Quim Pujol

1) Texto de Aimé Pansera:

Es la primera vez que veo un espectáculo de Fäustino y me dan ganas de ver muchos más. Tuve la oportunidad, que desaproveché, de seguir el proceso de creación, y contaba con algunas informaciones previas acerca de qué iba la obra, así que no me asustó, ni me dio asco, más bien me sorprendió que a partir de un tema muy friki y de una estética muy gore se logre hablar del mundo, del ser humano y los temas que nos ocupan. Sé que no es sensato separar “fondo y forma”, pero al volver a pensar en este espectáculo me surgen dos sensaciones e ideas distintas. Por un lado, disfruté mucho del universo zombi, y de todos los elementos asquerosos con los que juegan, con virtuosismo y creatividad, los intérpretes. Me parece que éste esta muy logrado, no sé si es una reconstitución o inspiración libre, pero a mí tanta cosa guarra me sedujo. Y ni hablar del majestuoso final, ¿pura provocación?, del director, que nos deja boquiabiertos y sin nada que replicar. Y por otro lado,  me interesó el relato de las múltiples aperturas del universo zombi a nuestro “mundo real”, como la versión zombi de Gran Hermano, o los soldados zombis de Irak. En esa misma línea, la progresiva identificación de los zombis con nosotros, espectadores de los Radicals Lliure, me pareció que acababa de acercarnos el contenido de ese mundo horrible, de escenificar la metáfora de un mundo totalmente zombi. Y es allí cuando el espectáculo nos incluye y nos incumbe del todo, transformándonos a todos en zombis, y nos deja pensando en “las derivas” de una cotideanidad zombi. Creo que es una obra compleja, que trabaja sobre varias líneas, tanto narrativas como estructurales al mismo tiempo. Y que también es por ese contraste entre una estética de serie B y una seria reflexión sobre la actualidad que alcanza esa complejidad y esas dimensiones ricas y amplias, dejándonos intranquilos de tanto comer uvas y de mirar durante horas nuestros ordenadores a través de un par de gafas de pasta negras.

2) Texto de Genís Gendrau

AS I WALK THROUGH THE SHADOWS OF THE VALLEY OF DEATH
                                                                                       Psalm 23:4

1961, St. Albans, Gran Bretanya. Fundació del grup de pop anglès The Zombies. Els seus hits “Time of the season” i “She’s not there” ¬– amb les seves precioses melodies vocals i els seus fantàstics solos de teclats– els catapulten cap a l’estrellat de la indústria discogràfica i de l’imaginari sonor col·lectiu.
2005, estrena mundial de la pel·lícula “Dear Wendy”, de Thomas Vinterberg i Lars Von Trier. Tota la pel·lícula –una història d’amor entre un adolescent i una pistola, la Wendy– està estructurada a partir de cançons dels The Zombies.
2009, abril, Montjuïch,  Teatre Lliure, Barcelona. Sonen The Zombies a la sala. Entra en escena el Sergi Fäustino amb ulleres de sol. Repica en un teclat, la llum baixa i la pantalla s’omple de lletres verdes d’amstrad antic. Comença “Z”.

1993. Madrid. Una colla de sonats obsessionats per la cultura trash s’apleguen per fer un fanzine, “Mondo Brutto –actualidad bizarra para brutos mecánicos”. Són els enciclopedistes del s.XXI. Els temes escollits per ser tractats –aberrants fílies sexuals, icones de la sub-cultura espanyola com la Mari Trini, el Fary, Jesús Hermida o de l’underground internacional com Joe Orton o Kenneth Anger, especials sobre conceptes com el frikisme, el plàstic, els mals tractes o el macarrisme– i  el llenguatge retorçat, anacrònic i cínic que utilitzen fa que aquest monstre que apareix periòdicament –primer a les tendes de còmics i més tard als quioscs–, esdevingui un puntal de la cultura contemporània. Pel Sergi Fäustino el Galactus, la Grace Morales, el Joe D’Allessandro, el David Glamour i el Dildo de Congost – els creadors del Mondo Brutto– són els que per qualsevol Oriol Broggi de torn vindrien a ser Molière, Txékhov, Shakespeare, Brecht o Sòfocles.

Deu minuts després d’haver començat, la funció arranca i, en crescendo, fins al cap de cinquanta minunts, no hi ha treva: la gran ressurrecció del cos podrit del teatre català té lloc a l’Espai Lliure. La seva pudor, tants cops molesta, un cop treta de sota la catifa –un cop mostrada tal i com és– enamora. Enamoren la carnassa com a mostrari d’esports nacional, enamora l’intrèpid esperit improvisador dels no-vius. Meravella la intacta capacitat de sorprendre i el tamany de toro de la dièresi sobre la a o sota els calçotets. Sacseja la coreografia electro-zòmbica. Recopilaries els texts color de moc en una plec fotocopiat i el passaries als amics fans de Family Guy. Et pixes de riure i se’t remou l’estòmac amb el concurs de gargalls –quasi simfònic–. Se’t gira el cervell –i te’l menjaries amb una cullereta, si no estiguessis tan abocat al que passa a l’escenari– al veure la parella de zombis que ve a veure l’espectacle fet pel gran zombi ressurrecte que fa el más-difícil-todavía –el got de saliva, quin gran mcguffin.

Allí a la vora, al cementiri de Montjuïch, la Raquel Meller, l’Àngel Guimerà i l’Aladi, eixorivits de sobte pel flux d’energia vivificadora, surten mig a trossos de les seves tombes i baixen coixejant a velocitat de zombi per la Font del Gat, decidits a recuperar els teatres de la ciutat i la ciutat sencera. “Z”, com la crida del bosc, ens indica que ja s’ha acabat el temps de fer el ploricó i d’amagar les vergonyes i és hora de fer-la grossa. La carn vol carn i el teatre no pot viure de rendes. Cal llençar-se a la piscina i el Sergi puja molt amunt, es llença en picat, esquitxa molt fort, i al fer-ho, ens esbandeix la cara d’estòlids als espectadors i al teatre en general.

3) Texto de Quim Pujol:

 ”Z” tiene una estructura complicada donde ciertas escenas y transiciones parecen algo desdibujadas. Podría ser que algunos aspectos todavía deban cuajar a medida que la obra madure pero, por otro lado, como estamos ante una pieza de espíritu punk, también podría ser una apuesta estética por parte del director. Veremos cómo ha evolucionado la pieza hacia el final de los “Radicals”.

Debo confesar que el principio de la obra me dejó muy frío porque no veía hacia dónde iba el conjunto y me parecía que muchos elementos resultaban gratuitos. Sin embargo en los diez últimos minutos del espectáculo el director religa todas las páginas sueltas en un solo volumen y lanza la pieza encuadernada sobre la mesa con sonora contundencia.

Si en la anterior (y para mí brillante) ”Duques de Bergara unplugged“, a menudo el público se quedaba con la vertiente cómica de la pieza y pasaba por alto el interesante ejercicio de abstracción y de deconstrucción narrativa, aquí Sergi Fäustino corre un peligro similar. La pátina gore quizás eclipse para algunos las severas implicaciones de “Z”.

Y es que “Z” no es una obra de “sang i fetge” de vacúa provocación como las de un director que últimamente dirige mucha ópera y de cuyo nombre no me quiero acordar.  Aquí cada gota de zumo de tomate está justificada, al igual que el glandular brindis final. Un brindis que cuestiona el marco conceptual de un ciclo que ha hecho de una supuesta radicalidad su frágil bandera.

Me quedan muchas dudas, preguntas y sentimientos contradictorios respecto a “Z”. Una sensación parecida a la que tuve hace un año con “Duques de Bergara”, una pieza que sólo he apreciado en profundidad con el paso del tiempo. Veremos cómo evoluciona “Z” en mi juicio a medida que transcurran las semanas. En cualquier caso, esta sensación de desorientación ya es gran éxito. Sólo quién se salta el guión es capaz de forjar a martillazos su propio lenguaje.

Como siempre invito a todo el mundo a expresar su propia opinión y rebatir, apoyar, contradecir o ampliar todo lo que afirmo con sus propios argumentos. ¡Muchas gracias!

“Dead Cat Bounce”, otra vez

Como ya sabréis, estoy alentando que otras personas escriban textos relacionados con piezas escénicas. Este jueves me llevé un acompañante a “Dead Cat Bounce”. Éste es su texto:

NI QUÉ GATO MUERTO    

L’actriu Chantal Aimée, genoll en terra al peu de la pantalla elevada, bufa una espelma projectada i aquesta s’apaga. En un escenari tot està ple de significat -fins i tot del significat de no tenir-ne-, és a dir, tot compta. En un poema també: les paraules hi són escollides per alguna raó i tenen una funció, responen a una estructura i la basteixen -el sentit rau tant en la significat de les paraules com en la forma. Quan l’espectador veu o llegeix alguna cosa que no ve a tomb -en aquest cas, la bufada que trenca la dicotomia realitat-ficció per donar un toc poètic a tant de mercat bursàtil- el cos del poema o de l’obra es comença a desfer: fluixeja, s’ensorra. És com llençar-se pedres a la pròpia teulada. Hi ha equivocacions que no són res més que això, coses que no funcionen, males tries. En canvi, hi ha errors que són molt significatius perquè denoten una falta de fonaments en la concepció d’una obra.

M’explico: Dead Cat Bounce -el rebot del gat mort- és el primer espectacle del cicle Radicals Lliure i la borsa n’és la protagonista. De fet, va més enllà, els intèrprets es juguen els diners de l’entrada dels espectadors, en directe, a la Borsa de Nova York -la que és operativa en el moment de les funcions. Els intèrprets ens expliquen els origens holandesos de la borsa, com interactuar-hi i tot hi gira al voltant. Així doncs, l’atenció de l’espectador hauria d’estar ocupada en pensar sobre el tema central que li és ofert, i tanmanteix, no és així. El cervell no està excitat, per exemple, pensant en si pujaran o no les accions, més aviat s’interroga sobre la pròpia representació, és a dir, sobre el nivell d’improvisació o no que impera a la sala o sobre el perquè de l’opció interpretativa que s’ha pres. Falta una consistència que l’atrapi. És a dir, que hi ha un tema bombó -per comercial, per atractiu pels telenotícies, per ser carn d’anècdota- i que malgrat els seu atractiu inicial queda en un no-res perquè és tractat molt matusserament: no hi ha treball en profunditat en cap sentit. La reflexió comença i acaba en quatre eslògans que es deixen anar i la construcció de la peça és desllorigada i potinera. La matusseria està en els mecanismes intrínsecs de la representació: les bromes ficades amb calçador, l’encarcarament de les interpretacions, l’estructura monòtona de projeccions/diàlegs/públic que determina un tempo que no camina, la manca de sorpresa, l’ús quasi vergonyant d’alguns recursos teatrals -xiuxiueigs repetitius al micro per intentar crear un clima dramàtic concret… Aquesta poca gràcia teatral generalitzada dinamita la peça, i el tema, ben desaprofitat, es queda en les escurrialles.

No n’hi ha prou, amb una bona idea. Ni de bon tros. De fet, és justament a l’inrevés. Es podria agafar un tema completament insuls i fer-ne una meravella si al darrere hi ha un creador i un equip amb cara i ulls. La qüestió no és tant el què com el com. Si anem al teatre, si anem a veure alguna cosa que es representa dalt d’un escenari, ha d’estar ben treballat. Gestos, ritme, tons, personatges o no-personatges, ruptures. Hi ha d’haver una proposta clara i interessant sobre què és el teatre i com s’hi fa el que s’hi fa. En aquesta peça no n’hi ha, de proposta teatral -més enllà del joc bursàtil- i això es nota i ho desdibuixa tot. Que, tot i així, algun espectador s’ho pugui passar bé, i tant, segur -n’hi havia que estaven molt esverats amb les cotitzacions i intervenien, engalipats: és una victòria, la connexió amb el públic. Gairebé l’única, a part del títol, que també està ben trobat: Dead cat bounce és ben bé el rebot d’un gat mort, que rebota però que això no vol dir pas que estigui viu. 

                                                                                                          Lluís Girbau

 ”Dead Cat Bounce”

“Dead Cat Bounce” parte de una idea brillante: explotar en vivo la evolución de la bolsa para explicar las bases de nuestro sistema financiero. Los actores compran y venden acciones en directo a través de Internet y la especulación se alterna con explicaciones de brókers y profesores de economía. En este sentido, la obra resulta totalmente pedagógica y agradezco mucho los conocimientos que me llevo a casa. Por supuesto la dinámica profunda del capitalismo es algo que sigo sin entender en absoluto pero, ¿es que hay alguien que la entienda?

Volviendo a la pieza, la estructura de la misma resulta muy entrecortada porque depende de acontecimientos en directo. Esto no me produce problema alguno porque es una consecuencia de sus objetivos primordiales. Incluso puedo apreciarlo como una determinada apuesta estética. También valoro la progresiva implicación del público en el ejercicio especulativo, porque pronto se pone en evidencia que todo este tejemaneje no es sólo culpa de malvados ejecutivos y brókers, sino que deriva del irrefrenable espíritu carroñero de la especie humana. En conjunto, “Dead Cat Bounce” es una pieza original con algunos momentos logrados que, aunque podría haber sacado más partido de un tema tan jugoso, no está exenta de interés.

Sin embargo hay un aspecto de la pieza que invita a la reflexión: la interpretación actoral y la “teatralidad”.  La endogamia de la escena catalana ha creado un patrón de pieza escénica y un modelo interpretativo que está en franco declive. La constitución de la AAE o la agitación de estos días en el Institut del Teatre (una institución que sufrí en mis propias carnes) son prueba de ello. Y esto no ha hecho más que empezar, porque hace ya una década que muchas cosas no se aguantan y su incongruencia es cada vez mayor a medida que pasa el tiempo. Que estos formatos fallezcan no depende de mí ni de nadie: es una inevitabilidad histórica. Cada época necesita sus propias formas.

La sobreactuación de Alex Brendemühl me parece un vestigio de estos trasnochados estilos interpretativos. Y es que esta obra no requiere actuación alguna, sino comportarse con naturalidad. También desentonan ciertos toques marcadamente “teatrales” del principio. El escenario no implica forzosamente la representación: también se puede usar para compartir una experiencia en directo con el público.

Como siempre invito a todo el mundo a expresar su propia opinión y rebatir, apoyar, contradecir o ampliar todo lo que afirmo con sus propios argumentos. ¡Muchas gracias!

Mònica Muntaner en “Menta in iurmain”

El viernes 17 de abril asistí a la segunda representación del doble programa de Cesc Gelabert en la sala grande del Lliure. Últimamente estoy obsesionado con la idea de que el contexto de la representación tiene tanta importancia como la pieza en sí y debo decir que la frontalidad y las dimensiones de la Sala Fabià Puigserver no son algo que me seduzca especialmente. No soy un fanático del formato “gran espectáculo”, es una cuestión de gustos.

 Aún así en esa sala he visto piezas que me parecieron deslumbrantes, desde Carles Santos a Krystian Lupa pasando por Marthaler o Jan Fabre, así que este formato tampoco es un obstáculo insalvable para mi subjetividad. Sin embargo, no fue este el caso. Quizás el gran formato no ayudó para que apreciase la pieza de Gelabert, pero hubo más motivos.

 Empecemos por explicar que el prestigioso coreógrafo se presenta rodeado de jóvenes figuras y casi siempre surge en escena como un elemento superior al resto del elenco (maestro de ceremonias, focos cenitales, posiciones privilegiadas). Este planteamiento no encaja con mi forma de mirar la vida/la escena. Si el coreógrafo se sitúa claramente por encima del resto de bailarines para dejar claro su rango superior, esto para mí implica una defensa de las jerarquías verticales. En la revista hay una clara jerarquía entre vedettes, coristas y otras figuras, lo cual me parece propio de la época donde este género culminó su trayectoria. Me sorprende ver algo así en la danza de nuestros días.

 Por otro lado, la coreografía tenía importantes toques neoclásicos, algo que podéis verificar leyendo la entusiasta crítica de Carmen del Val. Como decía en el artículo sobre la Mostra de peces curtes en el Mercat, el neoclasicismo provoca una respuesta entusiasta del público porque ofrece unas formas fácilmente reconocibles y decodificables, y los aplausos aumentan exponencialmente si encima se combina con virtuosismo, que siempre queda bonito aunque, como en este caso, no se entienda mucho su función.

A pesar de que personalmente no me gusta esta estética parcialmente neoclásica, podría haber apreciado una buena construcción de las piezas. La buena escritura escénica es algo que se palpa en vivo y que resulta muy difícil de argumentar en un texto. O está o no está. Deriva de la necesidad de cada una de las acciones que se suceden, de la imposibilidad de que las cosas se hubiesen desarrollado de otra manera. Esta buena escritura se logra mediante ensayo y error, a menudo con una reelaboración constante y obsesiva de los primeros materiales.  Y en este caso esta estructuración me pareció de calidad media, así que no fue suficiente para rescatarme de mi insatisfacción.

Finalmente, tampoco aprecié la sobreactuación de los bailarines cada vez que se les requería expresividad (Gelabert era el único comedido), ni el uso de grandes elementos escenográficos de justificación bastante discutible, ni el abismo coreográfico entre los movimientos de Gelabert y los de sus bailarines, que parecían pertenecer a dos universos distintos.  Y si debo escoger entre ambos, me parecieron mil veces más interesantes los movimientos de Gelabert, que trabaja una textura esponjosa y elementos relativamente sencillos. Sí, fue el intérprete Gelabert y sus movimientos lo que más me interesó de la pieza. Teniendo en cuenta que él coreografió al resto de bailarines me pregunto por qué escogió para ellos esa galaxia paralela…

Pasemos a “Menta in iurmain”, una auténtica golosina por varios motivos. En primer lugar porque “Menta in iurmain” parte de un texto contemporáneo previo de excelente calidad, algo no muy frecuente hoy en día. Aunque el valor de este texto no sólo proviene de una buena escritura, sino de su original estructura. En vez de hallar aquí el típico arco dramático, el eje de la pieza (los vaivenes emocionales de una pareja) cuenta con numerosas interrupciones de cariz surrealista. Aún así el eje principal sigue siendo bastante sólido y la obra se puede leer bien como un todo lineal, casi casi como una historia. El texto me gustó mucho aunque, por preferencias personales, hubiese apreciado una abstracción aún mayor de la narración.

Esta obra de texto ya original por sí sola se pone en escena mediante un teatro físico que apuesta por la artificialidad. Es decir, en vez de vez de buscar la naturalidad como tantos otros directores y coreógrafos hoy en día, aquí Ponce nos aleja todo lo que puede la misma. Esos dos polos siempre han sido opciones distintas y válidas en artes escénicas, sólo que en los últimos años esta apuesta por la artificialidad se explota poco a menudo en nuestro entorno. Y es una lástima, porque llevada al límite también resulta muy interesante. La relativa excepcionalidad de este tipo de aproximaciones en nuestro contexto es lo que añade interés a “Menta in iurmain”.

Las últimas virtudes del montaje son sin duda una excelente interpretación y un ritmo muy efectivo, aunque quizás un pelo monocorde dentro de su trepidante tempo. Y si siempre repito que no me gustan los mensajes trascendentales a bocajarro, debo decir que el puñado de reflexiones políticas y filosóficas que se disparaban me produjeron una impresión mixta. Algunas me chirríaron un poco, pero otras calaron hondo. Tuve la sensación de que detrás de la pieza había alguien fatídicamente inteligente y sarcástico. Y la sinceridad de esta voz detrás de los actores me tocó.

Como siempre invito a todo el mundo a expresar su propia opinión y rebatir, apoyar, contradecir o ampliar todo lo que afirmo con sus propios argumentos. ¡Muchas gracias!

No hay teatro radical, sino buen o mal teatro.

Si no me equivoco era Bachelard quien advertía contra el peligro de las metáforas y otros juegos de palabras. Por ejemplo, Aristóteles utilizó la metáfora de la savia para explicar la circulación de la sangre en los humanos y en consecuencia durante un buen puñado de siglos la humanidad creyó que la sangre fluía en un solo sentido.Ocurre algo similar con los “Radicals Lliure” (cuyo primer espectáculo se ha estrenado ya con éxito como atestigua este artículo de La Vanguardia) , un bonito juego de palabras a conjunto con el nombre del teatro. Y estos juegos de palabras funcionan muy bien en prensa. Pero el peligro es que “lo queda bien en prensa” termine por contaminar la realidad.El ciclo Radicals Lliure es uno de los pocos oasis en el desierto de la escena contemporánea barcelonesa. Gracias a Dios que existe y ojalá extiendan su duración. Sin embargo, la radicalidad no es en absoluto el valor que lo hace interesante. Sin embargo, los medios de comunicación han caído en la trampa a pies juntillas. Belén Ginart en El País describe a Sergi Fäustino como “auténtico paradigma de la escena radical barcelonesa”, mientras que Justo Barranco en La Vanguardia habla de “la propuesta ciertamente radical” de “Dead Cat Bounce” y dice de “Jerk” que es una obra “tan radical como el ciclo”.Pues no, el interés de estas obras no estriba en que hablen de zombis, pedofilia o especulación bursátil. Estas creaciones resultan valiosas porque abandonan los formatos convencionales y realizan una investigación rigurosa en busca de un lenguaje personal. Por ese motivo continuarían siendo interesantes aunque tratasen de algo tan anodino como el tiempo que va a hacer hoy en Barcelona.Mientras que en la artesanía se repiten los mismos formatos una y otra vez  (las vajillas de La Bisbal o los clones de Focus en el Romea), el arte se distingue precisamente por este tipo de investigaciones rigurosas y personales. Si el componente esencial del arte escénico se etiqueta como “radical”, en vez de situarse como un objetivo primordial se desplaza hasta los márgenes del discurso. Es decir, con este nombre indirectamente se sugiere que estas obras no son más que curiosidades. Bendito sea este ciclo pero, por el amor de Dios, que le cambien el nombre.

El 8 de abril asistí a la IVª Mostra de peces curtes en el Mercat de les flors, donde el ganador se lleva una cantidad de dinero considerable para producir una pieza larga. La intención detrás del certamen es buena, ya que suministra unos medios de producción que casi siempre brillan por su ausencia.

Para mí, una de las piezas que se presentaron (”Raíces” de Domus del Karo) no era danza contemporánea. Era totalmente neoclásica y sin una pizca de ironía.  Es decir, estaba plenamente desconectada de las formas de nuestra modernidad. Como buena pieza neoclásica, se basaba en un virtuosismo de estética relamida. Juzgad por vosotros mismos el vídeo. ¿Qué ocurrió? Pues que de las cuatro piezas fue la que se llevó más aplausos.  El neoclasicismo y el virtuosismo son apuestas seguras para agradar al público a pesar de un reducidísmo valor artístico. Sino que se lo digan a Cesc Gelabert que con su “Conquassabit -sense fi” (no muy alejado ideológicamente de la pieza de Domus del Karo) arrancó grandes ovaciones del público y se ganó las loas de Carmen del Val. Pero hablaremos de él otro día.

¿Por qué este eterno retorno del neoclasicismo? En arquitectura, la Bauhaus dejó atrás estas formas obsoletas en favor de otros ideales de uso y belleza más cercanos a nuestra contemporaneidad. Sin embargo, sólo fue un éxito parcial. Aún hoy los arquitectos deben pelearse con sus clientes para omitir frontispicios y columnas dóricas. En cierto momento algunos arquitectos emiten un discurso involucionista. Si eso es lo que el público quiere, eso es lo que se merece. Me refiero a Robert Venturi (y su famosa casa Vanna Venturi) o bien a los bodrios de Ricardo Bofill (el inefable edificio del Teatre Nacional de Catalunya).

Tanto en danza como en arquitectura, lo neoclásico triunfa reiteradamente por su carácter monumental y espectacular (en el peor de los sentidos). Con el agravante de que estos bailarines no han elaborado un discurso de reapropiación de lo neoclásico como los arquitectos. Es decir: salen directamente del siglo diecinueve.

Las otras tres piezas (Trespasos de Océano Rojo, Sit de Cia Lavs y Cargando de Apatches) tenían ciertos elementos de interés, pero me sorprendió que todas entrasen dentro un concepto bastante acotado de lo que es la danza. O bien ese criterio era una consecuencia del criterio de selección de las piezas o bien nuestros creadores más jóvenes no se arriesgan fuera de la zona de seguridad que establece el guión. ¿O quizás fue una mezcla de ambos factores? Por cierto, ¿se sabe ya quién ganó el certamen?

Imagen de POSTMORTEM.  †Panel 7, «Pour en finir avec le jugement de Dieu». Joan Morey (2007) en el difunto CAS

El viernes pasado asistí a una performance de Joan Morey en La Capella dentro del ciclo Barcelona Producció. Se trataba de una lectura dramatizada. Uno de los actores era un joven con cara y brazos pintados de negro y recubiertos de purpurina y las nalgas al aire recogidas por un suspensorio. La otra intérprete era una chica vestida de monja.

Según el programa de mano, “en esta instalación sonora procesual Morey toma como diagrama formal la película “de cámara” Gritos y susurros (1972) de Ingmar Bergman -centrándose en el análisis semiótico del film y cómo resuelve un hecho dramático como la agonía antes de la muerte entre ondulaciones melancólicas, oníricas e incluso sádicas- y, por otro lado, se basa en el libro del grupo Actuel Conversaciones con los radicales de 1973 -un clásico reciente del pensamiento contracultural francés- para crear una polifonía de voces y discursos heterodoxos.”

Hubiese querido escribir una crítica del acontecimiento como suelo hacer pero, por un lado, apenas recuerdo la película de Bergman y no he leído el libro de Actuel. Por otro lado esta lectura pertenece a una serie que empezó el 27 de marzo y prosigue mañana día 9, el 17 y el 30 de abril. De manera que no me siento capacitado para hacer ningún análisis con una información tan parcial y me limito a esta reseña. De todas maneras intentaré averiguar más cosas sobre este trabajo.

¿Por qué? Porque hace ya más de 10 años que sigo la trayectoria de Joan Morey, desde la creación de su marca STP (Soy Tu Puta) hasta el vídeo llamado “Surménage” pasando por su colonia “Bipolar disorder” y muchas cosas más. Se trata sin duda de un artista con personalidad propia, una trayectoria definida y el suficiente convencimiento como para afrontar las condiciones de los creadores contemporáneos en Barcelona. Y eso me suscita un enorme respeto e interés hacia su trabajo.

Si queréis asistir a las próximas dos performances hay que reservar entrada (Tel 93 442 71 71). La presentación del día 30 está abierta a todo el mundo, pero aún así hay que vestirse de riguroso negro.

Las entradas que se ofrecen son cortesía de las compañías.

¿Por qué es bueno que se escriban textos que hablen de la escena contemporánea? Pues porque si no se representa un cierto tipo de arte es como si no existiese y en consecuencia nos siguen vendiendo la misma mierda de siempre como si fuese lo único que hay y lo mejor a lo que podemos aspirar.

Por ese motivo empecé yo a escribir los textos que aparecen en este blog y ya va siendo hora que otros hagan lo mismo. Para fomentar que aparezcan nuevos escribas he negociado algunas entradas con compañías, mánagers y mi acompañante habitual. El resultado son 6 entradas para los Radicals Lliure.

Jueves 23 de abril a las 20h30 “Dead cat bounce” de Chris Kondeck

Sábado 25 de abril a las 20h “Z” de Sergi Fäustino

Sábado 2 de mayo a las 20h “A taula!!!” de Xavi Bobés

Viernes 9 de mayo a las 20h “Dar patadas para no desaparecer” de Lidia González Zoilo / David Franch

Viernes 15 de mayo a las 20h “El corazón, la boca, los hechos y la vida” de David Fernández

Sábado 16 de mayo a las 20h30  “Piturrino fa de músic” de Carles Santos

La única contrapartida que pido es que escribáis un texto tras asistir a la representación y que lo colguéis en Internet. Yo incluiré un enlace a vuestro texto cuando publique mis propias impresiones.

Las reglas del juego:

-No tenéis por qué seguir el estilo que se lee en los periódicos ni el que yo he desarrollado en este blog. Vuestro texto puede adoptar el lenguaje, registro y estilo que vosotros creáis más conveniente.

-Podéis escoger entrada para todos estos espectáculos, uno solo o varios. Según la demanda que surja, ya repartiremos.

-El único requisito es respeto hacia el trabajo del artista. Si os disgusta una obra es bueno que lo mencionéis en el texto, pero eso no es excusa para insultos ni descalificaciones personales.

Si os interesa, mi e-mail es kimete@hotmail.com