— MuroTRON

Julian Hetzel i Ntando Cele – 7 i 8 de juliol a la Fundació Joan Brossa dintre del Festival Grec

L’extractivisme i el fetitxisme consumista pugen a l’escenari en una producció imaginada a quatre mans i que combina música, teatre i vídeo en una experiència multidisciplinària. Et presentaran SPAfrica, la primera beguda d’empatia que hagis vist mai. Envasada a l’Àfrica subsahariana, aquesta aigua s’exporta a Europa, on arriba amb el valor afegit de cadascun dels 9.000 quilòmetres de viatge que ha fet. Mentre l’aigua avança, al cor d’Europa i al sud del continent, es contracten professionals del dol per plorar en granges de llàgrimes. La pèrdua i el patiment relacionats amb la migració són la causa d’aquestes llàgrimes, que es traslladen, prenent el camí contrari, cap a la font d’aigua a l’Àfrica. La transacció de recursos entre Europa i Àfrica (aigua per llàgrimes i llàgrimes per aigua) planteja una crítica directa a l’explotació dels recursos naturals i a l’explotació emocional, amb una estratègia neoliberal.

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La companyia Studio Julian Hetzel crea projectes artístics en què convergeixen el teatre contemporani, la performance i les arts visuals, sempre amb una dimensió política i un aspecte documental. La contradicció entre els principis ètics i els interessos econòmics és la base de la seva obra. Entre les últimes propostes, There will be light, una invitació a viure la vida sense treballar; Diarrhea is my favorite color, una recerca de la bellesa en la lletjor, i Three times left is right, una obra d’humor negre sobre la polarització.

Ntando Cele, la solista de la producció, és una directora i creadora teatral sud-africana, establerta a Suïssa que en aquesta edició del Grec Festival Barcelona també presenta la peça Wasted land (Teatre Lliure). Com a part de la companyia Manaka Empowerment Prod, ha estat escenificant comèdies polítiques i musicals des del 2012. Vista en escenaris i festivals d’Europa i l’Amèrica del Sud, les seves produccions disseccionen delicadament prejudicis i estereotips i confronten el públic amb les seves pròpies maneres de veure el món. Entre les creacions més recents de Ntando Cele hi ha Black. Space. Race (codirecció, 2019-2020); Go Go Othello (2020-2021) i Yes! Yes! Yes! (2024), una cocreació amb l’economista Corinne Maier.

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Leandro Souza – 16 y 17 de julio en La Caldera 

Palabra, voz, cuerpo y movimiento son igualmente protagonistas en esta creación coreográfica que propone la danza como manera de escapar del sistema y de las fuerzas que nos hacen desfallecer.

“La escapada es una musa que insiste en susurrarnos al oído cuando ya nos habían convencido de desear nuestra propia captura”, cuenta el coreógrafo Leandro Souza. De ahí el título de un espectáculo hecho con sencillez minimalista y sentido del ritual que reivindica a esa musa insistente que hace que inventemos o reinventemos formas de vivir, de hacer, de ver y de pensar, y que nos invita a escapar y a evadirnos del sistema mediante la danza. El artista entrelaza cuerpo y palabra en una dinámica coreográfica en la que su cuerpo solitario se mueve por el espacio diciendo fragmentos de letras de canciones, recitando textos filosóficos y haciendo referencia a figuras destacadas de la cultura occidental. Acompaña palabras con gestos y movimientos de las danzas más diversas, en una ruptura del lenguaje hablado y corporal que abre puertas a la reinvención.

Leandro Souza es un coreógrafo brasileño que vive en los Países Bajos y trabaja en torno a conceptos como la escapada, la evasión, la opacidad y el entrelazamiento, usando la palabra, la voz, el cuerpo, el movimiento y los objetos. Tiene un máster por la Universidad Estatal de Campinas (Brasil) y estudió en el programa de Coreografía Das de la AHK (Países Bajos). Entre sus creaciones están Eles fazem dança contemporânea y A gente é sutil, vocês são explícitos.

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Foto: Martin Ruano

Una intervención site specific de ORQUESTINA DE PIGMEOS. 

FECHA: 3 de julio 2026 . 

HORARIO: A partir de las 21:30 horas, hasta pasada la medianoche  Lugar: Antigua Fábrica de Harinas Fernández Nistal, en Benavides de Órbigo (León). 

El viernes 3 de julio, la antigua fábrica de harinas Fernández Nistal, ubicada en la localidad de Benavides de Órbigo (León), acogerá la performance FÁBRICA DE NOCHE, una obra  experimental, concebida como una performance site specific por el colectivo Orquestina de  Pigmeos, que integra artes sonoras, escénicas y visuales. Impulsada/organizada por la  Celebración de los 50 años de España en libertad, la intervención se demorará hasta la  medianoche en la escucha y percepción de un lugar definido por capas de memoria  superpuestas, a partir de la mirada y el latido de un grupo de ocho jóvenes estudiantes de la  Escuela de Arte de León que llevan meses trabajando en el proyecto. 

El contenido de la pieza, que también contará con la participación de habitantes del pueblo de  Benavides y comarca, y también de diversos artistas locales, como la dj Noelia Sánchez AKA  Neonoe, el artista sonoro Notone y la artista visual Silvia Alonso, quiere permanecer en el  misterio hasta su puesta en escena. La acción comenzará al anochecer, en los alrededores del  edificio principal de la fábrica. Mientras los espectadores descubren el lugar y se familiarizan  con él, irán sucediendo diferentes acciones hasta que los performers accedan al corazón del  edificio, ya entrada la noche.

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PARA ASISTIR, puedes acudir en: 

  • Coche particular (aparcando en el casco urbano, no en el entorno de la  fábrica) 
  • Autobús gratuito (plazas limitadas, que se adjudicarán hasta completar el  cupo por orden de llegada de la petición de reserva previa a través del mail: fabricadenoche@gmail.com // El autobús saldrá a las 20 horas de la Plaza de  Guzmán el Bueno, y regresará pasada la medianoche) 

Recomendaciones: Llevar chaquetina por si refresca, asistir con actitud de calma y escucha, dejar las prisas y los móviles apagados. MAPA ⇓ 

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Macarena Bielski y Manu Pita-Romero – 19 de junio en el C3A

Morfia es una performance audiovisual, que plantea las diferentes formas de representar un cuerpo. Macarena Bielski y Manuel Pita-Romero contruyen un espacio sonoro y visual en directo donde el ¿nuevo cuerpo¿ se materializa.

La representación matérica de un cuerpo está desafiada por la pieza, poniendo en valor, y a la vez en duda, la realidad sobre la que se construyen las percepciones corpóreas: Morfia es una exposición sensorial donde se construyen en un contenedor de luz y sombra, y el ruido, su nueva piel, expresa la fragilidad y la fuerza de una imagen imposible de sostener en su pureza. Un eco entre lo tangible y lo virtual. Donde la forma humana se pierde y se reinventa.

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MACARENA BIELSKI (Madrid, 1999)

Es bailarina, música y creadora multidisciplinar. Su práctica híbrida entrelaza danza, performance y música en vivo, expandiendo la coreografía hacia territorios sensoriales donde el cuerpo se convierte en un espacio de resonancia emocional y política.

Graduada en 2022 en Danza Contemporánea por P.A.R.T.S. (Bruselas), escuela fundada por Anne Teresa De Keersmaeker, desarrolla una práctica que combina movimiento y composición sonora. Ha presentado trabajos como Spooky (con María Jurado) en el Antic Teatre, La Mutant, Réplika Teatro, Festival TNT y MIT Ribadavia, y la performance audiovisual Morfia (con Manu Pita-Romero) en el Festival IN-SONORA13 y Réplika Teatro.

Como diseñadora de sonido, colabora en proyectos de María Jurado, Héctor Fuertes y Zoe Lakhnati, y actualmente desarrolla A Sacred Reverie in a Dead Nostalgia, una investigación escénica sobre la nostalgia generacional a través del movimiento, el sonido y la memoria.

MANU PITA-ROMERO

Es director, artista visual y diseñador de iluminación con base en Madrid. Su trabajo explora la creación visual, lumínica y espacial en contextos escénicos, musicales y audiovisuales.

Ha desarrollado la creación visual de Spooky (María Jurado, 2024) y co-dirigido la performance audiovisual Morfia junto a Macarena Bielski (Festival IN-SONORA13). Es coordinador técnico y diseñador visual en Bambi (Candela May) y en varios proyectos de la compañía Paroxa, además de autor del cartel del 38º Certamen Coreográfico de Madrid.

En el ámbito musical, ha realizado la dirección visual y de iluminación para artistas como Cruz Cafuné, Nina Emocional, Kora y Hadren, presentando su trabajo en espacios como La Casa Encendida, Palau Sant Jordi, Festival Sónar o La Riviera.

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Martes 30 de junio a las 19h en La Capella

Os invitamos a la presentación del primer número de Pedra, la revista de La Capella y de las artes visuales emergentes leídas desde Barcelona.

Pedra inaugura una nueva línea editorial que reivindica el tiempo presente como eje vertebrador del centro. Sin voluntad historiográfica ni búsqueda de una proyección futura, Pedra pone en diálogo aquello que marca los ritmos y las intensidades de La Capella en determinadas situaciones y momentos.

Pedra nace de diversas conexiones y afinidades. En primer lugar, LIO (La Impremta Oberta), proyecto editorial de nyamnyam y Cultural Rizoma, que edita y acompaña la publicación; en segundo lugar, Todojunto, responsable del diseño; y, por último, las personas que forman parte del equipo curatorial del centro durante 2026 —Marta Sesé, Marc Navarro, Jara Rocha, Rubén Ramos Nogueira y Mònica Rikić—, que escriben y hablan de lo que está sucediendo ahora en La Capella.

Distribución gratuita en la recepción de La Capella y en otros puntos contextuales.

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Rodrigo García – 26 de junio en La Casa Encendida

Una inmersión en los Hamlets de Rodrigo García. Proyección de Hamlet Kebab, coloquio con Laurent Berger y Óscar Cornago, encuentro con el artista e inauguración de la instalación Hamlet está fatal.

Hamlet Kebab, de Rodrigo García. Francia, 2016. 82’

Una performance filmada basada en la obra de Shakespeare.

En El Hayal, un acogedor restaurante de kebab de Aubervilliers, Rodrigo García presenta una adaptación cinematográfica de Hamlet, rodada en directo e interpretada por los vecinos del barrio. De este modo, devuelve a Shakespeare la dimensión de poeta popular que tuvo en su época y que su incorporación al repertorio nos ha hecho olvidar con el tiempo.

Ficha artística

Dirección: Rodrigo García.

Texto: William Shakespeare.

Colaboración artística: Laurent Berger y Sarah Chaumette.

Actores: Nana Bamba, Gaye Diabira, Alain Ferrer, Stephane Foulgoc, Muhammad Javed, Suzanne Jeanjean, Lyna Khoudri, Chloé Richer-Aubert, Razek Salmi, Reda Sourhou, Clément Tang y Mamadou Traoré.

Conferencias sobre Hamlet Kebab y Hamlet está fatal a cargo de Laurent Berger y Óscar Cornago, seguidas de un coloquio con el público y con Rodrigo García.

Laurent Beger

Director, investigador y docente de teatro. Se formó como actor en el Conservatorio de Arte Dramático de París y como director en las Universidades de París y Estocolmo.

Es Licenciado en Artes del Espectáculo de la Universidad de París. Se desempeña como investigador en el Centro Nacional Francés de Investigación (Dramaturgia Shakespeariana, Teatro de experimentación).

Desde 1992 ha dirigido varias puestas en escena de Brecht, Berkoff, Shakespeare, Borchert y Synge en París, Avignon, Suiza, España, Suecia, Croacia, Japón.

Actualmente es director de la compañía “Un Autre Monde” en París y docente en Artes del Espectáculo en la Universidad de Montpellier, Paul Valéry.

Óscar Cornago

Viene del campo de la investigación académica en Ciencias Humanas y Sociales. Su trabajo, desarrollado desde el Consejo Superior de Investigaciones Científicas de Madrid, se ha especializado en artes escénicas, estética, arte público y teoría comparada de los medios. Es autor de numerosas publicaciones y ha impartido cursos y conferencias por Latinoamérica y Europa, además de comisariar proyectos, encuentros y seminarios teórico-prácticos en colaboración con artistas y plataformas de creación en torno a la idea de teatralidad y comunidad, economía de las prácticas artísticas, archivo y memoria o la relación entre artes y entornos públicos.

Forma parte del equipo de investigación ARTEA desde su fundación. Ha sido coordinador del Archivo Virtual de las Artes Escénicas y profesor en el Máster de Prácticas Escénicas y Cultura Visual de la Universidad de Castilla-La Mancha en colaboración con el MNCARS y los Teatros del Canal de Madrid.

Entre sus últimos trabajos se encuentra Ensayos de teoría escénica. Teatralidad, público y democracia, o volúmenes colectivos como  O teatro como experiência pública, Hacernos un mundoFicciones colectivas Conversar, habitar. Perspectivas críticas sobre la idea de participación.

Hamlet está fatal, de Rodrigo García. España, 2026. 50’

Videocreación a partir de la obra de Shakespeare protagonizada por niñas y niños y adolescentes + una instalación.

Un perturbado Hamlet y una Ofelia nada inocente viven su primer amor con diez años. Un malvado padrastro, el rey Claudio, redescubre el amor y la pasión en Gertrudis, la madre de Hamlet, ambos de quince tacos. En esta videocreación todos los personajes de Shakespeare son chavalas y chavales que viven en Madrid. Una versión muy libre de Hamlet a partir de la obra original, grabada íntegramente en un solo espacio, una sala de exposiciones de La Casa Encendida. La película se podrá ver en loop como núcleo, como centro de una Instalación-Detritus-Hamlet: lo que quedó en el plató luego de las jornadas de rodaje.

Ficha artística

Dirección: Rodrigo García.

Texto: William Shakespeare.

Actores: Amara Molina, Blanca Tranche, Carlos Conde, Carmen Brigos, Daniela Jarreto, Eliot Xia, Leo Castellanos, Mateo Jorreto, Nayla López, Noa Arranz, Noe Famoso.

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Rodrigo García – 27 de junio en La Casa Encendida

Videocreación a partir de la obra de Shakespeare protagonizada por niñas y niños y adolescentes que podrá verse en la exposición-instalación Hamlet está fatal.

Una versión muy libre de Hamlet a partir de la obra original, grabada íntegramente en un solo espacio, una sala de exposiciones de La Casa Encendida. La película se podrá ver en loop como núcleo, como centro de una Instalación-Detritus-Hamlet: lo que quedó en el plató luego de las jornadas de rodaje.

Un extracto de la obra dice:

Te tenía y ya no te tengo

Qué poco le costaría a Dios, si lo quisiera, retrasar el mundo una vuelta o dos

Corregir el dolor y devolverle el júbilo

Nuestra unidad era tal que no pensé que la muerte pudiera separarnos

No pensé que podría moverme y tú estar rígida y quieta

Una parte de tu corazón aún sufre en mi pecho, una parte de mi corazón yace fría en la tumba contigo

Oscuro, oscuro… no encuentro metáfora mejor

Edna St. Vincent Millay

Colaboran: Arturo Iturbe, Johnny Ryan, Ricardo Cases.

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Nazario Díaz – 21 de junio en la Fundación Joan Miró a las 6h 

Abrazando la fragilidad y la ternura de las primeras veces, característica de muchas de las propuestas que dan forma a esta jornada, Nazario Díaz llevará a cabo una apertura del proceso de trabajo de tsuki love, una acción que compartirá por primera vez en Barcelona al amanecer del 21 de junio.

tsuki love profundiza en la idea de la ausencia, la marca y lo que queda, a través de la imagen inicial de un golpe en el corazón. Nazario Díaz entrelaza el tsuki, el puñetazo básico en el karate shotokan, con algunos textos de su amiga Teresa Ves Liberta, coreógrafa y poeta trans portuguesa fallecida en 2024, a quien la acción rinde una suerte de homenaje. Junto a sus poemas, aparecen notas escritas en diarios personales, así como el tema de ANHONI and the Johnsons Fistful of Love (2005), cuya traducción vendría a significar un puñado de amor.

Más tarde (12h) Texto sobre cuerpo, erotismo y violencia ecológica, a mediodía, a modo de prolongación del gesto del que nace tsuki love, Nazario Díaz activará algunos materiales del proyecto de Ritó Natálio Spillovers, un glosario transfeminista que guía la experiencia de una comunidad imaginada de amantes que convocan el cuerpo, el erotismo y la experiencia somática para afrontar la violencia ecológica y para producir agua.

Nazario Díaz desarrolla su trabajo principalmente dentro de las artes performativas, centrándose en la tensión generada entre cuerpo, mirada y escritura. En los últimos años participa en varios contextos de aprendizaje colectivo como Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual (Madrid, 2016-2017), PICA (Azala, Vitoria, 2018-2019), Invitación (Bilbao, 2019-2020) o PACAP5 (Forum Dança, Lisboa, 2021-2022), intercambiando metodologías y herramientas pertenecientes al campo de la danza y las artes visuales. Actualmente desarrolla Conversation pieces, con el colectivo sonoro Metal performers, junto al coreógrafo vasco Isaak Erdoiza, una investigación en torno a cuestiones sonoras relacionadas con el ámbito coreográfico, y Otro borrado a través de la insistencia, dentro del marco del Programa Avanzado de Creación en Artes Performativas, comisariado por João Fiadeiro para Forum Dança (Lisboa). A raíz de estas experiencias nacen las piezas fuego verde (BAD Bilbao, 2021) y amanecer alto cielo (Azkuna Zentroa – Alhóndiga Bilbao, 2024).

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Francisco Casavella escribe en 1997 El secreto de las fiestas, una novela de formación protagonizada por un chaval llamado Daniel Basanta que hará de su vida una búsqueda, la del secreto de las fiestas, del que formarán parte las Mujeres y los Hombres-tachán, personajes que nacen en las páginas de esta novela “para contagiar a otros en las calles y la vida, que se reconocen entre ellos y se distinguen porque te cuentan una cosa muy rara que tú, en el fondo, tenías muchas ganas de que te contaran”.

TACHÁN, esa onomatopeya cargada de sorpresa y asombro y juego y fiesta nombra un festival que quiere ser indicio, conga y voltereta. Un festival de artes vivas, site-specific, que acoge cinco piezas inéditas de creadores y creadoras con una mirada política sobre la sociedad en que vivimos y una concepción abierta y audaz de la escena.

Democracia total de Los Voluble 

La propuesta se adentra en la memoria audiovisual de la Transición para leerla y desleerla desde el presente y proponer una lectura crítica de las ambivalencias de un tiempo atravesado por tecnoligarquías, guerra, desinformación, corrupción, videovigilancia y crisis permanente. Pero también por la persistencia de las luchas feministas, los movimientos pacifistas y ecosociales, las disidencias sexuales y las formas festivas de la resistencia. Entre el ensayo escénico, el concierto audiovisual y la coreografía expandida, Democracia total no se construye como una conmemoración, sino como una disputa por las imágenes y los relatos. Qué memoria produce una democracia. Qué cuerpos deja fuera. Qué archivos la sostienen. Qué fiesta, qué duelo y qué violencia siguen latiendo en sus montajes.

Charles & Jorge Luis, de Rodrigo García

Tengo en casa siete figuritas que representan la teoría de la evolución de Darwin. Son de plástico marrón, miden unos tres centímetros de alto, venían en una bolsita transparente de un tamaño que te entra en el bolsillo del culo del pantalón vaquero, las compré a un euro y pico en una papelería de Ciudad de México donde fui a hacer unas fotocopias y, para matar el rato, me puse a husmear en sus baldas y ahí estaban junto a las mochilas escolares y los lápices de colores estas torpes formas de plástico que me recordaron a aquellos infames soldados de juguete con los que jugábamos a la guerra los niños de mi generación. Como tropiezo visualmente con ellas cada día —las tengo puestas encima del microondas— pensé que podría echar mano de estas reproducciones de los simios que se yerguen de Darwin para hablar de la democracia, la forma menos cruel puesta en práctica por los seres humanos para sobrevivir en obligatoria comunión, forjada de tensiones, con nuestros congéneres, esos desconocidos peligrosos, la mayoría pobres diablos como un servidor, más unos cuantos millonarios que van en vertiginoso aumento según nos cuenta la prensa color salmón.

Una celebración, de Los Bárbaros 

Dijo Américo Castro que “el mal de España es una crónica españolitis mal diagnosticada y torpemente entendida”. Este verano, tomando una copa en Lugo, el primo de Rocío, Xocas, que por él tiene su nombre el Xocas, el influencer, porque de pequeño le daba clases de matemáticas la novia del Xocas, el influencer, antes de llamarse así, y el primo de Rocío, que ahora trabaja en una aseguradora, al que no veíamos desde el entierro del abuelo hace más de ocho años, después de contarnos cómo se habían suicidado dos de sus amigos y cómo le dolía, sobre todo, no haber podido ayudar más a uno de ellos que era Guardia Civil y que se mató por estar asfixiado en deudas después de la compra de una casa que salió mal y un divorcio, con lágrimas mal disimuladas, levantó el vaso de tubo y dijo: Yo solo quiero brindar por haber llegado a los cincuenta sin cagarme encima. Levantamos los vasos y brindamos.

Ysabel, de Ben Attia

La obra comenzó a gestarse en 2025, en Box Levante–Centro escénico del Estrecho, durante un taller con jóvenes migrantes magrebíes y subsaharianos mayores de edad —uno de los colectivos más desatendidos por las políticas de acogida—, concebido como un espacio en el que abordar desde la escena la vocación poética de quienes se encuentran en situación de desamparo.

Durante el proceso de trabajo decidimos utilizar una figura histórica como detonante dramatúrgico y son ellos, los propios jóvenes, quienes eligen a Isabel I de Castilla, activando un diálogo inesperado entre el relato histórico y las vivencias contemporáneas, entre la construcción de la identidad nacional y las trayectorias migrantes que hoy la atraviesan. La elección resulta especialmente significativa porque Isabel es la figura que, en los albores del siglo XVI, impulsa un proyecto de homogeneización religiosa —la llamada limpieza del territorio— mediante la conversión forzosa de los musulmanes españoles y el establecimiento de la Santa Inquisición, que siglos más tarde será ensalzada por el régimen franquista como símbolo de unidad nacional. Sin embargo, esta genealogía estará marcada por una ironía histórica: será Franco quien, en el contexto del Protectorado y la Guerra Civil, reactive vínculos con el mundo musulmán, promueva la apertura de mezquitas y cementerios en territorio español y se declare defensor del islam en discursos y entrevistas.

Comisaria: Marta García Miranda. 

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11 de junio en el MACBA

En Murmullos, el rumor se activa como una forma de conocimiento que circula entre archivos, mitos y relatos compartidos. La charla-concierto de Roc Jiménez de Cisneros se sitúa en ese territorio incierto donde las narrativas se bifurcan y las referencias se desplazan. Una exploración performativa que conecta genealogías culturales y abre nuevas lecturas sobre aquello que creemos conocer.

Zonas delgadas se presenta como una investigación casi detectivesca: un recorrido por pistas, coincidencias y teorías que conectan territorios aparentemente inconexos. A partir de la cosmología literaria de Jorge Luis Borges y Stephen King, la pieza traza un mapa inesperado que conduce hacia la cultura del acid house, el ocultismo y la rumorología contemporánea. El resultado no es tanto una conferencia como una deriva especulativa en la que música, cultura popular y mitologías urbanas se entrelazan hasta volverse indistinguibles.

A lo largo de la performance, cada conexión funciona como una pista más dentro de un archivo en expansión: símbolos que reaparecen, relatos que oscilan entre lo documentado y lo apócrifo, narrativas que se contaminan entre sí y sistemas de conocimiento atravesados por grietas. Todas ellas, ideas que recorren la práctica artística de Roc Jiménez de Cisneros desde hace tiempo.

Como en muchas de sus piezas, lo que aparece en primer plano es solo una capa. Debajo suele haber otra estructura más o menos visible, hecha de referencias cruzadas, mensajes cifrados, easter eggs y pequeños guiños que invitan a mirar con más atención. En ese espacio, las historias se pliegan unas sobre otras, generando lecturas paralelas y conexiones inesperadas en las que una referencia puede abrir la puerta a otra completamente distinta.

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