Del 8 de mayo al 28 de septiembre en el CCCB
«En el aire conmovido…» reivindica el poder transformador de las imágenes y explora cómo se ha representado la emoción en el arte. Una exposición del pensador Georges Didi-Huberman que nos invita a vivir una experiencia poética y crítica a través de un recorrido de trescientas obras de figuras clave de la cultura europea.
La exposición rinde homenaje a Federico García Lorca y a su idea de duende. El título de la muestra proviene de un verso del poema «Romance de la luna, luna», con el que Lorca iniciaba su Romancero gitano. El verso («En el aire conmovido») hace referencia a la atmósfera que se genera entre nosotros —observadores— y la imagen u obra de arte observada. Es en ese «aire» donde tiene lugar la emoción o el duende.
Porque las emociones nos conmueven y nos exponen a los demás y porque vivimos en un entorno de saturación de imágenes, el filósofo y comisario Georges Didi-Huberman nos propone tomar distancia crítica, detenernos a leer las imágenes y a observar las emociones.
«En el aire conmovido…» también explora cómo las emociones se transmiten colectivamente, desde la mirada imaginativa de los niños, pasando por las emociones en el pensamiento, la cara, el gesto, el espacio y el tiempo. La muestra se cierra con una reflexión final acerca de la dimensión ética y política de la emoción.
La exposición se puede disfrutar como un paseo poético, un juego de asociaciones libres entre más de trescientas piezas de artistas como Brecht, Camarón, Colita, Dalí, Giacometti, Goethe, Goya, Hugo, Jahnsen, Lorca, Mercadier, Miró, Pasolini, Picasso, Rodin, Trouvé o Zürn. Una selección personal de Didi-Huberman que incluye fotografías, pinturas, esculturas, películas, grabados, libros, bocetos, poemas, músicas cuyo hilo conductor es el concepto de duende de Lorca.
«En el aire conmovido…» es una coproducción del CCCB y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS), donde se presentó entre el 6 de noviembre de 2024 y el 17 de marzo de 2025.
«En el aire conmovido…» convive con la exposición «Georges Didi-Huberman. En el taller del filósofo», que puede verse en la Filmoteca de Catalunya hasta el 31 de agosto de 2025, con un programa de actividades consultable en www.filmoteca.cat.
Comisariado: Georges Didi-Huberman.
31 de mayo y 1 de junio en Teatro Ensalle
Tras los dos primeros canchales con Juan Navarro y Terrorismos de autor, el próximo 22 de marzo de 2024 se estrenará SOBRE, 14 propuestas temáticas por si tú también te aburres en Teatro Ensalle.
El estreno se presentará como uno más de los distintos procesos específicos que compondrán todo el recorrido del proyecto, ya que SOBRE será una secuencia de momentos escénicos en los que Raquel Hernández, Artús Rei y Pedro Fresneda compartirán un espacio de investigación.
Este espacio mutante seguirá siendo compartido con Terrorismo de Autor y Juan Navarro en algunos de los momentos de exhibición de la vida de SOBRE.
El trabajo se argumenta a través de -un falso catálogo de asuntos- como reacción a la homogeneidad temática de las sociedades contemporáneas. Del mismo modo adquiere relevancia el hecho de que cada momento escénico sea, valiéndose del mismo texto, una pieza distinta, pretendiendo eludir el momento industrial por el que atraviesan las artes vivas. Evitando el producto.
Amalia Fernández y Juan Carlos Lérida- Del 5 al 14 de junio en Teatro Pradillo
Es una investigación abierta al público
Es un espectáculo que surge en el presente, a base de escucha y química.
Candela Capitán – 11 de junio en el CA2M
Celda Sonora es una performance de Candela Capitán que explora el cuerpo femenino como territorio de opresión a través de la danza y de dos dispositivos que condensan formas tradicionales y contemporáneas de vigilancia: el cencerro —empleado en la ganadería para localizar a las vacas— y el algoritmo, motor opaco que estructura la visibilidad, el deseo y el comportamiento en las plataformas digitales.
Celda Sonora propone una reflexión crítica sobre cómo estos mecanismos digitales—frecuentemente entendidos como herramientas de libertad o autoexpresión— reconfiguran nuestras relaciones y condicionan la construcción de la sexualidad y el erotismo en los entornos virtuales.
El espacio performativo se convierte en una granja de producción digital, donde artista y espectadores participan activamente en la generación de contenido sin ser del todo conscientes de su rol en el proceso. La banda sonora se compone en tiempo real a partir de la interacción entre el sonido del cencerro y la conexión del público a la retransmisión en directo.
Candela Capitán (Sevilla, 1996) es artista y coreógrafa cuya práctica se sitúa en la intersección entre la performance, las artes vivas y los lenguajes digitales. Su investigación parte del cuerpo como dispositivo crítico para analizar los mecanismos de construcción del vínculo social, así como las dinámicas de alienación, desarraigo y vacío afectivo que atraviesan las sociedades contemporáneas, especialmente en contextos hipermediados.
A través de un enfoque interdisciplinar, su obra examina las relaciones entre cuerpo, objeto e imagen colectiva, articulando coreografías, instalaciones y acciones performativas que visibilizan las tensiones entre control, deseo y representación. Su producción se caracteriza por una reflexión incisiva sobre la sexualidad femenina, los regímenes contemporáneos de visibilidad y los dispositivos del deseo. Mediante un uso estratégico del voyerismo y de las plataformas de exhibición digital, Capitán propone una revisión radical de los modos en que el cuerpo se presenta, se regula y se consume en el espacio público y virtual.
Armin Hokmi – 7 de junio en el Mercat de les Flors
Shiraz es una coreografía para siete bailarines, un entretejido de movimientos y energías que se encuentran y transforman en el escenario. El punto de partida es el Shiraz Arts Festival (1967–1977), un evento que reunió a artistas de todo el mundo, mezclando tradiciones y experimentación. Armin Hokmi recupera su espíritu, recuperando su sensación de libertad y exploración a través de la danza. Shiraz explora la conexión entre la danza y el sitio, entre los gestos y la historia, entre la memoria y la invención. Los bailarines trazan caminos en constante evolución, llevando el pasado al escenario y transformándolo en presente. Un acto de compartir, de movimiento y de renacimiento.
Armin Hokmi empezó en 2009 como intérprete de teatro independiente en Irán y más tarde siguió trabajando y estudiando en el extranjero. Como bailarín e intérprete ha trabajado con artistas como Mette Ingvartsen, Kasper Ravnhøj, Hooman Sharifi y Phillip Zarrilli entre otros. Su lenguaje de danza se preocupa por las danzas que han sido descuidadas y sin consideración histórica. Armin es artista asociado en Montpellier Danse para el curso 2024-2026.
Concepto y coreografía Armin Hokmi / Danza e interpretación Daniel Sarr, Luisa Fernanda Alfonso, Xenia Koghilaki, Aleksandra Petrushevska, Efthimios Moschopoulos, Johanna Ryynänen, Emmi Venna, Charlott Madeleine Utzig / Música EHSXN, Reza R / Escenografía y concepto iluminación Felipe Osorio Guzmán / Diseño iluminación Vito Walter / Creada en conversación con Emmi Venna / Vestuario Moriah Askenaizer / Consulta y estudio archivo del Shiraz Arts Festival (1966-1977) Vali Mahlouji
Coproducción Festival Montpellier Danse 2024, Rosendal Teater (Trondheim), Dansehallerne (Copenhagen), Black Box teater (Oslo), Tanzfabrik (Berlín) / Con el apoyo Arts Council Norway, Nordic Culture Fund, FFUK, Nordic Culture Point / Apoyo residencias Montpellier Danse, Tanzfabrik (Berlin), Lake Studios (Berlin), Uferstudios (Berlin), DAVVI Center for Performing Arts Hammerfest / Período de investigación con el apoyo Dis-Tanzen / Agradecimientos Anne-Cécile Sibué, Rasmus Jensen, Diletta Sperman, Ellen Söderhult, Theatre Haus Berlin.
