— MuroTRON

La Ribot | Del 15 de diciembre al 3 de febrero en en la Galería Max Estrella

Con esta ‘Take a Seat’ Max Estrella muestra de forma concisa tres pilares en la creación de la Ribot: los vídeos Traveling Olga / Traveling Gilles, 2003, Mariachi 17, 2009, y Walk the Bastards, 2017. Espaciados en el tiempo estos trabajos comparten el común denominador del interés investigativo de La Ribot por la imagen, el espacio y el movimiento.

Walk the Bastards, 2017, es una instalación de 11 sillas compuesta por aquellas que no fueron incluidas en Walk the Chair 2010, una obra anterior que La Ribot realizó por encargo de la Hayward Gallery de Londres y que formó parte de la exposición ‘MOVE=Choreographing You’.  Las 50 sillas pirograbadas de Walk the Chair con citas de coreógrafos, filósofos, y artistas sobre el movimiento y el arte participativo, tienen una doble función: ser leídas, convirtiendo al visitante en intérprete, o ser utilizadas en su función más obvia como punto de observación. Tanto Walk the Chair como Walk the Bastards, son instalaciones cambiantes y aleatorias en la que la silla ocupa el lugar que le da el espectador.

Traveling Olga / Traveling Gilles, 2003, presenta dos tomas individuales y no editadas de cuatro minutos de duración, grabadas cámara en mano por los bailarines Olga Mesa y Gilles Jobin. Estos vídeos son el resultado de una intensa colaboración: grabar, revisar y grabar de nuevo con cambios y correcciones. Cada secuencia supuso cinco días y al menos treinta tomas. La estrategia es esencialmente la misma en cada vídeo, pero aplicada a dos sujetos danzantes muy distintos entre sí en dos lugares diferentes. Los espacios fueron elegidos para cada intérprete en función de sus personalidades. Mesa, nacida en la lluviosa Asturias, se siente estimulada en un frío, húmedo e invernal jardín inglés, mientras que a Jobin se le envuelve en un escenario fotográfico que fuerza hasta el límite las ambigüedades espaciales del cuerpo-operador. Las paredes y el suelo están recubiertos con fotografías murales de arboledas, lagos y montañas de los Alpes deliberadamente cursis, pero a medida que la cámara “vuela” a través de ellos se convierten en una caja multicolor de “efectos especiales”: un lago azul se transforma en un cielo y los árboles de un bosque otoñal en una alfombra transitable. La melancólica y popular melodía del Entreacto III de la ópera Carmen de Bizet introduce una nota irónica a la vez que inyecta una impresión de falsa seguridad en las acciones.

Mariachi 17, 2009, es un vídeo filmado en plano secuencia de 25 minutos grabado por tres bailarines cámara en mano en el teatro de La Comédie de Genève. Las bailarinas / operadoras nos muestran la imagen que resulta de su movimiento. El cambio de manos de la cámara es principalmente perceptible en la caligrafía del cuerpo, en su ritmo, en su peso, en su atención. La primera cámara, Marie Caroline Hominal, es ligera, veloz, ágil. La segunda, Delphine Rosay, más serena, controlada, concentrada. La tercera, La Ribot, es sutil, elegante y habilidosa. Son estos los tres movimientos de una sola composición, casi perfecta, sorprendente, que  perturba la mirada del público sin sumergirla en el caos a la vez que descompone la noción de espacio, arrastrándola a la imaginaria danza de un cuerpo invisible que penetra en el mecanismo de la construcción.

Viernes 22 (20 h)

Iñigo Pastrana

Vídeos

Intervención

en “EE” de Julen Alberdi.

Alex Reynolds | Galería Estrany-de la Mota

15.12.2017 – 16.02.2018. Martes a viernes de 11.00 a 19.00 h. y sábados con cita previa

La película arranca en la esquina de un espacio con una puerta y una ventana. Luego aparecerán un hombre y una mujer. Él toca la batería. Ella toca con el cuerpo y con la voz. Pero antes de verles, les oímos. Mientras la cámara recorre el espacio aún vacío, se oyen golpes irregulares a un timbal y una voz que canturrea. Sonidos lejanos, distraídos e indolentes durante un plano lento, la primera toma de Esta puerta, esta ventana es de aquellas que retratan la calma que precede a la tormenta. De aquellas que contienen una premonición o una clave que luego necesitaremos pero que ahora vamos a perdernos: el primer encuentro de los personajes es sonoro. Así es como coinciden y nunca sabremos por dónde entraron.

El sonido tiene esta capacidad de entrada ilocalizable, de intrusión imperceptible, aunque suene paradójico. Cerramos los ojos para no ver, pero es imposible hacerse impermeable al sonido. Se cuela por las orejas, por la piel, se propaga por la materia e incluso lo llevamos dentro: el cuerpo hace ruido y ritmo. No hay puertas ni ventanas para el sonido, o a la inversa, todo le sirve de puerta o de ventana. La película surge de fantasear con un uso calculado –y perverso– del sonido y del ritmo para invadir y alterar un cuerpo a conciencia. Para bien o para mal, afectarlo, cantarle, descompasarlo, sincronizarlo, afinarse a él, cambiarle o detenerle el paso. Sin tocarlo, desde lejos, sin que lo vea venir, sin que pueda evitarlo.

Nutriéndose de las prácticas artísticas de Alma Söderberg y Nilo Gallego, Esta puerta, esta ventana prueba contagios y transferencias, entradas y salidas del cuerpo del otro, dando a ver cómo se buscan o cuándo se crispan, en esa negociación de límites, los cuerpos comunicantes.

A veces, parece que algo les interrumpe. Él, sentado frente a la batería, de repente deja las baquetas suspendidas en el aire, cierra los ojos y espera. Ella, en medio de un movimiento, aborta el impulso o apaga la voz. No cierra los ojos, pero mira sin ver. Durante esas pausas repentinas uno duda entre si escuchan o recuerdan. La mueca y los gestos de alguien que escucha se confunden fácilmente con los de alguien que recuerda. Esta puerta, esta ventana es una película instalada en la confusión entre escucha y memoria, la explora y la explota. Las voces en off de Alma y Nilo puntúan la película con recuerdos de una casa. Algunas se repiten, vuelven, insisten. De modo que cuando de repente algo interfiere en sus acciones, no sabemos si lo que las cortocircuita es lo que está haciendo el otro, el esfuerzo por no dejarle entrar, sus propios recuerdos o las voces en off del uno y del otro. Lo que está claro es que algo, o todo eso, acaba de colárseles por algún resquicio. Como un gusano.

En inglés, se llama gusano de oreja –earworm– a la canción que se pega, al parásito sonoro que no decidimos dejar entrar y que no logramos hacer salir. Escucha y recuerdo coinciden en un earworm. Sin aviso, la memoria regurgita una canción y nos la instala en el cuerpo. Los gusanos de oreja nos cambian el paso, nos joden el día, convocan fantasmas, nos hacen suspender las baquetas en el aire, de- tener el movimiento, ponernos a canturrear, respirar a otro ritmo o nos devuelven al calor de aquella manta o al frío de aquella casa. Esta puerta, esta ventana está infestada de earworms. Es una película que hace earworms con sonidos y con recuerdos. Desde fuera, desde lejos y sin que la vean venir, Alex Reynolds entra y sale de los cuerpos de Alma y Nilo así, con earworms. Cruza sus sonidos, sus ritmos y sus frases convirtiéndolos en intrusos de oreja el uno para el otro. En una ocasión casi imperceptible, el zumbido metálico de una interferencia la delata.

La sincronía de los ritmos, pausas y movimientos de Alma y Nilo hace efecto de coexistencia, pero nunca comparten plano. El estudio en el que los vemos es como un eco físico del único lugar que los contiene juntos: el espacio virtual de una película. La coincidencia sonora no es sólo su primer modo de encuentro, es su único modo encuentro. Lo que logra Alex Reynolds con la (a)sincronía dirigida de sus cuerpos, ritmos y recuerdos –durante el rodaje y con el montaje– es producir sensación de convivencia. Porque en realidad, lo que está en juego en la convivencia fílmica es lo mismo que está en juego en la convivencia en general. Convivir es una cuestión de escucha y negociación de ritmos, gusanos y límites. Por eso, cuando oímos a Alma decir “¿Crees que podríamos, de vez en cuando, cambiar los ritmos?” la pregunta es pertinente para la interacción con Nilo, para la película y para quién sea que vive con ella. La preocupación de Nilo también es rítmica cuando pregunta: “¿Me esperarás cuando hayan problemas de esos que vienen y que arrasan un poco, y que estás ahí metido no sé cuántos años?”. A veces cuadrar los ritmos es un juego y a veces es un ring. La película se mueve y remueve en esa mezcla tan Reynolds de goce y golpe.

-Anna Manubens

EL CONDE DE TORREFIEL
M.C.
Una propuesta escénica con intervención videográfica

ARTS SANTA MÒNICA
25 de octubre a las 19:00h – 20:00h
Entrada libre / aforo limitado

M.C. es un nuevo proyecto que El Conde de Torrefiel ha puesto en marcha a principios de 2017 y que culminará en la presentación de una pieza escénica en mayo de 2018, cuya forma y título actualmente desconocemos.

M.C. se encuentra ahora en proceso de investigación y búsqueda de materiales. El proceso de creación de una pieza para la caja negra de un espacio teatral no puede reducirse únicamente a la búsqueda de una forma escénica, de hecho ésta es precisamente lo último que aparece en un proceso de este tipo. Es, digamos, la punta del iceberg que no puede sostenerse sin una consistente masa amorfa y sumergida de materiales; es, al fin y al cabo, una representación poética de esa acumulación, ese arsenal de información que la sostiene.

Hamaca Projecta nos ofrece la posibilidad de utilizar una de sus sesiones para materializar una linea de investigación de carácter documental del proyecto M.C. a través de la tecnología del video.

El paradigma del video es la secuenciación de imágenes para crear escenas en movimiento. En este caso vamos a desincronizar la imagen de su movimiento, de su narrativa y presentar estas dos partes a contratiempo. Un ejercicio de teatralidad donde la acción es generada por la palabra de 4 de los intérpretes de este proyecto, mientras que la imagen aparece como una acción detenida, un momento capturado y desarmado en un eco infinito de sí misma.

Una pieza basada en la descripción de imágenes que quiere impulsar la provocación de un estado anímico en la audiencia, una puerta de entrada para la observación y la comprensión de algo que nos resulta todavía misterioso: cómo aquello que se ve difícilmente puede transcender el reduccionismo y la bidimensionalidad sin el auxilio del contexto que lo sostiene.

Homesession: C/ Creu dels Molers, 15. Barcelona

“En 1992 Barcelona brilló bajo una nueva luz. El mundo entero la vio como la nueva ciudad abierta, moderna y libre que nos traía unos fantásticos Juegos Olímpicos, representando una nueva era europea. Había algunas voces críticas a nivel nacional y local pero se perdieron en un mar de celebraciones. Aquellos eran nuevos tiempos para Europa: Berlín acababa de resucitar después de la reunificación y la Guerra Fría terminaba o al menos se cogía un tiempo de respiro.
Recuerdo ver la ceremonia de inauguración en televisión cuando era niño y estar completamente bajo el hechizo de la euforia olímpica. Pero al mismo tiempo, mi propio país se estaba colapsando. Yugoslavia no pudo participar en los juegos debido a las sanciones de las Naciones Unidas. Y mientras los nuevos comienzos de Europa se celebraban en Barcelona con el lema “Amigos para siempre”, Yugoslavia estaba muriendo.
Veinticinco años después, las cosas han tomado un giro diferente. España, como muchos otros países en Europa, se enfrenta al resurgir de los temores del multiculturalismo y las preguntas alrededor de cómo debería ser un estado multinacional están de nuevo sobre la mesa.
Me gustaría investigar y revisar estos diferentes períodos, el año 1992 y ahora. Quiero buscar los valores que hemos tenido y que quizás hemos perdido por el camino o están a punto de perderse.”

Aleksandar Todorović

Aleksandar Todorović es un viajero inquieto, artista de diferentes medios y diseñador gráfico. Vive entre Bosnia y Herzegovina y la carretera, un hecho que ejerce influencia en su trabajo. Uno de sus primeros amores es sin lugar a duda la tipografía, usada siempre en negrita. Los últimos años ha sido el eje vertebral del colectivo artístico YHY FIHM, encargándose de la dirección artística y realizando trabajos para numerosos libros de arte.
Es artista residente en Homesession desde marzo 2017.

www.aleksandartodorovic.com

Homesession es uno de los espacios independientes y no comerciales claves de la escena barcelonesa. Creado en 2007 aprovechando el salón de la casa particular de los iniciadores del proyecto, Homesession propone dos programas principales: una residencia (Residency, Exchange Residency) y unas becas de producción (Invited). Hoy en día, los ejes del proyecto se han incrementado con la inclusión del programa Polaritats con la colaboración de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcleona. En su local, inaugurado en abril del 2012 al barrio de Poble Sec, Homesession articula así un espacio de proyectos y un espacio de residencia para artistas internacionales.

CCCB | Auditorio

9 de febrero de 2017 a las 20 h. 

4 € / 3 € Reducida | Abono 5 sesiones: 15 € / 12 € Reducido | Amigos CCCB: gratuito

Para Robert Beavers, la cámara no es un simple dispositivo de registro, sino que tiene una calidad muy viva que envuelve los propios elementos de filmación. Esta sesión, que cuenta con la presencia del cineasta, presenta dos películas de este cineasta hechas en los setenta a partir de una pintura del siglo XV y de los escritos de John Ruskin. La construcción de imágenes y sonidos en estos trabajos enlaza el presente con el pasado y el pasado con el presente en un vaivén continuo.

En The Painting Beavers intercala detalles de un tríptico flamenco, que representa a un santo antes de ser descuartizado —El martirio de san Hipólito—, con planos del tráfico en una concurrida plaza de Berna. El montaje incluye también fragmentos de un espejo roto, una fotografía hecha trozos, movimientos al azar de partículas de polvo flotando y un disco de luz. El juego rítmico de todos estos elementos presenta la metáfora de un cuerpo a punto de fragmentarse y alude a un psicodrama privado del autor.

Guiado por la lectura de The Stones of Venice, de John Ruskin, Beavers explora en la última película de esta sesión las percepciones de los detalles arquitectónicos de Venecia, las particularidades concretas del agua, de las piedras y del clima de esa ciudad y de otros lugares que fueron también importantes para el escritor inglés: Londres y los Alpes. Las imágenes y sonidos de Ruskin están, así, tocadas por los estudios y descripciones del crítico del siglo XIX y piden ser ‘leídas’ teniendo en cuenta las distintas temporalidades existentes en ellas.

The Painting, 1972/1999, 13 min; Ruskin, 1975/1997, 45 min. Proyección en 35 mm.

Galería Marta Cervera (Calle Valencia 28, Madrid)

Hasta el 5 de febrero 2017

Cada uno se percibe y proyecta en relación a los otros de múltiples maneras. De esta premisa tan sencilla, parte la artista y cineasta Alex Reynolds. Desde hace años explora y manipula los códigos del lenguaje cinematográco, sirviéndose de distintos soportes (texto, fotografía, performance, teatro, vídeo). Esto le ha llevado a hacer películas sin cámara, jugar con la noción de “exteriores” e incluso invertirla o ensayar formas de narración alternativas al guión. Todas estas experiencias, ella las ha ido incorporando a su manera de filmar y configuran una obra en la que el sujeto y el objeto nunca ocupan una posición estable.

​Si ver implica la posibilidad de ser visto –cosa que nunca sucede en las salas de cine–, nuestra posición respecto al otro adquiere un peso diferente. En este contexto, ser espectador es un intercambio y también un aprendizaje, del que cada cuál deberá extraer su propia conclusión. Algunos veremos películas donde no las hay, otros declinarán la mirada o querrán contactar con la artista, para saber qué hubiera dicho ella en el punto 27 del cuestionario que forma parte de But They Are Not You (2011), obra que concibió para dos momentos y públicos distintos. En esta ocasión, Alex Reynolds jugó a suplantar el punto de vista de quienes se animaron a participar en la pieza, creando un personaje ficticio para cada uno. Visto desde un plano general, que es el que nos brinda el libro con el que se formalizó la pieza a posteriori, uno cae en lo dramáticas que se vuelven las diferencias en cuanto más nos acercamos al original. De pronto, un desplazamiento milimétrico puede resultarnos monstruoso. O desorientarnos. De hecho, ésta última sensación es la que nos genera Marta(2010-2016), variación de una pieza específicamente pensada para esta galería. Se trata de una pista de audio que da pie a situaciones ambiguas, ya que con su escucha el espectador se convierte en protagonista y cámara de una ficción que debe poner en imágenes. Para activarla, es preciso recoger los auriculares que están en el mostrador.

No menos inquietantes son los cambios de perspectiva que operan en De día (2015), película que la artista construyó con grabaciones e imágenes de su archivo personal. En la trama, que es muy frágil, se anuncia una persecución pero, en este caso, no hay un narrador claro o dominante. ¿A qué voz corresponde lo que estamos viendo o en nombre de quién hablan todos esos fragmentos? Por su factura y presentación se dirían recuerdos, momentos aislados que regresan a uno de manera recurrente. Quizá son retales de un episodio traumático o que echamos de menos, imágenes que no elegimos sino que nos eligen y hasta nos siguen. Pero a medida que se repiten, presenciamos algo insólito: se diría que esas imágenes se despojan de sus referentes y siguen adelante, asistidas únicamente por el ritmo, que es lo que las mantiene en vida, mientras nosotros, los espectadores, tratamos de darles un significado y hacerlas remitir a algo o alguien, quizás porque no aceptamos que sean inteligentes, ni mucho menos que nos sobrevivan.

Convivir con otros pasa por adaptarse a un lenguaje e interiorizar sus códigos, un juego que se plantea en Ver nieve (2016), su obra más reciente. En este caso, Alex Reynolds ensaya y medita acerca de la preparación de un guión para una futura película, sometiendo a varias pruebas a una serie de interlocutores, que al improvisar sus respuestas, le harán de co-guionistas. La lectura es aquí un elemento clave y su aprendizaje, lo que impulsa una narración aún en estado latente. Este proyecto obedece al deseo de la artista de delegar cada vez más algunas decisiones y en pensar su primer largometraje, del que se nos anticipa varias cosas, como una estructura exible, que aloja otros puntos de vista y aprende de ellos, pero siempre dentro de un marco y según unas determinadas reglas. No en vano, la hospitalidad es otro de sus conceptos recurrentes, como se ve en Bienvenida (2009), ese saludo incómodo que pide una devolución y condiciona nuestra recepción de las obras, poniéndonos alerta e incluso en contra de ellas.

En un mundo colapsado de imágenes, lleno de ruido y mediaciones, Alex Reynolds no sólo nos anima a pensar en nuestra propia posición como espectador, sino que nos empuja a defenderla. Di, ¿qué piensas tú de todo esto? Quizás no ves lo que yo veo. Quizás, tengamos que negociar otras maneras de comunicarnos. Aprender del sesgo. E ir a tientas. ¿Qué podemos perder?

​Andrea Valdés

Lloc: teatre El Centre de Gràcia, carrer de Ros de Olano, 9
Dia: dissabte 21 de gener de 2017
Hora: 20.30 h
Durada: 60 min

Participants: Oriol Nogués, Roberto Fratini -dramaturg i professor de Teoria de la Dansa a l’Institut del Teatre- i Mireia Sallarès (tutora del projecte).

Teatre d’amadors vol incidir en la capacitat ficcional de l’actor amateur i fer visible la consciència i la gestió del valor simbòlic del grup. És al teatre amateur on l’actor mai no desapareix darrere del personatge, sinó que el seu rol social continua present en escena, en un teatre en el qual els actors i el públic són sovint intercanviables i formen part d’un mateix grup social.

S’ha proposat al grup de teatre amateur El Centre, del barri de Gràcia de Barcelona, de tornar a treballar un text del seu repertori (La Rambla de les floristes, de Josep Maria de Sagarra) assumint l’absència d’un dels actors de l’obra, evitant la solució “productiva” –buscar un substitut de l’actor desaparegut– i prioritzant la via “afectiva”, per revelar el discurs i donar una visibilitat més gran als vincles entre els integrants.

El projecte busca donar testimoni de tot el procés –de treball, emocional i estètic– sorgit a partir d’aquest pacte ficcional. Durant els mesos d’octubre i novembre, s’escenificaran davant la càmera un seguit d’assajos i sessions de treball.

La pel•lícula resultant del procés es projectarà al públic a la seu del grup, el teatre d’El Centre. Més endavant es farà un col•loqui amb l’artista i amb persones vinculades al projecte, seguit de la presentació de la publicació corresponent.

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