— MuroTRON

7 de octubre en el CCCB

laSADCUM presenta la primera fase del proceso creativo de Navaja, una pieza de danza en la que se investiga la repercusión de la tecnología e internet en los cuerpos en fase de aprendizaje y de desarrollo de sus relaciones sexoafectivas.

laSADCUM esboza Navaja, una pieza de danza que aborda la influencia del consumo digital en la generación postinternet en relación con las sexualidades metálicas creadas por la influencia de la pornografía y la hipersexualización virtual. Navaja explora la repercusión de las representaciones audiovisuales sobre los cuerpos en fase de aprendizaje, desde las películas de Disney hasta las productoras de contenido para adultos, en un ballet-musical de jóvenes-adultos que han desarrollado su sexualidad a partir de los cánones de la pornografía efebofílica.  Un trabajo que investiga la influencia de estas representaciones y dinámicas dentro y fuera de la práctica sexual, para observar cómo han dictado el comportamiento de la sociedad postinternet.

Más info y entradas: https://www.cccb.org/es/actividades/ficha/lasadcum/242866.

Ficha artística

Autoría laSADCUM
Dirección y coreografía Guillem Jiménez
Asistencia de dirección Vera Palomino
Interpretación Judit Amengual, Laia Camps, Guillem Jiménez, Wilchaan Roy y Javi Valls
Composición musical DA ROCHA y Guillem Jiménez
Colaboración musical Tarta Relena
Iluminación Oscila
Escenografía Oriol Corral
Vestuario Gina Berenguer
Maquillaje Juan Galo
Producción Muntsa Roca – Lila Brick y Blanca Sartorius
Asesoría artística Roberto Fratini y Juan Carlos Lérida
Fotografía Sonia Merval

Con el apoyo de CCCB, Fabra i Coats, El Corralito x TNT y Nau Estruch.

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La hora del tango en la playa de Artistas Unidos. Crónica. Madrid, 1929

 

Del 29 de septiembre al 21 de enero en CentroCentro

Madrid desde el baile es un relato coral y apócrifo de la ciudad de Madrid, contado desde, a través y alrededor del baile. Es un paseo zigzagueante por siglos de producción cultural y política, y propone una mirada sobre una ciudad que se ha construido a paso de pavanas, zarabandas, chotis, rigodones, himnos techneros y reguetones.

Para entender qué significa esto, empecemos liberándonos de la idea de que exista sólo una Historia y un solo Arte. Sigamos aligerándonos de la presión de determinar qué es la una y qué es el otro, y disfrutemos observando cómo prácticas populares, pequeñas historias ordinarias y grandes hitos se entrelazan de manera inseparable en la producción de la ciudad. Acabemos este ejercicio de apertura del imaginario, tomándonos la licencia de empezar a mirar detrás de las cortinas de los grandes relatos fundadores de Madrid, disfrutando de la oportunidad de buscar algunos de sus engranajes más profundos fuera de los libros: en las celebraciones colectivas, en los diálogos no verbales entre cuerpos danzantes, en el frenesí hedonista del baile.

Madrid desde el Baile nos propone explorar esta idea: abre ventanas sobre una calle donde suenan las canciones de moda tocadas por los organillos del taller de Apruzzese, nos invita a celebrar una rave de hace 4000 años en compañía de una comunidad que habita La Pedriza, nos lleva de paseo por los Campos Elíseos de Madrid y a disfrutar de una noche de baile decimonónica en Jardín Paraíso. Nos acompaña por los alrededores de la Ermita de San Antonio de la Florida, por la Virgen del Puerto, el Manzanares y la Pradera de San Isidro, por esos lugares que, en los últimos 500 años, no sólo han sido epicentros del ocio popular, sino verdaderos laboratorios donde se ha cocinado la política y la cultura de la ciudad.

La exposición se adentra en salones de la nobleza y del proletariado, discotecas, clubes, afters y antros de la picardía, de la frivolidad y de las disidencias, observa las grandes revoluciones tecnológicas, estéticas, sociales y políticas pero también aquellas cosas que no han cambiado y, quizás, nunca cambiarán.

Madrid desde el baile está comisariada por Massimiliano Casu, creador y productor cultural originario de Cerdeña (Italia), afincado en Madrid desde 2006. Aquí ha desarrollado gran parte de su trayectoria artística y su interés por el uso de la música, del arte sonoro y de las prácticas performáticas colectivas como instrumentos para la activación de la participación ciudadana. Su trabajo se centra en investigar los procesos de producción colectiva del espacio social urbano, enfocándose principalmente en el repertorio de los rituales musicales populares, sean estos fiestas rave, verbenas de barrio o quedadas de jóvenes en los espacios públicos. Ha publicado textos y artículos sobre la producción social del espacio urbano a través de la fiesta y ha sido promotor de un sinfiín de fiestas-happening en colaboración con las principales instituciones culturales madrileñas y estatales. Desde 2018 es director de Ciudad Bailar, un festival que investiga la relación entre baile y vida urbana en Madrid, realizado en colaboración con Intermediae-Matadero Madrid.

Diseño gráfico y museográfico: Casa Antillón

Visitas guiadas con el comisario.
Sábados 30 de septiembre, 28 de octubre, 25 de noviembre, 30 de diciembre, 12:30 h.
Inscripción previa en: info@centrocentro.org.

Programa de actividades: https://www.centrocentro.org/programa-publico/madrid-desde-el-baile-0.

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Alex Baczyński-Jenkins – 7 y 8 de octubre en el MACBA dentro del festival Sâlmon

Festival Sâlmon y MACBA presentan Untitled (Holding Horizon), una coreografía que sigue explorando el compromiso de Alex Baczyński-Jenkins con las negociaciones del deseo, la materialidad de los gestos y los afectos queer. A través de gestos sensuales y alienados y el uso del box step –un paso utilizado en diferentes danzas sociales–, la sincronización, el placer y la alianza coexisten con la desorientación, el límite y la pérdida.

En los umbrales de la visibilidad y la invisibilidad, los performers navegan por las dinámicas fluctuantes de la colectividad, la intimidad y la interdependencia. Afectan y se ven afectados por el sonido y la luz mezclados en directo, mientras que la repetición y la duración provocan percepciones y asociaciones cambiantes. El recuerdo de una rave, una reunión espectral, una celebración y un duelo, una congregación militante, una fantasía bucólica. En este estado alterado, el box step se convierte en un recipiente para el límite como material de trabajo.

Más información y entradas: https://www.macba.cat/es/exposiciones-actividades/actividades/untitled-holding-horizon.

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Programación completa: http://www.madrid.org/surgemadrid/2023/index.html.

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Lo Imposible es Desaparecer de Lara Brown y Jonás de Murias | 5 de octubre a las 18h30 en el patio del Kursaal dentro de la Fira Mediterrània de Manresa. Gratuito.

Este trabajo es una reflexión performativa que plantea cómo los cuerpos hacen de contenedores de nuestras danzas del pasado para que éstas puedan atravesar el tiempo y aparecer en el presente. A partir de esta pregunta, nace esta nueva creación. ¿Qué es lo que nos permite incorporar a un contexto contemporáneo los movimientos de raíz y las danzas populares de hace siglos? En esta pieza trataremos de bailar cómo archiva un cuerpo, cómo archiva una palabra, cómo vibra un archivo, hasta qué punto el archivo es capaz de romper la idea lineal de tiempo. El trabajo de Lara Brown consiste en analizar y observar el impacto del folklore en un cuerpo contemporáneo. En pensar en cómo las danzas populares se han trasladado en el tiempo a través de los cuerpos danzantes.

Más información: Fira mediterrània de Manresa

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vulnerasti cor meum / Madrid de Carmen Aldama | Del 2 al 28 de octubre en Surge Madrid

Pieza para un solo espectador

Fue a Roma buscando el amor. El amor le dio una perspectiva. La perspectiva le dio unas vistas. Las vistas le dieron calma. La calma abrió sus sentidos. Sus sentidos afinaron sus oídos. Y entonces su oído comenzó a sentir campanas.

TEATRO DE LAS AGUAS
Calle de las Aguas, 8, 28005 Madrid

Del 2 al 28 de octubre, cada día a las 11:00 h
El 29 de octubre, cierre con todos los espectadores a las 18:00 h
Con la colaboración de Campaneros de Madrid.

Duración: 1 hora
Con inscripción previa en carmenaldamagoded@gmail.com

Más información: Surge Madrid

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Al otro lado del sol no hay al otro lado de Julián Pacomio | 29 y 30 de septiembre en Surge Madrid

Al otro lado del sol no hay al otro lado es una propuesta escénica que nace de una admiración por la noche, pero sobre todo, de un hartazgo. Un cansancio de la noche y de la fiesta. ¿Acaso los misterios, lo oculto, lo periférico y lo extraño sólo pueden acontecer en la noche? Mi respuesta es no. ¿Acaso no existen oscuridades a plena luz del día? ¿Qué daña más al ojo, la oscuridad total o mirar fijamente al sol? Nada ha dolido nunca más que una imagen profundamente luminosa y absolutamente radiante.

Más información: Surge Madrid

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Se abre el telón y aparecen nuestras queridas participantas ¿cuál es la película? CABARET INTERNET: EL CASTING 2.0. 6.10.23 en @elpumarejo // Tickets aquí.

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Andrea Soto Calderón, Tanya Beyeler, Carme Torrent, Julia Spínola y Fernando Gandasegui – 30 de septiembre de 11h a 17h en La Caldera

Entrada 5€ bono comida. Reserva previa obligatoria.

Esta segunda actividad de Lo que nos mueve propone un encuentro alrededor del trabajo de Andrea Soto Calderón y, en particular, sobre su capacidad de afectar y ser afectado por las prácticas artísticas cuya materia preeminente es el cuerpo o los cuerpos.

Para hacerlo posible dispondremos de una jornada completa en la que, a través de la práctica y el diálogo, pondremos en movimiento el vínculo del corpus de pensamiento de Andrea Soto Calderón con los trabajos e intereses de Tanya Beyeler, Carme Torrent y Julia Spínola. Artistas provenientes del teatro, la danza y la escultura respectivamente, cuyos modos de hacer problematizan y amplían las posibilidades del espectro con respecto a las imágenes y otros regímenes sensibles en la actualidad.

Planteada como un espacio distendido de apertura y escucha a esos otros regímenes posibles, la jornada empezará con una sencilla práctica física, pensada para sintonizar cuerpos y sinapsis, que dará paso al diálogo entre Andrea, Tanya, Carme y Julia. Comeremos juntas y se abrirá la conversación a todas las asistentes en la sobremesa, imagen que apunta a una posible fuga del encuentro y su continuidad en el futuro.

Con Andrea Soto Calderón, Tanya Beyeler, Carme Torrent y Julia Spínola.

Coordinado por Fernando Gandasegui.

Más información y entradas: https://www.lacaldera.info/es/actividades/lo-que-nos-mueve-jornada-de-charlas.

ANDREA SOTO CALDERÓN. Doctora en Filosofía, profesora de Estética y Teoría del Arte. Sus líneas de investigación se centran en las transformaciones de la experiencia estética en la cultura contemporánea, la crítica, el estudio de la imagen y los medios. Entre sus publicaciones recientes destaca su libro Le travail des images junto a Jacques Rancière, Les presses du réel, 2019, La performatividad de las imágenes, Metales Pesados, 2020, Imaginación material, Metales Pesados, 2022 e Imágenes que resisten. La genealogía como método crítico, La Virreina Centre de la Imatge, 2023.

FERNANDO GANDASEGUI. Artista, comisario e investigador en artes performativas. Actualmente es el comisario de los festivales Domingo en La Casa Encendida y Secuencia en Fabra i Coats, y codirige la plataforma web Teatron. Su trabajo artístico se ha presentado en diversas instituciones nacionales e internacionales y forma parte de la Colección del CA2M y del Archivo de creadores de Matadero. Formó parte del colectivo PLAYdramaturgia, y ha sido artista residente en Graner, La Caldera o Malavoadora entre otras. Fue coordinador de Teatro Pradillo en Madrid y formó parte de su dirección artística. Ha comisariado ciclos para el Festival Punto de Vista, codirigido La Plaza en Verano de Matadero o codiseñado programas de residencias e investigación en el Centro Cultural de España en La Paz. Ha dirigido la comunicación de varios festivales, publicado en diversos medios, catálogos y programas de mano, y sigue escribiendo en su blog.

TANYA BEYELER CEBRIÁN (Lugano, Suiza 1980). En 2001 empieza sus estudios teatrales en Valencia donde se diploma en Arte dramático. Enseguida empieza a trabajar como actriz en Valencia en piezas teatrales pero con el tiempo y la experiencia se aproxima a la danza y la performance. En 2008 se muda a Barcelona para estudiar dramaturgia y Humanidades y empieza a trabajar con la compañía de danza La Veronal donde conoce a Pablo Gisbert con quien co-dirige dese el 2010 El Conde de Torrefiel; un proyecto escénico que se caracterizan por puestas en escena donde coreografía, texto y sonido convergen para crear narraciones visuales y sensoriales que piensan las tensiones entre lo individual y lo colectivo en la sociedad occidental contemporánea. Como dramaturga ha colaborado con compañía de danza de España y Suiza y puntualmente imparte talleres de puesta en escena y dramaturgia para la danza. En 2021 recibe en Suiza el premio nacional de artes escénicas.

CARME TORRENT. Estudia arquitectura en la universidad politécnica de Barcelona mientras trabaja en diversos estudios entre ellos el del arquitecto Enric Miralles. Paralelamente desarrolla su trabajo en el ámbito de la danza; mostrando sus trabajos, en colaboraciones con otros artistas, siendo performer para otrxs coreógrafxs. Interesada por el trabajo de Body Weather (laboratorio de climatologia corporal), desarrollado por Min Tanaka y Hisako Horikawa, viaja a Japón y colabora regularmente con la compañía Tokason, dirigida por Min Tanaka. También colabora asiduamente con el coreógrafo Xavier Le Roy, en propuestas para espacios expositivos. Se da a la exploración y escucha en la tactilidad corporal a través de diversas prácticas; prácticas con las que entiende lo político inseparable de la pregunta por el saber que habita lo sensible en su despliegue mismo. Graduada en filosofía en la UB, universidad de Barcelona. Imparte talleres en MACAP Máster de Artes Escénicas, Gerona-Ljubljana-Dartington, y dentro del programa de Máster E.X.E.R.C.E, Montpellier.

JULIA SPÍNOLA nació en 1979 en Madrid y actualmente vive y trabaja en Barcelona. Desarrolla su investigación en el campo de la escultura. Ha expuesto su trabajo en diversas muestras individuales y colectivas como por ejemplo Persona, foto, copia, Museo Artium (Vitoria, 2023); Café con leche, piña, huevo con jitomate, cebolla y cilantro, junto a Susana Solano y David Bestué, en la Galería Carreras Múgica (Bilbao, 2023), vis., en el Espai 13 de la Fundación Miró (Barcelona, 2020); Rojamente, Espacio Artiatx (Bilbao, 2020); Lubricán, CA2M (Madrid, 2018).

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Andrea Soto Calderón – 29 de septiembre en La Caldera

Las formas de producción capitalista avanzan estandarizando nuestros gestos, movimientos, relaciones, palabras e imágenes. Los modos de implementación de las prácticas hegemónicas no están determinados por un hacer discursivo, al contrario, son prácticas extremadamente complejas, porque no se impone solo como un conjunto de ideas abstractas, no se instauran verticalmente, son sistemas organizados en los que unas formas se hacen dominantes. De ahí la importancia de crear espacios de disidencia colectiva, un pensar que no se hace solo desde la palabra sino desde una comprensión más amplia de la experiencia.

Desde la atención a ciertas características de la danza, reflexionaremos en torno a cómo la danza permite pasar de la idea de movimiento como funcionalidad (acción) a la idea del movimiento como juego, esto es, una forma de experiencia en la que ya no se está determinado a ejecutar una capacidad específica para responder a un impulso determinado, necesidad o interés, como ocurre en las formas ordinarias de la experiencia. Es sobre todo la experiencia de una capacidad de indeterminación, una capacidad que puede ser compartida por cualquiera, un movimiento que no está limitado por la obligación de realizar acciones o expresar emociones.

Este desplazamiento de la acción al movimiento en relación a la performatividad nos permite desalojar la pregunta por los efectos que puede producir una performance en la práctica sensible, política o comunitaria, para introducir la inquietud por el campo de posibilidades que con ella se abre. Lo que a su vez reformula los términos de la producción y creación, así como los de su percepción. Desde esta perspectiva se trataría de dejar de valorar y juzgar la danza y su relación con la política en términos de lo que nos hace hacer; y atender a los movimientos que es capaz de generar para abrir las posibilidades de este mundo que parece encerrado en su clausura.

ANDREA SOTO CALDERÓN. Doctora en Filosofía, profesora de Estética y Teoría del Arte. Sus líneas de investigación se centran en las transformaciones de la experiencia estética en la cultura contemporánea, la crítica, el estudio de la imagen y los medios. Entre sus publicaciones recientes destaca su libro Le travail des images junto a Jacques Rancière, Les presses du réel, 2019, La performatividad de las imágenes, Metales Pesados, 2020, Imaginación material, Metales Pesados, 2022 e Imágenes que resisten. La genealogía como método crítico, La Virreina Centre de la Imatge, 2023.

Más información (entrada gratuita): https://www.lacaldera.info/es/actividades/lo-que-nos-mueve-la-danza-y-sus-incidencias-sensibles.

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