’Arts Escèniques Valencianes) y TALLER PLACER.
JUEVES 29/10
10h: TALLER LA INVESTIGACIÓN EN LA PRÁCTICA ARTÍSTICA, con Victoria Pérez Royo. Duración: 4 horas. Aforo: 40 personas
17h: PIEZAS, ARQUITECTURAS Y FETICHES. Un recorrido por las arquitecturas de La Ribot, con Jaime Conde Salazar. Duración: 1 hora. Aforo: 40 personas
Precio día 29: 10€. Con la entrada de ese día, tienes 2×1 para Los Torreznos (30 o 31 de octubre) solamente en taquilla.
VIERNES 30/10
10h: LA COMIDA, con Mariví Martín. Duración: 4 horas. *Cada asistente debe traer consigo un delantal y un cuchillo de corte. Cualquier alergia alimentaria o dieta específica habrá de ser comunicada al mail lacuinafurtiva@gmail.com antes del 23 de octubre. Esta actividad requiere disponibilidad para caminar durante unos 30 minutos. La actividad no se realiza en La Mutant.
Aforo: 20 personas
17h: EL PASEO, con Fermín Jiménez. Esta actividad requiere disponibilidad para caminar durante unos 30 minutos.
Precio día 30: 10€. Con la entrada de ese día, tienes 2×1 para Los Torreznos (30 o 31 de octubre) solamente en taquilla.
Aforo: 20 personas
SÁBADO 31/10
10h: GESTIÓN DE ARTES VIVAS: CONVERSACIÓN EN TORNO A LOS CUIDADOS EN LOS PROYECTOS CULTURALES DESDE LAS INSTITUCIONES PÚBLICAS, con gestores invitados. Modera: Mónica Pérez. Duración: 4 horas. Aforo: 40 personas
16h: EL FANZINE, coordinado por Dani Sanchís. Duración: 3 horas. Aforo: 40 personas
Precio día 31: 10€. Con la entrada de ese día, tienes 2×1 para Los Torreznos (30 o 31 de octubre) solamente en taquilla.
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De Annika Pannitto
31 de octubre en DT Espacio Escénico
Empiezo una práctica curiosa.
Entiendo los riesgos de entrenar la mente y la imaginación para ir a visitar la danza, para salir del camino conocido y encontrar lo inesperado.
Pedazos de espacio, pedazos de tiempo.
Ficha artística
Creación e interpretación: Annika Pannitto
Proyecto en residencia en el Centro de Artes La Praga
Gracias a Paula Cueto, Óscar Cornago, Javier Arbizu y Nazario Díaz
Las sesión se llevará a cabo en formato de jornada distendida para mostrar materiales, seguida de los consecuentes debates, cambios de impresiones, devoluciones y comentarios entre participantes.
Aforo reducido. Entrada libre previa reserva a reservas@dtespacioescenico.com
Rompo
la garganta
que hicieron
penetrar
en mi cuerpo
Lupe Gómez, Desobediencia, 1995
El Museo Reina Sofía presenta la segunda edición de ESTUDIO, un programa anual que reúne presentaciones en distintos formatos (piezas escénicas, conferencias performativas, acciones, lecturas, conversaciones), fruto de las investigaciones desarrolladas por una serie de artistas e investigadoras cuya práctica se vincula de forma directa o dialógica con el área de la coreografía y la performance.
En torno a cuestiones sobre la capacidad de hablar y de decir, sobre la violencia que implica la toma de la palabra, y el uso y cuestionamiento de la voz propia o ajena, fingida o simulada, cuando se agita en el incierto límite entre lo que se considera una verdad o una mentira, esta edición de ESTUDIO se propone imaginar nuevas formas de escucha y de reconocimiento. Detenerse ante la percepción de voces y sonidos –aparentemente no humanos, producidos desde un cuerpo humano– y entregarse a la tentativa de un salirse de sí –salir del verbo y del lenguaje, romper la asimetría entre forma y contenido– para buscar un ritmo mental, vital, un soplo duradero y compartido.
A lo largo de una tarde, se presentan las investigaciones de cuatro artistas cuyo hacer se vincula con la voz, invitando a un viaje inmersivo por los límites donde la palabra emerge, un casi decir o un sin decir. Adentrarse en un medio desde el imperceptible rugir de un breve espasmo, un sonido que alienta y que se hace lento hasta convertirse en canto, en llanto, en la agitación física de unos fonemas, de unos gestos como si fuera solo un animal, un esfuerzo sobre-lingüístico, para vivir nuestras relaciones desde una incertidumbre y una vibración.
En una condensación de intensidades, se propone una travesía por tres espacios del Museo: una de las salas de la Colección en el histórico Edificio Sabatini, antigua sede del Hospital de San Carlos fundado en el s. XVIII; su jardín, y la Sala de Protocolo en el contemporáneo Edificio Nouvel. El programa se completa con una sesión previa en forma de conversaciones con los artistas participantes para acercar estos ensayos a sus zonas de estudio.
PROGRAMA
Martes 20 de octubre, 2020 / De 10:00 a 14:00 h
Edificio Nouvel, Sala de Protocolo
ESTUDIO en conversación
Jueves 22 de octubre, 2020 / De 17:00 a 21:00 h
Sesión 1 / Edificio Nouvel, Sala de Protocolo
Los aires llevan mentiras. Niño de Elche
Duración: 40’
Sesión 2 / Edificio Sabatini, Sala 102
Tutuguri. Flora Détraz
Duración: 25’
Sesión 3 / Edificio Sabatini, Jardín
Souffle(s)! [delirios de (un) jardín]. Loreto Martínez Troncoso
Duración: 35’
Sesión 4 / Edificio Sabatini, Sala 102
Háblame, cuerpo. Nazario Díaz
Duración: 50’
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Imagen de Mila Ercoli
De Bárbara Sánchez
16 y 17 de octubre en La Casa Encendida
La pieza propone un acercamiento feminista al arquetipo cristiano de María Magdalena partiendo de lugares aparentemente tan dispares como la cultura valenciana del bacalao o la idea mística del éxtasis.
Bárbara Sánchez encarna la figura de La Gran Amante. Como en toda práctica mística, el objetivo aquí es la unión, la disolución definitiva de la distancia. No queda espacio ya para la ironía, el sarcasmo y lo autorreferencial. María Magdalena es capaz de vaciarse para encarnar al Amado, capaz de destrozar cualquier institución patriarcal para afirmar su Amor Infinito. Ella habla directamente con su Dueño, elegido libremente. No hay ni distancias ni intermediarios que valgan. Frente a la imposición capitalista de un modelo de mujer blanca y privilegiada que se puede permitir dedicar sus esfuerzos a observarse a sí misma, ella lleva a cabo un desalojo radical, una bajada consciente y deseada a los escombros del mundo, a ese lugar desde donde reina su Cristo.
Bárbara Sánchez es coreógrafa, bailarina y actriz. Nace y vive en Sevilla. Estudia arte dramático, danza clásica y contemporánea en Sevilla, ampliando su formación por distintos lugares europeos con maestros y coreógrafos tales como Philippe Gaulier, Enrique Pardo, Germana Civera, Julyen Hamillton o Ivo Dimchev. Como bailarina, ha formado parte de las compañías andaluzas Manuela Nogales, La Tarasca o La Cuadra de Sevilla. Ha creado las obras A la vuelta de la esquina (2003); El jardín de atrás (2005); Plutón no es un planeta (2008); Gala Fantoche (2010), creada junto a Roberto Martínez; Ahuyéntanos este furor (2011); La satisfacción del capricho (2013); Electrohumor (2016), creada junto a Jaime Conde-Salazar; Somewhat paler (2016); y Várvara (2019). Ha trabajado también con otros artistas como Abraham Hurtado (Ignición), Societat Doctor Alonso (El desenterrador) o Meg Stuart (Atelier III).
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