La Carne del Mundo de Lucía Martote del 6 al 8 de noviembre.
Ábrego de Corpo Liminal del 13 al 15 de noviembre.
La intérprete de Clara Pampyn del 20 al 22 de noviembre.
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Hasta junio de 2027 en el MACBA
En el contexto de la llamada Transición española, un grupo de jóvenes crea una plataforma de trabajo que entiende el vídeo como herramienta experimental de intervención política y arma social de contrainformación. La presente muestra propone un recorrido a partir de las experiencias del colectivo Video-Nou y su posterior transformación en Servei de Vídeo Comunitari. Activo en Cataluña entre 1977 y 1983, el grupo desafía las narrativas oficiales en un período en el que los dispositivos mediáticos seguían operando bajo estructuras heredadas del franquismo.
Inscrito en el clima de entusiasmo que marcó los primeros años de la Transición, el grupo desarrolla una práctica vinculada a movimientos vecinales, contraculturales, procesos educativos y luchas urbanas, situando la cámara como agitadora de dinámicas colectivas de debate y toma de palabra. Su impulso inicial se ve atravesado progresivamente por el desencanto, mostrando las continuidades del poder dictatorial y las limitaciones del cambio político. Es habitando esa tensión con la institucionalidad donde su práctica adquiere mayor densidad crítica. Su transformación en Servei de Vídeo Comunitari consolida su propuesta: el vídeo como servicio de comunicación e intervención social in situ, en el que las imágenes no son el fin, sino parte de un proceso que incluye su continua devolución y discusión en comunidad. En su cuestionamiento de la separación entre emisores y receptores, el colectivo desborda y critica los modelos dominantes de comunicación audiovisual.
Desdibujando los límites entre arte, documento y acción, el vídeo no se entiende como representación, sino como práctica y campo de relación donde las imágenes circulan, se negocian y transforman, incidiendo directamente en la producción de lo social.
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La Fabra Centre d’Art Contemporani
A lo largo de tres noches, albergamos un programa de actividades que se sitúa en el momento de transición entre el día y la noche. Las actividades se desplegan en ese tiempo liminal que da nombre al programa, un instante de paso que invita a detenerse, escuchar y experimentar otras formas de percepción. El ciclo incluye un recital de poesía nocturno con Pol Guasch, los conciertos de pop experimental electrónico de damoridemort y de Xenia, y una visita guiada a oscuras con el artista LUCE a la exposición Por el rabillo del ojo.
29.10.2026, a las 19 h
Recital nocturno con el escritor y poeta Pol Guasch
05.11.2026, a las 19 h
Conciertos de damoridemort y Xenia
26.11.2026, a las 19 h
Visita con las implicadas, a cargo de LUCE
Pol Guasch (Tarragona, 1997) es autor de Napalm en el corazón («Electrizante… Una voz singular, dulce y eruptiva a la vez, fresca y ya madura: una deflagración feliz», Ariane Singer, Le Monde), Premio Libros Anagrama de Novela 2021 y elegido como uno de los mejores libros de 2024 por The New Yorker; de En las manos, el paraíso quema («Una historia hermosa en un decorado funesto, entre Sarah Kane y Vivian Gornick. Un libro maravilloso que lleva la esperanza de la amistad al fin del mundo», Alana S. Portero); y de Reliquia («Un libro bellísimo, duro pero maleable a la vez; en su narración y sus reflexiones hay una autenticidad que hiere», Sara Mesa). Ha escrito las recopilaciones de poemas Tanta gana (Premio Francesc Garriga 2018) y La parte del fuego (Premio López-Picó 2021). Su obra ha sido traducida a trece lenguas.
Cruzando el mar suenan canciones de amor y de muerte. Damoridemort es el dúo enigmático de avant-pop formado por Blanc Nua y Rikamichie. Su música agénero cristaliza sus ideas, vivencias y sueños a través del sonido como un viaje-rito. Abrazan y llevan al escenario belleza y ruptura, aberración y delicadeza, y una síntesis de imágenes, voces entrelazadas, sintetizadores y una flauta. Epifanía sonora y visual que invita a perderse en un imaginario evocador y único.
Xenia es una compositora, productora e intérprete de Valencia. En 2021 dio vida a su distópico primer EP, Esfera, que la llevó a formar parte de la extasiante escena de grupos dark en español. En 2022, Xenia lanzó su primer disco, Ruido-0, un LP de pop oscuro, mucho más maduro y acelerado, que no deja de lado sus raíces underground y los sonidos envolventes que caracterizan su música. En 2023 sacó, junto a Margarita Quebrada, Aleación, un EP de tres canciones que combinan la electrónica más agitante y las melodías y ritmos más sensibles. En 2024, Xenia publicó su nuevo álbum, Cuando las sombras se alargan. En este disco encontramos electrónica, reggaeton, urban, pop y drum’n’bass. Su concepto nos lleva a lo más onírico, hablando de los sueños y momentos surrealistas, combinado con las sensaciones y sentimientos que vivimos en nuestra vida consciente. En 2026 sale Dollhouse, el nuevo EP de la cantante, un proyecto íntimo que explora la vulnerabilidad, la identidad y una feminidad cómoda y honesta. Este trabajo marca una etapa de transición y experimentación para Xenia.
*Un interludio (interludi en catalán) es una pausa entre dos momentos, un tiempo suspendido en el que algo se detiene para que otra cosa pueda empezar. Es también ese instante en el que el día se transforma en noche, cuando la luz se apaga lentamente y la oscuridad aún no se ha establecido del todo… Un umbral en el que todo se halla en tránsito. Interludi toma esta idea no solo como una pausa, sino también como un programa que se sitúa entre etiquetas: entre exposición y programa público, entre presentación y proceso. Un espacio desde el cual desaprender y desprogramar los ritmos habituales de la institución explorando nuevas formas de hacer, pensar y habitarla.
Este segundo Interludi pone a la palabra en el centro y la aborda desde disciplinas como las prácticas performativas, la escritura y el sonido. A través de estas propuestas, la palabra se convierte en un campo de experimentación compartido que genera un entramado de relaciones, voces y temporalidades. Un espacio situado entre el día y la noche, entre lo que se ve y lo que permanece oculto.
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Nazario Díaz – 14 de noviembre en emedeene
De modo epistolar, tsuki love profundiza en la idea de ausencia, de marca, o lo que queda, a través de la imagen inicial de un golpe en el corazón. Nazario Díaz entrelaza el tsuki, el puñetazo básico en el karate shotokan, con algunos textos sobre el duelo o la desaparición, escritos en años post-pandemia en su teléfono móvil. Junto a esas notas rescatadas, aparece el tema de ANHONI and the Johnsons Fistful of love (2005), cuya traducción vendría a significar un puñado de amor, sólo un poquito.
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Eddi Circa – 31 de octubre en e TEA
La compositora, guitarrista y cantante Eddi Circa presenta el sábado (día 31), a las 19:00 horas, en el museo TEA Tenerife Espacio de las Artes Embestida por un signo, el directo de su nuevo disco. Esta propuesta forma parte del programa de artes en vivo Por Asalto, que en esta edición lleva por título Las posiciones de la lengua. La entrada para asistir a esta actividad es de acceso libre hasta completar el aforo de la sala.
Embestida por un signo es el directo del nuevo disco de Eddi Circa, un viaje literario que presenta las aventuras de Eddi Ogra Abigail, que cabalga al lomo de una epistemología valiente, en problemas, no pacificada. La propuesta de estas catorce canciones consiste en no calmarse nunca, aceptar las misiones: reconocer los signos que a lo largo de una vida hay que aprender y descifrar. Y hacerlo siempre caminando o siempre corriendo. Vivir sólo de destellos de alegría y de verdad, soportar una vida de oscilaciones entre el duro y el blando. Sobre riffs futuristas en guitarra y sobre la voz imponente de la auténtica Eddi Ogra.
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29 de octubre en el CCCB
Vuelve Bivac, el festival de pensamiento joven del CCCB, con una edición que nos invita a pensar sobre lo restante, sobre lo que sobra, lo residual y marginal, pero que aún persiste.
¿Quién decide qué es un residuo? ¿El residuo nos ordena? ¿Qué puede emanar de los restos? ¿Cómo hacer que nazca algo nuevo de lo no deseado o de lo rechazado? Más allá de las definiciones convencionales de resto o residuo, el festival pone atención en los otros significados de la palabra para mostrar todo su potencial. Exploraremos el residuo como aquello que queda, que persiste y que muchas veces dejamos en los márgenes.
En un presente marcado por la aceleración, a menudo atrapado en la inmediatez, hacemos memoria para revisar lo que ya estaba aquí antes de nosotros y para preguntarnos qué tipo de ancestros queremos ser, cuáles serán nuestros residuos, nuestras vergüenzas. Del prêt-à-porter al prêt-à-rester: un desplazamiento que evidencia que somos, lo queramos o no, herederos del residuo.
Mi cabeza es un vertedero
Con Pol Crosas
De la culpa al residuo. ¿Cómo hemos llegado hasta aquí? Esta es la pregunta que inaugura el festival Bivac 2026, a través de dos vídeos creados por Pol Crosas. Como herederos generacionales del residuo, llegamos tarde a una mesa donde solo quedan las sobras, todo lo no deseado. Son residuos que pesan y que arrastran años de culpa, un sentimiento colectivo marcado por el contexto y la tradición. Una propuesta de Pol Crosas que pone atención en lo que la culpa deja atrás: un objecto, una promesa, un deseo, un gesto.
Poner la mesa, un ritual
Con Carla Girolamo y Paula G. Vila
Bivac 2026 nos invita a desplazar el residuo físico, entendido como desecho, hacia una dimensión emocional, política y cultural. Este primer gesto nos sitúa ante la pregunta que atraviesa todas las intervenciones del festival: ¿Qué hacemos con lo que no queremos, pero que no desaparece?
Carla Girolamo y Paula G. Vila son las encargadas de poner la mesa esta noche, construyendo un paisaje de elementos heterogéneos: figuras creadas por Carla Girolamo, objectos cotidianos, restos cedidos y residuos urbanos. La sobremesa politiza poéticamente la pregunta alrededor de les herencias.
Correo basura
Con Fer Rivas y Paula Melchor
¿Cómo se habita la sobremesa? A través de un intercambio epistolar en formato conversacional, Fer Rivas y Paula Melchor cuestionan cuáles son nuestros residuos más íntimos y de qué forma sedimentan en nuestros cuerpos. Como un diminuto fragmento de piel de manzana que queda atrapado entre los dientes y que insistimos en quitarnos con la punta de la lengua pero se resiste a ceder, incómodo e insoportable, las invitadas exploran cómo estas violencias cotidianas acaban incrustándose en el cuerpo hasta perforar la carne.
Sistematurgia de una mesa
Con Estructures 3000
Transformación de la mesa a cargo de Estructures 3000. La mesa deja de ser un simple soporte para convertirse en un archivo material del festival, una forma que, transformándose, muestra cómo toda permanencia es también una sucesión de restos y trazas, un cúmulo de memoria.
Caer a fuera
Con Lucas Altaba y Lluís Garau
Ser lo no deseado. Lluís Garau y Lucas Altaba exploran, a través de la danza y la música, los límites entre el dentro y el afuera. Una migaja de pan, un grito reprimido o una promesa forman parte de les gestos residuales de sobremesa que configuran la periferia. El movimiento y la sonoridad de la performance en directo se experimentan a través de la repetición, una mecánica que deja a la intemperie la expresión más cruda del residuo.
Prêt-à-rester
Con Adrià Porta, Laure Vega y Lluís Aguiló
Llamamos a la mesa a Adrià Porta, Laure Vega y Lluís Aguiló para que conversen alrededor de la idea del residuo que atraviesa todo el festival. ¿Cómo se entiende este afecto colectivo del prêt-à-rester? Podemos imaginarnos un futuro sin nosotros, pero no sin nuestros restos. Lo que resta es una negatividad, todo lo que no ha podido ser aprovechado. La conversación filosófica abre la puerta a un nuevo sentido político del residuo que permite imaginar cómo seria una política de lo restante. ¿De qué forma persiste lo que sobra?
Comer, masticar y atragantarse con los residuos
Con Pau Matas y Grup Bivac
Ante un mundo lleno de residuos, una sociedad que premia el esfuerzo individual y un sistema que aísla y responsabiliza de las peripecias colectivas, el grupo de personas que hemos comisariado Bivac tomamos la palabra y nos preguntamos: ¿Qué hacemos con nuestra mierda?
Esta acción performativa, con dramaturgia y dirección de Pau Matas, refleja cómo el residuo propio deja de ser una idea para convertirse en algo que permanece en el espacio físico, confiriéndole una realidad mundana. Nos convertiremos en un equipo de producción que recoge los objectos acumulados a lo largo de la noche para encajarlos en un espacio común. Una reflexión compartida sobre el residuo, lo restante, la restancia y el rastro.
Atlas de la restancia
Con Núria Cancela, Edurne Larumbe, Lo vell i lo nou, Salvem les Fotos UPV y Archivo Orsini
¿Qué pasa cuando dejamos que los residuos se contaminen entre ellos? Para cerrar el festival, construiremos un atlas en el que los objectos, imágenes, gestos y fragmentos se ponen en relación para crear una constelación abierta. Somos espectadores de unos residuos que se encuentran, interactúan y adquieren nuevos significados.
Tomando como punto de partida el Atlas Mnemosyne de Aby Warburg, proponemos jugar con las imágenes y los objectos para cuestionar qué persiste, qué regresa y qué puede hacer todavía un residuo.
Rastros
Con LesBjs y LaFrancesssa
¿Cómo tejer texturas entre los rastros? Los visuales del colectivo Lesbjs y el espacio sonoro de LaFrancesssa hacen resonar todos los rastros que han ido sedimentado a lo largo del festival. Esta pieza audiovisual pone de relieve las huellas donde se esconden el rechazo, la fealdad y la suciedad. Las artistas se aproximan química y estéticamente a los diferentes residuos materiales y simbólicos, proyectando en la pantalla todo lo que no quiere ser visto.
Laila Tafur y Enrique del Castillo – 30 y 31 de octubre en el Teatro Central de Sevilla
A un paisaje se le mira sin pedirle que sea más esto o más lo otro. Mirar un paisaje es estar abierta a conformarse, o dicho de una manera menos derrotista, abierta a la aceptación de lo que hay. Ver lo que hay y ya.
A un paisaje no le pides que cambie, que se adapte a tus expectativas, a tus deseos, a tus manías, no le pides que se modifique para que sea más tú. Ojalá se escuchara música o mirara danza así.
Fondo Alto hacen canciones a partir del territorio, de un pueblo que migra y se transforma. Fondo Alto fabrican una identidad desubicada, donde el origen está lleno de extranjeros. Experimentan con el sonido que evoca un paisaje, vinculan lo acústico al espacio e invitan a una escucha que imagina un lugar, que alude a la amplitud, a la enormidad, al abismo. Para aterrizar después en un trágame tierra literal que recorre un paisaje y que a su vez se deja recorrer por él. Caminar, caer, deslizar, subir y bajar. Dibujar sus grietas, brotar sanguínea. Cauces y contornos caníbales, paisaje salvaje.
Dirección e interpretación LAILA TAFUR y ENRIQUE DEL CASTILLO Mirada externa ANA BUITRAGO Diseño de iluminación IRENE CANTERO
Con el apoyo de Graner, HORTART y Residencias de Creación Artística de la Junta de Andalucía
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Isabel do Diego – 26 de noviembre en La Madraza
En GOZO JONDO, Isabel Do Diego se interesa por prácticas atávicas del flamenco en relación a su sonoridad y la manera de habitar el cuerpo en escena para su elaboración.
Las manos, los pies y la boca.
El rasgueo, el zapateao y el quejío.
También, en GOZO JONDO, hay canciones que parten de estructuras musicales, que en la tradición folclórica, están relacionadas con la seducción y el placer.
El cortejo, el baile de proximidad corporal y la festa.
La copla, el dembow y la electrónica hardcore o gabber.
Esta investigación se realiza durante la residencia artística de Los Tientos 23-24, programa anual ideado por la Universidad de Granada, a través de La Madraza. Centro de Cultura Contemporánea.
En dicha residencia, Isabel Do Diego también trabaja la puesta en escena utilizando el espejo como objeto multiplicador de la imagen y la luz. Es aquí, y después de un tiempo de pruebas, donde se plantea lo siguiente:
Si al azogar un cristal obtengo un espejo y todo su poderío escénico, ¿qué sucedería al azogar la música?
¿cómo sonaría esta música azogada? ¿qué espacio corporal ocuparía a la hora de tocarla en vivo?
Para ello, Isabel Do Diego ha creado el instrumento Azogue, con el que traducir a música lo anteriormente citado y llevarlo a escena usando el cuerpo de manera no tradicional o académica. Azogue está elaborado con acero cromado conectado a un software. En este instrumento-máquina es el cuerpo, como ser vivo, el puente necesario para que la música brote y fuya.
La materialización escénica de GOZO JONDO se llevó a cabo durante dos residencias artísticas. La primera con el apoyo de la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales realizada en noviembre de 2024 en el Centro de Creación Contemporánea de Andalucía – C3A (Córdoba). Y la segunda en diciembre de 2024 en La Caldera, centro de creación artística en torno al cuerpo (Barcelona).
Es en GOZO JONDO, donde Isabel Do Diego propone un viaje escénico-musical de ida y vuelta. Un universo entre lo atávico y atemporal del famenco, el folclore y la electrónica. Para ello, Isabel Do Diego despliega una electrónica líquida, vaporizada, sacudida y centelleante que sirve como base para unas melodías vocales tradicionales que se encarnan y vociferan con un cuerpo en pleno fulgor vital. Es el azogue que todo lo agita y nada permanece en el mismo estado.»
Más información (entrada libre).
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Alessandra García – 6 de noviembre en La Madraza
La intrahistoria del acento andaluz.
Bloque Coral es una investigación escénica sobre la voz, el acento y la memoria compartida.
Ocho intérpretes, unx por cada provincia andaluza, recorren barrios, escuchan relatos y trasladan historias de un territorio a otro.
Ceceo, seseo, aspiraciones, pérdidas consonánticas y formas de hablar se convierten en una cartografía emocional de Andalucía.
Memoria. Acento. Comunidad.
Una partitura documental que funcionará simultáneamente como herramienta de creación, archivo de trabajo y soporte de transmisión.
Bloque Coral forma parte de BÁRRI BARN EXTERIOR SALVAJE es una exposición escénica de Alessandra García.
Ficha artística
Coro y textos
Almería Frasco Contreras
Cádiz Marie Delgado
Córdoba Nieves Rosales
Granada Miguel Pimentel
Huelva Blás López
Jaén Ramón Gazquez
Málaga Alessandra García
Sevilla Laura Morales
Creación y dirección: Alessandra García
Producción: Violeta Niebla
Una producción de Teatro del Barrio y Dos Bengalas
Más información (entrada libre).
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Amaia Urra – Del 17 de octubre el 12 de diciembre en Atoi (Bilbao)
“La tercera edición de FOKU está dedicada a Amaia Urra, una artista tan esquiva como fundamental en nuestro entorno. Así, hemos querido ahondar en la relevancia que las prácticas performativas de base lingüística y conceptual han ido adquiriendo en consecutivas generaciones de mujeres artistas en el contexto vasco.
La práctica de Amaia nace al calor de la experimentación en torno a las artes en vivo propulsada por Mugatxoan en Arteleku y ha ido encontrando un territorio propio a partir de la segunda década del siglo XXI. En su obra, la semántica es un territorio de pruebas. Amaia vuelve una y otra vez a un material eternamente vinculado a reglas abstractas de afiliación, categorización o agrupación múltiple, que una vez exploradas pierden rigidez y muestran su apertura más lúdica y perturbadora del orden.
Presentamos pues la primera exposición individual de Amaia como si empezáramos por el final, pusiéramos la carreta delante de los bueyes o construyéramos la casa por el tejado, dando comienzo mediante una antífrasis. Así se ha desplegado la práctica artística de Amaia a nuestros ojos, una actividad empeñada en explorar y cuestionar espacios de aparente contradicción, abriendo paso para hacer hueco a un tipo de atención, juguetona y al tiempo crítica con nuestro entorno y ritmo cotidianos.
Foku inauguró el programa expositivo de Atoi hace cinco años. Como casi todo en Atoi, su formato es el resultado de un ejercicio de escucha atenta al proceso y de la creación de las condiciones que puedan impulsar el trabajo en sus propios términos. La estructura dual del proyecto, que combina una exposición individual en el espacio físico de Atoi con una retrospectiva crítica en el espacio virtual de la web foku.info, nace del proceso de acompañamiento de Iñaki Garmendia en su primera edición. Durante el tiempo que trabajamos con Iñaki para materializar la exposición, el propio espacio de Atoi estaba también en construcción. Iñaki no había expuesto en varios años, y quería vincularse a su trabajo anterior al tiempo que quería mostrar sólo obra nueva en la que había estado trabajando, casi en secreto, durante sus años de trabajo solitario en el estudio. En respuesta a ese deseo doble de atarse y liberarse, decidimos crear un espacio virtual donde poder ordenar la producción pasada de Iñaki y hacerlo público el día de la inauguración. Así, sus trabajos pasados en vídeo podrían verse completos durante el tiempo que durara la muestra y el contexto de su práctica estaría presente, al tiempo que la sala se liberaba totalmente para mostrar los resultados de sus procesos de trabajo más recientes en el ámbito escultórico. Con Idoia Zabaleta, el segundo Foku que llevamos a cabo, ya partíamos de una estructura doble establecida a priori. En esta ocasión, el reto estuvo más atado a cómo presentar una trayectoria tan multifacética, qué queríamos poner en primer plano, y cómo podía la plataforma online ayudar a enfocar la singularidad de la práctica de Idoia en un contexto de las artes plásticas.
Junto con Amaia Urra, durante el pasado año y medio, el proceso de trabajo en la web ha estado más centrado en entender la relación entre las series, las versiones, generaciones y adaptaciones en su producción y en reunir, de fuentes diversas, los documentos que se conservan de una obra que, durante más de una década, se ha desarrollado casi siempre en vivo, en un ejercicio que nos ayudara a crear un magma del que pudiera emerger la propuesta expositiva.
La tercera edición de Foku lleva implícita la gestación de la que será la primera exposición individual de Amaia. Por primera vez, su práctica ocupa la posición central. La pregunta aquí ha girado en torno a descubrir qué es una exposición para Amaia, cómo se articula el espacio-tiempo de la exposición en relación a su práctica, cómo se contiene y al tiempo se libera. Esto la vincula a Iñaki, pero también a Idoia, cuya concepción de lo expositivo retaba los cánones de la ortodoxia. Las tres artistas aprovecharon Foku como espacio para retar su práctica de alguna manera y las tres se han servido de Foku para pensar, reorganizar o redireccionar su práctica artística. Es por estas cosas que merece la pena trabajar en proyectos de este calado, mano a mano con nuestras contemporáneas.
El truco de un escapista descansa sobre un principio de percepción: la mirada no ve la realidad, sino la continuidad lógica que su mente da por supuesta. El escapismo funciona porque la persona espectadora lee el contexto como un hecho absoluto en lugar de como una construcción. Ha sido un placer para nosotras acompañar a Amaia en este reto.”
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Amaia Urra (Donostia-San Sebastián, 1974). Licenciada en Bellas Artes con especialidad en escultura en la EHU, su doble lengua materna, española y francesa, le permite siendo aún estudiante entrar en contacto y participar como asistente en producciones escénicas experimentales participadas por el Instituto Francés de Bilbao. Esta experiencia despierta su interés por las prácticas escénicas conceptuales, que empieza a desarrollar dentro del programa de Mugatxoan en Arteleku. Allí comienza a crear sus propias piezas, al tiempo que participa en creaciones y presentaciones de trabajo de artistas como Jérôme Bel, Xavier Le Roy, Ion Munduate, y Cuqui y María Jerez, entre otros. En 2012 abandona la práctica escénica y da comienzo a una metodología de trabajo propia en la que combina voz, texto y cuerpo. Entre 2017 y 2018 dirige, junto con Sandra Cuesta y Larraitz Torres, el espacio Alkolea Beach en Donostia-San Sebastián. Su trabajo se ha presentado en contextos artísticos como Artium Museoa, MNCARS, Museo Guggenheim Bilbao, Bulegoa z/b, La Casa Encendida o Tabakalera, y también se ha mostrado a nivel internacional en espacios y festivales de Europa y América, como Les Laboratoires d’Aubervilliers, Art Nomade o el 45 Salón Nacional de Artistas de Bogotá. La de Atoi es su primera exposición individual.
Tractora Koop. E. es una cooperativa de artistas fundada en 2013 como herramienta para la producción de los proyectos de sus socios, un grupo de amig⌁s que participaban en los trabajos de un⌁s y otr⌁s de forma habitual. La cooperativa, en tanto persona jurídica, nació con vocación de infraestructura. Su forma societaria se tomó prestada de las cooperativas de camioneros; su nombre, Tractora, es un homenaje a ellas. En sus trece años de vida, Tractora ha traccionado numerosos proyectos que han dado como frutos en una gran variedad de disciplinas. A partir de 2018 la actividad inicial de la cooperativa se ha expandido a la producción de proyectos colectivos, en los que participan sus distintos miembros y de los que nacen varias líneas programáticas: la revisión de trayectorias artísticas afines con proyectos a largo plazo (como Landa Lan: A Documentation of Darcy Lange), una editorial (-zko), una plataforma de catalogación y difusión de publicaciones de artista (Sistema Eragilea) y la puesta en marcha de un grupo de autoformación colectiva sobre el cine de artista (Kinu). En 2021 abre las puertas de Atoi, desde donde desarrolla los programas de Barrunbe, Kinu y Foku.
Diseño de producción: Ainara Elgoibar y Usue Arrieta Otaola | Asistencia en la producción y coordinación: Marina Arranz |
Estudio de grabación: Audio Gela | Edición de sonido: Ibon Aguirre | Servicio técnicos de sonido: Musique Bilbao | Asesoramiento sobre arquitectura: Irati Burgués | Diseño gráfico: Maite Zabaleta | Servicio de impresión: Gráficas Lorea | Sellos publicación: Caucho Exprés | Taller De boca a oído: Olaia Aguayo, Leyre Arraiza, Minois Bachtsetzi Markidou, Jaione Beroiz Poza, Aina Bullón, Malen Diaz, Nazario Díaz, María Goirigolzarri, Verónica O’Farrell, Maialen Olite Baztan, Clara Ovejero | Textos críticos: Ainara Elgoibar | Edición textos críticos: Usue Arrieta | Bibliografía: Marina Arranz | Traducción al euskera: Aiora Jaka | Traducción al inglés: Ainara Elgoibar | Diseño web: ODD | Programación web: Marià Codina | Digitalización y edición de documentación bibliográfica y alimentación de bases de datos Foku.info: Inés G. Asensio, Nuria Pérez García, Valentín Ramos, Ane Solís, Sara Vega | Cesión de documentación bibliográfica: Alkolea Beach, Arteleku, Artium Museoa, Azkuna Zentroa – Alhóndiga Bilbao, BAD, Bulegoa z/b, Blanca Calvo, Caniche Editorial, Crystal Mine, Consonni, Juan Domínguez, Eremuak, fluent, La Casa Encendida, La Fundición Aretoa, Mugatxoan, Ion Munduate, MUSAC, R.B. Jérôme Bel, Tabakalera, Zarata Fest | Eskerrik asko denoi.
Foto de David Hornback.
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