Los protagonistas es la primera propuesta para público infantil de El Conde de Torrefiel. Como en todas las creaciones salidas de la desbordada sensibilidad de Tanya Beyeler y Pablo Gisbert, directores de este ascendente colectivo catalán, Los protagonistas se mueve dentro de las mismas coordenadas y constantes escénicas que han dado forma a la estética del equipo, un modo escénico ya reconocible, en el que la sugerencia está por encima de la imposición, un universo visual en el que se funden palabra, imagen y danza.
Los protagonistas es un recorrido itinerante dentro de un espacio teatral, desprovisto de su estructura convencional de un público frente a un escenario sobre el cual se representa una situación visual y dramatizada. Una instalación formada por paisajes enigmáticos donde los espectadores, como exploradores de una expedición en tierras remotas, penetran para situarse en el interior del cuerpo de una historia, una historia abandonada con personajes inacabados, una historia indefinida que invita a construir su devenir caminando entre sus ruinas, una historia que llama a ser descubierta atravesándola.
Un dispositivo escénico pensado para al público más joven, capaz de dejar a los espectadores el espacio para completar la experiencia a través de su propio bagaje intelectual y universo imaginativo. Esta nueva pieza se centra en el valor de la imaginación.
Lo primero es que no hay historia. En realidad la hay, pero está literalmente rota y despedazada por un espacio escénico diseñado para ser recorrido en una travesía llena de paisajes que no son más que los trozos dispersos de una historia que no sabe cómo ni por dónde empezar a contarse, que espera la llegada de sus protagonistas para que le solucionen su conflicto.
Armar la propuesta como si fuese una instalación que rompe con el tradicional teatro a la italiana es común a muchas obras de El Conde de Torrefiel pero en Los protagonistas intenta decirle a su nuevo público que las artes escénicas de hoy tienen también diversas maneras de presentarse. Por lo demás, la compañía permanece fiel a su filosofía, en la que coreografía, texto e imágenes plásticas crean alianza a favor de narraciones poco convencionales y de naturaleza estrictamente escénica.
También presente la cuidada estética y belleza formal ya características de este colectivo surgido del off barcelonés, que ha ascendido a relevantes espacios de danza europeos gracias al éxito de ingeniosas y reflexivas propuestas, entre los que destacan las exitosas Observen cómo el cansancio derrota al pensamiento o La chica de la agencia de viajes nos dijo que había piscina en el apartamento.
“MIS MANOS, LAS DE MI MADRE,
Una instalación transdisciplinar con extractos de la memoria de una mujer recopilados por su hija”
Teatro Pradillo
Calle Pradillo, 12 – 28002 Madrid
6, 7, y 8 de Febrero de 2020
para 8 personas por sesión, en el horario:
21:00* – 22:20 h
*Es necesario llegar con 15 minutos de antelación
Teatro Municipal de Coslada
Av. de los Príncipes de España, 2, 28823 Coslada, Madrid
(Linea 7 La Rambla)
10, 11, 12, 13 y 14 de febrero
para 8 personas por sesión, en el horario:
13:00* – 14:20 h
15:30* – 16:50 h
18:00* – 19:20 h
20:30* – 21:50 h
*Es necesario llegar con 15 minutos de antelación
El formato del proyecto es Teatro arquitectónico. Se trata de una instalación transdisciplinar con objetos y recetas, música, video, luces, textos, comida y bebida. Pueden entrar 8 visitantes por sesión.
La última vez que lo realizamos fue en el Instituto Cervantes en Berlin. El proyecto lo realicé con Heiner Goebbels como mentor en el Institut für Angewandte Theaterwissenschaft de Giessen en Alemania.
El proyecto tiene como base los objetos de mi madre, la comida que ella preparaba, su ropa, sus canciones, sus gestos y olores, dentro de un formato novedoso en el que el espacio es el protagonista y que no se basa en una ficción.
¿Qué queda de alguien? Veintitrés cajas llenas de objetos perdieron a su dueño pero esos objetos siguen teniendo vida. Dicen que la memoria es un perro estúpido: le arrojas un palo pero te trae de vuelta otra cosa. Los recuerdos son frágiles, a veces ilógicos, incoherentes, e irrevocablemente incompletos. Sin embargo, ahora, de toda esa ciudad, solo recuerdo a una mujer a quien conocí por casualidad. Hay sombras que me rodean, sombras hijas de muebles rígidos. Me persiguen aquí en el sol, pero son gente.
Estos recuerdos son la única forma de terminar una conversación entre dos personas que nunca volverán a hablar. Exploramos la capacidad de los objetos para recordar situaciones. De alguna manera, vivir es ser otro. Ver es ser distante y ver con claridad es detenerse. Definitivamente, analizar es ser extranjero. Es como si encontrara un viejo retrato, de mí, indudablemente, con una estatura diferente, rasgos desconocidos, pero indiscutiblemente mío, terriblemente yo. La vida es como si nos golpearan con ella. Seguro que nos volveremos a ver en cualquier fiesta.
“My Hands. My Mother´s” es una investigación contemporánea sobre la memoria y los objetos que ayuda a expandir los límites disciplinares de lo que significa el teatro. Crea un lugar en el que se establece una comunidad íntima temporal en la que es posible que tenga lugar un encuentro. Planteo en mi tesis doctoral que en los últimos diez años está ocurriendo un “giro arquitectónico” en el teatro contemporáneo y podemos encontrar ejemplos de este “teatro arquitectónico” en algunas prácticas teatrales contemporáneas. La arquitectura juega un papel cada vez más importante en muchos proyectos de teatro, y cada vez hay más arquitectos colaboran con creadores teatrales. Hay pruebas de que se produjo un primer “giro arquitectónico” durante el XVII barroco en Europa, que influyó en todas las demás artes. Podríamos estar presenciando una concepción interdisciplinar similar hoy en día. Desde que Josephine Machon publicó su libro Immersive Theatres en 2013, el término proyectos inmersivos, y algunas de estas características, han ganado mucha popularidad. Hay un aumento en los proyectos de teatro, arte y arquitectura que comparten una idiosincrasia muy similar, lo que apunta a una nueva tendencia hacia la práctica teatral interdisciplinaria. La arquitectura tiene la capacidad de transformar el conocimiento abstracto en estructuras físicas que podemos experimentar con los sentidos.
Créditos
Objetos, receta – Carmen Sauras de la Llave
Música original y diseño de sonido – Bruno Tambascio
Vestuario – Frank Salewski
Diseño gráfico – Paul Voggenreiter
Cámara – Michael Benett
Trailer – Irlanda Tambascio
Interpretación vídeo – Susie Meyer
Texto – Carmen Sauras de la Llave, Barbara Visnevetski, Rene Char, César Vallejo, Friedrich Nietzsche, Liliane Koch, Adela Bravo Sauras
Adaptación de textos – Liliane Koch, Adela Bravo Sauras
Iluminación – Jakob Boeckh, Alex Goldberg, Adela Bravo Sauras
Mentores – Heiner Goebbels, Philipp Schulte
Performance – Carmen Mayordomo, Adela Bravo Sauras
Concepto, dirección, diseño de instalación y construcción, película – Adela Bravo Sauras
Producido por: NoFourthWall, Instituto Cervantes Berlin, Kulturamt Gießen, Institut für Angewandte Theaterwissenschaft Gießen, Teatro Pradillo, Teatro Municipal Coslada
Agradecimientos para Dorothee Krueger, Frida Laux, Malia Bendi Merad, Paloma Lirola, Anja Stachelscheid, Pietro Righi Riva, Martina Ruhsam, Kris Verdonck, Jacob Bussmann, Rike Huy, Lisa Charlotte Friederich, Benjamin Hoesch, Julia Stina, Tamara Antonijevic y Katharina Stephan.
Sobre NoFourthWall
Nuestro grupo NOFOURTHWALL lleva diez años realizando una investigación teatral y arquitectónica tanto a nivel práctico como teórico. Entendemos nuestros proyectos como una herramienta en el límite entre dos disciplinas que pueda aportar a la creación colectiva de lugares mentales y físicos que incluyan, respeten y pertenezcan a todos.
Adela Bravo Sauras es la directora artística del grupo de Teatro arquitectónico NoFourthWall fundado en 2009 en Berlín (www.nofourthwall.com).
Es arquitecta por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid, tiene una maestría en ciencias teatrales aplicadas por el Institut für Angewandte Theaterwissenschaft (Universidad Justus-Liebig, Giessen) e inició los estudios de dirección teatral en la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid. Actualmente está finalizando un estudio de investigación doctoral en la Universität der Künste Berlin entre Arquitectura y Teatro, que comenzó gracias a una beca de posgrado.
Ha mostrado proyectos en el Instituto Cervantes, Hebbel am Ufer, Ballhaus Ost, Mica Moca, Freie Internationale Tankstelle, Acud Kunsthaus, Gallery WortWedding, Prinzessinnengarten, St Christophorus, 48 Stunden Neukölln Festival en Berlín. También en XXI Esposizione Internazionale della Triennale di Milano, Milano Game festival, Edimburgo (Fringe Festival, Summerhall), Buenos Aires (Bienal Arte Joven), Bucarest (El futuro es femenino, Arcub Center, Teatru Bucuresti), Basilea (Teatro Schlachthaus), Senigallia (Italia) (Rotonda sul Mare, Kururiert Marcello Smarrelli ), Madrid (Tabacalera, Sala Triangulo) Frankfurt Oder (Tag der offenen Tür, Messe und Veranstaltungs GmbH), Frankfurt am Main (Festival de Frankfurt Nachtlichter-Tagträumer, Hüzünfestival), Festival Theatermaschine Gießen.
Ha trabajado como arquitecta y ha dirigido teatro, cine, instalación, escenografía, trabajo conceptual, dramaturgia y selección y adaptación de textos, traducción y producción en NoFourthWall o en colaboración con otros (Thomas Bo Nilsson en Schaubühne Berlin y Schauspielhaus Viena; The Agency en Volksbühne´s Roter Salon, Münchner Kammerspiele, Sophiensäle, FFT Düsseldorf; Chicks en Impulse Festival; Circle Line con Enzo Cucchi; Embajada de Italia en Berlín; Gustavo Tambascio en Teatro de la Zarzuela Madrid; La Fura dels Baus, “XXX”; Nieto & Sobejano Berlín; Teatro TAK de Berlín; Congreso Europeo de Arquitectura y Urbanismo EURAU; Master Collective Housing ETSAM; HONG Architekten Projekt-Management GmbH, Sanja Ristic, Roxy Theatre, Amsterdam Fringe Festival, Tacheless, Basilea Roxy Theatre; PopUp Theatrics Nueva York; Santa Ragione, Dellbrügge & de Moll…)
Ha sido ponente en el Congreso Mundial de la Federación Internacional de Investigación Teatral (IFTR) desde 2015 en India, Brasil, Suecia y Serbia y ha escrito artículos para Contemporary Theatre Review, Routledge; 6th Annual Doctoral Coloquium Architectural Aesthetics, Building Composition & City Design, Dresden; “Ho perso il pallone”, Circle Line Projekt…
Ha realizado estudios teatrales con Heiner Goebbels, Anna Viebrock, Bojana Kunst, Gerald Siegmund, Robin Arthur (Forced Entertainment), Philip Bussmann (Forsythe), Kris Verdonck, Tuija Kokkonen, Jaroslaw Wielski, Socorro Anadón, Cristina Rota. Nuevo repertorio, Sala Cuarta Pared, Familie Flöz, European Michael Chekhov Workshop…
Teatros del Canal, Sala Negra
Del 19 al 22 de noviembre, de 18.00 a 20.30h
Día 23, de 12.00 a 13.30h y de 18.00 a 20.30h
Día 24, de 12.00 a 13.30h y de 17.00 a 19.30h
En el centro del escenario, un gran bloque de archivadores parece flotar en la oscuridad. Alrededor, los archiveros abren y cierran cajones, absortos en su pulsión clasificatoria. El sentido común nos dice que, para resolver un problema complejo, el primer paso es segmentarlo y categorizarlo. Pero no podemos dividir la realidad en cajitas o compartimentos estancos que no se ven afectados por los demás. Cerrar un cajón es abrir otro en algún otro lugar.
“ La insostenibilidad no surge de la ignorancia, la irracionalidad o la avaricia. Es, en gran medida, consecuencia colectiva de decisiones racionales y bien intencionadas tomadas por personas atrapadas en sistemas -que van desde familias y comunidades hasta corporaciones, gobiernos y economías- lo que hace que sea difícil o imposible actuar de manera totalmente responsable ante todos aquellos afectados, en el presente o en el futuro.
Lo que rara vez se nos dice es que las soluciones están tan interconectadas como los problemas que una acción a favor del medio ambiente puede enviar oleadas de efectos positivos tan determinantes como la cadena de catástrofes que resulta de un desastre ambiental”.
Dana Meadows
El teatro inmersivo hace su aparición en el 37º Festival de Otoño de la mano de la compañía Serrucho, que nos habla de los límites del planeta, el solucionismo tecnológico, la teoría de juegos, la bachata o el romanticismo biológico.
ARCHIVO es una experiencia emocional que permite al espectador vivir los efectos inesperados que tienen nuestras acciones, para los demás, para el planeta y para nosotros mismos.
Una creación que sitúa al público en el centro de la propuesta escénica y que transforma a los espectadores en archiveros que manipulan los cajones de la instalación.
“La primera imagen en color de la Tierra desde el espacio la tomaron los astronautas del Apollo 8 hace solo 50 años. Fue como mirarnos al espejo por primera vez. Vimos algo que ya conocíamos, pero que no entendíamos del todo: que la Tierra es única y muy pequeña. Que, realmente, flotamos en el espacio todos juntos, sobre una canica azul. Comprendimos que nuestros problemas son los de la humanidad entera y que nuestros desafíos tienen escala planetaria.
Si un problema es demasiado grande, lo dividimos, lo clasificamos y lo guardamos en cajones. Alguien antes que tú ha metido este problema aquí y ha querido dejarlo para más adelante. No le habrá parecido urgente, o habrá pensado que no es un problema.
Será mejor que lo dejemos ahí; seguro que viene alguien más tarde que quizás pueda ocuparse de ello”.
Así comienza este viaje guiado alrededor de un monolito opaco, una “caja negra” de la que solo conocemos sus intputs y outputs. Manipulando sus cajones, los participantes descubrirán historias grandes y pequeñas, hasta darse cuenta de que cada acción que ejecutan no es aislada: cada decisión individual influye directamente en la experiencia de los otros. Su historia condiciona la de los demás, así como la de sus compañeros la suya.
Serrucho son: Ana Cortés, Raúl Alaejos y Paadín
Creación, realización y construcción: Serrucho
Maqueta: Llorenç Pérez
Tres en raya: Guillén Bayo y Abelardo Gil-Fournier
Diseño de luces: Antoine Forgeron
Agradecimientos: Luis Alaejos, Catalina Álvarez Zarate, Sofía Asencio, Tomàs Aragay, Nikita Bashmakov, Rafael Carvajal, Norka Cosamalón, Ricardo Cortés, Gavina Ligas, Iván Pérez, Peet Kelly, Carmen Segovia y Taller 57
Coproducción: Serrucho y Fundación COTEC
Una pieza escénica que tiene su inicio en el mundo del personaje del idiota y su conexión con tres cuestiones físicas muy concretas: el cuerpo, el placer y la ligereza. Una obra que tiene mucho de instalación visual. Hemos trabajado a partir de materiales muy ligeros como el aire, el gas y el plástico partiendo de la idea de ligereza y confrontando dichos materiales en una especie de batalla lúdica contra la gravedad, entendida ésta como una fuerza que se ejerce sobre nosotras en todos los ámbitos de la vida.
Visita comentada De l’error a la pedra o de la literatura a l’objecte Diumenge 20 de maig de 2018, 12 h Sales d’exposicions de Can Palauet
Entrada lliure
Dins de les activitats organitzades per a l’exposició “Sortir-se de la línia”, comissariada per Rita Andreu.
L’artista Anna Dot farà una visita comentada del procés de creació de la seva instalació “Les pedres del camí” i la relació amb la literatura i el concepte de l’error.
Quan ens diem “no caiguis dues vegades amb la mateixa pedra”, entenem que hem de procurar no cometre dues vegades el mateix error. Així, en aquesta frase, la paraula “pedra” funciona com un sinònim d’error. Tenint en compte això, un equip d’investigació en traducció ens vam preguntar per la forma dels errors: quina aparença tindrien, si fossin pedres?
“De l’error a la pedra o de la literatura a l’objecte” és la presentació del procés d’investigació sobre la traducció de la literatura a l’objecte que ha acabat donant com a resultat la instal·lació artística “Les pedres del camí”.
Anna Dot
Organitza: M|A|C – Direcció de Cultura de l’Ajuntament de Mataró
el dissabte 14 de gener el meu pare i jo intentarem moure uns quants centenars de kilos de pedra
a la sala d’exposicions del Casino de Vic.
després provarem de construir un muretto a secco
seguint la tècnica que ens van ensenyar els Ibrahimaij.
hi serem des de les 10 del matí fins a les 8 del vespre.
el meu pare no les té pas totes i em diu que necessitarem algun cop de mà,
que, “Anna, entre tu i jo no cardarem res”.
en definitiva, el què us vull dir és que estarem allà.
si ens passeu a saludar estarem molt contents. sobretot jo.
i si ens ajudeu una mica, encara més. sobretot el meu pare.
mentre movem pedres us explicarem la tècnica dels Ibrahimaij,
algunes llegendes albaneses i algunes tradicions pulleses.
entre les 14h i les 16h anirem a dinar i, si voleu venir amb nosaltres, també ens agradarà molt.
el mur o la cosa que acabem construint es podrà veure a la sala fins al 19 de febrer.
Performance, improvisación, electrónica, audiovisuales o instalaciones atendidas darán forma a un programa en vivo diferente y atractivo dirigido a todos los públicos.
IN-SONORA celebra su novena edición en La Casa Encendida entre los días 4 y 6 de marzo con una representación internacional de experimentadores sonoros. El objetivo de esta muestra bienal es ampliar la visibilidad de artistas nacionales e internacionales, apoyando las propuestas contemporáneas experimentales en las que el sonido y la interactividad son elementos fundamentales.
Para más información sobre el proyecto y la programación consultar in-sonora.org.
