— MuroTRON

Del 6 de marzo al 17 de mayo en el CCCB

«Tenemos diecisiete años. Un retrato colectivo» es un recorrido por los lugares, las vivencias y las inquietudes de jóvenes de diecisiete años que se han retratado y que han fotografiado su entorno más inmediato. En la exposición pueden verse fotografías, filmaciones y textos en primera persona, miradas genuinas que huyen de los prejuicios de los adultos y de los códigos habituales de representación de la adolescencia.

La muestra se inspira en los retratos que el cineasta Johan van der Keuken realizó a su grupo de amigos cuando tenía diecisiete años, en 1955. Las fotografías de Van der Keuken se exponen por primera vez en Barcelona a raíz de la exposición y dialogan con las creaciones que han hecho los jóvenes.

Durante dos años, grupos de estudiantes de institutos de Cataluña, Lituania y Rumanía han participado en talleres de creación fotográfica y artística para explorar otras formas de retratarse y mostrarse. Este proyecto europeo, impulsado por la Asociación A Bao A Qu, ha invitado a los jóvenes a tomar fotografías y a realizar filmaciones y escritos, con el acompañamiento de los fotógrafos, artistas visuales, cineastas y dramaturgos Ingrid Ferrer, Tanit Plana, Mònica Roselló y Berta Vicente Salas, Xavi Bobés, Albert Coma, Jaume Claret Muxart, Raquel Cors Munt, Pep Garrido, Mikel Gurrea, Martí Madaula, Sergi Portabella, Jaime Puertas Castillo y Núria Inés (Tinta Fina). Los institutos catalanes participantes en el proyecto son Bellvitge (L’Hospitalet de Llobregat), Doctor Puigvert (Barcelona), Les Aimerigues (Terrassa), Angeleta Ferrer (Barcelona), Infanta Isabel d’Aragó (Barcelona), Maria Espinalt (Barcelona), Miquel Tarradell (Barcelona) y ITAEB (Barcelona).

La idea y el desarrollo han ido a cargo de Núria Aidelman, Laia Colell, Anna Fabra y Agnès Sebastià (A Bao A Qu).

En paralelo a la muestra, la Filmoteca de Catalunya ha programado, del 4 de marzo al 30 de abril, un ciclo retrospectivo dedicado al cineasta Johan van der Keuken, con proyecciones a lo largo de casi dos meses que exploran su obra cinematográfica y documental.

Artículo de Rubén Ramos Nogueira sobre la exposición

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Minor inter partes, de Ensalle y Juan Navarro | Del 20 al 22 de marzo en el Teatro Ensalle de Vigo

MINOR INTER PARTES es la segunda pieza de la trilogía sobre el vacío que inició BALEIRO.

En esta segunda mirada hacia el vacío proponemos una investigación sobre la caída. La caída diseccionada en partes mínimas, desde la aproximación al precipicio, hasta el primer paso sobre el vacío, el “latigazo” de la pérdida de equilibrio, la falta de responsabilidad sobre tu cuerpo, la velocidad y el braceo.

Proponemos una disección en el tiempo de cada parte, concederle tiempo al tropiezo, e incluso imaginar que es el edificio el que se eleva ante nuestros ojos, y que nosotros estamos con los pies en el suelo. Tal vez negar la caída negando el pánico.

Ficha artística

Creación: Juan Navarro, Raquel Hernández, Artús Rei y Pedro Fresneda. Dirección y dramaturgia: Pedro Fresneda y Juan Navarro. En escena: Raquel Hernández y Artús Rei. Texto: Pedro Fresneda y Juan Navarro. Espacio escénico y diseño de vestuario: Ensalle. Diseño de iluminación: Pedro Fresneda y Jaume Blai. Espacio sonoro: Juan Navarro. Vídeo: Pedro Fresneda. Fotografía: Elena Vázquez Ledo. Diseño Web: Artús Rei. Producción: Jorge Rúa. Diseño gráfico: Raquel Hernández. Con el apoyo de AGADIC, XUNTA DE GALICIA.

Más información: Teatro Ensalle

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De ciertas formas de comportamiento en las relaciones de pareja derivan las principales características de dos oficios: escort y escolta. En ambos casos la acción de acompañar que los caracteriza contiene algunos principios de la diferenciación hegemónica de los géneros masculino y femenino; acompañar para asegurar una protección física, o acompañar para enriquecer la sociabilidad de otro. Lejos de analizar la eficacia de estas virtudes el trabajo que se presenta compone una coreografía ornamental a partir de gestos y comportamientos sociales. La relación de pareja guarda cierto efecto de espontaneidad que oculta su condición altamente codificada, articulada a través de la dimensión ritual. Estas y otras conjeturas de la interacción motivan el trabajo coreográfico Safari.

“Yo soy fuerte y terrible, pero no contra ti, sino contra este otro, contra este otro, contra este otro.” K. Lorenz

Dirección y coreografía: Virginia Martín
Asistencia a la dirección: Mariona Moranta
Intérpretes: Karen Àngels, Raquel Castelló, Alba López, Nuria Lozano, Victoria Martín, Mariona Moranta, María Fernanda Pruna, Judith Solé y Aurora Vallejo
Composición musical: Judith Solé
Diseño de iluminación: Virginia Martín
Asistencia de iluminación: Clàudia Aguiló Vidal
Asistencia técnica: Cristina Conde
Tutoras: Andrea Rodrigo y Bàrbara Raubert

Acompañamiento artístico: Lorea AlfaroAgradecimientos: a mis amistades dedicadas y brillantes: Violeta Martín, Victoria Valentina Martín, Candela Capitán, Sasha Binia Benarie, Clàudia Aguiló Vidal, Judith Solé, Irene Ontiveros, Lluís Sellarès y, muy especialmente, a Mariona Moranta.

*Entrada gratuita.

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Nazario Díaz – 13 de marzo en el C3A

¿Cómo sería una mirada que desdibuja?,

¿y un texto que se borra a sí mismo?,

¿a dónde lleva palpar la palabra o encuerparla con los ojos cerrados, dados la vuelta o parpadeantes?

En Amanecer alto cielo tres cuerpos sin mirada enuncian palabras en una suerte de triángulo cuyos vértices se acercan y alejan entre sí, estableciendo relaciones equiláteras, isósceles o escalenas entre ellos, organizando las distancias palpables y subjetivas entre lo que se nombra y lo que ya empieza a deshacerse.

Si antes me ocupaba de objetos y de mi propio cuerpo para desgastarlos mediante una acción insistente, este trabajo retoma la idea de desgaste y desaparición de un cuerpo -ese tótem entendido como entidad física, moral y espiritual- pero esta vez, además, un cuerpo escurridizo que es la textualidad.

Amanecer alto cielo plantea el desvanecimiento del lenguaje en cuanto elemento  escenográfico, a través de diferentes prácticas textuales que entrelazan sus materialidades. Así mismo, aborda diferentes cualidades de la visión y cómo éstas modifican los cuerpos y la percepción sobre ellos, inspiradas en algunas prácticas sobre el mirar propuestas por la coreógrafa y videoartista Lisa Nelson.

Una danza de manos que miran, de ojos que tocan y de cuerpos que se borran.

Nazario Díaz

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NAZARIO DÍAZ (Linares, Jaén) 

Desarrolla su trabajo principalmente en el ámbito de las artes performativas, centrándose en la tensión que se genera entre el cuerpo, la mirada y la escritura. En los últimos años, y en paralelo a su actividad con el colectivo Vértebro, participa en varios contextos de aprendizaje colectivo (Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual, Madrid / 2016-2017; PICA, Azala-Vitoria / 2018-2019; Invitación, Bilbao / 2019-2020) intercambiando metodologías y herramientas pertenecientes al campo de la danza y las artes vivas.

Su trabajo ha sido apoyado por contextos como Terrassa Noves Tendències (Barcelona), Reims Scenes d’Europe (Francia), Encuentro Internacional de Artes Vivas de Tlalpan (Ciudad de México), Matadero (Madrid), Festival sâlmon< | Mercat de les flors (Barcelona), Azkuna Zentroa Alhondiga Bilbao, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia (Madrid), Tenerife Espacio de las Artes, Academia de España en Roma, Instituto Valenciá d’Art Modern, Centro Galego de Arte Contemporánea, Galería Foco (Lisboa), Centro Párraga (Murcia), Can Felipa Arts Visuals (Barcelona), Centro de Creación Contemporánea de Andalucía C3A (Córdoba) o MACBA (Barcelona).

Actualmente reside entre Lisboa y Bilbao, donde desarrolla los proyectos Conversation pieces, con el colectivo sonoro Metal performers, junto al coreógrafo vasco Isaak Erdoiza, y Otro borrado a través de la insistencia, dentro del marco del Programa Avanzado de Creación en Artes Performativas, comisariado por João Fiadeiro para Forum Dança, Lisboa. A raíz de estas experiencias nacen las piezas fuego verde (BAD Bilbao, 2021) y amanecer alto cielo (Azkuna Zentroa | Alhóndiga Bilbao, 2024).

FICHA TÉCNICA Y ARTÍSTICA 

Concepto y coreografía: Nazario Díaz
Co-creación y performance: Amparo Badiola, Julián Pacomio, Ibon Salvador
Acompañamiento dramatúrgico: Carolina Campos
Asistencia en coreografía: Isaak Erdoiza
Diseño de iluminación: Leticia Skrycky, Víctor Colmenero Mir
Diseño de sonido: Ce Pams
Producción: Silvia Coppola, Kurzuth Silverstone
Coproducción: Azkuna Zentroa Alhóndiga Bilbao
Residencias y apoyos: Forum Dança ¿ PACAP5 (Lisboa), El Consulado Fonteta (Valencia), Tenerife Lav, Dantzagunea – Sortutakoak (Errenteria), Harrobia – Eszenabide (Bilbao), Azkuna Zentroa Alhóndiga Bilbao, Lekuona Fabrika (Errenteria).

Agradecimiento e interlocución afectiva: Álvaro Albaladejo, Olatz de Andrés, Tomás Aragay, Koldo Arostegui, Sofía Asencio, Álvaro Borrajo Alemany, Nick Burge, Igor Calonge, Juan Diego Calzada, Javier Cuevas, Lucas Damiani, Terri Florido, Daniel Hernández, María Ibarretxe, Igor Koruga, Jean Lesca, Ángela López, Julia Martos, Ángela Millano, Isabel de Naverán, Vasco Neves, Gus de la Orden, Fernando Pérez, Marina Suárez Ortiz de Zárate, Maia Villot de Diego.

En su estancia en Lisboa, amanecer alto cielo es una investigación acompañada por Nina Botkay, Bruno Brandolino, Lucas Damiani, Carolina Campos, João Fiadeiro, Julián Pacomio, Daniel Pizamiglio, Santiago Rodríguez Tricot, Alina Ruiz Folini, Ibon Salvador, Leticia Skrycky y Forum Dança – PACAP5.

Amanecer alto cielo se gesta en 2022 gracias al apoyo del Gobierno Vasco (creación coreográfica, 2021) dentro del marco del programa avanzado de creación en artes performativas PACAP5, comisariado por João Fiadeiro para Forum Dança, Lisboa, y se estrena en Azkuna Zentroa Alhóndiga Bilbao, en abril de 2024.

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Marta Azparren – 14 y 15 de marzo en Réplika Teatro

«The real trick is to disappear.»
Chris Kraus, Gravity & Grace

«El cuerpo no es más que un medio
de volverse temporalmente visible.»
Roberta Marrero

Comer o mirar. ¿Pueden las imágenes alimentarnos?

El proyecto reflexiona sobre la relación entre el hambre y las imágenes como alimento, aunque sea de forma simbólica, para repensar el ayuno voluntario, no tanto como un diagnóstico clínico de una enfermedad individual sino como un síntoma colectivo. Se trata de observar la capacidad de las imágenes digitales de alimentar unos cuerpos híbridos píxel-carne, cuerpos tan saciados de imágenes como vacíos de alimento. Se trata en fin de contribuir a desmedicalizar lo que llamamos anorexia (no-deseo) de esos cuerpos en metamorfosis y asumirla como una reacción colectiva al exceso de gravedad, al exceso de presencia: un proceso conjunto de mutación común.

Fasting Girls se construye en lo formal como una performance audiovisual, con acciones, proyecciones y espacio sonoro generado en vivo, un menú creado en tiempo real que nos alimentará de imágenes-nada y un relato a modo de spoken cinema que atraviesa toda la acción.

Más información y entradas

Marta Azparren. Artista visual. Se mueve entre el cine experimental, las artes vivas y el dibujo. Sus propuestas tienden hacia el cine expandido, la edición en vivo, el spoken cinema o la videoinstalación. La mirada se dirige además hacia lo no visual en lo visual, lo que tiende a desaparecer. Ha publicado el ensayo «Cine ciego. Detener el flujo de las imágenes» sobre el cine monocromo y las imágenes sin imagen.
@martazpa

Haize Lizarazu es creadora de música experimental y pianista. Su carrera está centrada en la música contemporánea y experimental, así como en la investigación artística. Especialmente interesada en la hibridación entre disciplinas artísticas, su trabajo se mueve entre la composición, la improvisación y la performance musical aplicada tanto a la performatividad propia como a la colaboración con artes escénicas.

Carles Tarrasó es gastrónomo y artista. Su trabajo indaga en nuevas configuraciones de lo gastronómico en diálogo con disciplinas como la escultura y la instalación. Es graduado y máster en Ciencias Gastronómicas por el Basque Culinary Center, y máster en Humanidades Ecológicas y Transición Ecosocial por la Universitat Politècnica de València y la Universidad Autónoma de Madrid

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Del 6 a 14 de marzo en La Casa Encendida

La escuelita del acontecimiento es heredera de la larga trayectoria de La Casa Encendida como lugar irradiador para las artes escénicas a través de una genealogía de festivales y encuentros comisariados por artistas en las últimas dos décadas. Para esta primera edición, María Jerez abre tres diálogos con Juan Domínguez, Paz Rojo y Fernando Gandasegui responsables de proyectos desarrollados en La Casa como In-Presentable¿Y si dejáramos de ser (artistas)?¿Qué puede un cuerpo? o Domingo. A partir de estas tres conversaciones se entretejen las propuestas que conforman la primera edición de esta escuelita sui generis. Cada sesión compaginará conversaciones, charlas, encuentros, escuchas y experiencias estéticas.

Nos acompañan en esta edición:

Juan Domínguez, Paz Rojo y Fernando Gandasegui, Nekane Santamaría, Andrea Soto Calderón, Victoria Pérez Royo, Noela Covelo, Kike García, Las Nenas Theatre, María Jurado, Élan dOrphium, Alejandra Pombo Su, Arantxa Martínez y Celia Ramos, Los Pintores, Carlos Pulpón, David Herráez y Beatriz Vaca, Laura Ramírez Ashbaugh & Macarena Bielski (aka Under the pulse), Aimar Pérez Galí, Roger Adam y Jaime Conde-Salazar .

La escuelita apuesta, así, por habitar las huellas, entendiendo que el pasado es el material vivo con el que debemos ensayar el futuro. Para ello, el comisariado deja de centrarse en organizar y controlar contenidos y en su lugar se crean situaciones y espacios para estar en comunidad, compartir y entrar en contacto. Así, una relación llamará a otra, creando por roce, curiosidad, inquietud, cercanía o amistad una constelación de personas con las que leer, escuchar, sonar, pensar, escribir, aprender, gritar, cantar, llorar, bailar e inventar rituales.

La escuelita del acontecimiento tendrá lugar sobre un gran manto tejido en un taller previo organizado por Especies en Extinción (con Javi Cruz, Cuqui Jerez y María Jerez), al que invitamos a participar a toda persona que quiera sumarse los días 6, 7 y 8 de marzo en el Torreón de La Casa Encendida. En él, se coserán fragmentos textiles de piezas y procesos de artistas que han querido enviar su aportación y lo siguen haciendo, como: Ben Evans, Sara Manente, Marcos Simoes, Nada Gambier, Federico Vladimir y Pablo Lilienfeld, Gaetan Boulourde, Quim Pujol, Silvia Zayas, Bea Fernández, Mónica Muntaner, Jorge Dutor, Guillem Mont de Palol & Cris Blanco, Norberto Llopis Segarra, Taller Placer/ Paula Miralles & Vicente Arlandis, Sociedad Doctor Alonso,  Julia Irango, Cuqui Jerez, María Tamarit,  Javier J Hedrosa & Paula Romero, Edurne Rubio, Catalina Insignares, Bárbara Bañuelos, María Jerez,  Juan Domínguez, Laura Bañuelos, Kike García, El Conde de Torrefiel, Paz Rojo, Laura Ramírez Ashbaugh, Aimar Pérez Galí, Arantxa Martínez, Jaime Conde Salazar, Los Torreznos, Amalia Fernández, La Tristura, Marta Azparren, Mette Edvardsen, Eva Meyer-Keller, Óscar Bueno, Anto Rodríguez, Maral Kekejian, Los Bárbaros, Victoria Pérez Royo, Emilio Tomé … entre otras.

A su vez, contaremos con una mesa de publicaciones a cargo de Imprenta San Delfín, que recoge libros, fanzines, dibujos y cuadernos autoeditados o no— que expanden el trabajo de artistas y pensadoras.

La escuelita del acontecimiento ocupa el Patio de La Casa Encendida durante los días 13 y 14 de marzo en dos sesiones vespertinas y una matinal.

A través de esta página se puede adquirir una entrada para cada sesión o un abono para las tres.

– Viernes 13 de marzo de 18 h a 22 h

– Sábado 14 de marzo de 11 h a 14 h

– Sábado 14 de marzo de 16 h a 21 h

El título de La escuelita del acontecimiento surge de una conversación con Leticia Skrycky, iluminadora uruguaya con la que trabajo desde hace años. En aquel encuentro, Leticia hablaba de la promiscuidad de saberes que acarreamos en nuestras prácticas artísticas: un hacer que se enmarca en el arte en vivo, navegando entre lo coreográfico, lo performativo, lo cinematográfico, lo visual, lo plástico, lo sonoro, lo escenográfico y lo lumínico. Siempre al margen de las categorías, estas prácticas habitan lo liminal, un entre” múltiple que se ve forzado a reivindicar su lugar en un mundo abocado a la definición y lo categórico. Estos saberes promiscuos son los que nos convierten en expertas en el acontecimiento, que es como ser expertas en todo y en nada a la vez. Somos, a la vez, expertas e ignorantes, porque nuestro conocimiento es inestable; está vivo y busca siempre un hueco por el que mutar y poner en jaque las estructuras y las infraestructuras que tienen que participar de esa mutación para poder seguir acompañándolos.

Creemos pertinente iniciar una escuela que funcione como marco para imaginar otros modos de encuentro, de estar juntas, de hacer circular esos saberes, de afectar y dejarnos afectar, un espacio que abra grietas para la posibilidad, nos conecte intergeneracionalmente y nos brinde cobijo cuando fuera hace frío. La idea de escuela nos sirve de excusa para ensayar otras formas de colectividad, desplazando nuestras prácticas hacia lo común. Invocando juntas el acontecimiento”.

María Jerez (Madrid, 1978). Su trabajo se sitúa entre” la coreografía, el cine y las artes visuales. Más allá del interés en sus primeras piezas por las convenciones teatrales y cinematográficas, y la comprensión implícita del espectador de las mismas, en sus últimos trabajos busca cuestionar esta relación abriendo espacios de potencialidad a través de encuentros con aquello que encontramos extraño y ajeno, estableciendo bordes difusos entre lo conocido y lo desconocido, el objeto y el sujeto, lo orgánico y lo artificial, lo animado y lo inanimado. Su trabajo trata de escapar de las lógicas logocéntricas y antropocéntricas, donde el propio conocimiento humano se convierte en un algo vulnerable ante otros ecosistemas enigmáticos y complejos.

María Jerez combina la producción de su trabajo artístico con proyectos pedagógicos, curatoriales y editoriales.

Es parte de la oficina colectiva de producción e investigación Dorothy Michaels.   

Ilustración: ©Alejandra Pombo

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Aimar Pérez Galí, Jaime Conde-Salazar s.u.s. y Roger Adam se han liado la manta a la cabeza y presentan ahora con mucha alegría SUDOR. Transpiraciones discursivas.

Se trata de un proyecto editorial independiente donde el papel, el sudor y la tinta se mezclan y confunden. Nos encanta escribir, nos flipa bailar y ha llegado el momento de compartir nuestro amor con quienes quieran leer y tengan el deseo de escuchar algunas voces bailonas que, habitualmente, son relegadas a un segundo plano.

Deseamos muy fuerte abrir un espacio para hablar y escribir sobre la danza y las artes vivas desde nuestras diversas experiencias carnales. Nos interesa que hablen los cuerpos y compartir aquellos saberes que se despliegan y expanden cuando bailamos. Y que el sudor sobre la piel se convierta en tinta sobre el papel.

Por eso, nos hace muy felices anunciar que muy pronto, presentaremos los dos primeros libros que con los que damos comienzo a aventura. Si te apetece compartir con nosotras este momentazo, apúntate estos lugares y estas fechas:

Madrid, 13 de marzo, 18h

La escuelita del acontecimiento / La Casa Encendida

Barcelona, 10 de abril, 18h

La Caldera

 

Y si quieres saber más acerca de nuestras dos primeras criaturas y empezar a imaginar su carita,  aquí tienes dos botones a modo de muestra:

Sudor #01

Sudar. Seis chorrazos discursivos

Oihana Altube, Núria Guiu, Benji Hart, Carmela Muñoz, Lucía Naser y Aimar Pérez Galí

Este libro es un festival, un festival de danza sudorosa y discursiva que quiere, por encima de todo, celebrar la labor de los bailarines, considerados históricamente como cuerpos-máquina mudos y relegados al papel de mero objeto de deseo. Contra ese agravio, Sudar se erige como un golpe de puño en la mesa, para reivindicar la voz propia del bailarín como un acto de escritura y reflexión ejercido desde la práctica misma, y para celebrar la danza como un arte de transformación crítica, social y cultural desde el placer del movimiento.

Diez años después de la publicación inicial de Sudando el discurso – Sweating the discourse, Aimar Pérez Galí retoma aquel texto fundacional para ponerse en diálogo con otras cinco voces esenciales de la danza sudorosa actual. Núria Guiu, Oihana Altube, Lucía Naser, Benji Hart y Carmela Muñoz responden desde perspectivas muy diversas hablando de sus propias experiencias como bailarinas y expandiendo el horizonte de un debate tan necesario como urgente.

 

Sudor #02

Criticar y Referir

Jaime Conde-Salazar s.u.s.

Con prólogo de Joaquín García Martín.

Este libro recoge todas las críticas de danza y artes vivas que ha publicado Jaime Conde-Salazar s.u.s. en distintos medios desde 1998. Esta acumulación de nombres, obras, lugares, fechas y recuerdos inmediatos, ofrece una mirada singular sobre el paisaje de las artes escénicas en nuestro pasado reciente. A través de las críticas, podemos reconstruir e imaginar un tiempo que se desvaneció, podemos evocar obras que no se volverán a hacer más y podemos invocar a nuestras artistas favoritas. Pero, además, de rebote, los textos que aquí se reúnen, también pueden tratarse como una suerte de autobiografía de alguien que, gracias a que fue al teatro más de lo que es aconsejable, gracias a que se expuso a lo que muchos artistas hicieron, pudo descubrir y enfrentarse a la ridiculez de los privilegios que heredó cuando, al nacer, fue confundido con un hombre, blanco, burgués.

 

 

 

 

 

 

 

 

Nos puedes encontrar en: 

Web en construcción…

condegali.bl@gmail.com

@condegali_

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Organizando por rosanayaris en Las Cigarreras  del 6 de marzo al 11 de abril 

Los testimonios nos dejan solamente una sensación, emociones, un mensaje cósmico pero, pueden ser manipulados por lo que nos gustaría ver. Si estamos buscando un lugar que no existe es porque este, aquí donde estamos, no nos convence.

Los Objetos Voladores No Identificados proyectan una expectativa de salvación, no necesariamente de todos los males globales, pero al menos de nuestros esfuerzos inútiles para descifrar los misterios del universo.

Más allá de las luces que uno ve en el cielo también existen los sonidos, las ondas electromagnéticas, las partículas o las sensaciones que podemos captar pero realmente no podemos asegurar qué son o de dónde vienen. Alrededor del 2% de los objetos voladores no identificados de los que oímos hablar no pueden ser calificados, todavía. Seguramente habrá una explicación razonable, pero hasta el momento hay misterios. ¿Podrán los análisis de expertos explicar todas estas cosas? Esperemos que no. El misterio es una dimensión fundamental de nuestra existencia.

Explicarlo todo siempre será imposible y sinó aburrido.

Programación. Caja Negra. Actividades gratuitas limitada al aforo.

¿ES LA VERDAD LA QUE NOS ASUSTA?

VIE 06/3. TALLER
De 18 h a 20 h
Chapa y Pintura
OVNI
Un taller de gráfica impartido por el artista Vicente Aguado para explorar el imaginario popular y los estereotipos sobre la vida alienígena y los platillos voladores

SAB 07/3
FORO
De 19 h a 20 h
Imaginería Extraterrestre una conversación entre Pablo Vergel (reediciones anomalas) y Vicente Aguado para excavar en el imaginario OVNI y ayudarnos a soportar tanto lo desconocido como lo que ya conocemos.

MÁS ALLA DE LAS LUCES

VIE 27/3
TALLER
A las 18 h
Antenas QFH. Un taller práctico con el artista Rafael Frazão donde vamos a crear alternativas populares con tecnologías caseras para intervenir el imaginario espacial colonizado e inaccesible durante años.

SAB 28/3
RUTAS
A las 19 h
Ondas
Electromagnéticas Rutas por la ciudad de Alicante con el artista Rafael Frazão para interceptar imágenes y señales que provienen del espacio, un encuentro con las órbitas ocultas que ocupan nuestros cielos.

PUEDE QUE NO FUERA YO

VIE 10/4
TALLER
De 18 h a 20 h
No Se Puede Ocultar Se acerca el día. En el taller con la directora artística Leonor Díaz crearemos la indumentaria recomendada para un posible encuentro cercano, que será el sábado 11 de abril. Si quieres hacer y/o reservar tu disfraz resérvalo en eventbrite.es.

SAB 11/4
MÚSICA
A las 19 h
¡ Ya están aquí !. Recogemos la indumentaria recomendada y entramos. En el interior de la Caja Negra muchas partes se mueven al ritmo de la música de Los Manises, si miras alrededor solo se ven criaturas raras. Por cada entrada hicimos un traje que te podrás llevar. Acceso libre hasta completar el aforo. Si quieres hacer y/o reservar tu disfraz resérvalo en eventbrite.es (el taller se realizará el viernes 10 de abril)

Organiza rosanayaris y Las Cigarreras.

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Ferran Dordal Lalueza – Del 26 de febrer al 8 de març a la Fundació Brossa

Un viatge a la deriva per la precarietat de les nostres vides en un món perpètuament conjugat en la immediatesa del present.

Weltschmerz (títol provisional) neix de l’angoixa davant de l’estat de crisi permanent en el què sembla que estem condemnats a viure en els nostres dies en un món perpètuament conjugat en la immediatesa del present, però sobretot neix de la certesa, segurament infundada, que és tan sols compartint aquestes angoixes amb els altres que, d’alguna manera, serem capaços de sintonitzar-nos en algun tipus, probablement disfuncional però encoratjador, de comunitat.

Més informació i entrades

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Del 25 al 29 de marzo, el TNC se convierte de nuevo en un punto de encuentro de los espectáculos de escena híbrida, investigación y nuevos lenguajes escénicos.

La tercera edición del Festival ZIP pone el foco en el sentido del humor. Un recorrido a través de cinco propuestas que investigarán las múltiples caras y sutilezas de un fenómeno tan universal y a la vez tan personal como es el humor.

Las compañías protagonistas de esta nueva edición son ATRESBANDES, Los Detectives, Aurora Bauzà & Pere Jou y Glòria Ribera —que han realizado una residencia artística en la Fábrica de Creación Fabra i Coats—, y Laila Tafur como compañía invitada.

Programa completo y entradas

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