Needcompany con Gonzalo Cunill – Del 24 al 26 de abril en Teatro Ensalle
Laura Morales – 8 y 9 de mayo en el Teatro Central de Sevilla
DESCARADA, SIEMPRE SORPRENDENTE Y CON UN INSTRUMENTO BIEN AFINADO —SU CUERPO—. LAURA MORALES NOS INVITA A PRESENCIAR SU NUEVA TRANSFORMACIÓN EN SER PASTORA.
UN PROYECTO, NACIDO DE LA INVITACIÓN PARA SER NARRADO EN LA REVISTA DEL CENTRO DRAMÁTICO NACIONAL, QUE COMENZÓ COMO UNA FUGA, UN EXILIO. UN GRITO SILENCIOSO QUE SE CONVIRTIÓ EN UNA ONOMATOPEYA QUE ATRAVESABA MONTAÑAS.
En 2023 Laura formó parte del proyecto Escuela de Pastores de Madrid Campo Adentro. Se fue a Brieva de Cameros queriendo ser pastora y por unas semanas lo consiguió. Ahí empieza todo.
Se trataba de salir de lo artístico y “ser campo” pero lo que ocurrió fue que la decisión se convirtió poco después en proceso de creación.
Según la bailarina: Ahí me di cuenta de que esto no iba a ser una fuga, iba a completar algo. Andalucía es la primera tierra que se seca, por lo que es la primera que mueve el rebaño en busca de comida y agua. Ser bailarina en Andalucía es estar en constante sequía. Ser pastora en Andalucía inevitablemente te hace moverte hacia el agua y los pastos frescos.
Y en ese buscar los pastos frescos donde alimentar su “fuga” Laura comenzó a desarrollar el espectáculo que nos presenta. Una producción atravesada por múltiples ejes en los que fue consciente de la importancia de vincularse con las comunidades en extinción. En este caso la del pastoreo, un patrimonio intelectual y cultural de valor incalculable en nuestro país.
Creo que no hay mucha diferencia entre una pastora y una coreógrafacreadorademovimientoartesvivasartista. El campo y la danza van de la mano en preciosismo y miseria. Es una especie de abandono romántico. Según declara.
Otro de los ejes de la propuesta es la brecha de género que existe en el mundo agrario ya que para muchas mujeres el trabajo agrícola es considerado como una extensión del que hacen en el hogar.
Ser pastora desde sus inicios es un espectáculo atravesado de preguntas que asaltan a Laura y que quiere trasladarnos como comunidad: ¿Para qué invocar un rebaño si tengo el campo? ¿Por qué en 2023 quise dejarlo todo e irme con un rebaño que no conocía? ¿Cómo hallo este cuerpo sin un rebaño que me siga? ¿Cómo empieza un cuerpo a moverse hacia arriba? ¿Puede haber sequía en un escenario? ¿Y prados verdes? ¿De dónde viene el impulso de moverme?
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Aníbal Conde y Magdalena Leite – Del 21 al 30 de mayo en Teatro Pradillo
En las sesiones llamadas Escuchas en Teatro Pradillo compartiremos dos obras que están construidas en base a prácticas de escucha mutua, una es Leviathan y la otra es Escucha Radical. En los dos casos el motor de construcción es la escucha mutua en tiempo real, pero los resultados son totalmente diferentes.
Leviathan es una práctica en la que dos performers intentan escapar de la representación de un cuerpo humano, en vivo y con luz general. La tarea es desplazarse estando totalmente pegadxs y encastradxs frente a frente, anulando la cara y la vista. Leviathan fue seleccionada para el 60º Premio Nacional de Artes Visuales de Uruguay.
“O escuchas las voces de todos los demás seres que habitan el planeta junto a ti, o haces la guerra a la vida en la Tierra.” Ailton Krenak
Escucha Radical es una práctica en la que dos performers intentan moverse y hablar al mismo tiempo, sin que ningunx guíe, y construir un discurso de movimiento, acción, texto y sonido a partir de la escucha del otrx y del entorno, en tiempo real con el público. Se activa en un espacio cualquiera con luz natural o general. Escucha Radical recibe el 1er Premio del 61º Premio Nacional de Artes Visuales de Uruguay.
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25 de abril en Réplika Teatro
Los Voluble vuelven a Réplika Teatro tras su paso en 2019, 2021 y 2022 para presentar un programa triple que incluirá el live a/v de La Voz de Alarma y la Presentación del “Nuevo Archivo Flamenco” el sábado 25 de abril, y un taller metodológico de su práctica artística la tarde del domingo 26.
La Presentación del Nuevo Archivo Flamenco de Los Voluble tendrá lugar a las 19:00 h, antes del inicio del show a/v de La Voz de Alarma, previsto para las 21:00 h. El acceso a la Presentación del Nuevo Archivo Flamenco será libre y gratuito hasta completar aforo. Para La Voz de Alarma se requiere comprar entrada.
Presentación del “Nuevo Archivo Flamenco” de Los Voluble. Actividad Gratuita
Este nuevo archivo flamenco de Los Voluble nace en enero de 2025 como un nuevo acercamiento de los hermanos Jiménez a la problemática de los archivos y su acceso para remezclar. El nuevo archivo flamenco de Los Voluble se plantea como un espacio abierto en el que artistas colaboradores contribuyen y crean “documentos y coreografías” para generar loops y nuevos espectáculos audiovisuales. Se presenta públicamente por primera vez en Réplika Teatro activando un espacio abierto a contribuciones al archivo por invitación y presentando, con una mesa de debate, las motivaciones y propuestas en torno a él de Los Voluble. Siempre en abierto y en comunidad.
La Voz de Alarma (a/v show)
La Voz de Alarma (2025) es un proyecto expandido a través del cual Los Voluble generan una propuesta audiovisual en directo que yuxtapone a la remezcla con la creación de un nuevo archivo flamenco acompañadas de las propuestas de música electrónica global siempre pensando en la crítica social en tiempos de genocido, fake news y cambio climático.
Como si fuera una trilogía, después de Flamenco is not a Crime (2019) y JALEO IS A CRIME (2022), el flamenco vuelve a ser protagonista en una pieza de Los Voluble centrándose en el baile con la colaboración, mediante residencias previas a la presentación del show, donde artistas locales graban y proponen nuevos materiales en crudo para el trabajo de remezcla e improvisación en directo.
La Voz de Alarma abraza las riquezas culturales de la negritud en el flamenco y de las diásporas actuales como una forma de contribuir con un mensaje antirracista y contra los fascismos del siglo XXI. El humor y la actualidad política también aparecen como una forma de hackear los algoritmos y de hacer preguntas sobre la sociedad que habitamos.
Idio Chichava – Del 1 al 3 de mayo en el Mercat de les Flors
El coreógrafo mozambiqueño Idio Chichava muestra la migración a través del prisma del cuerpo y se inspira en el ritual de danza del pueblo Makonde, que vive en Mozambique y en los países vecinos, y en el concepto de fusionar la danza y el canto del cuerpo humano en un cuerpo global. Según Chichava, sólo el cuerpo que baila y canta simultáneamente puede expresarse completamente. El coreógrafo ofrece una pieza con una gran carga de energía, con 13 bailarines que no dejan de bailar y cantar canciones antiguas y actuales de Mozambique.
Idio Chichava es bailarín, coreógrafo y director artístico de Converge+ Dance Company de Mozambique. Después de una carrera exitosa en Francia, volvió a su país para promover la danza en las comunidades locales. Ha colaborado con artistas como Panaibra Gabriel Canda, Horacio Macuacua, Cristina Moura, Thomas Hauert, David Zambrano, Frank Micheletti, Boyzie Cekwana, Qudus Onikeku i Marcel Gbefa, entre otros. Galardonado con el Diploma de Estado de Francia, Chichava vive entre Mozambique y el país galo, donde colabora con la compañía francesa Kubilai Khan Investigaciones desde 2005. Idio ha guanyat el premi S.E.D.A., una iniciativa de la Fundação Calouste Gulbenkian.
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Imagen: Blasco Ibáñez por la calle de San Vicente a su llegada a Valencia. Ajuntament de València. Arxiu Històric.
Universidad Popular | Del 22 de abril al 20 de mayo en el CA2M de Móstoles
“Y ENTONCES LOS ASISTENTES SE SUBIERON AL ESTRADO Y DEVORARON A LOS PONENTES”
“Un terreno nuevo, donde todos puedan entrar, donde se presente la enseñanza con ropajes de fiesta y se sirva la ciencia como una diversión. La Universidad Popular será todas las noches algo así como un teatro libre y gratuito de la enseñanza”, escribió Blasco Ibáñez en el periódico El Pueblo en enero de 1903. Blasco Ibañez fundó en Valencia la primera Universidad Popular y el número de asistentes excedió con creces el número de estudiantes universitarios inscritos en la enseñanza oficial. Ahora fantaseamos con la idea de que los asistentes al “teatro de la enseñanza” desafiaran la autoridad de los bienintencionados profesores, que fueron devorados por el saber popular. La fotografía habría sido tomada justo un instante antes del asalto.
Según el modelo de las universidades populares, desde el año 2008 se celebra en el Museo CA2M el programa de la Universidad Popular, que nace como un espacio de reflexión sobre qué es el arte actual. Con los años, el ciclo de conferencias impartidas por académicos en Historia del Arte y Filosofía ha ido incorporando otras formas de aprendizaje a partir de la práctica artística, invitando a artistas que comparten sus modos y sus procesos de trabajo. Los asistentes a la Universidad Popular han tenido siempre una fuerte presencia en los debates tras las conferencias y un rol activo en las sesiones con los artistas, hasta el punto de que se han acabado convirtiendo en los protagonistas del ciclo. Por eso, el tema de investigación para la Universidad Popular 2026 es el propio grupo de aprendizaje que se organiza y florece alrededor del programa. Un grupo que siempre es variado, genuino e inestable.
Durante cinco sesiones, vamos a ensayar la insumisión, el anonimato, la autoría colectiva, la resistencia, la confianza radical, el poder, el canibalismo y otras fantasías heroicas con las que desatar la energía popular.
Dirigido por: Carmen Aldama
PROGRAMA
Miércoles 22 de abril. THE ARTIST IS PRESENT. Javier Tirado Ocón
Miércoles 29 de abril. SEASON FINALE. Cuqui Jerez
Miércoles 6 de mayo. DEVÓRAME OTRA VEZ. Aitana Cordero
Miércoles 13 de mayo. ENSEÑAR AL QUE NO SABE. Carmen Aldama
Miércoles 20 de mayo. GRAN FINAL. Ben Attia y María Moncada
Más información y reservas: CA2M
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Manuel Roque – 27 de abril en La Caldera
bang bang es una prueba. Construido sobre una repetición implacable de saltos y motivos atléticos contados en 11, exige una concentración excepcional y un fuerte compromiso físico por parte de sus intérpretes. Progresivamente, esta exigencia revela su combatividad, su resistencia, pero también las fisuras del intérprete humano. Esta versión para dos personas añade la idea de atravesar la prueba conjuntamente, combinando las fortalezas y debilidades de cada intérprete.
La precisión se encuentra con el agotamiento. A lo largo de 50 minutos, las identidades de los intérpretes se disuelven. Continuar saltando se vuelve a la vez absurdo, poético y político.
Creado en 2017, el solo bang bang se retoma en forma de dúo.
Manuel Roque. Manu es un coreógrafo e intérprete de danza contemporánea con base en Montreal (Tiohtià:ke – Mooniyang). Sus creaciones exploran la interacción entre espacios sensibles, somáticos, atléticos, poéticos y políticos. bang bang (un solo creado en 2017 y transformado en dúo en 2024) ganó tanto el Premio a la Interpretación como el Premio a la Obra Coreográfica en los Prix de la Danse de Montréal en 2017. Su interés por el cuerpo en movimiento se fundamenta en los conceptos de integridad, curiosidad y atención meditativa. En sus obras, el rigor coexiste con la suavidad; la musicalidad se expresa a través de un agudo sentido del matiz; y la generosidad del compromiso físico se basa en la amabilidad hacia uno mismo y hacia los demás.
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Laura Ramirez Ashbaugh – 13 y 14 de mayo en Conde Duque
Sinopsis
Oasis of Serenity es una colisión de visiones místicas y cinematográficas donde el cuerpo, atravesado por corrientes químicas y anatómicas, existe en un estado de crisis constante. Abrumado por la imaginería del mundo exterior, este cuerpo no es fijo: parpadea, se disuelve y se reconfigura, pulsando al ritmo de las emociones y de las sustancias que lo recorren. No hay una historia que contar, solo sensaciones; un cine caótico se despliega en la pupila, mientras el mundo atraviesa el cuerpo en tiempo real, desbordando toda comprensión. Este umbral —místico y físico— es a la vez práctica, éxtasis y transformación Oasis of Serenity no busca un cierre, sino una apertura hacia lo desconocido, siempre al borde de la llegada.
***
El mundo contemporáneo estremece al cuerpo. Como si cruzara un desierto para encontrar un remanso y divisar la aparición del agua, el paisaje se abre y forma una grieta que será transitada por un ser solitario que encuentra en este camino oblicuo y desviado una posibilidad. Las hormonas, como la adrenalina y el cortisol, despliegan sus potencias. La química del organismo palpita y reacciona ante el dolor que la realidad provoca; la crisis ante lo observado se manifiesta mediante la supervivencia, cuya anatomía resiste al horror. ¿El cuerpo en movimiento puede transformar las imágenes grotescas e incesantes? El constante flujo emocional se aleja del entendimiento. Laura Ramírez Ashbaugh muestra la variabilidad de un cuerpo no fijo, desajustado para revelar sus atributos místicos. La disolución y reconfiguración señalan la entrada hacia lo desconocido, puede sentirse el flujo constante de un ritmo que modifica la visión del mundo. Ante la ruina es necesario el pensamiento colectivo. Los desplazamientos se experimentan apartados de la narrativa y el umbral químico señala los bordes; el éxtasis se gesta y alumbra la llegada de un nuevo modo de atravesar la conmoción frente a las imágenes. A través de esta práctica ocurre una metamorfosis en tiempo real donde el cuerpo desarticula reconfigura la importancia de la memoria. Las visiones son enfrentadas por la química del organismo y por la veracidad de fortaleza. El corazón aumenta la velocidad de sus latidos, se aleja del entendimiento y las emociones son revaloradas: el espectador es testigo de la resonancia de un cuerpo en su entorno.
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2 y 3 de mayo en Réplika Teatro
Estreno en España de la bailarina y coreógrafa polaca afincada en Berlín Ewa Dziarnowska, uno de los nuevos nombres de la danza contemporánea europea que llega por primera vez a Réplika Teatro para presentar su última obra This resting, patience, una pieza duracional que ha podido verse en centros y festivales como el Tanztage Festival de Sophiensaele de Berlín, el Rakete Festival de la Tanzquartier de Viena, el Mind Eater Fest de Oslo, la Berlin Art Week, el Backslash Festival del Gessnerallee de Zurich, el What You See Festival de Utrecht, el International Dance Festival del Múnich o el Santarcangelo Festival italiano. Una pieza que explora la sensualidad, la desnudez y la danza como prácticas relacionales y accesibles que cuestionan la pasividad de la instalación y la noción tradicional de la performance para proponer un presente continuo, tierno y atento.
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María Salgado y Eddi Circa – 24 de abril en el Círculo de Bellas Artes
María Salgado, artista y poeta, desarrolla una práctica que entrelaza escritura y escena en busca de un sonido capaz de reconectar con el mundo y con el deseo —con el deseo de mundo—. Su trabajo se despliega tanto en el espacio íntimo de la lectura como en intervenciones que llevan la palabra al espacio público.
En el marco de la XXX Lectura Continuada del Quijote —una edición en la que celebramos los 30 años de esta cita y el centenario del edificio— y en diálogo con la propuesta expositiva de La lechuza de Minerva, presenta una lectura nocturna de poemas y ensayos de su último libro, Lírica, en la Sala de Billares, un espacio habitualmente reservado a los socios del Círculo. La sesión contará con el acompañamiento de la compositora y cantante Eddi Circa, abriendo la palabra a una dimensión sonora y performativa.
Además, su trabajo se extiende a la fachada del edificio mediante una intervención en las banderolas, donde el texto se desplaza a la escala urbana. Allí, la poesía se expone al ruido, la velocidad y la mirada fugaz de la ciudad, funcionando como interrupción y escucha: una interferencia que se mide con el tránsito y que abre, en plena circulación, la posibilidad de otro tiempo.
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