Ballarina: Bailarina Reload 2014-2024 de Sònia Gómez | 16 de marzo en el Teatre L’Artesà del Prat de Llobregat dentro del festival Dansa Metropolitana
La dansa com a forma de vida, una indagació del moment artístic de Sònia Gómez, després de 25 anys de professió.La danza como forma de vida, una indagación del momento artístico de Sònia Gómez, después de 25 años de profesión.
El movimiento y el deseo de moverse es el protagonista absoluto en Ballarina. Una indagación en el momento artístico de la bailarina, performer y coreógrafa Sònia Gómez, que implementa el bagaje y la pericia adquirida en los escenarios durante los 25 años de profesión artística. Una performance de un cuerpo de 50 años, imaginativo e irónico, más allá de las tendencias, y que representa un deseo de resistencia alegre, posible y regeneradora, y con un mensaje claro: la danza como forma de vida y participación activa en el conjunto de la sociedad.
Desde 2004, Sònia Gómez trabaja en proyectos con temas como la construcción de la identidad, pero también el descubrimiento de ciertas imposturas sociales a través del arte y de las imposturas del arte a través del cuerpo y la performance. La bailarina y coreógrafa catalana ha actuado en España, el Reino Unido, Italia, Alemania, Francia, Estonia, Portugal, EE. UU., Brasil, México, Holanda, Colombia, Chile, China, la República Checa y Canadá.
Autoría, dirección, interpretación y producción: Sònia Gómez – Sugerencias musicales: David Cauquil – Edición sonora: Manu Léonard – Escenografía, vestuario y diseño de iluminación: Emily y Sònia Gómez – Fotografía: Mercat de les Flors – John James Audubon – Coproducción: Teatro L’Artesà – Agradecimientos: Marta Oliveres y Cristina Alonso
Más información y entradas: Dansa metropolitana
Una imagen interior de El Conde de Torrefiel | Del 16 al 19 de marzo en el Centro de cultura contemporánea Condeduque de Madrid
Toda la existencia es una imagen interior, o una sucesión de imágenes que discurre en mi cabeza, como una película. Si me muero se acaba la película, aunque una muy parecida siga discurriendo en otras cabezas. Yo desaparezco, pero no así la realidad. El mundo soy yo en cuanto que soy una parte del mundo. La realidad… ¿Qué diablos es la realidad? Una pregunta muy antigua y una impresión de lo que percibimos que ni las palabras ni las imágenes consiguen plasmar del todo. «Ante la evidencia de este paisaje de fracaso, Una imagen interior es un ejercicio poético que sonda los principios fundacionales del concepto de ficción en disputa constante con la incuestionable ley gravitacional a la que están sujetos los cuerpos». Así explica El Conde de Torrefiel, o lo que es lo mismo, Tanya Beyeler y Pablo Gisbert, esta aproximación al complejo concepto de realidad y a su tensión cada vez más acuciante con todo eso que llamamos ficción, cada vez más hegemónico. ¿O es una ficción la hegemonía de la ficción? ¿Es hegemónica por excesiva y excesiva por ser producto capitalista? ¿Nos abruma el exceso de ficción hasta comprometer nuestros sentidos y nuestra salud mental? ¿Hemos entregado la capacidad de generar relatos propios al capitalismo de plataforma como delegamos nuestra inteligencia frente al solucionismo irreflexivo y acrítico de Silicon Valley?
Como es habitual en el trabajo de El Conde de Torrefiel, se llega a un resultado a través de varias fases de trabajo que van sucediendo en distintos lugares. El primer impulso, en este caso, surge de un concepto fabricado por ellos mismos: el de ultraficción. «Fue la palabra que encontramos para dar nombre a una sensación que teníamos durante los dos años de pandemia, donde la frontera cada vez más fina entre realidad y ficción estaba muy presente»”, explica Tanya Beyeler. La primera aproximación al concepto tuvo lugar en el festival italiano de Santarcangelo en verano de 2021 y la pieza se ha ido modelando en diversas tentativas posteriores. La idea principal que finalmente atraviesa el trabajo tiene que ver con que «la realidad muchas veces es una ficción construida, un orden imaginado por uno mismo que adquiere categoría de real, sin serlo». De ahí que hayan apostado por entregar su investigación a través de un texto en primera persona, un yo problematizado combinado con otros elementos escénicos aparentemente desconectados de la idea expresada en palabras.
Más información y entradas: Condeduque
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Canto mineral: concierto y charla geológica de AzkonaToloza y Rodrigo Rammsy | 13 de marzo en el CCCB
La compañía de teatro documental AzkonaToloza ofrece un concierto geológico, seguido de una charla con la periodista Elisenda Pallarés Piquer sobre los límites minerales del planeta.
Después de años interpretando relatos humanos en escena, Laida Azkona y Txalo Toloza decidieron escuchar otras voces. Las voces de los elementos que, aún y convivir con nosotros y constituir la base matérica de la vida y de nuestros sistemas económicos y culturales, no son reconocidas como sujeto de derecho. En Canto Mineral, la compañía Azkona & Toloza da voz a las montañas, a los volcanes y a las rocas, cuestionando la distinción entre la materia viva y la muerta para generar un diálogo geológico. En esta sesión presentarán la versión concierto del montaje teatral acompañados por el músico Rodrigo Rammsy, seguido de un diálogo con Elisenda Pallarés Piquer, periodista de la revista Climática, sobre la relación entre extractivismo y cambio climático.
Modera: Elisenda Pallarés Piquer
Participantes: Laida Azkona, Txalo Toloza-Fernández, Rodrigo Rammsy Varas
Esta actividad forma parte de Materias primas
Más información y entradas: CCCB
Fuck me de Marina Otero | 11 de marzo en el Teatre Joventut de L’Hospitalet dentro de Dansa Metropolitana
La coreógrafa argentina Marina Otero presenta esta pieza exitosa sobre el narcisismo que se ha visto en todo el mundo. Un espectáculo entre la ficción y el documental, la danza y la performance.
El espectáculo incluye el desnudo integral de los intérpretes.
En esta rompedora y sorprendente pieza, da órdenes a unos cuerpos masculinos para indagar en el paso del tiempo y las marcas que deja en los cuerpos. Un espectáculo entre la ficción y el documental, la danza y la performance, el accidente y la representación. Conocida por subir siempre al escenario como una luchadora y heroína, la creadora argentina Marina Otero cede su lugar para que cinco performers-bailarines hablen por ella a través de sus cuerpos. En Fuck me, Premio del Público 2021 del ZKB – Theater Spektakel de Zúrich, por primera vez Otero no aparece en solitario en el escenario en un acto consciente de narcisismo.
Marina Otero (Buenos Aires, 1984) es directora, intérprete, autora y docente. Fuck Me es la tercera parte – luego de las obras Andrea y Recordar 30 años para vivir 65 minutos – del proyecto RECORDAR PARA VIVIR con el cual se propone construir una obra inacabable sobre su vida hasta el día de su muerte; recientemente ha lanzado su última pieza Love me. Sus espectáculos se han presentado en Singapur, Suiza, Sarajevo, España, Italia, Francia, Bélgica, los Países Bajos, Portugal, Perú, Chile, Colombia, Brasil, México y Argentina. Ganadora de varios premios como el Premio del Público ZKB – Theater Spektakel 2021 (Zúrich); Mejor Dirección en Danza en la Bienal de Arte Joven 2016 (Buenos Aires) y Premio Estrella de Mar (Mar del Plata). Además, coordina talleres y seminarios de creación en Argentina, Francia, Perú y España.
Dramaturgia y dirección: Marina Otero – Intérpretes: Augusto Chiappe, Juanfra López Bubica, Fred Raposo, Matías Rebossio, Miguel Valdivieso, Cristian Vega y Marina Otero – Asistencia en dirección: Lucrecia Pierpaoli – Producción general: Mariano De Mendonça – Espacio e iluminación & dirección técnica: David Seldes y Facundo David – Diseño de iluminación y espacio: Adrián Grimozzi – Diseño de vestuario: Uriel Cistaro – Edición digital y música original: Julián Rodríguez Rona – Asesoría en dramaturgia: Martín Flores Cárdenas – Asistencia coreográfica: Lucía Giannoni – Artista visual: Lucio Bazzalo – Montaje técnico audiovisual: Florencia Labat – Estilismo de vestuario: Chu Riperto – Realización de vestuario: Adriana Baldani – Fotografía: Matías Kedak, Diego Astarita, Ale Carmona, Maca De Noia i Marco Roa – Producción ejecutiva: Mariano De Mendonça y Marina D ́lucca – Producción: Marcia Rivas – Distribución y producción delegada: T4, Otto Productions, Ptc Teatro y Studio Grompone – Coproducción: Festival Internacional de Buenos Aires (FIBA) 2020
Más información: Dansa Metropolitana
Fosc de Javier J Hedrosa y Néstor García | 11 y 12 de marzo en La Fundición de Bilbao
Un proyecto escénico que investiga y reflexiona sobre el papel del espectador de artes escénicas, el archivo y la memoria individual y colectiva de la experiencia teatral. ¿Qué recuerda el espectador? ¿Qué es lo que le marca? ¿Qué le hace volver al teatro? Por ello, el dispositivo escénico se sitúa en el patio de butacas, y no en el “escenario”, desde donde algunos especta- dores locales se convierten en protagonistas narrando en directo sus memorias.
Por otra parte, para dar espacio y agencia al espectador y a sus experiencias decidimos invitar a diferentes espectadores de artes escénicas para que compartan sus memorias teatrales y contar con algunos de ellos para la puesta en escena, entendiendo la experiencia teatral como un acto comunitario, un acontecimiento del que participan por igual autores, obra y espectadores. Para subrayar la mirada del espectador, le damos la vuelta al dispositivo escénico concentrando la acción en el patio de butacas, dejando la escena vacía como espacio de evocación y proyección de la memoria. Así, el rol del actor/bailarín emerge en escena sólo en momentos muy señalados de la pieza como contrapunto.
Concepto y creación: Javier J Hedrosa y Néstor García
Con la colaboración: Rafael Ridaura y José Julián
Con el acompañamiento: Tatiana Clavel
Mirada externa: Sofia Asèncio
Diseño de luces: Diego Sánchez
Una producción de Javier J Hedrosa
Con el apoyo de: Graners de Creació, Espai Inestable, Dansa València, La Nau Ivanow (Barcelona), Centro Coreográfico de la Gomera, IVC.
Agradecimientos: Santi de la Fuente, Laura Pastor, Fernanda Medina, Teatro de lo Aus- ente, Itziar Barriobero.
La compañía de Javier J Hedrosa está en activo desde 2016. Su trabajo pone el foco en el archivo, la memoria del hecho coreográfico, la agencia del espectador y cuestiones locales.
Desde sus inicios hasta hoy ha creado varias piezas de danza estrenadas en València, para teatros y museos. Sus piezas se han presentado en festivales como Dansa València, Camping en el CND de París, 10 Sentidos, ACT Bilbao, Circuito Bucles, Russafa Escénica. Sus piezas se han estrenado en salas como Carme Teatre, Espacio Intestable o lo CCCC.
Asimismo, ha realizado proyectos de innovación e investigación pedagógica con el Conservatorio Profesional de Danza de València o los Centros Municipales de Juventud.
Ha contado con la colaboración de Graners de Creació, La Nau Ivanow, el CC de La Gomera y cuenta con el apoyo del Institut Valencià de Cultura o el Ayuntamiento de València.
Más información y entradas: La Fundición
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Si el meu cos esta nit parlara de El Conde de Torrefiel | 4 de marzo en el IVAM Alcoi
En el marco de “Un contínuum común indefinidamente liso. Proyecciones sobre la contemporaneidad en la colección del IVAM”.
Si el meu cos esta nit parlara es una pieza bailada, una aproximación desde la práctica escénica a la exposición Un continuum común indefinidamente liso, de Diana Guijarro, en el IVAM de Alcoi. Esta pieza site specific de la compañía recoge la invitación de la comisaria a observar con ojo caleidoscópico los conceptos de tiempo y contemporaneidad encriptados en los objetos que habitan esta muestra.
Todos y cada uno de los millones de objetos que aparecen sobre la superficie de la tierra guardan una historia propia, poseen un relato único, tienen algo que contar. Tanto los objetos originales como los replicados y mercantilizados, esconden secretos de su contemporaneidad, han escuchado las lenguas de su tiempo, poseen una certeza arraigada al espacio y contexto donde aparecieron, desde el exclusivo y único Guerrer de Moixent creado en el siglo V a.C. hasta un multiproducido Tamagotchi creado industrialmente en el año 1996.
Cuando añadimos a este objeto la cualidad de obra artística, su historia se hace todavía más compleja dentro de su fantasmagoría.
Si cosificaramos a una persona, si le impidiéramos hablar y moverse espontáneamente, si tratáramos un cuerpo como si fuera un objeto más colocado para articular una exposición, ese cuerpo se revelaría única e inevitablemente en su propia imagen; un cuerpo sin voz propia, que emana un imaginario, unas sinergias y asonancias. Ese cuerpo enmudecido, como si de se tratara un enigma, encierra experiencias, preguntas, memoria y, en definitiva, una historia. Y la imagen de ese cuerpo entraría en diálogo con sus espectadores que solo pueden escucharlo con la mirada.
No es habitual ver en un museo un cuerpo vivo como objeto a contemplar. El espacio destinado para observar cuerpos vivos y cosificados es el teatro. El Conde de Torrefiel propone la observación de un cuerpo en movimiento, que narra sin hablar y que, al atravesar la escenografía accidental que le proporciona la exposición comisariada por Diana Guijarro, construye automáticamente otra imagen, otra historia posible.
Horario: Dos sesiones a las 11:30 h y 16 h
Lugar: IVAM Alcoi
Un proyecto de: El Conde de Torrefiel (Tanya Beyeler y Pablo Gisbert)
Mediación: Anaïs Doménech
público general
Más información: IVAM
Oasis de la impunidad de Teatro La Re-Sentida | Del 9 al 12 de marzo en el Teatre Lliure de Gràcia
Tras el éxito internacional de Paisajes para no colorear, la compañía chilena presenta un espectáculo entre el teatro y la danza sobre las formas de violencia de los cuerpos policiales de las sociedades democráticas.
Ocho cuerpos se mueven por el escenario en misteriosas sacudidas. Marchan, entrenan y celebran, pero no está claro si sus movimientos hablan del sufrimiento o de la alegría, del orgullo o del miedo. Juntos forman un cuerpo de seguridad, un organismo mecánico y convulso compuesto por cuerpos estrictamente disciplinados. Educados para perpetrar la violencia contra sí mismos y contra los demás, lo que se inscribe en sus cuerpos impregna todos los niveles de su ser y vivir. ¡Mantener el orden es el imperativo! En un espacio museístico abstracto, fuerzas de seguridad, sus víctimas y figuras fantásticas del terror se reúnen en un ritual de confesión, expiación y denuncia. Oasis de la impunidad propone una reflexión coreográfica sobre la naturaleza de la violencia estatal que ha vinculado a las fuerzas de seguridad y ciudadanos en una dialéctica permanente a lo largo de nuestra historia, centrándose en las motivaciones sistémicas e individuales de los sujetos que ejercen dicha violencia: ¿Cómo se entrelazan la convicción individual y la disciplina violenta?, ¿Quién utiliza y quién controla el monopolio estatal de la violencia?, ¿Cómo puede una sociedad democrática encontrar un consenso sobre el uso legítimo de la violencia?, ¿Cuándo se convierte el miedo y la desacralización del cuerpo humano en las únicas estrategias de adoctrinamiento, castigo y control?
La Re-sentida nació en el año 2008, gracias a jóvenes artistas de la escena chilena que buscaban la consolidación de una poética capaz de encarnar los pulsos, las visiones y las ideas de su generación. Su objetivo es crear desmarcándose de las formas y los discursos artísticos hegemónicos. La compañía se caracteriza por su carácter descarado, su afán de desacralización de tabú y de hacer reflexionar desde la provocación. Sus creaciones tienen una gran carga política y un tono de crítica, reflexión y construcción. Sus espectáculos han pasado por quince ciudades de Chile y más de veinticinco países, y han participado en más de ochenta escenarios internacionales entre los que se encuentran los más prestigiosos del mundo.
Más información: Dansa Metropolitana
Hammamturgia de Societat Doctor Alonso | 8 de marzo en el Teatro Calderón de Valladolid
Con Societat Doctor Alonso nunca puede darse nada por sentado; anti-apriorísticos ellos, alérgicos a la convención establecida, valga la redundancia, el espacio-tiempo en puro presente que construyen en cada nuevo proyecto es una isla poética que, sin embargo, contribuye a ensanchar indefinidamente el concepto de lo teatral. En esta ocasión, el grupo catalán que comandan Tomàs Aragay y Sofía Asencio presenta una pieza sin palabras a partir del neologismo que le da título: hammamturgia. De un lado, el dispositivo que comúnmente asociamos a la herencia árabe u otomana, El Hammam, que nos ha legado una arquitectura para la sociabilidad, el placer y la higiene. De otro, la dramaturgia, o la habilidad de coser una historia en el tiempo a partir del encuentro entre fuerzas cuya fricción genera un movimiento transformador hacia adelante.
Dicho todo esto, no hay que tomar lo del hammam por lo literal, no hay que llevar el bañador ni se nos empañarán las gafas con los vapores. El público accede descalzo a un gran cubo blanco y cada cual elegirá su lugar en el espacio. Hay cuatro aberturas en cada uno de los lados del cubo por las que entran y salen también las cuatro performers que ejecutan las acciones, dando vida a láminas de plástico de distintos tamaños, colores y texturas con las que hacen palpable las metamorfosis de la materia sometida al movimiento.
Más información: Teatro Calderón
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La guerra dels mons de Atresbandes | 3 y 4 de marzo en el Teatre Lliure de Barcelona
La guerra dels mons
de H. G. Wells
adaptación y dirección Atresbandes (Mònica Almirall, Albert Pérez y Miquel Segovia) y Guillem Llotje
Retomamos por 2 únicas funciones la experiencia sonora de nuestra actual compañía residente, Atresbandes, formada por Mònica Almirall Batet, Albert Pérez Hidalgo y Miquel Segovia Garrell, sobre el clásico de ciencia ficción La guerra dels mons, presentada en la Temporada 21/22.
La invasión extraterrestre de la Tierra recupera la visión medioambiental de la novela de H. G. Welles de 1898, que defiende el sentido de ecosistema biológico del planeta.
“Yo tal vez soy un hombre de una templanza excepcional. No sé hasta qué punto otros hombres comparten mi experiencia. A veces sufro por el hecho de sentirme separado de mi mismo y del mundo que me rodea, y me parece contemplarlo todo desde fuera, desde parajes muy remotos, fuera del tiempo y del espacio, fuera de la tensión y de la tragedia de todo ello.”
H. G. Wells
En julio de 2021 la dirección del Teatre Lliure nos propuso realizar una adaptación de la novela The War of the Worlds (H. G. Wells) para teatro radiofónico. Parece que este formato está viviendo una segunda vida a consecuencia de los confinamientos a los que nos hemos visto forzados por la pandemia del COVID-19; pero también, creemos, a causa de la aparición de todo tipo de dispositivos pensados para ofrecer contenidos a escala masiva pero siempre desde la experiencia individual. El gesto de colocarse unos auriculares y aislarse se ha multiplicado en todo el mundo, tal vez del mismo modo que la aparición de la imprenta multiplicó el gesto de abrir un libro y también aislarse. En el caso de la novela de Wells, este aislamiento va acompañado de un ejercicio de imaginación exuberante en el que, a través de sus palabras, el lector construye en su cabeza unos sucesos muy alejados de su vida cotidiana; de hecho, unos sucesos aislados de cualquier vida en el planeta Tierra: una invasión alienígena. El poder evocador de la palabra se hace evidente en esta novela que ha marcado el imaginario colectivo. Un imaginario explotado hasta la saciedad en el cine y en la literatura. Nuestra propuesta, como lo fue la novela original, queremos que sea un ejercicio de imaginación. Un ejercicio de imaginación por parte del oyente a partir de los diferentes estímulos que le ofrecemos. Si Wells nos ofrece palabras, nosotros ofrecemos su “traducción sonora”.
La (nuestra) guerra dels mons es una pieza sonora libremente inspirada en la novela escrita en 1898. Partiendo de este texto, considerado uno de los precursores de las novelas de ciencia-ficción, hemos creado un viaje sonoro que atraviesa los 27 capítulos que forman los dos libros en los que se divide la novela. Nuestra intención ha sido poner el foco en el viaje emocional que realiza el protagonista. Es una versión subjetiva y actualizada al siglo XXI, que utiliza sonidos extraídos de los medios de comunicación, sonidos grabados, sonidos creados con diferentes instrumentos y máquinas (sintetizadores, octavadores, pedales…) y efectos sonoros generados con la técnica Foley que se utiliza en el cine.
_ATRESBANDES (Mònica Almirall, Albert Pérez y Miquel Segovia)
Más información y entradas: Teatre Lliure
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